«El singspiel»

«Singspiel» – del alemán «sing»-cantar – «spiel»- representación

Género musical cercano a la opereta, que surgió en los países de cultura alemana en el sigloXVIII. Se diferencia de la ópera por ser breve y de tono ligero, con argumentos generalmente cómicos, en combinación de partes cantadas y otras habladas. Esta podía ser hablada o en forma de recitativo, mientras que la musical podía tener forma de aria, o canción «lied».

Dentro del Barroco tardío, fue surgiendo el interés por crear un tipo de ópera que fuese netamente alemana, no solo en cuanto a idioma sino también en cuanto a afinidades culturales especialmente en lo relativo a los argumentos.  Pero esto no se produjo hasta el advenimiento del Romanticismo en el siglo XIX.  Sin  duda, ópera italiana, impidió la gestación de una ópera alemana como género mayor, puesto que tenía predominio absoluto sobre el tema.

La edad dorada del singspiel fue la segunda mitad del siglo XVIII. En este período, el predominio de los Habsburgo, especialmente el emperador José II, favoreció el cultivo de este género. Este tipo de obras de carácter popular eran un medio eficaz para la educación del pueblo, dentro del programa de «despotismo ilustrado» desarrollado por el emperador. En 1778, renombró el Teatro Francés de Viena como Deutsches Nationaltheater – actual Burgtheater y lo dedicó al singspiel. Allí se estrenó: Die Bergknappen -Los mineros, de Ignaz Umlauf.

También innauguró teatros en los arrabales de Viena como el Theater auf der Wieden. Sólo se conserva una parte del edificio original:la «puerta de Papageno»

un monumento al famoso Schikaneder, quien representó el rol de Papageno en La flauta mágica de Mozart un papel escrito especialmente para él. Se le muestra con sus tres hijos, que representaron a los Tres Niños de la misma ópera.

El clasicismo

Durante este estilo artístico basado en el equilibrio, la serenidad,  la perfección,  el singspiel recibió mayor influencia de la ópera bufa italiana y de la opéra-comique francesa.

Sus principales compositores fueron:Haydn, Mozart y Ludwig van Beethoven. Este último,  ya claramente en el Romanticismo,  hizo la que sería su única incursión en el género operístico con «Fidelio» –1805, un singspiel de carácter político-moral, un drama y aquí está el detalle, de corte ya romántico, basado en el libro Léonore, ou l’amour conjugale de Jean-Nicolas Bouilly.

Fidelio…  y sus anomalías

Dato básico a tener en cuenta: «Fidelio» nace como singspiel,con diálogos hablados, arias, etc. Beethoven logró dotar al singspiel, de “intensidad” dramática es decir: Una Opera en alemán de II actos! abriendo sencillamente  el camino que décadas más tarde culminaría con Wagner.

En Fidelio, el coro el tiene la representación simbólica: la humanidad sometida a la barbarie, a la opresión, y para quien Beethoven escribió algunos de los más grandes momentos de esta obra.

La cantidad de veces en que suman su canto los personajes tiene pocos precedentes. Los conjuntos exceden su necesidad narrativa, se convierten en un apoyo formidable para textos de escaso relieve: dúos, tríos, cuartetos y sextetos. Es legendario el cuarteto del primer acto, y el sexteto final…como si los personajes hablaran solos la mayor parte del tiempo, aunque estén juntos. !Fantástico!

Destino cruel

Fidelio nace en 1803 por una invitación que le hace el Theater an der Wien del célebre libretista de La flauta mágica, Emanuel Schikaneder, quien había conseguido abrir este teatro en 1801 gracias a las ganancias de la conocida ópera mozartiana y a la ayuda de algún que otro socio. Schikaneder le propuso a Beethoven un libreto propio. Trabajó varios meses en él, al tiempo que se trasladó a un apartamento asociado al teatro. En este teatro, Beethoven, también estrenó la Segunda, Tercera, Quinta y Sexta Sinfonías, además del Concierto para violín.

La ópera con libreto de Schikaneder no terminó de convencer a Beethoven y buscó un tema propio, que fue el de «Leonora» o «El amor conyugal», de Jean-Nicolas Boully, basado en una historia real acaecida en la Revolución Francesa.

La historia de «Leonora».

Una fiel esposa, de ahí el nombre de la obra «Fidelio», que vestida de hombre rescata a su marido prisionero. La historia encuadra admirablemente con los desórdenes de la Revolución Francesa y el Terror posterior. Localizada en España – Sevilla.

Por esos años !!!Todo pasaba en Sevilla!!!

Un poco de la trama

El malo de esta historia es Pizarro. El marido de Leonora es Florestan -prisionero, el rey: Don Fernando…y otros personajes que completan el elenco de la obra.

Pizarro: un alto funcionario vengativo.  Florestan: sigue vivo porque Pizarro se regodea en su venganza y cuando decide eliminarlo, ante la anunciada presencia del rey, pierde un tiempo precioso en la contemplación de su futuro asesinato, lo que aprovecha Leonora caracterizada como  «Fidelio» .

 El autor pone atención en todo

La prisión misma, y la mazmorra de Florestan en particular, constituyen otro personaje. Beethoven está aquí a punto de inventar el terror gótico que una década después haría las delicias de Lord Byron o Mary Shelley. Beethoven da rienda suelta a su  amor por la libertad y la igualdad de las personas cosa que todavía no se entendía demasiado como buen romántico es su ideal, su lucha!

Se estrenó el 20 de noviembre de 1805 y pocos días antes las tropas napoleónicas habían invadido Austria nada menos un invasor. El estreno con poco público, solo aquellos que ya admiraban y protegían a Beethoven y una amplia representación de oficiales franceses. Por cierto los problemas surgieron y hubo una extraña representación…

Los escasos amigos de Beethoven que asistieron «veían problemas» y empujaron al compositor a introducir cambios, fundamentalmente: grandes recortes.

Hay una descripción de Joseph Roeckel, el tenor que Beethoven quería para su papel de Florestan donde cuenta: un grupo, le ruega al compositor que recorte y ajuste la partitura, el músico se niega, hay acaloramiento: «Entonces, la princesa Lichnowsky, juntando sus manos como en una oración a una divinidad a la que implora, levantó la mirada con indescriptible dulzura». El maestro, sin embargo, no cede, ella redobla sus argumentos: “¡Vuestra obra maestra no puede desaparecer…vos mismo no lo permitiréis! ¡Dios no lo quiere así! […] El espíritu de vuestra madre tampoco lo quiere. […] ¡Ceded! ¡Hacedlo en memoria de vuestra madre! ¡Hacedlo por mí, por vuestra única y más querida amiga!».

