El arte de «Dirigir»…

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Tactus

En la Grecia clásica, el corifeo marcaba el ritmo golpeando el suelo con sus zapatos, en época romana, a los zapatos se los revestía con suelas de plomo o acero, scabellum al celebrarse las representaciones al aire libre y en escenarios de vastas dimensiones y por Quintiliano, sabemos que a quienes dirigían dando palmadas se les conocía como manuductorii.

Según explica el musicólogo alemán, Georg Schünemann en Geschichte des Dirigierens, en la música de los vedas, los cuatro textos más antiguos de la literatura indú- “el primer cantor indicaba la nota golpeando con el dedo índice de la mano izquierda sobre la articulación correspondiente de la mano derecha, de tal manera que los cantores debían concentrarse en tal método para ayudar a su memoria. Incluso llegó a desarrollarse un arte para dirigir los cantos basado en signos quironomianos que se conservó hasta muy entrada la Edad Media”.

En plena Edad Media, el ya referido método de la quironomía fue el punto de partida de la dirección del canto gregoriano y de la polifonía gótica, aquí, apareció otro método consistente en mover la mano de arriba a abajo: el tactus

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Pero se dividieron las opiniones

El compás o «tactus» señalando la primera parte hacia abajo y la segunda hacia arriba y Luis Millán y Tomás de Santa María indicaban que debía realizarse justamente al revés.

Los avances y los métodos

En el siglo XV, el extraordinario desarrollo de la música coral exigía, en determinadas situaciones, la presencia de varios coros que actuaban simultáneamente y acompañados por instrumentos.

Unos preferían dirigir con la mano, mientras que otros elegían un pañuelo que iba sujeto a un bastón.

Con la música instrumental… el director no podía ya valerse de las manos al ser un ejecutante empezó a marcar el compás golpeando con el pie.

Ludovico Grossi da Viadana, en 1612, sugería en su obra Salmos para cuatro coros para cantar y tocar con el bajo continuo, que el director se colocara frente al primer coro, al cual dirigía al mismo tiempo que ejecutaba el bajo continuo. Para ordenar la entrada de los otros tres coros señalaba la entrada levantando las dos manos.

Michel Praetorius – en su Syntagma Musicum, que cada coro ha de ser dirigido por un director.

Con la llegada de la ópera en torno a 1600 ayudó a concretar la instrumentación y crear una dependencia cada vez mayor de un gran número de instrumentos de cuerda, para aportar cuerpo y equilibrio los viento y percusión.

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Fue Claudio Monteverdi 1567-1643 en su Orfeo, alrededor de 1607, que dio  un vuelco a la constitución de una orquesta al elegir concienzudamente los instrumentos y su disposición. «2 violines pequeños a la manera francesa», «10 viole da brazzo» , «3 gambas bajo» y «2 violas
contrabajo». Corelli, J. S. Bach y Rameau  contribuyeron enormemente en este aspecto.

El cuestionado golpeteo con el bastón o el» pie » empieza a declinar con el accidente de Jean-Baptiste Lully – ligado a la figura y reinado de Luis XIV, mientras dirigía en la iglesia de los Feuillants un Te Deum para celebrar la convalecencia del rey, golpeó violentamente la punta de su pie con el bastón que utilizaba para marcar el compás que derivó en gangrena, de la cual murió días después.

 En las Confesiones de Rousseau -1712-1778- contemporáneo de este periodo de la música y estudioso de ella, ejemplifica perfectamente este carácter en la organización de las primeras orquestas de cámaras:

“Desde aquel momento me dediqué con tal ardor a organizarlo [un concierto], que ni de día ni de noche me ocupaba de otra cosa; y realmente me ocupaba, y mucho para reunir las piezas, los concertantes, los instrumentos, sacar las partes, etc. Mamá cantaba, el padre Catón también cantaba; un maestro de baile, llamado Roche, y su hijo, tocaban el violín; Canavas, músico piamontés, empleado en el catastro, y que después se ha casado en París, tocaba el violoncelo; el abate Palais acompañaba con el clave; yo tenía el honor de dirigir las piezas, sin olvidar el bastón del leñador”.

