Espejito prodigioso… dime, dime la verdad…

De las Mujeres Ilustres-  De Claris Mulieribus de Giovanni Bocaccio- Clío autorretratándose con un espejo

Los espejos son objetos con multiples posibilidades interpretativas que fueron utilizados como símbolo tanto de virtudes como de vicios en emblemas y alegorías.

«La Prudencia», «La Sabiduría» y «La Verdad»  aparecen con un espejo que representa el conocimiento pero también «La Soberbia», «La Lujuria» y «La Vanidad» se sirven de él … como instrumento de pecado.

Mitos muy conocidos se construyeron a partir de ellos. La diosa egipcia Isis logró encontrar los pedazos de su amado Osiris que había sido asesinado y despedazado por Seth, gracias a un espejo mágico.

Perseo, el héroe griego, utilizó la superficie bruñida de su escudo para vencer a la temible gorgona Medusa.

Otra historia  la de Narciso. Según Ovidio, Narciso era un hermoso joven que provocaba suspiros tanto en doncellas como en muchachos, pero él los rechazaba a todos, hasta que un día se enamoró de su propio reflejo en el agua y murió ahogado

Salvador Dalí, hizo su versión del mito añadiendo elementos tan característicos en su obra como las hormigas y el paisaje del Cabo de Creus. Narciso aparece con las extremidades sumergidas en el agua y la cabeza inclinada a punto de arrojarse al lago y perecer; a su lado se duplica la silueta del joven conformada por una mano pétrea que sostiene un huevo del que brota su transformación en la flor que lleva su nombre. Pintó «La metamorfosis de Narciso« y también le dedicó un poema.

David Hockney, el artista británico más influyente del siglo XX, durante dos años (entre 1999 y 2000) investigó la manera en que los grandes maestros del pasado reproducían la realidad con tanta precisión y fluidez, las técnicas  utilizadas etc.. Su experiencia como pintor le ayudó a analizar y reproducir en su estudio algunas de las grandes obras de Vermeer, Caravaggio, Velázquez, Van Eyck, Leonardo o Ingres, y a lanzar una arriesgada hipótesis  que el resto de la humanidad no tardó un instante en refutar. Hockney cuenta en su libro cómo a raíz de una exposición de Ingres en la National Gallery de Londres comenzó a fijarse en el “efecto fotográfico” que tenían esos retratos. Amplió algunos de los dibujos y pudo ver que muchos de sus trazos le recordaban a obras de Andy Warhol; este artista pop proyectaba una fotografía en el papel y trazaba líneas sobre ella, lo que le llevó a pensar si en la época de Ingres se ayudarían de la cámara clara para dibujar más fielmente la realidad. Y así comenzó a escrutar las más famosas e icónicas obras de arte, intentando descifrar los trucos secretos utilizados por sus artífices.

Según Hockney, “desde comienzos del siglo XV muchos pintores occidentales utilizaron espejos y lentes para crear proyecciones vivas, algunos artistas usaron estas imágenes proyectadas de manera directa para realizar dibujos y pinturas y en seguida se difundió una nueva manera de representar el mundo”.

Un poco de ambas cosas:

El mundo del arte no pudo sustraerse al encanto de los espejos: algunos famosos artistas los utilizaron y otros los plasmaron en sus obras y no es ningún secreto…

Jan van Eyck en su «Matrimonio Arnolfini» de 1434  el espejo muestra que hay testigos 

Robert Campin  o el Maestro de Flemalle-San Juan Bautista y el maestro franciscano Enrique de Werl -1438. La obra era un tríptico, cuyo panel central se ha perdido, al otro lado Santa Bárbara. El espejo también nos muestra a dos franciscanos que observan la escena.  Óleo sobre tabla de madera de roble

Petrus Christus (Bélgica, 1449 – Alemania, 1475). «El orfebre en su tienda» También este muestra un espejo. Este, permite ver lo que ocurre en la parte exterior del taller: son dos nobles ociosos, uno de ellos llevando un ave de presa , a modo de contraste con la laboriosidad del orfebre. Detrás de ellos se encuentra la plaza del mercado de Brujas y unas casas.

 

 

Working Title/Artist: A Goldsmith in His Shop, Possibly Saint EligiusDepartment: Robert Lehman CollnCulture/Period/Location: HB/TOA Date Code: 08Working Date: 1449 Digital Photo File Name: h1_1975.1.110.TIF Online Publications Edited By Steven Paneccasio for TOAH 3/17/14

Alberto Durero en el siglo XV describe la forma en que se pintó en uno de sus cuadros: “Dibujé este autorretrato mediante un espejo en 1484, cuando yo todavía era un niño”.

Hieronymus Bosch, un gran observador del alma y los vicios humanos, pintó en la tabla derecha del Jardín de las delicias hacia 1500-1505., dedicada al infierno, un espejo convexo. Lo coloca en el trasero de un monstruo híbrido cuyas patas traseras terminan en arbóreas ramas y una joven desnuda es obligada por un demonio a contemplarse en él. La escena podría representar una alegoría de uno de los siete pecados capitales: la soberbia.

Quentin Metsys (1465 – 1530 «El cambista y su mujer» h.1514 Oleo sobre madera. Un espejo convexo sobre la mesa entre otras cosas que muestra una al ventana exterior y un cliente.

Rembrandt se pintó a sí mismo en más de cincuenta ocasiones dejando  un verdadero diario digamos …un Según pasan los años.

No es la primera vez que expertos sugieren que Rembrandt se sirvió de un truco óptico para lograr los autorretratos tan alabados con los que fue trazando su propia biografía. Charles Falco, profesor de la Facultad de Ciencias Ópticas de la Universidad de Arizona y David Hockney, aseguraron que él y otros pintores neerlandeses como Johannes Vermeer utilizaron la Cámara Oscura para realizar sus obras.

Camara Oscura

Instrumento, consistente en un caja cerrada con un pequeño agujero por el que entra una mínima cantidad de luz, permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su superficie.
A esa conclusión llegaron tras encontrar en los autorretratos de Rembrandt anomalías propias de un proceso de proyección, como la mirada ligeramente desviada. Además, Rembrandt se habría valido del claroscuro— el acusado contraste entre la luz y las sombras, una técnica que el holandés dominaba a la perfección— para esconder las partes que el espejo no le permitía ver de forma detallada.

Il Parmigianino, pintor del siglo XVI se inmortalizó con veintiún años en un»Autorretrato en un espejo convexo».