 Fidelio tiene otra oportunidad en 1806. En esta ocasión, con un público receptivo y sin trastornos políticos en el horizonte… el problema es económico. Beethoven retira la ópera después de tres representaciones al no estar de acuerdo con las pautas que propone el empresario: el barón Von Braun.

Beethoven confió la revisión del libreto al experimentado poeta teatral Friedrich Treitschke, que fue el encargado de preparar la versión final del texto.

El estreno definitivo llega el 23 de mayo de 1814 bajo la dirección del compositor en el Kärntnertortheater. El mismo año en que se estrena su Octava sinfonía. El mismo año en que se restauran la monarquías en Europa. Duro momento para un «romántico de ley»  como era Beethoven que no lo puede entender!!!!

El Fidelio de 1814 es hoy el Fidelio estándar. El propio autor, posiblemente cansado de recortes y arreglos, da a esta versión como definitiva e insiste que las anteriores serán todas anuladas.

A pesar de todo… la primera versión, conocida como Leonore, ha sido recuperada y en 1815 se ofreció de nuevo en Dresde y Leipzig la segunda versión de 1806, por lo que Fidelio existió desde el principio en este mundo de  múltiples y variadas  formas.

Esta opera anuncia lo que será el apoteótico final de la Novena Sinfonía.

 

Compositor de una sola opera magistral…

En 1807, dirige una petición a los teatros imperiales y reales de la corte. Allí se lee: el abajo firmante «se obliga y se compromete a componer anualmente una gran ópera […]. Se obliga a entregar anualmente, y gratis, una pequeña opereta o divertimento, coros, fragmentos de circunstancias, etc.» Pero la propuesta del compositor no fue aceptada… quizás fue la falta de oportunidades que desalentó al maestro y nunca más escribió una ópera. También se ha pensado en el hecho de ser un Beethoven de treinta y cinco años, la misma edad en que muere Mozart con grandísimo repertorio operístico.

Las comparaciones siempre son malas y ocasionan terribles daños… pero Beethoven siempre fue un excelente compositor y virtuosísimo intérprete. Según sus maestros y alumnos «no había nadie como él interpretando el «legato» ni hablemos de la velocidad de sus «tresillos». La gente salía maravillada de sus recitales. Otro motivo: el rechazo por parte del compositor a la «floritura» vocal como medio de exhibición que los cantantes requerían. Jamás cedería el autor a esta  «extorsión».

Con tantas idas y venidas 

Fidelio, acumula cinco oberturas!!  y varias «Leonores» que se suelen escuchar en conciertos sinfónicos.

Tras la muerte de su autor, Fidelio tuvo que soportar las «ocurrencias» de los directores de orquestas como poner entre los cuadros II y III nada menos que los movimientos tercero y cuarto  de la Quinta Sinfonía en lugar de la tradicional Leonore III. Se dice que fue Mahler quien fijó esto que venía siendo una suerte de tradición…

Este «triste chiste» si se quiere, puede tener alguna explicación. Podría ser por la tonalidad,  está en Do mayor, que invita al juego de fundir la ópera con los citados movimientos, la idea, que la voluntad vence al destino de la quinta sinfonía.!  Todo el mundo se sintió con el supremo derecho que podía intervenir en esta obra!.

También  su final. El II cuadro, del segundo acto, es en realidad el final de la ópera. Florestan ha sido salvado por su amada mujer y Pizarro huye… Ya no hay nada más que contar!!!. Increíble!!! pero aquí aparece el cuadro tercero?. Como  una simple apoteosis musical … sin duda que es !!grandiosa!! Con el coro y el sexteto como protagonistas …

Fidelio es altamente magistral, y primer drama cantado en alemán. Con partes habladas, ya que era un Singspiel pero fundamentalmente porque su autor demostraba ante todo y todos la supremacía de la música.

Fidelio… Sea como fuere… siempre suena bien es…

                  Beethoven!!!

Una acotación a cerca de las ilustraciones

Cromo operístico de la colección Liebig.  El Barón Justus von Liebig pionero en el estudio de la Química orgánica e inventor, se hizo muy popular y famoso fue el extracto de carne que aparece en la estampa a manera de publicidad de esta obra.

«El imaginativo» William Blake…

«Blake fue cronológicamente, contemporáneo de los románticos; mentalmente, de los neoplatónicos, de Swedenborg y de Nietzsche«.  Jorge Luis Borges

Retrato de John Linnell

William Blake el 28 de noviembre de 1757 nace en el Soho de Londres-1827 fue  poeta, pintor y grabador británico. Aunque permaneció como un desconocido durante el transcurso de su vida… fue un adelantado, un utopista, encima, profeta visionario y místico esotérico de su época. Su primer biógrafo, Alexander Gilchrist, escribió en 1863 sobre su excentricidad, su genialidad y sus fuertes convicciones “jacobinas”.

Tuvo esperanzas creadas por la Revolución Francesa, buscó orientación en la Biblia. Absorbió e interpretó las tradiciones de la Revolución Inglesa de 1640, cuando la Cristiandad era el idioma del debate político. La posibilidad de derrocar a los tiranos, de acabar con los ricos y de crear el cielo en la tierra fueron ideas que formaron parte del paisaje mental de Blake. También incluía la derrota de ver la restauración de la monarquía y el hundimiento de las masas de vuelta a su lugar de origen…
Las opiniones de Blake sobre la opresión y la restricción de libertades recién ahora cuentan con una alta consideración.

Se adelantó al romanticismo y al simbolismo, algunos dirían que también al surrealismo, por su uso del delirio y el sueño, creando una mitología propia basada en su extraordinaria espiritualidad. 

Thomas de Quincey, periodista, crítico y escritor se refería a él como “el grabador loco William Blake”, «un genio al que le faltaba un tornillo», como afirmaba el escritor Edward FitzGerald.

Hoy se lo considera «el más grande poetas románticos»  por la unión que supo hacer de poesía, grabado, escritura, diseño y acuarela, el último «artista total de Gran Bretaña y de los clásicos ingleses». 

Su poema “Jerusalén” musicalizado por Charles Parry en 1916,  se ha convertido en el himno nacional de Gran Bretaña. Lo cantan las  mujeres de la Inglaterra media y del Instituto de la Mujer. El Partido Conservador lo lleva en el corazón, junto a “Tierra de esperanza y gloria”, y los laboristas lo consideran  un canto demasiado subversivo. Sus poemas para niños, como “El Tigre”, siguen recitándose aún hoy en las escuelas primarias.