También Rousseau, en un alarde de ironía comentó:

“La Ópera de París es el único escenario de Europa donde se marca el compás sin seguirlo; en todos los demás sitios se sigue sin marcarlo…”

Y Mattheson afirmaba:“los directores que se valían de esa forma demostraban tener más inteligencia en los pies que en la cabeza”.

Aunque la orquesta nace como tal en el «Barroco» es en el «Clasicismo» cuando se establece la instrumentación y la forma con la que la conocemos actualmente, si bien habrá que esperar hasta finales del siglo XIX para la llegada del perfeccionamiento técnico de los instrumentos.

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Pero aún persisten las controversias para marcar el compás…

En Italia: Zaccaria Tevo propuso marcar las dos primeras partes del compás hacia abajo y la tercera y cuarta hacia arriba, estilo que hoy en día nos parecería muy confuso pero que gozó de amplia popularidad en su momento.

En Francia se anunciaba el sistema actual marcando la primera parte hacia abajo y la última hacia arriba, quedando las dos intermedias a izquierda y derecha.

Henri-Louis Choquet, en su obra: Méthode pour apprendere facilment la Musique soi-même.

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Representación de La Pasión según san Mateo de Bach-C. Monaux -Acuarela.

Dos métodos para dirigir la orquesta:

El primero y descrito por Carl Philippe Emanuel Bach, consistía en que el Kapellmeister se sentaba en el centro de todos los instrumentistas ante un instrumento de tecla, órgano o clave. Al mismo tiempo que llevaba las funciones del bajo continuo señalaba el tempo, indicaba las entradas a los solistas y tocaba partes en las que otros fallaban o titubeaban.

El otro método, descrito por Johann Joachim Quantz y en el mismo adquiría un mayor protagonismo el violín concertino.

Haydn, que dirigía al mismo tiempo que tocaba el violín durante su estancia en Esterhaza, dirigió sus últimas sinfonías en Londres sentado frente al clave onda barroco.

Mozart y Haydn cambiarían la estructura de la orquesta y añadirían más instrumentos. La orquesta clásica se la conoce hoy como Orquesta Mozartiana, conformada por alrededor de 35 miembros.

A principios del siglo XIX fue ganando terreno el violinista director debido a que ya había abandonado el bajo continuo y por lo tanto ya no era necesaria la presencia de un Kapellmeister para realizarlo.

El violín concertino fue paulatinamente dejando de tocar y se servía del arco, a modo de futura batuta, para marcar los compases.

Fue Beethoven quien marcó un formidable cambio. Con él la orquesta alcanza su primer espectacular aumento llega, a su tercera sinfonía con 60 músicos y ni hablar de la novena con el agregado de un imponente coro y solistas. Escrita de 1822 a 1824 y ejecutada por primera vez el 7 de mayo de 1824.

La obra está dedicada al Rey de Prusia Federico-Guillermo III.

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Teatro de la Corte Imperial donde fue estrenada la 9° sinfonía, de glorioso Beethoven en el cartel anunciante de tan histórico acontecimiento se podía leer:

“La dirección de la orquesta está confiada al señor Schuppanzigh mientras que el conjunto será dirigido por el Kapellmeister Umlauf. La Sociedad de Música ha tenido la gentileza de reforzar el conjunto vocal e instrumental y el señor Ludwig van Beethoven tomará también parte en la dirección del concierto”.

O sea, que Schuppanzigh, como violín concertino, la ejecución de su grupo… Umlauf dirigía y a su lado Beethoven para indicar el tempo.

Director y el Compositor siguieron unidos en la misma persona por mucho…mucho tiempo…

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La orquesta de la Ópera del pintor francés Edgar Degas.

Directores y directoras

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Algunos directores de gran prestigio, como Habeneck, violinista y compositor francés primer director especialista en las sinfonías de Beethoven. Usaba la técnica del» Concertino».

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Michael Costa fue un compositor y director ítalo-inglés uno de los primeros directores ingleses de renombre durante la segunda mitad del siglo XIX.

