Zurbarán…»Pintor Español»

Ignacio Zuloaga  compró un cuadro de Zurbarán, para el era»su maestro » y  luego, en una carta a un amigo pintor como él  escribe refiriéndose a su nueva adquisición:

IMG_6286«Velázquez es cosmopolita, universal, pero Zurbarán, solo puede ser español». 

Tenía toda la razón…  Francisco de Zurbarán  español desde todo punto de vista.  Junto a Velázquez y Alonso Cano forma parte de la triada de pintores más importantes del Barroco Sevillano del primer tercio del siglo XVII.
Se destaca por su fuerza realista,  el sentido de la ordenación en la composición, la monumentalidad. Desarrolló un estilo personal, carente de la artificiosidad del Barroco. Creó atmósferas sencillas, un sentido íntimo de la luz, utilizando el fondo oscuro, tan propio de su pintura.

Olvidado durante más de cien años, fue a partir de mediados del siglo XIX cuando el Movimiento Romántico comenzó a reinterpretar y a redescubrir su pintura. Recién en el siglo XX , se realizó un estudio serio sobre su obra. Los cubistas  lo apreciaron  en gran medida, y en la actualidad se lo considera, junto a Velázquez o El Greco, una de las grandes personalidades del Arte Español de todos los tiempos.

Salvador Dalí dijo de él: «¡Atención!, Zurbarán nos parecerá un poco más moderno cada día, y será él quien epitomice el genio español incluso más decisivamente que el italianizado Greco«.

 

Francisco de Zurbarán

Fue un pintor del Siglo de Oro español. Nació en Fuente de Cantos, Badajoz, 7 de noviembre de 1598 – el año en que muere Felipe II, y muere en Madrid, 27 de agosto de 1664 un año antes de la muerte de Felipe IV.  Dos grandes reyes, ambos con grandes contribuciones a las Reales colecciones de arte españolas. Zurbarán, destacó en la pintura religiosa, por su gran fuerza visual y  su profundo misticismo. Fue el artista representativo de la Contrarreforma.

Influido en sus comienzos «los manieristas» también por Caravaggio a quién admiraba, su estilo fue evolucionando, se aleja del realismo de Velázquez y sus composiciones se caracterizan por un «modelado en claroscuro» pero con tonos más ácidos propios del manierismo. Maneja como el solo sabe hacerlo «los blancos» y «los negros» que en pintura… eso da mucho para hablar.

Sevilla es una ciudad rica a comienzos del seiscientos. Llena de conventos, parroquias, hospitales, una inmensa catedral  aún en construcción pero … abrumada por el peso de la Contrarreforma de Trento. Sevilla es la gran capital artística en el siglo XVII: llega la influencia de Caravaggio, de Durero, del grabado alemán y holandés, en el que se basa Zurbarán para muchos escenarios e iconografías. Sobre todo en ella, Velázquez. En Sevilla ambos pintores se conocen y, del resultado de esa amistad, Zurbarán va a Madrid para pintar el salón de Reinos, el gran salón de fiestas del Palacio del Buen Retiro. Le encargaron: Una batalla, «Defensa de Cádiz contra los ingleses»  y doce cuadros pero por motivo de espacio quedaron reducidos a diez   con «Los Trabajos de Hércules»que actualmente se encuentran en el Museo del Prado. Se dice que Felipe IV quedó fascinado… logró la exaltación del rey!!. Felipe IV decía de él que no era «solamente el Pintor del Rey, sino también Rey de pintores»

Johnatan Brown (la máxima autoridad mundial en el estudio de la vida y obra de Diego Velázquez) describe:«Mientras Velázquez vio el mundo de su época a través de un microscopio y lo representó en sus cuadros bajo ese aspecto, Zurbarán lo reprodujo como un espejo…»

 

 

Retrato de Inocencio X  – de Velázquez. Este  hace hablar a los ojos del Papa.

De San Bruno y el papa Urbano II– de Zurbarán (Detalle), son radicalmente distintos…

Zurbarán era hijo de un comerciante de telas, y él pintaba esas telas en cada cuadro: su peso, sus pliegues densos de la lana de los hábitos o el hilo grueso de los manteles, los remiendos de las arpilleras rígidas en los hábitos de sus San Franciscos. Se cuenta que tenía maniquíes de madera en los que probaba las ricas telas que luego trasladaría al lienzo.  Sus trajes se convirtieron en patrones de la moda del siglo XVII como la combinación de colores: la  seda verde y rosa de Santa Apolonia …una delicia, también los brocados de otras tantas  santas… moda con que la aristocracia sevillana  amaba retratarse un  » retrato a lo divino «. Todo belleza, encanto, placidez, siempre buscando la fantasía como lo veía en los teatros o las ideas que llegaban desde Venecia.