Blake tuvo visiones desde la infancia: Ángeles y presencias que nadie más podía percibir y que influirían en su arte posterior.

Para Blake no había nada más sublime que la imaginación  que era «inmortal, eterna e inagotable» y a ella consagró todo el arte que realizó hasta su muerte.

En 1782, Blake conoció a John Flaxman – escultor e ilustrador – ambos forjarían una sólida amistad y a la que sería su esposa, Catherine Boucher. Blake había propuesto matrimonio a otra mujer que lo había rechazado. Tras contarle a Catherine y su familia la historia, ante la compasión mostrada por esta, Blake declaró que la amaba. Se casaron el 18 de agosto de 1782 en la iglesia de St. Mary- Battersea. Catherine era por entonces analfabeta, firmó con una x su contrato marital. Más adelante Blake le enseñó a leer y escribir, así como a realizar grabados. Durante su vida, una inestimable ayuda imprimiendo sus trabajos iluminados y manteniendo su alegría estable tras numerosas desgracias. Su matrimonio, aunque sin hijos, continuó fiel y afectuoso.

Esa genialidad al borde de la locura, fue capaz de plasmar la fuerza creativa de la obra de Dante.

La Divina Comedia de Dante Alighieri

Entre 1824 y 1827 William Blake hizo la interpretación más impresionante sobre la Divina Comedia de Dante Alighieri. Amaba esa obra, la conocía muy bien llegando a realizar  un poco más de cien acuarelas… pero dejó inacabado el proyecto.

Empezó a trabajar en el tema, gracias al encargo que John Linnell- pintor paisajista- le hizo en 1824. En diciembre de 1826 su colega Crabb Robinson lo visitó y vió su trabajo y dijo: «Mostraban un poder para agrupar y verter gracia e interés en los más monstruosos y repelentes conceptos, cosa que nunca habría esperado», afirmó maravillado.

 Blake trabajaba noche y día, intensamente en sus dibujos. Ponía los 14.233 versos encima de la mesa… los tenía siempre a la vista.

Nunca tuvo la idea de seleccionar pasajes del poema, ni la de ilustrar u ordenar cronológicamente los 33 cantos en los que se compone la  gran obra literaria.

Pocas semanas antes de su muerte escribía a Linnell, «estoy demasiado ocupado con Dante como para pensar en cualquier otra cosa». Se sentía fascinado por el Infierno, y le dedicó la mayor parte de sus láminas: 72, al Purgatorio 20 y al Paraíso únicamente 10 acuarelas.

Más de cien dibujos: desde bocetos a lápiz, hasta acuarelas y grabados a buril todos realizados por él. Una narración extraordinaria, fiel al texto original, aunque aporta  la particular visión del pintor sobre las atormentadas alegorías de Dante sobre: el amor, la culpa, el castigo, la venganza, la salvación.

Tras la enorme belleza de La Divina Comedia, Blake, escondía su visión sobre las ideas de Dante. Para él, Dante mostraba un Dios vengativo y sanguinario, algo muy poco «cristiano» y «piadoso», que él no aceptaba …obviamente habían pasado cinco siglos. En su visión del infierno, decía: «Dante veía demonios donde yo no vi ninguno, solo bondad». Ambos vieron cosas distintas.

La pintura de Blake, basada en sus visiones fantásticas  tienen  influencia del Renacimento, de Miguel Ángel, por la musculatura de sus figuras y los escorzos a los que las somete, pero una delicadeza que  le es propia de su temperamento místico.

 

 

En los últimos años de su vida, Blake abraza lo colorido con una majestuosidad enorme, y hasta parece que este no iba a ser su último proyecto.

El Manuscrito del Génesis a la manera suya, como había hecho con El Libro de Job…

ese fue su último trabajo terminado, un manuscrito iluminado donde la historia bíblica pasaba por la visión impresionante de Blake, para quien la salvación, solamente está en nosotros mismos, en nuestro interior, es ahí donde habitan nuestros enemigos. La muerte estaba cerca y él lo sabía. Pero para él aquello no era el final, solamente una liberación de un cuerpo anciano en una mente cada vez más joven. Su universo era solamente suyo. Había creado su propio Sistema. En una carta de 12 de abril de 1827 da una de las claves de su «antifatalismo»: «La Imaginación vive eternamente»… lo mismo que sus obras.

Aplicó su arte pictórico para ilustrar tanto composiciones propias como ajenas:

El Paraíso perdido de Milton (una de sus obras favoritas).

De Shakespeare Sueño de una noche de verano

Precursor de Una visión del Juicio Final. Acuarela representada en la carta enviada a Humphry

 

La ilustración de Las noches, del poeta Edward Young. La relación que existe entre poemas- ilustraciones es compleja y exige imaginación por parte del lector, ya que se basa no tanto en el tema del poema en sí como en la sensación que este transmite.

 Algún reconocimiento tardío…

Y en 1918, cuando los dibujos legado al pintor John Linnell se pusieron por primera vez a la venta en Christie’s, de Londres, National Art Collection Fund, calificó la obra de Blake de «Bien Cultural Nacional».

En 1949 se estableció en Australia el Premio Blake al mejor arte religioso.

Jim Morrison, entusiasta lector del poeta místico y líder de “The Doors”, extrajo el nombre del grupo de uno de sus versos: «If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is, infinite».

Su obra fue abundante

Pero ignorada por sus contemporáneos que vieron en él a un pintor neomanierista más bien torpe y a un poeta neogótico no demasiado diestro, ya que su métrica resultaba incorrecta y sus frases reiterativas. No obstante, su obra sería valorada en pleno siglo XX, exactamente con motivo del Centenario de su muerte en 1927.

15 libros iluminados- no iluminados fueron 5 – 8 libros ilustrados por el de diversos autores- 8 ensayos; libros proféticos: Canción de Los – Urizen- El Dragón rojo – etc.

Desde mediados del siglo XX, se imprimen los poemas tal y como se escribieron, con todos los errores: respetando el libre uso que él hace de las mayúsculas como medio para enfatizar una sentencia o cuando las omitía después de un punto.

