Pantagruélicas épocas !!!…Bodegones

 

adrien

Adriaen van Utrech

Despiertan un apetito atroz… pero bueno, ya lo decía don Juan Ruiz de Alarcón:

Quien come

Y si… en el  idioma español

Se usa el término bodegón, para plasmar escenas de cocinas o “bodegas”. Se registra como “pintura de bodegón” en 1599 y esto lo dice el pintor de las Corte Española Pantoja de la Cruz retratista  de toda la familia real española. Para entonces ya era una palabra popular, y en el Diccionario de Covarrubias de 1611 aparecen los términos “bodegón” y “bodegonero” en relación tanto a la “bodega” (tienda de vinos) o como  “despensa” doméstica.
En francés se utiliza el término Nature morte (naturaleza muerta o sin vida) al igual que en catalán natura morta), que sustituyó al término anterior Vie coite (vida tranquila). En inglés se usa; Still Life y en alemán: Stilleben con un sentido algo diferente al anterior, “naturaleza inmóvil” o “inmovilizada”.

Los bodegones o Naturaleza muerta siempre fueron… para mi gusto: placenteros, alegres, perfectos!!! Pero no siempre fue así.  Era considerado un género “bajo” en la jerarquía de los géneros, las obras eran «menospreciadas», consideradas “insignificantes” e incluso “desacreditadoras” por lo tanto mal remuneradas.

Los artistas

Ponía todo su empeño en lograr un perfecto dibujo, color, forma, composición…  agregaban «al pasar» el «status  social» demostraban opulencia o frugalidad en fin eran el espejo de la época …tampoco hacía falta pintar demasiado para decir mucho…ponian en ellos mensajes en detalles ocultos en simbolismos fueron: !! toda una revelación!

La temprana ciencia de los remedios a base de hierbas comenzó en esta época. Empezaron a coleccionarse y comercializarse conchas, insectos, frutas exóticas y flores. La llegada de plantas nuevas, como el tulipán (importado a Europa desde Turquía), se plasmaban fielmente en los bodegones también lo que venía del Nuevo Mundo. La explosión de la horticultura despertó amplio interés en toda Europa. Algunas regiones y cortes tenían intereses particulares. Los holandeses cambiaron el color de las zanahorias antes rojas, blancas o amarillas por las zanahorias de color naranja  para rendir homenaje a la «Casa de Orange-Nassau.».  En Italia, la representación de cítricos, por ejemplo, era una verdadera pasión de los Médicis de Florencia.

Con el gran pintor llamado «tenebrista»,  Caravaggio y su espectacular  «Cesto de frutas» 1595- da comienzo a este género que está englobado en el estilo Barroco haciendo que este cuadro  sea el ejemplo de bodegón puro.

Canestra_di_frutta_(Caravaggio) A partir de entonces  Comienza a ser un género algo más popular. Su éxito se debe a los coleccionistas privados que demandaban pinturas profanas, si bien el «Cesto» tiene connotaciones morales y religiosas como la fugacidad de la vida, el pecado,  la corrupción  además de estar magistralmente compuesto y con  colorido ejemplar .

 

Sánchez Cotán (1560-1627) – Toledano

Un pintor religioso de escasos méritos, sin embargo, poseyó unas extraordinarias dotes en este género.  La clientela de Toledo mostró por los bodegones flamencos verdadera admiración, esto impulsó a los artistas toledanos de finales de la centuria del s. XVI a realizar estos temas.  Sanchez Cotán realiza cuadros, apaisados, con pocos elementos, frutas, hortalizas y aves, sobre el alféizar de una ventana, tratados con preciso dibujo y denso modelado,  intensa luminosidad les destaca sobre un oscuro fondo, acentuando su realismo y plasticidad. Pinta humildemente con un sentido devocional,  busca en ellos la acción creadora de Dios… a los 43 años decidió cambiar el rumbo de su vida  abandona Toledo para convertirse en monje cartujo. En septiembre de 1604 fue nombrado hermano lego del Real Monasterio de Nuestra Señora de la Asunción de la Cartuja en Granada. Y en esta ciudad moriría en 1627.

Pintan las damas

Aunque la pintura de bodegón italiana iba ganando en popularidad, permaneció menos respetada que la pintura de «gran estilo» los temas históricos, religiosos y míticos. Destacados académicos italianos de principios del siglo XVII,  encontraron amplio mecenazgo en su tiempo, estos propietarios de pinturas fueron personas de un alto nivel intelectual colocándolas en sus bibliotecas… no en los comedor es como era de imaginar.  Se abrieron paso las pintoras, pocas, normalmente elegían o se «veían obligadas» a pintar estos temas, dos ejemplos: Giovanna Garzoni, Fede Galizia.