Diego Velázquez  1656 – «Las Meninas» con espejo plano

«La familia de Felipe IV» es un retrato de grupo en el taller del pintor planteado de forma totalmente novedosa para la época. Cada elemento está tratado con una minuciosidad asombrosa y tiene su simbolismo latente. El espectador se encuentra ante un grupo de figuras en cuyo centro destaca la infanta Margarita acompañada de sus damas y a un lado Velázquez que decide autorretratarse ejerciendo su oficio pero sin enseñar lo que  pinta; lo hace a través del espejo. En este caso Velázquez no utiliza un espejo convexo como lo hacían  hasta entonces, que le permitia mostrar un campo muy amplio de la habitación, sino plana que refleja únicamente las figuras de los reyes. El “truco”, que en apariencia es más sencillo, en realidad tiene un efecto mucho más complejo.

En este cuadro hay representados múltiples planos espaciales. La profundidad está conseguida gracias a la disposición de las figuras y del gran lienzo que coloca de forma oblicua, generando una gran tensión, pero también con complejos recursos como el juego de la luz y la presencia de lo no visible. El fondo es iluminado por una puerta abierta ante la que sitúa al aposentador de la reina, José Nieto, que no sabemos si está saliendo o entrando de la sala, pero al que nadie presta atención, y junto a él está el espejo. Al mostrar las efigies de Felipe IV y Mariana de Austria reflejadas al fondo, Velázquez logra integrar al espectador en la pintura y lo sitúa en un plano de realidad intermedio: Una primera dimensión espacial estaría formada por el mundo visible del cuadro, el que ocupa el pintor, la infanta, sus damas y el resto de personajes iluminados por un gran ventanal del que solo vemos la luz que penetra, a continuación el pintor nos incluye a nosotros, que irrumpimos en la estancia y provocamos que todos los personajes nos dirijan sus miradas, y finalmente, detrás nuestro, los reyes.  En el, están retratadas la figuras en tamaño natural.

El cristal de Claude

O espejo negro, es un pequeño espejo ligeramente cóncavo que tiene su superficie tintada.

Recibe este nombre por Claude Lorrain, pintor francés del s. XVII, célebre  por sus paisajes y vistas escénicas clásicas, muy apreciado ya en su época y en el s. XVIII. No está documentado que él los usara. Pero se suponía que el cristal de Claude ayudaría a conseguir obras similares a las de Lorrain. Estos espejos, guardados en pequeñas cajas o en pequeños estuches plegados, eran usados por artistas, pintores de paisajes, viajeros y aficionados al paisajismo. Su curvatura producía el efecto de abstraer la porción del paisaje que interesaba ver de todo lo que le rodeaba, reduciendo la escala de la vista, y el tinte (que generalmente era sepia o marrón)

El reverendo William Gilpin, clérigo, pintor aficionado y profesor del s. XVII que fue uno de los creadores del género estético de lo pintoresco, abogaba por el uso de estos espejos diciendo que “da al objeto de la naturaleza un tinte suave similar al color del Maestro Lorrain”

 

Artista con un espejo de Claude- Posiblemente Autorretrato a lápiz de Thomas Gainsborough

 

 

 

 

Maurits Cornelis Escher, 1898-1972  estraordinario e imaginativo dibujante y sus esferas reflejantes

«Espejo de Tocador» «Autorretrato»

Tres esferas – 1946 Litografía-   La de la derecha es completamente opaca. La de la izquierda es transparente, y refleja la luz de forma realista, deformando lo que tiene alrededor.En la tercera, una vez más, a Escher dibujando un boceto de este mismo tema «Tres esferas II»‘.
«Ojo«, 1946- Una obra  de estilo simbólico o alegórico, que a modo de los antiguos ‘memento mori‘ y lanzar al espectador una reflexión sobre la muerte. Escher dibuja su propio ojo reflejado en un espejo del baño, pero en vez de autorretratarse como hace a menudo, decide colocar un cráneo para recordarnos que “todos acabamos frente a frente con la muerte, lo queramos o no”.

Otro de 1934 – «Naturaleza muerta con esfera reflejante«Una extraña ave con cabeza humana contempla impertérrita, sobre un periódico y un libro, al propio Escher, abocetando la escena desde su estudio y reflejado en la base de una botella que deforma todo el cuarto. El pajarraco existió, fue un regalo del suegro de Escher y aparece en más cuadros del autor.

«Mano con esfera reflejante«, 1935 es el autorretrato más famoso de Escher lo muestra sujetando una esfera que le refleja, lo que permite, con la curvatura de la superficie de ésta, reflejar también todo el estudio del artista.

Autores como: 

Caravaggio hizo su versión de «Narciso» con su característico tenebrismo,

«Filósofo sujetando un espejo«– Jusepe de Ribera -Esta obra del barroco muestra claramente la idea eterna y filosófica del conocimiento de uno mismo y las búsqueda interna. «Lo Spanogletto», como era conocido el pintor, estuvo fascinado por la obra de Caravaggio y su influencia en esta obra es evidente.

 

 

 

«Mujer ante el espejo» – Frans Van Mieris. 1670 Lienzo 43×31,5011 [219] El espejo, el símbolo de la vanidad, recuerda a la joven  la fugacidad de todo lo terrenal.

«El espejo, Psiqué». 1876. Berthe Morisot– Impresionista de 1876 Durante el siglo XIX Psiqué era considerada un alma inmortal su símbolo:la mariposa, en alusión a esto  la postura de los brazos de la joven, además de la pequeña mancha amarilla en el marco del espejo que parece una mariposa.

«Un bar del Folies- Bergère». 1881- 1882. Édouard Manet  El último adelanto tecnológico exhibido en la «Feria de la electricidad» en 1881, había sido instalado en las Folies Bergère: claras esferas, eléctricamente iluminadas, brillaban junto a las instalaciones a gas. El día de su apertura, se le proclamó como el primer music-hall parisino – distinguiéndolo así de los más tradicionales cafés-chantant (cafés-conciertos). Manet lo plasmó de manera espectacular!!

 «Mujer ante el espejo» Marie Thérèse Walter, amante de Picasso fue retratada por el artista… la pintaría más de 80 veces.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

«El Divino»

 

 

« Señor, haz que yo siempre pueda desear más

de lo que puedo lograr. »

Miguel Ángel Bounarroti – Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. fue un Escultor, Pintor, Arquitecto, Urbanista, Ingeniero, Poeta, Artista Universal …de los siglos XV y XVI . Nació en Caprese, municipio italiano de la provincia de Arezzo, el 6 de marzo de 1475. su pueblo es denominado actualmente Caprese Michelangelo, en su honor.