La Tate Gallery de Londres, en 1978, con motivo del 150 aniversario de su muerte, Puso una muestra de trescientas obras entre las que se incluían pinturas, grabados, xilografías, libros miniados, etc.
Gabrielle Rossetti – Erudito del s.XIX y padre del pintor prerrafaelista dijo: Blake era como un ‘astro glorioso’: «un hombre no anticipado por sus predecesores, que no puede ser clasificado junto a sus contemporáneos, ni equiparado por sucesores conocidos o por conocer».
William Blake murió en 1827 y fue enterrado en una tumba sin nombre, en el cementerio de Bunhill Fields – Londres. Carol y Luis Garrido -portugueses,  admiradores de William Blake investigaron archivos y planos durante varios años, la pareja consiguió dar con el lugar exacto: la tumba olvidada del autor de «Jerusalem». La Blake Society realizó una recaudación de fondos y logró alcanzar 30.000 libras esterlinas, que sirvieron para financiar una lápida.

 

Esta se desveló día del 191º aniversario de su muerte -12 de agosto 2018 durante una ceremonia en presencia de sus admiradores, entre ellos los escritores Philip Pullman y Tracy Chevalier, así como el ex arzobispo de Canterbury, Rowan Williams.

«La imaginación no es un estado: es la existencia humana en sí misma»».

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

«Cuadros de una Exposición»

Suite para piano del compositor Modesto Mussorgsky.

«Mussorgsky es único y será inmortal por su arte, lugares comunes, sin formulismos, sin clisés; jamás una sensibilidad tan refinada fue capaz de expresarse por medios tan simples.» Así definió lo Debussy que vio en ese aparente «desaliño» síntomas de su genialidad.

Modesto Mussorgsky-Pskov 1839-  1881 San Petersburgo Compositor ruso. Carecía de la formación Técnica Academica por lo tanto para la sociedad de su tiempo, era un «iletrado de la música» y fue toda una revolución para la música rusa.

 

La muerte inesperada y prematura de su gran amigo, el artista y arquitecto Víktor Hartmann -1834-1873, motivó una «Exposición con sus obras» organizada por Vladímir Stásov el escritor, crítico musical y asesor del Círculo de Balákirev.

Mussorgsky quiso participar de algún modo, nada mejor que hacerlo con una serie de trozos musicales para piano que evocan las pinturas expuestas. Así nació la suite para piano «Cuadros de una exposición» el 22 de junio de 1874 su autor quiso dibujar con música… (hoy la llamamos música programática) algunos de los cuadros expuestos dedicando la partitura a Stásov.

El Grupo de los cinco

El Gran Puñado o Grupo de los Cinco  como los llamaron-Balakirev, Rimski-Kórsakov, Bordodín, Cui y el propio Mussorsgky– empezaron a gestar la creación de un estilo musical esencialmente ruso. Esto llevó a que se empezaran a usar armonías y recursos que eran  inconcebibles dentro de la tradición alemana que había dominado la música europea en los últimos siglos.

Lo interesante de esta obra

«Cuadros de una exposición» es un ejemplo perfecto de los dos principales sistemas armónicos que el Círculo de Balakirev desarrolló durante su producción y exploración musical en el siglo XIX.

El primero es la armonización diatónica de las canciones folk rusas . Podemos ver este método en la recolección de canciones que Balakirev publicó en 1866.

El compositor aplicó dichas armonizaciones en esta obra:  la armonía cromática, para los pasajes fantásticos, mitológicos, o de magia. Se usaban la escala de tonos enteros o la octatónica. Ambos tipos de armonías estaban claramente codificadas y se utilizaban paralelamente… pero nunca se confundían.

En esta obra, cada pintura pertenece a uno de los dos sistemas alternos. Así, en las piezas que representan el mundo fantástico encontramos la escala de tonos enteros, la octatónica, pasajes modales, yuxtaposición de acordes inesperados…

El estilo diatónico sirve para los cuadros poéticos y para Promenade, como claro contraste además de significar una referencia del repertorio popular ruso.

La Suite fue compuesta para piano

Consta de diez piezas que describen estos cuadros, unidas entre si por: “Promenade”- paseo– que nos traslada de una sala a otra para admirar la siguiente obra. Como si el compositor deambulase apaciblemente por la «Exposición».

Promenade- Allegro giusto, nel modo russico; senza allegrazza, ma poco sostenuto. Con cambios de métrica para desestabilizar el ritmo… caminar irregular, inseguro mientras  decide por donde empezar a ver los cuadros. Es un tema majestuoso, expectante de lo que se verá a continuación…

Gnomus- Vivo– Hartmann representa un cascanueces en forma de gnomo

Estos cascanueces eran comunes en la Rusia de la época. La música lo describe como algo aterrador, espeluznante. Muy diferente al de Tchaicovsky en su ballet. En la parte de piano Mussorgsky añade un cromatismo descendente en la mano izquierda. Así añade misterio al tema de la mano derecha. En la versión orquestal de Ravel, las violas y cellos lo hacen en glissando con un solo dedo y vibrato. Esto crea un ambiente escalofriante.

-Promenade. II Moderato comodo e con delicatezza. Es el segundo desplazamiento, mucho más tranquilo y reposado.

-Il Vecchio Castello– Andante. Hartmann viajó por Europa del Oeste, becado por la Academia Imperial de Bellas Artes, para estudiar la arquitectura de los monumentos. Hizo diversos dibujos, como evidencia de su viaje. Mussorgsky tuvo acceso a dichos dibujos. No se sabe a ciencia cierta cual lo inspiró, pero pudo ser el dibujo de la Catedral de Périgueaux, único ejemplar existente de esa etapa.

-Promenade.III Moderato non tanto, pesante. Este desplazamiento es más enérgico y vivaz. Como si el compositor quisiera llegar rápidamente a ver el siguiente cuadro.

-Tulleries–Allegretto non troppo, capriccioso. Un dibujo de Hartmann sobre el famoso jardín francés inspira este cuadro musical. Mussorgsky plasma un juego de niños persiguiéndose. El dibujo original se perdió.

-Bydlo-Sempre moderato, pesante.Originalmente Mussorgsky lo llamó «Sandormizsko Bydlo». Hartmann visitó el pueblo polaco de Sandormiez, allí pintó varias postales. Bydlo es un vocablo polaco que significa «carreta». Escrito en tono menor, es un lamento, lleno de dolor. Un grito ahogado al principio, el cual crece hasta hacerse escuchar. para luego volver a apagarse.

-Promenade-IV. Tranquillo.Este paseo muestra la nostalgia del compositor, probablemente recordando a su amigo muerto. Mussorgsky no superó del todo la muerte de Hartmann.

–Ballet of the Chicks in their Shells- Scherzino. Vivo leggiero.