El maestro, entiende las «claves» postridentinas. Las instrucciones de Trento  a los artistas: «el lenguaje de la pintura debía ser claro y didáctico». Lejos de las complicaciones del «manierismo» que se iban del tema en si. Es un pintor contundente. Lo que la Contrarreforma pide.

Para entender su obra…

San Ambrosio. 1626-1627

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Es un buen ejemplo de lo que ocurre en la pintura de Zurbarán.  El Obispo de Milán, modelado por una luz que sale del negro por la izquierda para resaltar su capa en damascos rojos y oros, y una mitra claveteada en fieltro ocre y parte de su rostro,  elementos simples que están realmente confiriendo  fuerza al cuadro. Esto resulta novedoso si recordamos  que en el Greco, son los ojos, las manos y los remolinos de ángeles los que dirigían la expresión.

Aquí, no hay «agentes externos» es «el modelado puro». Trata a una figura humana como si fuera «una cosa» y a las cosas como si fueran figuras humanas.

La jerarquía académica tradicional se rompe. Dos siglos después lo harían Manet , Cézanne…modelado no expresiones del alma.

 

 

 

Zurbarán es el pintor que mejor ha comprendido a las ordenes monásticas…

masculinas, no para  las congregaciones femeninas, resultaba «muy fuerte». Él modela con la luz, sus monjes silenciosos salen del negro y resaltan en un blanco muy elaborado y único.

San Serapio- Este  santo mercedario cuelga de las sogas.

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De él conocemos su historia: el cuarto voto de los mercedarios es el martirio,  aceptar la tortura.  Zurbarán consigue aquí reflejar al fraile mercedario a punto de morir, con sus ojos cerrados y su boca entreabierta, el humilde mártir ha cumplido su misión terrenal.

El tormento.

Zurbarán tapa con ese hábito perfecto los despojos del martirio del santo. Le arrancaron los intestinos aun vivo. Pero sin rastros de violencia  como en  sus crucifijos …se separa de su admirado Caravaggio que amaba los momentos tortuosos y violentos donde  todo es locura la dramatización el escenario; los gestos, los brazos abiertos, expresiones exageradas,  las manos suspendidas o las levantadas, composiciones arriesgadas.

La sensibilidad de Zurbarán es distinta. Es mística, menos trágica. Por eso ha conectado tan bien con un tipo de arte del siglo XX que evita la excesiva gesticulación. Un tipo de arte que Bernard Berenson llamaba “inelocuente”, un arte deliberadamente silencioso, también De Chirico, Morandi y otros como  Zurbarán … llaman a la  quiedud.

sra caalina de alejandría

Santa Catalina de Alejandría -1640, de la  Colección Masaveu de Siero (Asturias). Una de las obras más hermosas de este artista, con una maestría en la ejecución de los paños.

Existen dos versiones más:

catalina de alejandría de Zurbarán

 

 

La del Museo de Bellas Artes de Bilbao

santa-catalina-zurbaran

Y en el Museo de Bellas Artes de Sevilla

 

 

La visión de San Pedro Nolasco -1628

Visión_de_San_Pedro_Nolasco

Del sevillano Convento de la Merced, ejemplifica a la perfección el lenguaje de este pintor, de una sencillez a la búsqueda de la realidad concreta de las cosas. Formas dibujadas, distintos tonos de blanco, contrastes entre sombras y luces, un marco muy sencillo que acoge la representación de un milagro protagonizado por el fundador de la orden.

Francisco_de_Zurbarán_ ChicagoSus Cristos

De 1627, «Cristo en la Cruz», obra que fue tan admirada por sus contemporáneos que el Consejo Municipal de Sevilla le propuso que se instalara en dicha ciudad en 1629.

La cabeza del ajusticiado cae sobre su hombro derecho con una logradísima expresión de abandono, de aceptación y serenidad.