En todas las ramas del arte de su época, se destacó sobremanera…

Su talento impresionante lo llevó a ser un referente absoluto en cada disciplina y le valió el mote: «El Divino«. No por su fe inquebrantable, que sin duda la tuvo, sino por los prodigios que salieron de su privilegiada mente y sus virtuosas manos.

«Ha habido muchos reyes, pero un solo Miguel Ángel». Cuanta razón tenía  Aretino, uno de los grandes intelectuales del Renacimiento cuando dijo esto. Buonarroti dio buena cuenta, a lo largo de sus casi  89 años, de por qué fue bautizado como «El Divino».

                                                        “Padre y maestro de todos” (según Giorgio Vasari)

Concebía su actividad como una incesante búsqueda de belleza. Precisamente el anhelo de este ideal, lo estimuló a experimentar en varios ámbitos de la expresión artística con  logros que lo convierten en uno de los máximos exponentes de la historia del arte occidental.

 

                               El David

« Dime, oh Dios, si mis ojos, realmente,

la fiel verdad de la belleza miran;

o si es que la belleza está en mi mente,

 mis ojos la ven doquier que giran. »

Para el trabajo de preparación de la escultura definitiva incluyó bocetos, dibujos y modelos a pequeña escala de cera o terracota. Miguel Ángel pasó directamente de estos estudios preliminares al trabajo sobre el mármol, sin hacer un modelo de yeso a escala real, como hacían otros artistas de la época. El David fue esculpido mediante cincel. Miguel Ángel lo diseñó para que fuese admirado en su totalidad, de forma diametralmente opuesta a la manera medieval que diseñaba las esculturas para ser vistas exclusivamente desde el frente. La estatua mide 5,17 mts. de mármol de Carrara.

« Cuando volví, me encontré con que era famoso.

El consejo de la ciudad me pidió que sacara un David colosal

de un bloque de mármol, ¡dañado!,

de casi seis metros. »

Después de hacer su famosa Piedad en Roma entre 1498 y 1500, actualmente en San Pedro del Vaticano,  y de regreso a Florencia, acometió uno de sus proyectos más valientes, aceptando un  verdadero desafío que ningún otro escultor había osado hasta entonces: trabajar en un bloque de mármol de casi seis metros de altura que yacía abandonado en la cantera del «duomo» florentino.

El bloque tenía múltiples fracturas y fallas que fueron encaminando a Miguel Ángel hacia la forma final de la escultura.

El gran hueco del bloque en su lado izquierdo, origina que la escultura se apoye completamente en el pie derecho, generando un contrapposto en la figura y haciendo que la parte izquierda dse balancee hacia la parte derecha del cuerpo. La cabeza de David se gira hacia su izquierda, mientras que sus hombros se escoran hacia la derecha, en sentido opuesto a sus caderas.  Bello! … algo inédito para su tiempo.

En el Alto Renacimiento, el contrapposto era considerado un símbolo de la escultura antigua, muy apreciada entonces. El David llegó a convertirse en el paradigma de la escultura renacentista gracias al  uso inteligente de este detalle fundamental. Con abrumadora seguridad, Miguel Ángel hizo surgir  del mármol  dañado una figura monumental, creando para sus contemporáneos una imagen orgullosa e impresionante del joven héroe biblico David, en clara rivalidad con las dulces y adolescentes representaciones anteriores de Donatello y Verrocchio.

 

Trabajó durante tres años, desde 1501-1504 en esa estatua colosal, que se colocó en el corazón político de Florencia, en la Piazza della Signoria, delante del Ayuntamiento como símbolo de la Nueva República de Florencia.

Se necesitó que 45 hombres trabajasen durante cinco días para mover la estatua desde el taller de Miguel Ángel hasta el lugar elegido.

Los florentinos vieron al David como símbolo victorioso de la democracia sobre el poderío de los Médicis, nuevamente derribados tras la muerte de Savonarola.

En su David, hizo un estudio magistral del desnudo varonil, herencia vital del clasicismo antiguo.

El momento elegido por Miguel Ángel para su David es  previo al enfrentamiento con el gigante Goliat, al que derribará de una pedrada lanzada con la honda que lleva al hombro. David agarra con fuerza el fragmento cilíndrico de  esta  arma utilizada desde época romana: un fustíbalo.  Una honda más compleja que la ordinaria y que permitía arrojar piedras de mayor peso y con mayor velocidad. Fue utilizado por la infantería ligera del ejército romano y consistía en un asta de 1,5 m de longitud, del que colgaban unas cuerdas en cuyo extremo había un trozo de cuero en donde se colocaban las piedras o plomos que se lanzaban sobre el enemigo. Se podía lanzar objetos hasta unos 180 metros…  que no era poco.

No se ve una anatomía perfecta, que siga un canon determinado  que responda a la proporcionalidad de todos sus miembros.

El artista renuncia a esta armonía en pro de la expresividad: las manos son grandes pero es innegable la sensación de fuerza que transmite la mano derecha donde quedan  marcados tendones y venas.

La posición de contrapposto de David ayuda a el equilibrio de la pieza. La tensión de la pierna derecha y el brazo izquierdo forman una contrabalanza con los músculos relajados del brazo y de la pierna izquierda.

La dicotomía entre la tensión y el relax del cuerpo surge como un apoyo al conflicto emocional entre el descanso y la acción de alerta, el estar preparado para cualquier acción.  La tensión muscular y emocional son perfectas para que Miguel Ángel muestre sus conocimientos del cuerpo masculino y su capacidad de equilibrar lo físico y lo emocional en una sola figura.

 

La cara de David tiene una mirada desafiante impregnada de fuerza donde se manifiesta la consciencia del poder, en el sentido más amplio de la palabra. Mira al enemigo mostrando plena auto-confianza, una virtud muy apreciada para el hombre renacentista.
Se dice que Miguel Ángel esculpió intencionalmente estas «desproporciones» para subrayar la manera de ganar una gran batalla: con concentración e inteligencia; representada por la cabeza y con ponderación en la acción; representada por la mano.

Según Martín Gayford en su libro
«En cierta medida creo que Miguel Ángel se parece al héroe mitológico (Hércules)», explica Gayford, «siempre en constante lucha realizando trabajos imposibles. Hay algo de heroico en este artista, su trabajo tiene cualidades épicas».

