Bellísimas, encantadoras en todas las épocas de la historia del arte, otorgaban a dioses y mortales la alegría,  la elocuencia y la sabiduría y tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad y el talento necesarios para ser un brillante artista. Sus nombres eran Aglaya, Eufrósine y Talía

Según diversas fuentes clásicas, las tres Gracias eran las diosas de la belleza, la sexualidad y la fertilidad, entendidos como fuerzas generadoras de vida.Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. actualmente serían:la afabilidad, la simpatía y la delicadeza. La representación más habitual era la de tres jóvenes de excepcional belleza que danzan al son de la flauta de Apolo, aunque en ocasiones pueden aparecer con faunos y sátiros, como contraste entre la belleza y la fealdad

Medallón griego 100 aC
tres_gracias_griego_100_adc

Las gracias no aparecían nunca de forma individual, siempre conformaban una tríada.

 

 

 

 

 

Medallón de cuenco romano, 200-260 d.C

medallon-cuenco-de-plata.romano-200-260-dCTanto en los relieves griegos como en los mosaicos, medallas  frescos romanos.  el conjunto escénico las manifiesta con las figuras de Aglaya y Talía de frente o en posición ligeramente lateral y la figura de Eufrósine de espaldas.

 

 

                                    “Tres Gracias” – Romana

tres-gracias-romana-s2

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“Las tres gracias” de Pompeya

mosaico romano

Un mosaico romano

Siena.Duomo.Piccolomini06

Biblioteca Piccolomini

Fueron fuente de inspiración para los artistas a lo largo toda  de la historia del arte.

En el Renacimiento, el grupo escultórico romano de las tres Gracias en la biblioteca Piccolomini del Duomo di Siena inspiró la mayoría de los temas.

Los artistas se “animan” a colocar  diversos atributos: cintas, velos, sombreros, collares   impensados en la antigüedad y cambian posiciones.


Es a partir del Renacimiento Alemán con tablas de Durero, Hans Baldung   Lucas Cranach cuando empieza a aparecer la figura de Eufrósine de frente al espectador entre Aglaya y Talía que aparecen bien de espaldas con su rostro mirando a las otras figuras o en posición lateral.

En Italia Botticelli realiza dos  una dentro de su célebre “Primavera”Como fuente iconográfica para la representación de las tres Gracias, parece recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.

Se observa claramente  el grupo de la izquierda del cuadro de la obra de Ghiberti

ghiberti

detalle

 

 

y Rafael Sanzio al parecer tuvo de modelo a las de la biblioteca de Siena y en la Villa Farnesina realizó un fresco en uno de sus salones para el cardenal.

 

 

Mientras que en el Barroco y Rococó …

Posiblemente la más difundida versión es la de Rubens.  Fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento -el 30 de mayo de 1640- pasando a decorar alguna de las salas del Alcázar de Madrid, hoy en el Prado. El hecho de estar pintado sobre tabla de rob indica la relación del maestro con la pintura flamenca antigua. Sus “Gracias” son robustas,  “entradas en carnes”  pero bellas como siempre un maestro en tonalidades y en composición de una obra. No realizó esta pintura por encargo, sino para su propio deleite ya que, además, en él plasmó a su joven segunda esposa en la diosa de la izquierda. Rubens, conocedor de los diferentes significados de las tres diosas, pinta este tema en al menos doce ocasiones, enmarcados en diferentes contextos.

Fragonard el preferido del  Rococó. Cuando Luis XV regaló el castillo de Louveciennes  a su nueva favorita Madame Du Barry,  esta, decidió renovar la decoración del viejo castillo: compró cuatro altos de puerta pintados por el  conocido Jean-Honoré Fragonard. Eran temas de la mitología greco-romana: “Las Tres Gracias”, ahora se exhibe en la Casa Museo de su autor, L’Amour embrasant l’Univers, ahora en el museo de Toulon, Vénus et l‘Amour  actualmente en museo de Dublín y La Nuit  ahora , parte de la colección particular de Edmond de Rothschild. Todos ellos bellísimos… y tan Fragonard.

 

Clasicismo en esculturas: Aristide Maillot, Antonio Frilli, Jean-Jacques Pradier, Johan Meissner, Wheeler Williams, Bertel Thorvaldsen, Canova  entre otros… Canova logra la máxima perfección que lo caracteriza.

De la obra de Canova existe dos versiones: la primera, encargada por Josefina de Beauharnais, esposa de Napoleón, se conserva en el Museo del Ermitage de San Petersburgo, está tallada en mármol veteado y tiene un pilar cuadrado detrás de la figura de la izquierda.

La segunda fue encargada por el sexto duque de Bedford e instalada en un pedestal (que puede ser girado) en un templo construido especialmente para la obra en su casa de campo, esta salió a la venta en 1994 y fue adquirida por dos instituciones británicas que la exponen alternativamente, el Victoria & Albert Museum de Londres y las Galerías Nacional de Escocia, Es la versión de Woburn Abbey ahora en Londres está tallada de mármol blanco y tiene un pilar redondo, y la figura central tiene una cintura ligeramente más amplia.

Y Algunos más como la acuarela de Canova,  el óleo de van Aalenst y la  C. van Loo, y en las muchas decoraciones de palacios y salas donde lucen espléndidas.

 

Picasso y Dalí no quisieron ser menos e hicieron sus versiones varias…


Las Cárites o “Gracias” dadoras del talento, siguen  y seguirán eternamente dotando a los artistas de la inspiración creadora a través de las nuevas expresiones del arte de nuestros días que  las inmortaliza envueltas como siempre en la magia de la mitología.

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