La silenciosa «Bodas de Caná»

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«Las Bodas de Caná»  realizada por «el veronés» es una obra de tamaño colosal: mide 994 cm de largo y 677 cm de alto, pintada sobre lienzo al óleo, en 1563. El tema: Religioso.

Este cuadro fue encargado el 6 de junio de 1562 para el refectorio del convento benedictino de San Giorgio, que refaccionaba su amigo Palladio. Según el contrato, «el veronés», que por entonces tenía 34 años, recibiría: 324 ducados, más la manutención y un barril de vino.

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El pintor

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Paolo Caliari o Cagliari (Verona, 1528 – Venecia, 1588)

Se lo considera uno de los artistas más destacados de la Escuela Veneciana. Aprendió de los grandes: Tintoretto y Tiziano, así como los pintores de la región de Emilia, como  «el Parmigianino». Se lo considera el creador, junto con Tiziano, de un gusto suntuoso y colorista, que en Venecia se prolongó hasta el siglo XVIII.

Fue tal su trascendencia, que sus obras las clasifican de prebarrocas, en particular por la elegancia de la forma, su gusto por las atmósferas diáfanas y el sentido decorativo de la composición. El veronese liberó su maestría en grandes y complicadas obras, poniendo su acento en la perfección del dibujo llegando a ser un excelente retratista.

Personajes en grandilocuentes ambientaciones.

Estos alardes creativos chocaron con la fidelidad histórica de los hechos bíblicos,  que motivó las fricciones entre el artista y la Iglesia. Por eso, para congraciarse con los prelados ningúno de sus personajes «abre la boca».

En Las Bodas de Caná utilizó un brillante colorido,  amarillos, rojos vivos y lapislázuli. Su tratamiento del color se anticipa a la pintura francesa del siglo XIX, destacando la reproducción y sugerencia del brillo y textura de las telas. En cuanto a su técnica, usa un empaste ligero, lo que permite innumerables transparencias. El veronés influyó  grandemente en pintores posteriores.

El veronesRubens son los grandes maestros del pasado que admiraba el pintor romántico Eugène Delacroix.

La peripecias del cuadro

«El veronés»,  pintó esta obra a lo largo de quince meses, probablemente fue ayudado por su hermano, Benedetto Caliari. La entregó al monasterio en septiembre de 1563 y allí se conservó durante 235 años.Fue sustraído por Napoleón durante la Campaña de Italia en 1797, enviado a París, encontrándose en el primer piso del Museo del Louvre desde 1798.

Cuando Antonio Canova, el célebre escultor, negoció recuperar todas las obras de arte italiano confiscadas por Napoléon, lamentablemente, dejó Las Bodas en Francia, quizás convencido por Vivant Denon de la fragilidad de este lienzo. A cambio, le ofrecieron a Italia una obra de Charles Le Brun.

En 1806, tras la caída de la República de Venecia, la iglesia pasó a ser una parroquia y el monasterio  suprimido, los monjes se trasladaron a Santa Giustina -una localidad de la provincia de Belluno, región de Véneto. En 1929 toda la isla se convirtió en fortín defensivo, almacén de municiones añadiéndole nuevos edificios portuarios.

Durante la Segunda guerra mundial, el cuadro, del Louvre fue llevado al sur de Francia para protegerlo. Después de la guerra, regresó a París, aunque dañado por el transporte.

Pero en 1951, cuando casi todo el convento, salvo la iglesia, estaba condenado a la ruina, fueron adquiridas por el conde Vittorio Cini para establecer la sede de la prestigiosa Fondazione Giorgio Cini en memoria de su hijo, que había fallecido en un accidente aéreo en 1949, comenzando una restauración integral y general.

La Fundación Cini  ha añadido la reproducción del cuadro del verones exacto del original en el Louvre  muy efectista como lo fue en su momento.

El monasterio y el refectorio, remodelado por Palladio en la década de 1560

La Pintura

Representa las Bodas de Caná, del Evangelio segun  san Juan – Jn 2,1-11– Primer milagro de Jesús. En su presentación, causó escándalo, al insistir más en la fiesta que en los elementos religiosos sobre todo en un refectorio benedictino.
El cuadro tiene dos partes diferenciadas: la inferior, vemos unas 130 figuras, y la superior, dominada por la arquitectura.
En el centro del cuadro está Jesucristo, sentado, con un halo alrededor de la cabeza, a su derecha, su madre, María y junto a ambos, algunos Apóstoles.

Se disfruta del postre… a juzgar por la presencia de azúcar, frutas y mermelada de membrillo, esta era tradición en un festín de bodas. Según el relato evangélico comenzó a escasear el vino… María lo nota y le pide a Jesús que interceda. A pesar de no estar de acuerdo en un principio, realiza el milagro.

En toda obra religiosa, el simbolismo se impone sobre la lógica del protocolo del banquete. Los invitados, (Jesús María y los apóstoles) ocupan el centro de la mesa,  mientras los recién casados aparecen sentados en el extremo izquierdo. En el centro y delante de Jesús se sientan un grupo de músicos con instrumentos renacentistas pero nadie toca, ni hablan, ni cantan: es un refectorio!!!! el silencio, prevalece en el.