 

 

«La Santa Faz»- El paño de la «Verónica»

1-santa-faz

Zurbarán realiza varios cuadros sobre este tema, representando el paño a la manera de los  «Maestros flamencos», sostenido por dos o tres alfileres. En este caso, el paño está anudado y tiene un solo alfiler en el centro arriba y abajo, llogrando pliegues y sombras que dan naturalidad a la imagen.

También se sentía atraído por las que llamaba “Naturalezas Inanimadas”… 

Los bodegones

«Bodegón con cacharros»

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Popularizó la temática «Naturaleza Muerta» como otro género pictórico más. Esta es una sencilla pero ejemplar composición: compuesto por tres cacharros de cerámica, una copa de metal y dos bandejas, también metálicas. De las tres piezas alfareras, dos blancas, del tipo de jarra alcarraza fabricado en los talleres trianeros sevillanos, y un búcaro de barro rojizo, cuyo diseño aún podía rastrearse en el siglo XX en Salvatierra de los Barros. Son objetos de la vajilla tradicional, la luz: la  protagonista. ​Se considera obra ejemplar entre los pocos bodegones conservados del maestro.

bodegón de Zurbarán

 

Sus bodegones son  de los más bellos del siglo XVII.

Perfectamente modelados  como lo haría después Cézanne.

 

Agnus Dei (Cordero de Dios)

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Museo del Prado de Madrid, España. Realizado entre 1635-1640- óleo sobre lienzo y mide 38 cm de alto por 62 cm de ancho. Su autor realizó seis versiones de este tema, con muy muy pocas variantes. Es una auténtica maravilla!. El contraste entre el fondo oscuro y el blanco natural del animal,  la luz ilumina la cabeza, el lomo y las patas, dejando otras partes en sombra. Supo conseguir un impacto máximo.

Sus «San Franciscos»

Francisco_de_Zurbarán_-_St._Francis_Contemplating_a_Skull

 

San Francisco de Asis-de pie contemplando una calavera. 1633-1635. Óleo sobre lienzo, 91,4 x 30,5 cm-San Luis, Saint Louis Art Museum- USA

El «poverello de Asís».  Santo «favorito» de la Contrarreforma postridentina. Fue el santo que más veces pintó a lo largo de su carrera  con distintas iconografías: arrodillado en oración, en el milagro de la Porciúncula, durante la estigmatización o muerto según la visión del papa Nicolás V. Del santo en meditación existen muchas versiones, sobre todo si se consideran también las que presentan intervención del taller. Desde el punto de vista cromático, los pardos y los tonos tostados y amarronados del hábito franciscano en esta obra destacan fuertemente iluminados. Es una obra perfecta!!!… parace una escultura!!! de un modelado increíble.

 

Sus famosos frailes

 

De los pliegues y oquedades de sus hábitos perfectamente blancos (Dominicanos y Cartujos y Mercedarios) en ellos se inspiraron los cubistas en el siglo XX.

Sus Santas

Crearon controversia siglos después.  Se trataba de una moda muy difundida:  Los «retratos a lo divino», es decir,  damas de la aristocracia sevillana, vestidas como tales pero con los atributos de alguna santa. Tiene una especial significación piadosa y busca un sutil efecto, no engaño, sino una forma de piedad religiosa muy loable en esas épocas. Se sabe que en algunas Procesiones sevillanas era una costumbre hacerlo llevando el atributo del martirio o milagro de alguna santa de su predilección, también se hacía algo parecido en festividades religiosas de Hispanoámerica.

 

«Las santas de Zurbarán»,  destacan sobre un fondo oscuro sin decorados, vestidas exquisitamente con o sin la palma del martirio, mostrando u ocultando el instrumento de su martirio o milagro.

El maestro da catedra sobre la dureza o la liviandad  de las telas, como también lo hacía el pintor flamenco, Roger Van der Weyden. Los pliegues angulosos que se forman, ejercieron una gran fascinación para los pintores cubistas que supieron apreciar en Zurbarán su capacidad para crear diferentes planos mediante el uso del color y dotar de volumen a sus figuras, que cobran así una extraordinaria monumentalidad.

Detalles…

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Según consta  en diversos documentos, El Concilio de Trento, aconsejó pintar sólo a siete santas, pero Zurbarán elevó esa cifra a veintitres.