De su biografía escrita por Vasari.
«Ningún artista antes  había alcanzado tal grado de fama y respeto a una edad tan joven». Antes de los 30 había esculpido “La Piedad” y el Gobierno florentino le calificaba como el artista más grande de Italia y quizás del mundo. Vasari lo presentaba como un santo, un salvador enviado del cielo para rescatar a las artes de su imperfección. “con esta obra, Miguel Ángel ha ganado a los predecesores Fidias o Policleto”.

El David, considerado por la gran mayoría la escultura más bella del mundo, sigue ejerciendo una atracción confirmada continuamente por la afluencia de visitantes en el Museo de la Academia de Florencia, su “lugar” desde 1873  cuando  trasladaron la escultura y está colocada de tal modo que resalta  frente a la pequeñez del espectador.

Y en 1910 se instaló, en su anterior ubicación de la Piazza della Signoria una copia en mármol del David a la misma escala que  puede verse actualmente.

 

Dos  replicas del David  que engalanan  Florencia.

En la Piazzale Michelangelo, donde se encuentra el famoso mirador con las mejores vistas panorámicas del Ponte Vecchio y de Florencia, hay otra copia del David de Miguel Angel. La «Piazzale» fue construida en 1865 precisamente como homenaje a su autor.

Murió el 18 de febrero de 1564 en Roma, Estados Papales con casi 89 años.

«El Divino» Llegó a tener dos entierros y dos funerales.

Primero, en Roma. Después, su cuerpo fue sacado de la ciudad por mercaderes de contrabando, escondido en una bala de heno. Lo llevaron hasta Florencia. Una procesión escoltó sus restos hasta la Santa Croce. Cuentan que:  un mes después de su muerte su cuerpo seguía incorrupto.

« La perfección no es cosa pequeña,

pero está hecha de pequeñas cosas. 

El mayor logro de «El Divino«?

Miguel Ángel fue una persona muy respetada en vida por sus coetáneos.

La desnudez de David sorprendió a todos en cuanto la escultura fue expuesta. Este hecho abrió las puertas a la conciliación con la naturaleza propia del Renacimiento y al alejamiento de los tabús medievales.

Fue la primera persona en tener escritas dos biografías cuando todavía estaba en vida. En la primera de ellas, ‘Le vite de’ più eccellenti pittori, scultori e architettori’, de Vasari, Miguel Ángel es el único artista del libro que figura estando aún vivo. Otra de las biografías, ‘Vita de Michelangelo Buonarroti’, la escribió su discípulo Ascanio Condivi bajo las indicaciones del propio Miguel Ángel.

Todavía se conservan unos 300 sonetos y madrigales que el compuso.

A Victoria Colonna (poetisa italiana)
de Miguel Ángel

Imposible parece y nos lo advierte
empero la experiencia, que más dura
de mármol insensible una figura
que su autor, presa en breve de la muerte.

Más que la causa es el efecto fuerte,
por el arte es vencida la natura:
lo sé yo a quien da gloria la escultura,
y ya me acerco a la vejez inerte.

Tal vez a ti y a mí dar larga vida
puedo con el cincel o los colores,
adunando mi amor y tu semblante.

Y mil años después de la partida,
se verán tus hechizos vencedores,
y cuánta razón tuve en ser tu amante.

 

«Gracias a su ejemplo y su ambición sin límites transformó la noción de lo que puede llegar a ser un artista».

Fue único… rozó el cielo con sus manos … «El Divino»  es inmortal!!!!

Talentos y Manías…

 

coll. szafran

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El Talento

La noción de «Talento» está asociada a la inteligencia y capacidad para desarrollar ciertos dones.
​ En la etimología del término, se destaca el hecho de que existiera una unidad monetaria del mundo antiguo. Tiene su origen en Babilonia pero se usó en todo el Mediterráneo durante el período helenístico y la época de las guerras púnicas. En el Antiguo Testamento, equivalía a cerca de 34 kg, y en el Nuevo Testamento, a 6.000 dracmas, o lo que es lo mismo, 21.600 g de plata. Adquirió fama por su mención en una de las parábolas de Jesús: «la parábola de los talentos» (Mateo 25,14–30 también  en Lucas 19,11–27). De la interpretación de esta parábola deriva inteligencia (capacidad de entender) y aptitud (capacidad para el desempeño o ejercicio de una ocupación).

Digamos que se  tiene  cuando: Talento es Habilidad: «Saber hacer». Cuando se afirma que una persona tiene talento, habría que ser capaz de especificar para qué y de demostrarlo con ejemplos.
Por lo tanto se debe tener Capacidad: «Poder hacer«. Hay que saber sacarle partido a esa habilidad en los contextos adecuados.

También Actitud: «Querer hacer«. Entendida como resultado de voluntad y motivación Si el talento no se expresa, entonces no es talento. Por eso la actitud es el factor más crítico. Y es fundamental las Circunstancias: «Que te dejen hacer» El talento necesita un  espacio para desarrollarse que no tienen cabida en el paradigma del control.  La vida de la mayoría de los artistas nos lo han demostrado con creces.

 Las Manías

Son conductas rituales y repetitivas que llamamos manías. Acciones sin una finalidad. Sin embargo…el mero hecho de ponerlas en práctica aplaca la ansiedad de quien las ejecuta. Hay tantas manías como personas existen, pero estas rarezas  forman parte, y es, de alguna manera, una respuesta contra la uniformidad.

La excentricidad no es locura puede ser dulce, divertida e ingeniosa.

Según especialistas en este tema»las manías ‘son más frecuentes entre las personas supersticiosas, temerosas o con un gran desarrolo de su ego. La explicación es muy sencilla. Cada vez que realiza un ritual, da seguridad, tranquilidad.  Se asocia ese ritual con dominar el  destino.   Todos las tenemos …

Sobre ellas T. Jefferson nos dijo:

“Yo creo bastante en la suerte. Y he constatado que cuanto más duro trabajo, más suerte tengo” 

Isaac Asimov:

“La suerte favorece solo a la mente preparada”

o la opinión  Graham Greene…

“Nunca convencerás a un ratón de que un gato negro trae buena suerte”

  Algunos artistas con talentos y manías

Pierre-Auguste Renoir 1841, Limoges, Año de muerte: 1919, Cagnes-sur-Mer, Francia. Las mujeres fueron para él una fuente de inspiración inagotable. Durante su estancia en Montmartre, adquirió la curiosa costumbre de mudarse cada poco tiempo, pues estaba convencido de que «siempre tienes que estar al acecho de algo que pintar. Nada de equipajes. Basta un cepillo de dientes y una pastilla de jabón». El día de su muerte, Renoir aún estaba pintando. Al dejar el pincel manifestó: «Creo que estoy empezando a entender algo de esto».