Hartmann le presenta a Mussorgsky un dibujo sobre el atuendo para un ballet. El dibujo muestra a unos niños disfrazados de pollitos. Apenas saliendo del cascarón. Esta pintura es una de las pocas que aún se conserva.

-Two Polish Jews o Samuel Goldberg y Schmuyle- Andante

De la época de su estadía en Sandormiez, Hartmann realiza dos pinturas. Dos hombres, uno pobre, el otro más acomodado. Los dibujos originales, desaparecieron. Sin embargo, se conservan otros dibujos alusivos, parecidos a los originales.

-Promenade. Este promenade es una réplica casi exacta del primero. Con el tema en duplicado, revela un momento de mucha satisfacción y disfrute espiritual. Ravel lo elimina de su orquestación, a pesar de ser un puente musical extraordinario al siguiente cuadro.

–Limoges, La Plaza del mercado- Allegretto vivo, sempre scherzando.De acuerdo con el crítico musical Alfred Frankestein, Hartmann hizo unos 150 dibujos de Limoges. La mayoría de la catedral y sus alrededores. Mussorgsky recoge musicalmente el ambiente alegre y festivo del mercado.

-Catacumbas. Andante non troppo, con lamento.

Hartmann pintó un cuadro junto a otro arquitecto examinando las antiguas catacumbas de París. Mussorgsky lo vió como un anuncio de su muerte. El cuadro musical es un coral majestuoso, solemne, lúgubre.«Con muerte, en lengua muerta». Se le considera el sexto promenade. Mussorgsky se desplaza con total tristeza y devastación. El tema inicial es mostrado en tono menor, para luego terminar con un halo de luz y esperanza. «El espíritu creativo de Hartmann me lleva a los cráneos, me llama cerca de ellos, y brillan desde dentro» Esta cita del compositor aparece en ruso, como pié de página, en el manuscrito.

Dos grabaciones de esta obra: Dos intérpretes, la primera la obra completa, la segunda, las dos piezas finales.

-The Hut on Fowl´s legs -Baba Yaga-Allegro con brio, feroce. Andante mosso y allegro molto.La Cabaña sobre Patas de Ave es el lugar donde vive Baba Yaga. Según el folklore ruso, Baba Yaga es una bruja que se alimenta de huesos, los cuales muele en un mortero. Hartmann diseña la cabaña en forma de reloj «cucú». Mussorgsky describe este pasaje en tres partes: a la bruja, volando por los aires. La parte central es más calmada, misteriosa y alucinante. Una parte final «viva».

-The Great Gate of Kiev- Allegro alla breve. Maestoso. Con grandezza. El Consejo de la ciudad de Kiev anuncia la apertura de competencia para construir una gran entrada a la ciudad. De esta manera se quería conmemorar los sucesos del 4 de abril de 1866, cuando el Zar escapó milagrosamente a un atentado. Por falta de fondos, la competencia se canceló y la Puerta jamás se construyó. Hartmann sugiere una inmensa estructura, que descansa sobre dos grandes columnas, que dan la sensación de estar enterradas. En el arco central se puede leer la siguiente inscripción: «Bendito aquel que viene en nombre del Señor».

El cuadro final de Mussorgsky es un himno triunfante, majestuoso, heróico. Es el coronamiento de una obra capaz de dar, ella sola, la medida de uno de los genios más libres y auténticamente originales que tuvo la música rusa.

Un detalle

Mussorgsky recurre a la repetición de  Promenade que simula su recorrido por la exposición. Este tema, es el que describe la acción y crea la tensión, aparece íntegro la primera y quinta vez y fragmentado entre ambos. Después de la quinta repetición desaparece para empezar a mezclarse motívicamente con los cuadros. Nos da a entender que el espectador  ha entrado en el mundo dibujado.

Cuadros de una exposición es «la gran obra de Mussorgsky» su esfuerzo no se vio compensado en vida dado que se publicó cinco años después de su muerte.

Una obra inspiradora

«Cuadros de una Exposición» ha sido orquestada por los más grandes músicos de los siglos XIX  y XX. Hasta la fecha, tuvo 28 diferentes orquestaciones para orquestas sinfónicas.
8 arreglos para bandas- solo para instrumentos de viento.
50 arreglos y versiones para diversos instrumentos, ensambles etc.Notorio es el arreglo para sintetizadores de Isao Tomita, de 1975. El arreglo para órgano de Ernst – Erich Stender y la adaptación para arpa de cristal que hizo Glass Duo.

La orquestación de Ravel se lleva los laureles. Es la más interpretada a nivel mundial, y ha sido grabada por las mejores orquestas del mundo.

La casa Steinway también quiso aportar lo suyo…

En abril de 2017 la casa Steinway & Sons lanzó su ejemplar «Pictures at an Exhibition the Piano». Un magnífico piano,donde se representan bocetos y cuadros de la histórica exposición a la memoria de Hartmann. El pianista y pintor canadiense  Paul Wyse fué el autor de ésta joya pianística.

“Quería usar el piano Steinway para contar una historia. Para mí se trataba de capturar el misterio del alma rusa, y todas sus facetas, cuentos de hadas, leyendas, historia y política. Todo de una manera fascinante, dramática y sorprendente”, destacó Wyse.

«Cuadros de una Exposición» es una de las grandes obras escritas para piano. De gran dificultad técnica e interpretativa.

Ravel en su maravillosa orquestación de esta obra en 1922, impuso a los pianistas un mayor reto: reproducir los efectos orquestales en el piano. Tarea nada fácil, pero que le agrega una motivación extra a la hora de interpretar esta obra de Mussorsgky.

 

 

«Luminista»…

Joaquín Sorolla Bastida -Valenciano – 1863 – Cercedilla- 10 de agosto de 1923- Artista prolífico, dejó más de 2200 obras catalogadas. Su obra madura ha sido etiquetada como impresionista, post-impresionista y gran «luminista».

En 1884 cosechó un gran triunfo con la obra El crit del Palleter, con la que obtuvo una beca por parte de la Diputación Provincial de Valencia para estudiar en Roma.

A su llegada a la capital italiana, Sorolla quedó deslumbrado por el arte clásico y renacentista. Junto a su amigo, el también pintor Pedro Gil,  viajó a París donde entró en contacto con el impresionismo. Tras una prórroga en su beca, en 1888 contrajo matrimonio con Clotilde García, su mejor modelo y compañera, se establecieron en Asís (Italia). De esa época destaca la obra Vendiendo melones hoy en el Tyssen Bornemisza.