La ensayista Florence Delay -escritora, actriz, traductora y guionista, además de miembro de la Academia francesa,  quedó deslumbrada por esta serie de retratos de Zurbarán en su visita al Museo de Bellas Artes de Sevilla, donde se conservan ocho de estos lienzos – bien  que pudo tener la impresión de hallarse ante un desfile de «alta costura» del siglo de Oro.

La moda de Alta Costura le rinde homenaje 

 

Cristóbal Balenciaga  por los años 60 se inspiró en la obra pictórica de Zurbarán para sus colecciones.  Balenciaga fue el mejor modisto español de todos los tiempos uno de los pilares fundamentales de la moda del siglo XX manifestado de esa manera  su admiración por el pintor extremeño.

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En julio del 2013…

Sevilla homenajeó al pintor con una muestra- desfile moda  en homenaje a su famosa serie  de «santas» de Zurbarán. Un diseño traído expresamente del Museo Balenciaga de Getaria- País Vasco, fue exhibido.  La crónica nos dice: «Se dieron cita 42 diseñadores de distintos paises como Venezuela, Francia, Filipinas y España. Estuvo amenizando por música polifónica  a cargo de la Escolanía de los Palacios y música instrumental por integrantes de la Sinfónica de Sevilla. Se pudieron ver diseños vanguardistas desde trajes adornados con flores o materiales naturales a otros más clásicos muy parecidos a la Colección de las Santas de Zurbarán. Los tejidos que predominaron fueron: raso, gasa y terciopelo. Un desfile espectacular y nunca visto en Sevilla hizo que el publico presente  entusiasmado aplaudiese de pie».

Posiblemente la Historia de la Moda Española tenga que reconocer a Zurbarán como un Creativo Diseñador de la moda. Muestra  a la mujer española bellísima, elegante y finamente ataviada. El tratamiento que hace de las telas es impresionante,  la caída, su textura y combinación de colores lo hacen genial  que lo distingue  entre todos los maestros de su tiempo.

Sus Inmaculadas

Un año después de la invitación del Cabildo para ir a vivir a Sevilla, Alonso Cano, en nombre del Gremio de Pintores, exige a Zurbarán que se someta a un examen conforme a la ley. La polémica dió que hablar, pero las autoridades lo apoyaron encargándole una «Inmaculada». Zurbarán pinta para la Catedral el Retablo de san Pedro y la maravillosa «Inmaculada de Jadraque», una composición muy equilibrada.

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Siempre que  pintó a Maria Virgen, la hizo como una jovencita sencilla, de encan­tador aspecto.

Era su tema preferido: «La inmaculada» y la de Jadraque da comienzo de la larga serie de «Inmaculadas»  que hoy se encuentran repartidas por museos del mundo.

Aquí sostenida por  angelitos en forzados escorzos, sobre una media luna, flotando entre nubes, sobre un paisaje ideal, donde se observa  La Giralda de Sevilla. Entre las nubes,  aparecen diversos símbolos Marianos del Cantar de los Cantares. Sus manos juntas, la cabeza levemente inclinada. Quizás lo mejor del cuadro como en la mayoría de sus obras: la túnica y el manto.

La Virgen Niña

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Apreciamos el retrato de su pequeña hija María Manuela, que le sirvió de modelo. Esta pintura pertenece a su última etapa y es la culminación de toda una vida profesional dedicada a destacar la figura de la Virgen María.

 

 

Zurbarán: Un grande entre los grandes del Siglo de Oro español

Palabras del escritor  holandes Cees Nooteboom,  «es el pintor de lo indescriptible. su pintura parece surgir como un enigma y quizá, como reconoce el ensayista… no es posible acercarse más a un enigma».

Zurbarán será siempre el Pintor Español por excelencia, el   de los bellos blancos atenuados y de los perfectos pliegues. El de la aspereza de la piel de los membrillos y la suavidad de la loza, del peso de las casullas y la liviandad de las sedas de la austeridad de su tierra extremeña, de los volúmenes firmes, de las cosas quietas, del  silencio… Zurbarán, despierta en nosotros la misma sensación que nos producen los primeros bodegones de Cézanne,  los de Juan Gris y Morandi.

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Autorretrato

San Lucas  (Detalle)como pintor ante Cristo en la cruz.
Lienzo de 105 x 84 cm. Museo del Prado. Madrid. España.
Zurbarán emplea la figura de San Lucas, patrón de los pintores.

 

 

…por último la firma del maestro.

FIRMA DE ZURBARÁN-

 

 

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