Toulouse-Lautrec (Albi, 24 de noviembre de 1864 – Château Malromé, Saint-André-du-Bois, 9 de septiembre de 1901) destacó igualmente por su costumbre de dibujar en los cabarets.Tenía problemas con el alcohol y estaba  seducido por la coctelería americana, se atrevía a preparar sus propios mejunjes, como una combinación de ajenjo, mandarina, licor amargo, vino tinto y champaña al que tituló Rubor de Doncella.

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881 España -Mougins, 8 de abril de 1973 Francia) pintor, escultor y creador, junto con Georges Braque, del cubismo. Tenía por costumbre cada mañana quedarse un buen rato postrado en la cama mientras enumeraba una por una las enfermedades que le aquejaban. Además de convivir con un perro, tres gatos siameses y una mona llamada Monina, en la rutina de Picasso figuraban hábitos como el de no beber más que agua mineral o leche y comer exclusivamente verduras, pescado, arroz con leche y uvas.

Paul Cézanne -19 de enero de 1839 -Aix-en-Provence, Reino de Francia 22 de octubre de 1906 (67 años) Aix-en-Provence, Tercera República Francesa -Considerado el padre de la pintura moderna, repelía cualquier contacto físico. Su afán perfeccionista le llevaba a soltar los cubiertos en plena comida para estudiar el rostro de los demás comensales bajo el efecto de la luz de la lámpara, o bajar al jardín para sentarse y, acto seguido, salir disparado hacia su estudio. Llegó a ausentarse del entierro de su madre por estar inmerso en una vista de un valle al pie de Sainte Victoire que pintó a la acuarela.  Pero no vacilaba ni un instante  a la hora de valorar el trabajo de otros pintores: «Pisarro se acercó a la naturaleza, Monet nos dio una nueva forma de ver y Renoir pintó a las mujeres de París. El resto no cuenta», sentenció.

Hilaire Germain Edgar De Gas Nacimiento 19 de julio de 1834 París, -27 de septiembre de 1917 (83 años) No dudaba en sacar su cuaderno de notas en pleno burdel para hacer sus bocetos y experimentar con la perspectiva y los puntos de vista. Tal y como relata Sue Roe en «Vida privada de los impresionistas», las relaciones del pintor con las mujeres nunca fueron sencillas, ya que rara vez se sentía cómodo con ellas, menos aún cuando «aquellas que ya habían traspasado su juvenud»

Edouard Manet 23 de enero de 1832París- 30 de abril de 1883 (51 años) París-   Un revolucionario dentro de una época de grandes revoluciones artísticas. Su “Olimpia” o “El desayuno sobre la hierba” abrieron el camino para las grandes figuras del Impresionismo. Pese a que se le considera uno de los padres del Impresionismo, nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque le rechazaran. Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos métodos de pintura ni de crear otros nuevos».

Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909  – 28 de abril de 1992 -Madrid, España,) Nacido en Irlanda, de estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional. Combatía su insomnio leyendo libros de cocina, cuando trabajaba, prefería hacerlo de resaca, cuando su mente «chisporroteaba de energía» según su propia expresión.

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Figueras, 11 de mayo de 1904 – Figueras 23 de enero de 1989- Cataluña – España. Pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.  Viajó  a París en un Rolls Royce repleto de coliflores o el caballo blanco que subió a su habitación de hotel en esa misma ciudad son  ejemplos de lo impredecible que era Dalí . Sentía  fobia por los saltamontes y una inexplicable fascinación por las moscas . Eso sí, «solo por las limpias, no por las que se pasean por las calvas de los burócratas, que son repugnantes». Definitivamente, no mentía cuando pronunció aquello de «el surrealismo soy yo».

Joan Miró i Ferrà Barcelona, 20 de abril de 1893- Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983 fue pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Su obra reflejó su interés por el subconsciente,  lo «infantil» y por la cultura y tradiciones de Cataluña. Con el objetivo de no recaer en la depresión que padecía antes de descubrir la pintura,  se autoimpuso un estricto régimen, en el que el deporte tenía un papel fundamental: practicar boxeo, correr por la playa  actividades que formaban parte de su día a día. Por la tarde no podía faltar una siesta, pero sólo de cinco minutos.

James Abbott McNeill Whistler (Lowell, Massachusetts, EE. UU., 11 de julio de 1834-Londres, 17 de julio de 1903)  estadounidense ligado a los movimientos simbolista e impresionista. Desarrolló la mayor parte de su carrera en Francia e Inglaterra. Se destacó principalmente como retratista y también como grabador. Era moroso con todos.

Una anécdota de las muchas que tiene este artista:

Una tarde se encontraba en su estudio cuando alguien llamó a su puerta.Se acercó a abrir, y descubrió con desagrado que se trataba de un acreedor.

-Pase usted. Pase. ¿Le apetece una copa de champán?

El hombre se quedó clavado en la misma puerta y mirándolo fijamente le dijo:

-¿Cómo es posible que pueda usted permitirse recibir a las visitas con champán, si no es capaz de satisfacer sus deudas?

-Ah,no se preocupe. Le aseguro que el champán tampoco lo he pagado.

Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 – Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art. Famoso por su obsesión por los gatos, a los cuales no dudó en introducir en varias de sus obras (postales navideñas incluidas).  Cuando murió uno de sus mayores proyectos quedó al descubierto: más de 600 cajas de cartón marrón bautizadas como Cápsulas de Tiempo en las que el pintor fue almacenando revistas, diarios, regalos y todo tipo de objetos que permanecieron prácticamente en el anonimato hasta 1987.

Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923- 29 de septiembre de 1997 N.Y. EEUU) pintor de Arte Pop, artista gráfico, escultor y músico– Junto con Andy Warhol los  más representativos de este arte. Conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del Arte del Cómic, idea que el rechazaba “por ligera que pueda parecer la diferencia”.

Marcel Duchamp -Bainville -Crevon Francia 1887-Murió en Neuilly-sur-Seine en 1968- Francia. – Una de las principales figuras del dadaísmo y ejemplo de artista total, Duchamp es una de las figuras más importantes y polémicas de su era. Para Duchamp el ajedrez era «una obra maestra del cartesianismo» y «tan imaginativo que, a primera vista, ni siquiera parece cartesiano» y le atraía enfrentar las dos actitudes, la ajedrecística y la artística. Su contribución a la pintura es tan solo una mínima parte de su contribución al mundo del Arte.