En 1889, el pintor y su familia se instalaron en Madrid donde, en apenas cinco años, Sorolla alcanzó un gran renombre como pintor. En 1894 viajó de nuevo a París, y allí desarrolló el estilo pictórico denominado «luminismo», que sería la característica principal en su obra a partir de entonces. Comenzó a pintar al aire libre, dominando con maestría la luz que, combinada con escenas cotidianas y paisajísticas de la vida mediterránea, se refleja en obras como La vuelta de la pesca, La playa de Valencia o Triste herencia, obra por la cual recibió el Grand Prix en el certamen internacional de París en el año 1900.

«Otra Margarita»

En 1894 pinta Y aún dicen que el pescado es caro, una obra que se encuadra en el realismo social y con ella ganó una Medalla de Primera Clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes.

Desnudo… emulando a Velázquez 1902

La siesta 1911  obra maestra del impresionismo moderno. muestra cuatro jóvenes tendidas sobre la hierba, una de ellas incorporándose. Los personajes están elaborados a base de manchas, los efectos de luz y sombra con pinceladas gruesas, tal como venían haciendo los maestros impresionistas de Holanda y Francia.

 

Gran retratista

La actriz María Guerrero en su papel de La Dama Boba.

Posaron para él personajes:  Literatos- Miguel de Unamuno, Pío Baroja, Azorín, Antonio Machado, Vicente Blasco Ibáñez, Santiago Ramón y Cajal, Jacinto Benavente, Rafael Altamira y Crevea.

Juan Ramón Jiménez, Marcelino Menéndez Pelayo, Ortega y Gasset y Benito Pérez Galdós.

 Políticos como Emilio Castelar, el rey Alfonso XIII. El médico Ramón y Cajal.

el presidente de Estados Unidos -1909 William Howard Taft, además de una buena colección de retratos de su familia y autorretratos.

 

 

Mujeres caminando en la playa 1909.

Esta es una de las obras más célebres del pintor, muestra a su esposa e hija caminando por la playa mediterránea de Valencia, los efectos de luz que logra son únicos en su estilo. En este cuadro se aprecia en todo su esplendor la especial capacidad de artista para plasmar rayos solares reflejados sobre telas blancas.

Biarritz en 1906
Una mujer sentada sobre la arena sujetando entre las manos una antigua cámara Kodak, todo un lujo para la época. De estilo posimpresionista, la obra rinde homenaje a este artefacto con el que el autor inmortalizó muchos de los veranos de su vida junto a su familia.

Trabajador incansable

Sorolla tenía la necesidad de sentir antes de pintar, y para ello trabajaba en la playa durante horas sin importarle en absoluto el sol de los veranos mediterráneos.

Una particularidad: sus largos pinceles. Con ellos lograba su pincelada suelta tan admirada. También se ayudaba con la fotografía, era todo un experto ya que de joven había trabajado «retocando» fotos en el taller de su suegro el famoso  Fotógrafo de Valencia- Antonio García Peris.

Causa posible de enfermedad…

Se dice que Goya sufrió una enfermedad parecida a la que padeció Sorolla.

Observando las obras del pintor notamos que utilizó colores que fueron una constante en su obra: el bermellón, un pigmento compuesto por mercurio y azufre; el blanco plomo, y el verde de Scheele –un pigmento tóxico que incluso hay quien sostiene que fue el causante de la muerte de Napoleón. En la actualidad, estos tres colores se elaboran con pigmentos inocuos,  pero no siempre fue así. Algunos de los síntomas que describen sus allegados  coinciden con el «hidrargirismo», una intoxicación por mercurio que afecta especialmente a los riñones. Se piensa, como causa de dicha enfermedad, su  frecuente exposición al bermellón, que empleaba con asiduidad. Pero también el hecho de que el pintor era un fumador compulsivo,  más aún… que tenía tendencia a la alta presión y dolores de cabeza constantes.

La nota detonante…

Fue a través de una exposición que Joaquín Sorolla realizó en los salones de “Grafton” en Londres en 1908 lo que despertó la admiración de Archer Milton Huntington de USA hacia el pintor. Decidió hablar con él para convencerle de la posibilidad de realizar una exposición en su país, Sorolla aceptó encantado. El éxito que alcanza la exposición en Norteamérica el 4 de febrero de 1909, hace que nazca una gran amistad entre Sorolla y Huntington, además la Hispanic Society adquiere varios de sus cuadros.

El momento más significativo tuvo lugar en París en el año 1911, donde ambos coinciden en un hotel y es allí donde Huntington le hace un encargo muy especial y ambicioso, que por aquel entonces se convertiría en la obra más importante de la pintura contemporánea. El trabajo consistía en la decoración de una gran estancia rectangular que con el tiempo se convirtió en el salón principal de la Hispanic Society y que hoy se conoce como Sala Sorolla. Para ello tenía que realizar una serie de 14 impresionantes lienzos de gran tamaño dedicados a representar regiones de España.

Su obra para la Hispanic Society de Nueva York 

Trabajó sin descanso en ese encargo entre 1912 y 1919.  Catorce enormes lienzos de más de tres metros de alto por los que recibió 150.000 dólares. En estas obras dejó los últimos años de su vida ya que al finalizar, sufrió un ataque de hemiplejía en su casa de Madrid falleciendo tres años después en un hotelito de Cercedilla, en la sierra de Guadarrama, sin apenas disfrutar de su nombramiento de profesor de Colorido y Composición en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid,  ni de la inauguración en 1926 de su obra maestra en Nueva York, tres años después de su muerte.

Los mal llamados Murales de Sorolla en Nueva York

Son 14 enormes lienzos, pintados al óleo en diversas comunidades españolas  donde el pintor se trasladaba durante cierto tiempo para lograr su «visión» de fiestas  populares, trabajos, juegos etc. Una magnífica muestra que Sorolla prefería denominar «Visión de España». Los lienzos viajaron a España y se expusieron en diferentes ciudades por el 2011:

Castilla. La fiesta del pan-1913

Andalucía. El encierro-1914

Sevilla. Los nazarenos-1914

Aragón. La jota-1914
Navarra. El Concejo del Roncal-1914

Guipúzcoa. Los bolos-1914

Galicia. La romería-1915

Sevilla. El baile-1915

                                                                                                   Sevilla. Los toreros-1915

Cataluña. El pescado -1915

                                                     Valencia. Las grupas-1916

Extremadura. El mercado-1917

Elche. El palmeral-1918-1919

Ayamonte. La pesca del atún-1919

El más importante aporte de Sorolla para la posteridad fue la pincelada suelta y fluida y el colorido con el que desarrolló un auténtico estilo vanguardista, mostrando su país,  auténtico y radiante espejo de las múltiples inquietudes culturales de su época.