Rossini comenta:
“Este buen Costa me ha enviado la partitura de un oratorio y un queso de Stilton. El queso era buenísimo…”– Por el contrario, hay una serie de nombres que hoy sólo recordamos como compositores pero que realizaron una extraordinaria labor en el terreno de la dirección orquestal: Spohr, Von Weber y Spontini ofrecieron grandes aportaciones. Schumann, por el contrario, nunca destacó como director y se decía que sufría tal embrujo al dirigir su propia música que se transportaba espiritualmente a otra dimensión y, obviamente, se olvidaba de la más mundana misión de dirigir. Una visión del todo romántica. Mendelssohn, al contrario, alcanzó una extraordinaria reputación y era partidario acérrimo de los tempi animados “para que los músicos estén bien atentos y no se duerman”.


Héctor Berlioz 1803-1869, que especificó sesenta violines para su obra Symphonie Fantastique 1830. Felix Mendelssohn 1809- 1847 pianista-compositor y director, rescató del olvido nada menos que las obras de J.S.Bach. y experimentó con la orquesta increíbles sonoridades tímbricas.

Tuba Wagneriana

Wagner 1813-1883 exigía orquestas enormes, incorporó instrumentos, como tubas wagnerianas. Bruckner que era organista, para él, la orquesta para él debía sonar como su amado instrumento.

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Hans Guido Freiherr von Bülow 1830-1894 Muy cuestionado director… pero extraordinario. Apoyó la música de Wagner y un entusiasta promotor de Brahms y Chaikovski fue el quien estrenó el concierto n°1 de este último. En la ciudad Meiningen– Alemania, logró que la orquesta fuera una de las mejores del país, dirigía de memoria… sin partitura.

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Louis Spohr-1784 -1859 compositor, violinista y director de orquesta alemán. Famoso en su tiempo igual a Haydn, Mozart, y Beethoven. Su popularidad decayó a finales del siglo XIX,

Otros grandes compositores, ya entrado el siglo XX como Gustav Mahler 1860-1911, Richard Strauss 1864-1949, Claude Debussy 1862-1918, Maurice Ravel 1875-1937, con quienes la planta de la orquesta siguió creciendo y modificándose.

Las damas

La estadounidense Caroline Nichols, nacida en 1864, a los veinticuatro años dirigió una orquesta, exclusivamente femenina y fundado por ella misma, la Fadette Ladies’ Orchestra de Boston.

La holandesa Elisabeth Kuyper fundó una orquesta de mujeres en Berlín, en 1910, repitiendo el emprendimiento en Londres y Nueva York.

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Antonia Brico en Holanda, toda una pionera.

La belga Frédérique Petrides la Orchestrette Clasique en 1933. La Orchestre Féminin de París fue creada cuatro años después por otra innovadora: Jane Evrard.

Veronica Borisovna Dudarova-1916-2009- se convirtió en directora de la Orquesta Sinfónica del Estado de Moscú en 1947 dirigió durante sesenta años. En 1991, fundó la Orquesta Sinfónica de Rusia.

Las actuales  Marin Alsop está a cargo de la Orquesta Sinfónica de Baltimore y de la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo. Romely Pfund, de Dresde, dirige la orquesta en el Teatro Estatal de Mecklenburgo; Catherine Rückwardt, de Los Angeles, asumió la dirección musical del Teatro Estatal de Maguncia en 2006. la australiana Simone Young es la directora de la Ópera de Hamburgo, y la estadounidense Karen Kamensek . Anu Tali, directora de Orquesta Estonia.

La mexicana Alondra de la Parra, hoy directora musical de la Orquesta Sinfónica de Queensland.

Shi-Yeon Sung sur-koreana directora asociada en la Orquesta Sinfónica de Seúl y directora asistente en la Orquesta de Boston. Ha sido la primera mujer directora en ganar el concurso Georg Solti de dirección de orquesta. Han-Na Chang -cellista y actualmente directora de la Orquesta de Noruega. Una larga lista de mujeres directoras excelentes que se desempeñan con total maestría.

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Obra de Raoul Dufy. violinista aficionado, y apasionado melómano.

En la didáctica musical: el Barón Britten.