Max Ernst -Brühl, Alemania, el 2 de abril de 1891 – 1 de abril de 1976 – París,Francia,)  A medio camino entre el surrealismo y el dadaísmo,  importante en ambas tendencias. En 1941, después de haber tenido una relación sentimental con Leonora Carrington, su alumna, emigró a Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim, que se convertiría en su tercera esposa en 1942. En 1953 regresó a Francia y a partir de entonces sus obras gozaron de una notable revalorización. Ernst fue un valiente explorador artístico. Se caracterizó por ser un experimentador infatigable, utilizando una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.

Jean Michel Basquiat  Nueva York 1960 -1988  -Sin duda, el más importante y conocido del Graffiti Movement que se extendió en la escena neoyorkina a principios de la década de los 80, una corriente artística con influencia –desde luego- en la pintura  que  todavía está por venir.

Paolo  Uccello – Paolo di Dono-15 de junio de 1397 Pratovecchio-/Florencia-10 de diciembre de 1475 Florencia, Italia. “Qué dulce amante es la perspectiva”. Esta frase atribuida a Uccello resume por sí misma la mayor obsesión de este extraño artista: los avances que el descubrimiento de la perspectiva científica suponía para la pintura del Quattrocento. Para Paolo la perspectiva permaneció siempre como un instrumento para colocar las cosas en el espacio y no para representar las cosas reales.

El Greco -(Doménikos Theotokópoulos -Nacimiento 1 de octubre de 1541 Candía, Creta (República de Venecia) actual Heraclión- Grecia –  7 de abril de 1614 Toledo – España– Uno de los más originales y fascinantes pintores de su época, con una técnica personalísima que sería admirada, tres siglo después, por los pintores impresionistas. Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente y se ha ido formando en los últimos cien años, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerarse un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.
Peter Paul Rubens -28 de junio de 1577 Siegen, Sacro Imperio Romano Germánico, actual Alemania –  30 de mayo de 1640 -Amberes-Flandes (Países Bajos Españoles), actual Bélgica. Fue uno de los más prolíficos pintores de toda la historia. Muy famoso en vida, viaja por toda Europa satisfaciendo encargos de acaudalados e importantes clientes. Sus desnudos femeninos siguen sorprendiendo hoy en día. Fue el pintor favorito del rey Felipe IV de España, además ennoblecido por este y por Carlos I de Inglaterra. El pintor Eugène Delacroix, gran admirador suyo, lo calificó como el «Homero de la pintura»,

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza, 30 de marzo de 1746-Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828) Goya es todo un enigma. En toda la historia del Arte pocas figuras resultan tan complejas para el estudio. Inquieto e inclasificable, pintor sin rival en toda su vida, Goya fue pintor de corte y pintor del pueblo. Fue pintor religioso y pintor místico. Fue autor de la belleza y erotismo de La Maja desnuda y del explícito horror de Los fusilamientos del 3 de Mayo. Pintor al óleo, al fresco, dibujante y grabador. En su evolución como artista se muestra como un innovador e investigador, que cultivó todos los géneros y técnicas. No obstante, pronto evolucionó hacia un estilo neoclásico, creando un estilo propio y personal. Pero con sus últimas obras penetró en los nuevos conceptos sociales y pictóricos del siglo XIX, a la vez que prefiguró muchos de los avances artísticos del siglo XX. Goya anticipó con su arte las pautas del arte contemporáneo, mereciendo la calificación del crítico André Malraux de “Goya es el padre del arte moderno”.
Eugène Delacroix -26 de abril de 1798 Charenton-Saint-Maurice, -13 de agosto de 1863 París- Francia – Es la figura clave del romanticismo pictórico y una influencia vital para el impresionismo francés. “La Libertad guiando al pueblo” demuestra la capacidad de la pintura no sólo para impresionar y emocionar, sino también para convertirse en el símbolo de una época a  finales del siglo XX se emitió un billete de banco de cien francos conmemorando a Delacroix y su cuadro La Libertad guiando al pueblo. Se trata del único billete de banco en el mundo en el que se representa a una mujer con los senos al descubierto.

Bendita las manías de los Grandes Talentos de la historia que supieron dejarnos maravillosas obras…  a ellos…Mi eterna gratitud!!!.

 

 

 

El rojo…les sienta bien.

 

La Rosa Tudor apareció por primera vez como emblema real de la Corona Británica en 1486 . La familia de Lancaster, tenía una rosa roja como escudo, y la familia York,  una rosa blanca , lucharon por el trono. La llamada «Guerra de las Rosas» terminó cuando Enrique Tudor derrotó a Ricardo III. Cuando Tudor, o el rey Enrique VII, se casó con Isabel de York en enero de 1486, las dos familias se unieron creando la dinastía Tudor. Enrique VII hizo que la Rosa Tudor roja y blanca fuera el nuevo símbolo real.

 

 

En la moderna moneda de 20 peniques, también  vemos la Rosa Tudor  que ha jugado un papel vital en la historia de los ingleses. Y por cierto en el escudo del País  no podía faltar.

Actualmente  existe esta fantástica rosa proceso de años de trabajo científico  que representa muy bien el  pueblo Inglés y se llama precisamente así Rosa Tudor.

 

 El equipo de Rugby inglés – también tiene una rosa roja basada en la antigua tradición…

 Una bandera  con  diversas cruces que representan a sus santos Patronos:  La de Inglaterra, a san Jorje, cruz roja sobre fondo blanco.

La de Escocia, las cruz de san Andres  en aspas, blanca sobre fondo azul.

La bandera de san Patricio de Irlanda- Roja en aspa sobre blanco.

 Uniformes  de la guardia Real-

 

 

 Cuantas peliculas vimos de Los Casaca Rojas??? !Mil!! sino son más…

 Los Casaca roja (en inglés, Redcoat) era el sobrenombre por el que se conocía a los soldados británicos durante el siglo XVIII, debido a su uniforme tanto de ceremonial como de batalla  caracterizada por la casaca de un vivo color rojo.

Soldado británico portando una casaca roja (c. 1742).

Este uniforme fue concebido para distinguirlos fácilmente del resto de los combatientes y así infundir temor y de paso cubrir la sangre de las heridas, dando a entender que eran un ejército inmortal. El uniforme se usó durante mucho tiempo en los regimientos coloniales del llamado Reino Unido de Gran Bretaña.
Durante la Guerra Bóer en Sudáfrica- se terminó definitivamente de usar este uniforme con casaca roja, dando lugar al  uniforme color caqui o camuflado. Esto se mantendría durante la Primera la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros días.