El Museo Sorolla

Creado en lo que había sido el hogar del pintor. Fue por solicitud de su esposa que para asegurar que su deseo se cumpliera, entregó todos sus bienes al Estado español,  incluída la casa del artista.

El fondo pictórico del Museo Sorolla está formado por unas 1.100 obras, en su mayoría por piezas procedentes del legado de la viuda del pintor, Clotilde García del Castillo, y de sus tres hijos. A estas donaciones hay que añadir otras 195 obras pertenecientes a la Fundación Museo Sorolla procedentes del legado testamentario de Joaquín Sorolla y García, hijo varón del pintor.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Maestro de todos!!!

Beethoven dijo de él: “ Händel es el compositor más grande que ha existido jamás, me descubro ante él y me arrodillaría ante su tumba”.

Georg Friedrich Händel– 1685- Halle -Alemania -1759 Londres. Fue una «rara Avis»  desde todo punto de vista. Aunque abandonó su ciudad natal con 18 años, en Halle se recuerda al compositor a cada paso que se da por la ciudad. Todos los años en junio se celebra el festival de Händel en el Pabellón Georg-Friedrich-Händel inaugurado en 1998.

La casa de Händel, el lugar de nacimiento del compositor, abrió sus puertas en 1948 como Museo de la Música. En el medio de la plaza Marktplatz de la ciudad, se halla su monumento. La figura dirige su mirada hacia Londres, donde la carrera de Händel experimentó su punto culminante.

De portentosa inspiración

Compositor, músico, gran clavecinista y organista, violinista, compositor de óperas, viajero incansable y fantástico empresario. Jamás descuidó la inspiración, tuvo la astucia  de respetar el tipo de música que el mercado requería. Siempre supo entusiarmar los oídos de la gente. No es por azar que sus óperas, cantantas y oratorios sean hoy tan famosos, y hasta populares!!!.

Handel fue siempre un «lobo solitario», como lo describe el musicólogo alemán Franzpeter Messmer en una nueva biografía, e indica que fue uno de los compositores del Barroco que más luchó por no depender de los mecenas feudales. Vanos fueron los intentos del rey Federico I de Prusia, talentoso flautista, de financiar un curso al joven Händel en Italia. El músico y su padre, barbero y médico de profesión, rechazaron la oferta. En Hamburgo dejó 1703 su puesto de organista de la catedral para incorporarse como violinista a la orquesta de la ópera de la ciudad. Hasta entonces había compuesto cantatas y decidió probar suerte con música secular. Su primera ópera, «Almira», fue ovacionada en el estreno en 1705 el contaba con tan solo 20 años.

En 1713, a la edad de 28 años, escribió una obra para celebrar el cumpleaños de la reina Ana, por la cual recibió una pensión vitalicia de 200 libras anuales y le convirtió en el maestro no oficial de la música Real. Su sucesor, el rey Jorge I, en 1714 le dobló la pensión.  La ópera Rinaldo primera ópera compuesta expresamente para Londres en1711.

Música acuática

Su Water Music, el 17 de julio de 1717 a requerimiento del rey Jorge I para ser interpretada sobre el río Támesis. El concierto fue ofrecido por cincuenta músicos en una barcaza que navegaba cerca de la barcaza real del rey y se dice que éste quedó tan complacido que se hubo de interpretar tres veces durante el viaje.

Handel encontró siempre tiempo para componer obras para la corona, un Te Deum y  anthems o himnos, género musical clave en la historia de la música inglesa.

Ciudadano Inglés

Uno de sus últimos cometidos de Jorge I fue la firma del acta de naturalización de George Frideric Handel como ciudadano inglés.

Y su momento de mayor gloria lo alcanzó con la coronación de Jorge II, y la reina Carolina en 1727, al incluir cuatro himnos compuestos por el. Y entre ellos se encuentra «Zadok the priest” donde podemos encontrar el “Himno de la coronación”.

Coronación de sus majestades

La composición de la música para la coronación de Jorge II y Carolina fue el primer encargo que Handel recibiría como ciudadano inglés. Es fácil imaginar la fastuosidad de la ceremonia, la nobleza y el clero ingleses ataviados con sus mejores galas, la magnífica abadía de Westminster decorada para la ocasión, el pueblo agolpándose a la entrada del templo, apoyando ferviertemente al nuevo monarca entre gritos de “God save the King!”, las campanas repicando y, en medio de todo una música gloriosa, como son las Antífonas de la Coronación de Handel. Para él, una ocasión excepcional para demostrar su asimilación de la tradición inglesa. Compuso cuatro antífonas que serían insertadas en los momentos clave de la ceremonia: Let thy hand be strengthened, para la ceremonia de reconocimiento del nuevo rey; Zadok the priest, la más popular, durante la unción; The King shall rejoice, para el momento de la coronación y My heart is inditing para la coronación de la reina.

La música formó parte esencial del acto de «coronación» con una duración de alrededor de una hora y media,  sin contar las fanfarrias de trompetas, los toques de campanas y los redobles de tambores que sonaron en varios momentos del evento. En total, se interpretaron trece piezas musicales, incluidas dos Handel. El coro, formado por alrededor de cuarenta voces, estaba acompañado por una orquesta de proporciones colosales, que incluía la desconcertante cifra de ciento sesenta violines!!! A pesar de algunas desafinaciones, todo el mundo quedó fascinado con la música y la ceremonia en si.

«Händel entiende «el efecto» mejor que todos nosotros. Cuando quiere, golpea como un rayo». Wolfgang Amadeus Mozart.

 Su magna obra «El Mesías»

El 13 de abril de 1737 su criado, Christof Schmidt, encontró al corpulento músico tendido en el suelo. Le había dado una apoplejía, un ACV actual, que casi acaba con su vida -parálisis de una mano y grave daño cerebral. Ese año había escrito cuatro óperas, y día tras día sometido al estrés, presiones que provenían de «las divas», de «la crítica» y de las deudas que debía afrontar.

Le recomendaron el balneario de Aquisgrán. Los baños y su increíble voluntad ayudó a su fantástica recuperación. Reconoció, que esa etapa fue un infierno del que logró salir sano, salvo y con ánimo de componer.

