A comienzos del siglo XVII, la sociedad de Ámsterdam pugnaba por quedar retratada en los lienzos de los maestros de la pintura holandesa: parejas recién casadas, hombres de negocios, miembros de la guardia cívica, maestros religiosos calvinistas y luteranos y hasta cirujanos impartiendo su lección de anatomía!.
La próspera economía de los Países Bajos alimentó el deseo de decorar las casas y lugares de reunión con retratos, motivo de orgullo para los protagonistas, y los artistas hallaron en dicho género un «filón» para aumentar sus pobres ingresos: unos 80 florines! unos 1.000 euros por pieza.
Ámsterdam, era una ciudad generosa a la hora de suministrar «tipos», convivían judíos, católicos y protestantes, andaban por ella comerciantes de todas partes del mundo, cada uno de ellos con sus trajes, joyas, rasgos, todos productos exóticos… un catálogo de imágenes visuales que el gran maestro holandés de entonces no despreció para nada… los incorporó hábilmente a su repertorio.
Rembrandt Harmensrzoon van Rijn
Harmenszoon significa que el nombre de su padre era Harmen, y van Rijn se refiere al lugar donde vivía su familia, cercana al río Rin.
Su nombre completo significa: Rembrant, hijo de Harmen, del Rin.
Al comienzo de su carrera, Rembrandt firmaba sus obras con su monograma latino “RHL”… Durero usaba sus iniciales. Poco después, comenzó a firmar como “RHL-van Rijn”, para después cambiar a “Rembrant” y, finalmente, a su apodo más recordado: “Rembrandt “. Por razones que no están demasiado claras, agregó la “d” a su firma, cambiándola de Rembrant a Rembrandt, en 1633.
Fue el máximo exponente de su época, llegó a Ámsterdam procedente de Leiden en 1631, invitado por el marchante Hendrick Uylenburgh, primo de Saskia se convertiría en su esposa.
Su bien ganada fama como retratista en la sociedad holandesa le permitió vivir de la pintura sin necesidad de distraerse en otras actividades. Pero lo más curioso es que hasta el momento de llegar a la ciudad, el pintor, jamás antes había realizado ningún retrato. Esta capacidad de reflejar virtudes y defectos de los retratados la ejerció rigurosamente consigo mismo.
El constructor naval y su esposa-1633.
De Rembrandt óleo sobre lienzo- Incorporó la narrativa al retrato característica fundamental del género histórico, es decir, uno puede imaginar lo que está sucediendo: la mujer interrumpe en la habitación para entregarle una nota. Por la postura de ella, la mano en el picaporte, el cuerpo inclinado, la boca entreabierta y las expresiones de ambos rostros parece tratarse de una noticia urgente. Este óleo, es un ejemplo de luz natural.
Retrato de Aechje Claesdr, Rembrandt, óleo sobre tabla -1634.
Como dice el refrán. «A veces, una imagen vale más que mil palabras» .
A pesar de su complicada vida se hizo un verdadero fanático del autorretrato manteniendo la esencia del Barroco que se sostiene en tres pilares: la teatralidad, la artificialidad y la naturalidad aunque parezca contradictorio.
Sus autorretratos le permitían: darse a conocer físicamente y publicitar sus habilidades técnicas.
Lo que en un principio tuvo función utilitaria, se convirtió en obra de arte donde se asomaba su alma, quizás posible descarga del agobio que le producía su existencia.
Nunca intentó ocultar sus estados de ánimos, ni retocó su imagen, que se iba transformando con el paso de los años.
Por otra parte, semejante honestidad artística, lo llevaba a representar a los retratados tal como eran, !Sin retoques! Obviamente… esto limitaba su clientela.
La serie de autorretratos comienza en 1628, cuando Rembrandt contaba 22 años, y continuó 40 años hasta su muerte. Hizo 60 autorretratos pintados, unos 10 dibujos y más de 20 grabados con su efigie.
Opinión de los que saben:..
Su mejor autorretrato
Para Rembrandt el autorretrato fue un reto técnico. Él buscaba el modo de representar visualmente la psicología del modelo, en este caso: su propia imagen.
En Autorretrato con boina y cuello vuelto, Lo realizó 10 años antes de su muerte.