También como Homenaje  a sus «Caídos en combate» usan las sencillas Poppy.

Cada 11 de noviembre, Inglaterra le rinde homenaje a sus veteranos de guerra, recordando que a las 11 horas del día 11 del mes 11 de 1918 se firmó el armisticio en Compiègne para poner fin a la Primera Guerra Mundial. La flor roja corresponde a una amapola (poppy) que crecían en los campos donde se producían las bajas del ejército inglés y dio paso a que esta fecha quedara conocida como el «Poppy’s Day».
El símbolo se utiliza desde 1921 en las Islas (y otros países del mundo) para recordar a los soldados caídos en combate. Por eso, los monumentos dedicados a los muertos de las distintas guerras suelen estar siempre adornados con poppies. Cuando empieza noviembre, casi todos en Inglaterra se ponen el distintivo en el pecho, porque el 11 se celebra el Remembrance Day («Día del Recuerdo»),

Pero no todas son flores…

También son rojas sus  famosa cabinas  telefónicas

A partir de 1912 la Oficina General de Correos empezó a hacerse cargo del servicio de telefonía del país, por lo que tenía colocados en las dependencias y oficinas postales los correspondientes teléfonos públicos y sus centralitas.

Para dar una mayor cobertura dentro de toda Gran Bretaña, en 1920, se decidió instalar un millar de quioscos  repartidos en diversas poblaciones del país. La mayoría de ellas en zonas rurales, donde el servicio de Correos no podía permitirse mantener abierta una oficina.

El diseño de estas primeras cabinas telefónicas, conocidas como K1 (quiosco 1), distaban mucho de las que conocemos en la actualidad, tanto en la forma como en su color: blancas y con la puerta y ventanas pitadas en rojo; este último era el color corporativo del servicio postal británico, de ahí que los buzones también sean rojos.

Todavía se conserva un ejemplar (aún en uso), de ese primer modelo de cabina, que se encuentra instalada en el Mercado Trinity de la ciudad de Kingston upon Hull (Condado de Yorkshire).

No fue hasta 1924 en el que aparecieron las cabinas totalmente pintadas de rojo (K2) y con un diseño diferente a las anteriores, realizada por el arquitecto Sir Giles Gilbert Scott -1880-1960), quien ganó un concurso  organizado por London Metropolitan Boroughs en el que se buscaba un estilo de quiosco telefónico mucho más acorde con la idiosincrasia británica.

Varios modelos se crearon a partir del K2, variando entre el blanco de la primera y el rojo de la segunda, hasta que en 1935, y con motivo de la celebración del Jubileo en el vigesimoquinto aniversario de la coronación del rey George V, se le volvió a encargar la realización de un nuevo modelo y diseño a Sir Giles Gilbert Scott.

El modelo ganador, diseñado por Sir Giles Gilbert Scott (1880-1960) quien se basó en la tumba del arquitecto neoclásico Sir John Soane que él mismo había diseñado.  La nueva cabina fue bautizada como K6, El monarca falleció el 20 de enero de 1936, sin llegar a verlos instalados.  Gilbert Scott nunca las planeó rojas tan característico en el servicio postal del país y al ser frecuentemente asociado con la urgencia y premura en las comunicaciones. sino que las diseñó para que fuera por fuera plateadas y por dentro en un tono azulado. La decisión del color corporativo fue de la propia compañía de Correos para que fuera identificable allá donde estuvieran colocadas.

 

En marzo del 2006 el Museo de Diseño y la televisora BBC realizaron un concurso para encontrar un icono de la Gran Bretaña, los quioscos rojos se ubicaron dentro de los primeros diez lugares, demostrando ser tan célebres como los autobuses de dos pisos, el London Eye (La Noria gigante inaugurada para celebrar el Milenio) y el  famosísimo Big Ben.

 

 

y ni hablar …

…de los tradicionales autobuses Doble cabina rojos  que circulan por todas partes

 

El servicio se inició en 1829 entre Paddinton y la zona de la City. Eran pequeños vehículos tirados por caballos y ya por entonces de dos plantas (doubler-Decker), tuvo un impulso definitivo en 1851, cuando se celebró la Exposición Universal de Hyde Park. El autobús de dos niveles, todavía tirado por caballos, fue la solución al problema de transporte que ocasionarían las miles de personas que llegarían a la ciudad para dicha exposición.

En 1902 cuando los vehículos motorizados irrumpieron en la escena, era natural que siguieran siendo de dos pisos.y también la  introducción de tranvías y trolebus, pero el  particulamente famoso fue el modelo de pos guerra  RM – Router master que comenzaron en 1954 circulando hasta el 2005. Fue el número 159 desde Marble arch, pasa por Kennington Streatham el 9 de diciempre de 2005  el último en circular.

La compañía de transporte  los retiró para sustituirlos los Bendy Bus con plataforma para el acceso de discapacitados e inclusive está previsto que todo el transporte público será eléctrico para evitar la contaminación ambiental para el 2020.

Solo quedan dos líneas»antiguas la 9 y la 15 que hacen un recorrido practicamente para turistas por la zonas principales de la ciudad. Muchos siguen pensando que el antiguo modelo Router master representa el espíritu londinense,

 

 

Una de película!!!

El 30 de diciembre de 1952, en la ruta de 18 en Tower Bridge, uno de los buses se encontraba cruzando el puente, cuando de repente éste comenzó a levantarse. El conductor, consciente del poco tiempo con el que contaba, reaccionó rápidamente y aceleró, pudiendo salvar la distancia que había entre ambas plataformas. Tras asegurarse de que nadie había sufrido daños o lesiones físicas, el conductor prosiguió el servicio. 7.500 autobuses rojos operan en Londres, en cerca de 700 rutas establecidas, según Transport for London, la empresa a cargo de los medios de transporte de la ciudad.

A pesar de que están oficialmente fuera de circulación, muchos Routemaster sobreviven en manos  privadas en el Reino Unido y en diversos países del mundo ….igual que las cabinas telefónicas …son preciados tesoros de coleccionistas .

 

La película!!!

 

Zorba el griego

Una historia sencilla que transcurre en un pequeño y olvidado pueblo de una isla griega.