En 1740,  la crisis económica y también la crisis creativa lo acosaba. Su compañía había quebrado y se movía dentro de una incertidumbre. Los últimos oratorios habían  fracasado le llega de parte de Charles Jennens el libreto de «El Mesías», una liberación para él.

Cuando comenzó a leer el texto de la nueva obra, se dio cuenta de que tenía que hacerlo cuanto antes. Tardó tres semanas, todo un récord. Una vez que la hubo terminado, levantó la partitura y le dijo a su ayudante: «Me pareció haber visto el rostro de Dios». «El Mesías» fue de un éxito inmediato y nunca antes se había reunido tanto público para ver un espectàculo en la ciudad: 700 personas para su estreno en Dublín y luego… en Londres.

Cuando interpretaron «El Mesías» –ante el rey Jorge II en el Covent Garden,  este se emocionó tanto con el ¡Aleluya !  que se paró de un salto y todos lo imitaron. Desde ese día es tradicional levantarse cuando el coro arranca con ese canto el ùltimo de la II parte.

Handel nunca cobró por esta obra… «Será siempre para los enfermos y para los presos, pues he sido un enfermo y con ella me he curado, fui un preso y ella me liberó”.

A partir del año 1750 se instauró la tradición de ofrecer funciones anuales caritativas de «El Mesías» en el Foundling Hospital de Londres, la primera casa dedicada al cuidado de niños abandonados del Reino Unido. Su autor acudió a todas, hasta su muerte, en 1759.

Celebración de la firma del Tratado de «Aix-la-Chapelle»

Poniendo fin a la Guerra de Sucesión Austríaca y la firma del Tratado de Aquisgrán, ingleses y franceses comenzaron inmediatamente a planear las celebraciones.

Los planes ingleses fueron muy elaborados.

El personal de Jorge II trajo al diseñador florentino Giovanni Nicoló Servandoni, quien erigió lo que se llamó una «Máquina» en el Green Park frente al Palacio de Buckingham. Esta tenía 125 metros de largo y 34,75 metros de alto. El duque de Montagu, que estuvo a cargo de la celebración y pagó la mayor parte de los gastos estaba allí  representado junto a los dioses griegos y al rey Jorge I, en la fachada del edificio, había escalones, pilares, pasadizos, columnatas arqueadas y amplias pasarelas. !!!Una belleza para contemplar!!!

Agua fuerte de la época

La celebración de la «victoria» sería el 27 de abril de 1749 – 100 cañones lanzarían un atronador saludo, seguido de un gran espectáculo de fuegos artificiales, y se encargó a Handel que escribiera música para acompañar todo esto.

Jorge II se interesó en la música, y dejó bien claro que prefería el «sonido estridente de los instrumentos marciales». Se le dijo a Handel: que el rey «esperaba que no hubiera violines» quizás recordando su coronación.

Intentó satisfacer los gustos del rey escribiendo para una enorme banda militar. Una orquesta formada por 24 oboes, 12 fagotes, 9 trompas, 9 trompetas, tres timbales y unas pocas cuerdas que pudo «colar». Los relatos contemporáneos hablan de más de 100 músicos en la celebración.

El evento se difundió por Londres, y el ensayo al aire libre fue en el Vauxhall Gardens el 21 de abril que atrajo a una multitud impresionante …unas 12.000 personas. El tránsito para presenciar dicho ensayo era tan intenso que algunos carros tardaron tres horas en atravesar el Puente de Londres, hubo escaramuzas y heridos inclusive. El ensayo fue un gran éxito, lo que auguraba un espectáculo grandioso el día del estreno.

Aguafuerte de 1749

El estreno

El 27 de abril, el día amaneció ventoso y la famosa celebración se convirtió en un desastre maravilloso!. Las cosas empezaron bien como se planeó, pero los fuegos artificiales incendiaron la «Máquina». El fuerte viento convirtió el evento en un pandemonium. La multitud entró en pánico y huyó, y el  pabellón se quemó. Servandoni indignado, desenvainó su espada contra los representantes del rey y fue arrestado.

Pero la música de Handel, fue y será espectacular!!!

«Él es el maestro de todos nosotros». Franz Joseph Haydn

Al mes siguiente se interpretó la Suite de los Reales fuegos de artificios -con el número de instrumentos de «vientos» reducido y el de los «violines» aumentado-  en un concierto para su organización benéfica favorita, el Foundling Hospital de Londres, que produjo un beneficio de 2575 libras para el orfanato.

Es una música maravillosa, alegre, festiva, brillante,  que sigue emocionando al público. La obertura con rápidos intercambios entre los metales y las cuerdas.  Con pausa para un breve interludio lento, luego vuelve a la música rápida para acelerar la obertura hasta su final. En este punto, «el saludo de los cañones», aquí, una serie de movimientos de baile que fueron «separados» por los Fuegos artificiales. Primero un ágil Bourrée,  siguen dos movimientos con títulos apropiados para la ocasión: «La Paix» una lenta siciliana,  mientras que «La Réjouissance» –Regocijo vuelve a la manera de la obertura. Concluye con un par de minuetes, variando su instrumentación.

Todo un maestro!!!

Sus óperas, conciertos, oratorios, su música en general son de elevada inspiración y de amplia concepción artística que han otorgado a su autor un lugar de primacía en la Historia de la Música. Las más difundidas son:

Los oratorios: Resurrección, Esther, Israel en Egipto, Saúl, El Mesías, Judas Macabeo y Belhazzar.

Y sus óperas: Jerjes, Julio César, Radamisto, Tamerlán, Alcina, Admeto y Amadís.

El catálogo de sus obras se conoce con las siglas «HWV» y significan Handel Werke Verzeichnis, en alemán, Catálogo de obras de Händel ordenado temáticamente. Abarca 612 obras más 25 suplementos, obras dudosas y perdidas en tres volúmenes. Trabajo del musicólogo alemán Bernd Baselt 1934-1993 que realizó entre 1978 y 1986. El número exacto de composiciones es por tanto difícil de precisar.

El 6 de abril de 1759 su última aparición pública.

Expresa su deseo de ser inhumado en la Abadía de Westminster y el 11 de abril, añade a su testamento su anhelo de morir el 13 de abril que ese año era viernes santo.

«Con la esperanza de reunirme con mi dulce Señor y Salvador, el día de su Resurrección».

George Friedrich Handel muere el 14 de abril de 1759, sábado santo a los setenta y cuatro años. A sus funerales en la Abadía de Westminster asistieron tres mil personas. Su tumba se encuentra en el rincón de los poetas de dicha abadía. El sepulcro obra del escultor Roubiliac.