Rembrandt está sentado con una capa de piel, con las manos entrelazadas sobre el regazo, el rostro, enmarcado por una gran boina y el cuello alto que esconde su papada.
La luz de la parte superior derecha ilumina completamente ahuecando la forma de la mejilla y permitiendo la representación de imperfecciones en la mejilla derecha y el lóbulo de la oreja. El cuadro está pintado en una gama de marrones y grises que sugieren el envejecimiento físico del artista y los efectos emocionales.
Se le ve cansado, mayor, pero conservando su dignidad de siempre. Deja la parte inferior del lienzo abocetada, iluminando un poco las manos y herramientas de trabajo, pero el foco de atención una vez más, el rostro. Se presenta tal y como es.
No necesitaba idealizar su figura porque ya nadie pagaba por estos cuadros. Sus cabellos castaños se han vuelto blancos, la piel se ha llenado de arrugas y rojeces pero la mirada conserva intacta su determinación y fuerza interior.
Tomó como referencia los retratos de Baldassare Castiglione -Louvre de Rafael y Un hombre con una manga acolchada de Tiziano en la NG, Londres, que entonces se pensaba que era un retrato de Ludovico Ariosto, Rembrandt los había visto en Amsterdam.
El Autorretrato apoyado de 1639
Un aguafuerte. Modalidad de grabado que se efectúa tomando como base una plancha o lámina de aleación metálica, de hierro, zinc, más frecuentemente de cobre.
Lo realiza en el período de mayor renombre y prosperidad económica del artista. Se había mudado a una mansión imponente, mantenía un feliz matrimonio con su prima Saskia, y aguardaba el nacimiento de un hijo. Vestido con ropa lujosa, se muestra seguro de sí mismo una mirada fija en el espectador, al que le exige que reconozca su superioridad.
El reconocido historiador de arte Kenneth Clark, este Indicó que: «Rembrandt hizo del autorretrato un medio importante de autoexpresión artística, además de convertirlo en una autobiografía«
Autorretrato con boina y cuello vuelto proviene del mismo período que el lienzo más prolijo e idéntico de la Galería Nacional de Escocia en Edimburgo y de fecha cercana a 1659.
El pintor se basó en su propio rostro para crear Tronies, es decir, pinturas para estudiar las expresiones faciales con diferentes disfraces, y para examinarse a sí mismo a medida que envejecía.
Retratarse en aquella época era un signo evidente de éxito social. Quizás quisiese con estas obras mostrar sus propios triunfos, lo cierto, su extensa colección sirve como autobiografía ilustrada de la vida del artista.
En el “Autorretrato como Zeuxis”, que data de 1662/63, un óleo sobre lienzo, Volker Manuth y Marieke de Winkel lo describen: “Con una gran sonrisa en la cara, Rembrandt se gira a mirar al observador por encima del hombro izquierdo. Lleva un gorro blanco, un vestido y una medalla al cuello. Junto al borde inferior se reconoce su tiento. Rembrandt se presenta encarnando a Zeuxis, el pintor griego clásico. Según la leyenda… Zeuxis se murió de risa mientras retrataba a una anciana de aspecto gracioso. En el fondo, a la izquierda del autorretrato, se reconoce esquemáticamente la cara de la anciana«
Rembrandt era consciente que sus autorretratos eran codiciados objetos de coleccionismo… en el último año de su vida pintó tres. El que es considerado el último data de 1669, se encuentra en La Haya.
Volker Manuth y Marieke de Winke dicen: «parece inacabado y de ejecución titubeante, sin embargo, “el enérgico trazo del pincel en la boina demuestra que su poder artístico y su capacidad de observación no han menguado. En vista de las numerosas alteraciones que hizo en el cuadro, este autorretrato -como casi el resto de sus obras- es el resultado de una búsqueda incansable en la ejecución del proceso de pintar. A pesar de su carácter inacabado, la obra está firmada, señal de que el cuadro y según palabras de Houlbraken estaba ‘voldaan‘ -terminado, el artista había conseguido lo que se proponía”.
