Detalles del «Maestro» Giotto

entry into jerusalem

«El Maestro»

En la Capilla de la Arena de Padua o de los Scrovegni, están los frescos del celebérrimo Giotto  di Bondone dedicados a  María y a la vida de Cristo. Perteneció a la generación del trecento gozando de un éxito meritorio en vida,  por porque él era extraordinario!!!

Sumamente sencillo, ni siquiera permitía que le llamaran «maestro», su humildad era tal  que aumentaba el brillo de su talento, investigó y trabajó incansablemente siempre y durante toda su larga vida. Tenía el don de la interpretación en el lenguaje pictórico, era verdaderamente:  un «dotado».

De temperamento afable, según Vasari: de carácter bonachón y bromista. Gran innovador,  considerado en la Historia del Arte «el detonante» del Renacimiento y por muchos llamado «Padre». Su personal estilo se caracteriza por la frescura de vida, provocando  asombro, por la emoción que emanan  sus trabajos, novedad absoluta para los años que corrían. Utiliza recursos únicos, mediante los cuales confiere una caracterización psicológica a cada uno de los personajes de un cuadro: fuerza, dramatismo, teatralidad. Hace desfilar: rostros y cabezas articuladas rompiendo con la representación frontal de las imágenes.  

Sus obras fueron el punto de inflexión entre el arte bizantino de la Baja Edad Media y el realista y humanista que floreció en el Renacimiento.

Logra una verdadera conquista en la preocupación por el espacio y en su intención por conseguir una representación pictórica como si fuera una ventana abierta a la realidad. Sus obras se muestran en un entorno «creíble». Sus escenas se destacan por la tridimensionalidad generalmente con  paisajes o monumentos por todos reconocidos. Vuelve a introducir la «sensación espacial» que se había abandonado con el arte bizantino de un modo absolutamente intuitivo combinando diferentes puntos de vista, anticipa la perspectiva cónica de Renacimiento.

Poseía un dominio sin igual del dibujo,  vemos figuras de espaldas,, con difíciles escorzos recién logrados siglos después. Busca el modelado creando un preciado volumen  mediante el claroscuro, es decir: manejo de la luz introduciendo sombras para destacar y graduaciones tonales. Con esto adoptó el lenguaje visual de la escultura al darles volumen y peso. Crea varios planos de atención  para destacar  la acción principal. que por cierto beneficia a los personajes secundarios. Las figuras de Giotto son profundamente humanas, naturales no están  idealizadas para nada y bien afirmadas sobre el suelo, logrando una belleza sin igual.

Insólito…

En su  «Lamentación sobre Cristo muerto» fue mucho más allá.

Vemos que trabajó: sobre una diagonal, propio de la composición barroca;  los brazos abiertos de san Juan y los de una de las mujeres de pie, lo desarrolló Caravaggio con su tenebrismo casi tres siglos después. Las expresiones todas diferente de cada uno de los ángeles dentro de un paisaje árido que acentúa el dramatismo, miradas que convergen en el rostro de Cristo muerto, lo dicen todo.

Fue el gran iniciador del espacio tridimensional en la pintura europea, tratando con un nuevo espíritu los temas religiosos que dominaron el arte medieval. Giotto carecía de los conocimientos técnicos de anatomía y teoría de la perspectiva  igual que los demás artistas de su tiempo.

Desaparece la antigua «Jerarquía» que existía en el arte bizantino. Crea  ilusionismo. Involucra al espectador  introduciendolo en la obra.

Sus contemporáneos consideraban sus pinturas como «milagros del naturalismo».

Creador de  impresionantes imágenes: personas en crisis, donde se percibe claramente que están tomando gravísimas decisiones. Sus personajes están «vivos»: gesticulan, lloran, gritan… logra sus escenas con» total movimiento».

Los pintores que le siguieron  utilizaron las obras del artista florentino como fuente de inspiración porque en éllas encontraron la íntima  esencia del espíritu humano.

En la Divina Comedia, Dante, afirma que Giotto fue superior a su maestro Cimabue. Boccaccio, le retrata en el Decamerón y en el año 1400 Cennino Cennini escribió que «Giotto tradujo el arte de la pintura del griego al latín»

 

La capilla

Scrovegni

Es pequeña y sencilla por fuera… fue encargado por Enrico Scrovegni y está dedicada a Santa María de la Caridad.

Enrico era un hombre piadoso que trató de purgar la avaricia de su padre con este pequeño templo que a la vez serviría como capilla funeraria para su familia. Las obras comenzaron en 1303 y terminó probablemente sus trabajos hacia el año 1305 o, según otros autores, en 1306. La capilla estaba conectada por uno de sus laterales con el palacio de la familia, hoy  desaparecido lamentablemente. El edificio está construido en ladrillo a la vista y piedra blanca.