Las pinturas de bodegones de aquellos años estaban repletas de flores y frutos, ya que los artistas escondían de este modo sus «sentimientos secretos» o enviaban mensajes a sus contrincantes… y amantes. Así también demostraban sus preferencias políticas, creencias etc.

 Cerezas claveles  y mariposas

Desde el Renacimiento, la cereza fue la fruta que simboliza el amor, la prosperidad  y el clavel, como vemos en esta obra de Giovanna Garzoni, la flor predilecta para escenas de compromiso y matrimonio. Nada ha cambiado desde entonces y el clavel sigue siendo el regalo perfecto para demostrar amor con flores. El clavel blanco, la inocencia el amor puro, mientras que el clavel rosado, símbolo de gratitud  con una persona, por algún favor recibido. Fede Galizia  puso junto a sus cerezas una mariposa, estas son símbolo universal de transformación y evolución en la vida. Es considerada un buen augurio, una nueva oportunidad…  un nuevo comienzo.

Las mariposas en la Teoría del caos,  estudiada en diferentes ramas de las ciencias, para explicar la sensibilidad a las variaciones que poseen los sistemas dinámicos. En este contexto se utiliza el concepto “efecto mariposa” que proviene de la frase popular «el aleteo de las alas de una mariposa pueden provocar un Tsunami al otro lado del mundo».

Último tercio del s. XIX

En época de Manet  los «Bodegones ya era un género reconocido y muy valorado. El artista, aplicó su particular forma de interpretar el naturalismo a esta obra.

«Manojo de espárragos» -1880

Una anécdota …

ESPARRAGOS

Manet vende al coleccionista Charles Ephrussi su cuadro»Manojo de espárragos» por 800 francos. Pero Ephrussi le envía 1000 francos, y Manet, que no ve adecuado darle  vuelto, decide pintar un espárrago más y se lo remite con una nota: “Le faltaba uno a su manojo”.

manet-1aspergePara el «manojo», se basó en los bodegones barrocos holandeses. Pero en el caso del espárrago solitario, Manet decide situarlo en una composición novedosa: descentrado y desde un punto de vista inusual. La mesa de mármol lo llena todo.. arriba a la derecha, la firma del artista en negro, porque a diferencia de los impresionistas  que sus sombras y firmas eran de color  violeta, Manet usaba el negro y nunca lo abandonó.

Paul Cézanne -1899 – Bodegón con naranjas y manzanas

Cezanne 1899

Cézanne es el gran perfeccionista, cada obra es trabajada concienciudamente.

Aquí  el tapiz de la pared, establece una composición bidimensional que el artista rompe con el mantel blanco de grandes pliegues para dar profundidad a la escena.  Apreciamos la simplificación de formas llevada hasta el extremo con las naranjas que están sobre el frutero, éstas son solo formas redondeadas que reconocemos gracias al color y no a la forma.

Siglo XX

Giorgio_Morandi- 1947

Giorgio Morandi –  de Bolonia- Italia -1947

Utensilios de la vida diaria: vasos, botellas, etc. colocados sobre una mesa, se convertían en los  protagonistas de sus cuadros. Seguía así a su admirado Cézanne: la elección de los bodegones sencillos como medio de expresión de su pintura.
En 1960 el director Federico Fellini rendiría tributo a Morandi en su largometraje La Dolce Vita, donde aparecían algunas de sus pinturas.

Giorgio Morandi fallecería en 1964 en su ciudad natal. En el año 2001 el Museo Morandi abriría sus puertas en una sección del Palazzo d’Accursio, sede del gobierno local de Bolonia.

1937 - calle

M. C, EscherBodegón y calle (1937)

El artista holandés Maurits Cornelis Escher, 1898-1972 más conocido por sus increíbles y detalladas obras gráficas, creó Bodegón y calle (1937), su versión actualizada de la tradicional naturaleza muerta de mesa holandesa.

Como artista, M. C. Escher resulta difícil de clasificar. Hay múltiples interpretaciones de sus obras, pero la realidad es que Escher plasmaba lo que le gustaba. No basaba su trabajo en los sentimientos, como otros artistas, sino simplemente situaciones o soluciones a problemas, juegos visuales, «momentos locos». Visiones que que pasaban por su imaginación espectacular y  creía merecedora de ser plasmada en sus cuadros.

Actualmente su trabajo en un Museo con su nombre de la ciudad de La Haya- Holanda.  Su obra se ha plasmado en posters, puzzles, camisetas, corbatas, portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos. Una mente fantástica que todos quisieramos tener.

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