«Dimes y Diretes»
En un artículo publicado en la New England Journal of Medicine79del 2005, Margaret S. Livingstone, del departamento de neurobiología de la Universidad de Harvard, sugiere que Rembrandt, padecía estrabismo. Esta incapacidad le pudo haber sido útil. Según palabras de Livingstone, un gran don para un pintor como él, pues en efecto «los profesores de arte suelen aconsejar a sus estudiantes que cierren un ojo para aplanar la imagen que ven. De este modo, el estrabismo puede ser no tanto una desventaja, como un beneficio para determinados artistas».
Un médico americano, Carlos Espinel, en 1997 en la prestigiosa revista The Lancet un análisis clínico, según el cual, el autorretrato realizado en 1559, a los 53 años descubre envejecimiento prematuro de la piel, llamado dermatocalasia; signos de rosácea, rinofima, arteritis de la arteriatemporal, xantelasma y arco senil .
Pero en 2007, un grupo interdisciplinario israelí –Friedman et al, cuestiona seriamente los diagnósticos de Espinel y del grupo de Boston, Niegan la existencia de lo que llaman “la miríada de enfermedades” descriptas por Espinel tratando de recurrir a metodologías objetivas, incluyendo análisis computarizado de determinados parámetros faciales, como la distancia interpupilar y la abertura interpalpebral.
Agregan, que el hecho de que Rembrandt viviera aparentemente saludable y activo hasta los 63 años, cuando el promedio de vida era de 44 años, es otro testimonio de la improbabilidad de padecer tantos achaques juntos.
En la correspondencia del artista, no hay mención alguna a enfermedades y su muerte fue oficialmente registrada como: «causada por la edad avanzada«.
Estos autores, concluyen afirmando que la dolencia que probablemente afectaba a Rembrandt era la intoxicación crónica por plomo por el abuso que el pintor hacía del blanco de plomo para sus zonas brillantes, con la melancolía y signos como la piel pálida por la anemia y un cierto grado de edema, que podría deberse a la insuficiencia renal por «el saturnismo».
Lo real es que Rembrandt abusaba de pigmentos metálicos tóxicos en la preparación de los colores de su paleta cromática.
La revista Livesscience de 2013 hace referencia a una investigación realizada con una obra: Anciano vestido de militar, exhibida en el Museo J. Paul Getty, de la ciudad de Los Ángeles-EE.UU.
Utilizando el análisis de fluorescencia con rayos X, » la luz» tiene colores amarillos, para atracción de las miradas. Para lograr este color, Rembrandt usaba amarillo de Nápoles, que aplicaba en capas superpuestas con otros tonos, como hacía Ticiano.
El amarillo de Nápoles– antimoniato de plomo, se lograba a partir de la calcinación de
litargirio con trióxido de amonio. El nombre, derivó de la creencia que suponía el pigmento era extraído de tierra del volcán Vesubio. Por su extrema toxicidad fue siendo gradualmente reemplazado.
Como todos los famosos… tuvo detractores.
Joachim von Sandrart 1606-1668, pintor, grabador e historiador alemán que vivió en los Países Bajos, en biografía de artistas de su época, fue despectivo con respecto a Rembrandt:
“Él podría haber aprendido de los antiguos para pintar diosas griegas, pero prefirió
mujeres globulosas con los pechos caídos, las manos torpes y abolladuras de las ligas en las
piernas. Era un indecente»
Marshall Smith observó en su Art of Painting, according to the theory and practice of the best Italian, French and Germán masters:
“Rembrandt tomó un camino atrevidamente libre, aplicó los colores con mucho cuerpo y muchas veces, en las cabezas de hombres, sombras extraordinariamente profundas, muy difíciles de copiar, pues los colores eran aplicados en bruto y en pinceladas llenas, aunque en ocasiones nítidamente acabadas”.
Su gran virtud: La honestidad
Riguroso consigo mismo, no se ató a los «moldes» de su tiempo. Desde la década de 1650 hasta su muerte, buscó a conciencia un nuevo estilo: expresivo y profundo, como el conocimiento de sí mismo, la técnica experimental, el empleo de la luz, la observación de la vida cotidiana, la inspiración de otros artistas, respuestas a las convenciones artísticas, así como expresiones de intimidad y contemplación, o bien conflicto y reconciliación. Interpretaciones nuevas y originales que muestran la honestidad excepcional de Rembrandt al plasmarlas.
ala izquierda 
Ana Maria Brandolini 