El relato se inspiraba en un personaje real, un minero llamado Georges A. Zorba que  conoció el escritor en 1917 en una explotación de lignito al sur del Peloponeso. La novela, escrita entre 1941 y 1943, fue concebida por Kazantzakis como homenaje a la memoria de este hombre cuya profunda sabiduría y humanidad tanto le habían impresionado.  Esta historia nos muestra el atraso  cultural y la forma de vida de los griegos en aquellos años en el ambiente rural,  una sociedad anclada en el pasado, machista hasta el extremo donde las mujeres pueden deslomarse trabajando en el campo  al rayo del sol pero en el bar no entran…  sólo los hombres.

La llegada de un británico, hombre culto, «civilizado»  de traje, llama poderosamente la atención en la localidad. Dos polos distantes van a ser: Basil, un joven escritor inglés  que viaja a Creta para tomar posesión de una pequeña propiedad que ha heredado interpretado por Alan Bates, y Zorba mujeriego, vividor, caradura,  a pesar de ser un inculto analfabeto creación magistral de Anthony Quinn, poseedor de una extraña pero práctica filosofía de la vida. “No quiero problemas en mi vida”, dice Basil en una ocasión y Zorba le contesta “Vivir es el problema. Sólo la muerte no trae problemas”.

Dos hombres tan distintos, dos formas de ver la vida tan dispares, dos personalidades tan opuestas y sin embargo se produce una firme amistad de mutuo respeto y total confianza el uno en el otro. Como ejemplo, una frase de Zorba a Basil cuando éste se preocupa por el peligro que puedan correr los hombres en la mina: “Jefe, a ver si nos entendemos. ¿Es usted o no es usted un cochino capitalista?”. O cuando brindan, Basil dice “Que Dios nos ayude” y Zorba “Y el diablo también”.

El  personaje protagonizado por Irene Papas, una joven viuda,  atractiva a pesar de sus austeros ropajes negros. Una mujer dura por fuerza de las circunstancias pues vive en un lugar donde todo el mundo la odia. Los hombres porque todos la desean y ella los desprecia a todos todos. Las mujeres porque sus padres, maridos e hijos la aman secretamente. Una mujer fuerte, de gran carácter, solitaria debido al entorno que la rodea, muy huraña. De Irene Papas  son las escenas de más fuerza, dramatismo e intensidad que se producen en la película. Sin apenas palabras…sólo cruce de  miradas y actitudes.

Dos mujeres:

Madame Hortense y La viuda  marcan la decadencia en la que están sumidos sus habitantes, han convivido por años, solo esperan la muerte de la vieja mujer – Madame Hortense, para apoderase de sus cosas como aves de rapiña antes la presa.

La viuda,  va como contraste, simboliza la belleza y el misterio femenino de las mujeres sencillas pero independientes, tantas veces apedreadas por la ignorancia y la envidia. Representa los valores que subyacen, la pureza original de los pueblos, que no alcanza a sobrevivir a los instintos primitivos del pueblo: los celos, los miedos y la venganza. Para ellas no hay liberación, si siquiera cuando algún Zorba valiente las defienda de las turbas asesinas… Las antiguas costumbres arraigadas son traicioneras, maliciosas y obstinadas: trágicas.

Mihalis Kakogiannis  o Michael Cacoyannis de nacionalidad Chipriota -griego fue quien la dirigió maravillosamente  y elaboró el guión. Cinco veces nominado al Oscar como director por otras obras !!todo un lujo para un director griego!!!

Supo reconocer  el sello de identidad de Quinn. Cuando el rodaje avanzó y el actor fue metiéndose más y más en el papel, el director le contaba a todo el mundo que se había convertido en un auténtico griego y años más tarde reconoció que el personaje de Zorba no hubiera sido posible sin la interpretación del actor.

Fue el papel de su vida!!! lo expresa con gestos, con movimientos, con sonrisas atrayentes, música y danza, de tal manera que todos como Basil, quedamos sujetos al invencible encanto de sus palabras y continuamos declarando, como lo han hecho tantos otros  que hemos visto una obra magistral del cine!!!

La película obtuvo, entre otros  múltiples reconocimientos, 7 nominaciones a los Oscar, y ganó tres: A la mejor actriz de reparto (Lila Kedrova), Mejor fotografía en blanco y negro Walter Lassally y mejor dirección artística en blanco y negro.

El Guión excelente de Mihalis Kakogiannis  no tuvo premio ni tampoco la Música de Mikis Theodorakis  que ni siquiera fue nominada su Banda Sonora!!!!…  Pero que reconocimiento le hizo el mundo entero !!!

Otras  nominaciones fueron a la mejor película y Mejor actor – Sin éxito

Anthony Quinn. Fue nominado al Oscar como mejor actor por esta película, pero no lo consiguió. En realidad, a pesar de sus muchas y grandes interpretaciones, el actor no consiguió nunca un Oscar por un papel principal. Sí consiguió dos estatuillas por papeles secundarios, en “¡Viva Zapata!” (1952), de Elia Kazan el primero, y El loco del pelo rojo (1956), de Vincente Minnelli) el segundo.

El gobierno griego le estuvo agradecido a Antonio Quiñones, nombre auténtico de Anthony Quinn, por su papel de Zorba y le otorgaría la nacionalidad griega al actor hijo de padre irlandés y madre mexicana residente en los Estados Unidos.

La actriz de origen ruso Lila Kedrova, que ganó el oscar a la mejor actriz secundaria por esta película, repitió su papel de Madame Hortense varios años más tarde, en 1983, en la versión musical de “Zorba el griego” que se realizó en los escenarios de Broadway, ganando por su actuación un premio Tony a la mejor protagonista de una obra musical.

La famosa danza del sirtaki, está basado en otra danza folklórica griega, la Hasapiko por la que es mundialmente conocida la película. No era un baile tradicional griego si no que se ideó y coreografió especialmente para esta película.  Actualmente baile obligado sobretodo para turistas y griegos que visitan Grecia  y tan famosa es la obra de Teodorakis que no se escucha otra música más que esta al son del  Buzuki (en griego μπουζούκι; inglés bouzouki)  el instrumento musical más conocido y representativo del folklore griego que se utiliza tanto para interpretar piezas instrumentales, como para acompañar canciones, o los bailes típicos de ese país.

Aunque la película se supone que transcurre en la isla griega de Creta, en realidad fue rodada en otra isla griega…  en Rodas!!!,  en uno sus hermosos pueblos, en Lindos y  a playa la llaman Ladikó o simplemente Playa de Antony Quinn…

 

 

La historia sencilla cruda, llena de humanidad, repleta de contrastes, bien narrada, magníficamente interpretada, con una música inolvidable y en blanco y negro para rematar…!!! Todo un clásico!!!!