1Enrico-scrovegni-ofrece-la-capilla

 

El acceso se realiza a través de una amplia arcada de medio punto construida en piedra y da paso al interior  que poco tiene que ver con la simplicidades externas.

Enrico Scrovegni entregando a María su Capilla- ( Detalle -Juicio Final)

Es !!!Im-pre-sio-nan-te!!!

gettyimages-470549206_789e1dcc

Los frescos cubren por entero la única nave de la capilla convirtiénda de esa manera en «una Joya del arte universal»:  Son los más afamados conjuntos murales de toda la historia del arte.

Están dispuestos en tres bandas horizontales superpuestas. Cada una de las bandas está compuesta por seis recuadros sucesivos, lo que hace un total de 36 cuadros.

La iconografía de los frescos tiene su origen no sólo en el Nuevo Testamento, sino también en tradiciones apócrifas procedentes de La leyenda dorada, de Jacobo de la Vorágine, acerca de la Virgen María y de sus padres, San Joaquín y Santa Ana y del evangelio apócrifo conocido como Protoevangelio de Santiago.

El orden narrativo es de izquierda a derecha y de arriba abajo.

La pared occidental, los pies del templo por donde se entra, está cubierta con un grandioso Juicio Final, en el que, según los críticos, Giotto cedió parte del trabajo a sus aprendices.

En el arco, donde está el altar, muestra una «Anunciación» y tres filas de pinturas que representan escenas de la vida de la Virgen, sus padres  y de la vida de Cristo.

Detalles…imposible quedar ajeno a estos frescos.

Caricias, besos, miradas y gestos, expresiones propias del hombre. Amor y dolor… pero con que intensidad!!   El «maestro» ponía en sus obras la esencia de la vida cotidiana. Gente sencilla con expresiones y actitudes propias, todo aquello que mueve nuestra existencia.

Quizás ahora, sus frescos  no nos sorprenden para nada, pero en el trecento era  algo inverosímil, había que tener gran audacia para realizarlo en un templo.

Pintó  una dulce burrita  llevando a Jesús  con su pequeña cría que la sigue entre los apóstoles, la gente lo aclama, pone mantos en el suelo para que pise !!! triunfante entrada !!!  curiosos trepados a los árboles para poder verle y gritar !Hosanna!  era incríble… !Hacía vivir la fiesta del Domingo de Ramos!

Camellos???  Si, camellos los pintó en su Adoración de los Magos para indicar que estos venían de oriente. Nadie los conocía  por esas latitudes (tampoco el… y se nota)…  Sobre un modesto pesebre, puso al Cometa que el vió  en 1302. Siglos después se llamaría Halley,  para indicar que era una gran estrella, la más grande y única  la que guió a los magos.  Puso una sombra negra como diablo al lado de Judas Iscariote  cuando urdía la traición… El beso de Judas  a Jesús, indicándoles su prendimiento. Rostros de dolor de las madres en la Matanza de los Inocentes...ángeles agitadísimos razgan sus vestiduras, pues  no pueden creer  lo que está pasando. La mirada de María  y su pequeño hijito Jesús no tiene precio!!!!

En su obra  vemos al hombre representado en todo su ser, con sus miserias y alegrías. 

Bajo estas maravillosas escenas pintadas con la técnica del fresco pueden verse alegorías,  que personifican las Virtudes y los Vicios, diferentes, en monocromía, simulando ser esculturas. Son 14: Vicios y Virtudes.

Las Virtudes se encuentran en el lado derecho: Prudencia, Fortaleza, templanza, Justicia, Fe, Misericordia  o Caridad y Esperanza.

virtudes

Los Vicios se corresponden con la parte izquierda de la pintura del Juicio Final, donde se representa a los pecadores condenados al infierno: Desesperación, la envidia, la infidelidad, la injusticia, la ira, la incostancia y la estupidez.

pintura-italo-gotica-giotto-un-artista-innova-L-trppCh

Están  dentro de marcos, gracias a los cuales parecen talladas en mármol,  acompañada de la inscripción latina correspondiente. Tal técnica fue utilizada por primera vez en la historia de la pintura por Giotto. Más tarde se llamó “Grisile”.

El mensaje…

Bien claro y contundente: los Vicios conducen al infierno, y las Virtudes llevan a la salvación.

El concepto del arte del «Maestro» Giotto es  grandioso,  potente con  un sentido tridimensional y una presencia completamente desconocidas en la época en que fueron realizadas, evidenciando la capacidad del artista para retratar sentimientos de gran efecto moral, mucho más eficaces que el esplendor religioso o divino.

ramos

 

Deja una respuesta

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Salir /  Cambiar )

Google photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google. Salir /  Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Salir /  Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Salir /  Cambiar )

Conectando a %s