Al terminar la Segunda Guerra Mundial, una comisión del Ministerio de Cultura británico encargó a Edward Benjamin Britten, 1913-1976 una obra didáctica para el conocimiento musical e instrumental. Para cumplir el encargo, Britten decidió componer un tema con variaciones, en la que cada variación mostrara una familia de instrumentos. Tomó un tema del Barroco inglés, Henry Purcell, el rondó escrito como música incidental para la pieza teatral de la escritora y espía británica Aphra Behn– «Abdelazar» o la venganza del moro.

Benjamin Britten – The Young Person’s Guide to the Orchestra | Saraste | WDR Sinfonieorchester – YouTub

Desde entonces se la conoce como The Young Person’s Guide to the Orchestra op. 34, y por subtítulo Variaciones y fuga sobre un tema de Henry Purcell. Guía orquestal fundamental del repertorio de cualquier orquesta sinfónica del mundo, una revolución en la didáctica de la música del siglo XX.

Las orquesta Sinfónica y Filarmónica

La orquesta puede llegar a los cien componentes o pasar según la obra a interpretarse. La denominación de orquesta sinfónica u orquesta filarmónica valen. Los adjetivos no distinguen el contenido o función de la orquesta: por ejemplo la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Filarmónica de Londres. Antiguamente, la orquesta filarmónica era una asociación de amigos que interpretaban música, y la sinfónica era la que estaba patrocinada, se pagaba para la formación de la orquesta.

Directores notables

Sergiu Celibidache -Su escuela de dirección marcó un antes y un después en la historia de la dirección orquestal, otro concepto, otra actitud. Odiaba las grabaciones, a las que consideraba como meros subproductos de sus presentaciones …tenía razón no hay nada como la música en» vivo»… como quién dice «Otro canto».

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Uno de sus mayores aportes fue el concepto de relaciones o proporciones.

Por Ej: Relación 1/1: Se tarda la mitad del tiempo en subir y la mitad del tiempo en bajar al pulso para dirigir: ritmos binarios en legato.

Relación 1/2: tarda dos partes del pulso en subir y una en bajar para dirigir ritmos ternarios en legato.

Relación 1/3: Se tarda 3 partes del pulso en subir y una en bajar para dirigir ritmos binarios en staccato.

Así fue creando una dirección única de lo más innovadora y permitió un gran desarrollo en la técnica general de la dirección orquestal.

El célebre Arturo Toscanini, jamás usaba partitura y ya grande …se “perdió” en una obertura de Wagner. Fue famoso por su perfecta audición y su exagerado mal genio… amado intensamente por el pueblo italiano.

Igual anécdota para el joven Herbert von Karajan dirigiendo en Bayreuth, delante del propio Hitler, se quedó en «blanco» en plena representación wagneriana. Karajan prosiguió su carrera de director sin emplear jamás partitura. Se sabe que Hitler aborrecía a Karajan precisamente por su vanidad de dirigir sin partitura. Adicto a las grabaciones. Todo lo grabó con la Orquesta de Berlin y la condujo a su máxima expresión: «la era Karajan».

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Carlos Kleiber -Nunca fue un músico convencional. Era famoso por extraño, huraño y raro. Poco a poco fue generando curiosidad entre «los grandes». Ya en los años sesenta Carlos Kleiber era legenda. Los que lo escucharon quedaron impactados. Nunca ansió un puesto, solo dirigió, como él decía: «Cuando la heladera estaba vacía«. Sus grabaciones de las sinfonías de Beethoven, especialmente las Sinfonías Quinta y Séptima, las de Brahms y Schubert son consideradas «versiones definitivas». A su muerte, Claudio Abbado, dijo de él: “Es uno de los más grandes directores de este siglo. Quizá el más grande”.

«Considerado el más grande de todos los tiempos» tal es así que el «Día del director de orquesta» se celebra el 13 de Julio día de su muerte.

Csárdás aus der Oper »Ritter Pásmán«, Op. 441 (Neujahrskonzert Wien 1989 Kleiber) – YouTube

Aqui el consagrado director Riccardo Muti, nos asesora sobre el Arte de la dirección Musical

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