El artista, se autorretrató aquí vestido con una túnica blanca y sosteniendo una viola da gamba. El pintor veneciano Tiziano, se sienta enfrente vestido de rojo, tocando un violonchelo; Tintoretto con el violín y Jacopo Bassano,  la flauta.
Personajes de la época: Alfonso de Ávalos, marqués del Vasto, que gobernaba el Milanesado; Leonor de Austria, Francisco I, María de Inglaterra, Solimán el Magnífico, que sería el personaje de la izquierda con turbante alto; Vittoria Colonna, y Carlos V de perfil, dirigiéndose a un sirviente.

Arriba, sirvientes y carniceros, traen un animal para sacrificarlo. Jesús es el Agnus Dei o «Cordero de Dios». El cordero sacrificado es por lo tanto un símbolo de su futuro sacrificio en la cruz. Cristo se halla justo bajo la hoja del cuchillo.

Hacia la parte inferior izquierda de la obra, hay un sirviente vertiendo el vino milagroso en un recipiente ornamentado para servir a los invitados. Mientras a su lado, un hombre permanece de pie, estudiando atentamente una copa de vino: es Benedetto, hermano del veronés quien asombrado  luego dirá: «Siempre se sirve primero el vino de inferior calidad… tu en cambio, has guardado el mejor para el último».

Aunque muchos de los personajes en la pintura, sostienen vasos de vino, nadie esta ebrio, todos disfrutan «calladamente» de la fiesta. Junto a los músicos, un reloj de arena, que en arte es llamado: «vanidad».  Los placeres terrenales: la música, fiesta, despliegue de lujo pero… el tiempo…solo el tiempo.. nos recuerda la muerte. En casi todos las obras importantes del veronés, los perros ocupan un lugar significativo. En primer plano en este caso especial: una boda, los perros simbolizan la fidelidad que los contrayentes se juraron eternamente…

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A los 210 años del famoso saqueo…

Comisionado por la fundación Giorgio Cini de Venecia, se realizó con la colaboración del Museo de Louvre, de París un facsímil de las«Bodas de Caná».  El Instituto de Arte de Madrid FACTUM se encargó de digitalizar la obra, liderado por el artista británico Adam Lowe. 

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«El facsímil», es una réplica increíblemente exacta del lienzo de 732 pies cuadrados. Los detalles, incluyendo las costuras  que unieron los paneles cortados por las tropas de Napoleón cuando lo transportaron a Francia en 1797.

En el lugar de los hechos

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Esta es la pequeña Basílica en Caná

Caná (Kefer Kenna) es una pequeña localidad a 6 Km de Nazareth. En el lugar donde habría estado la casa donde se celebró el banquete de bodas hay un santuario custodiado por los franciscanos desde 1879. Sobre el edificio se construyó una pequeña iglesia que fue posteriormente ampliada. En el centro de la iglesia se conservan los vestigios de una antigua bodega, con restos de una antigua tinaja en recuerdo del milagro. En 1969 se realizaron excavaciones que sacaron a la luz vestigios romanos del siglo IV y algunas inscripciones.

Los peregrinos que visitan Tierra Santa, si son casados, cuando llegan a Caná pueden participar en una ceremonia, en la que renuevan su promesa matrimoniales. Reciben un pergamino que les recuerda su unión y la renovación de sus votos.

 

 

 

 

 

Nemorino…

del L’elisir d’amore

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Ópera cómica o melodramma giocoso  en dos actosde Gaetano Donizetti quién consigue dar un paso más ese difícil ámbito operístico… algo no logrado hasta entonces, que los personajes cómicos muestren emociones y sentimientos, situándolos entre la comedia y el drama. Estrenada en Milán en 1832, relata las vicisitudes que atraviesa el ingenuo Nemorino para conquistar el amor de la rica y distante Adina.

Sus intérpretes principales fueron: Sabina Heinefetter (Adina), Giovanni Battista Gènere (Nemorino), Giuseppe Frezzolini (Dulcamara) y Henry Bernard Debadie (Belcore). El éxito fue tan grande que la ópera permaneció en cartel durante treinta y dos días consecutivos.

Prontamente se fue dando a conocer enItalia y en otros teatros del mundo: España-se estrenó en el Teatro de la Santa Cruz – Barcelona el 5 de mayo de 1833 y se ofreció rápidamente en Madrid (1833), Lisboa y Berlín (1834), Viena (1835), Praga y Londres (1836). La primera representación en inglés tuvo lugar en Nueva York el 18 de junio de 1838, luego en el Metropolitan Opera el 23 de enero de 1904. Llegó a París y Varsovia en 1839; a Bruselas, Basilea y Estocolmo en 1840; a Río de Janeiro en 1841; y en La Paz (Bolivia) el 24 de marzo de 1847. Sigue siendo una de las óperas más populares que jamás salió del repertorio.

Gaetano Donizetti -1797 -1848 -no fue solo un compositor de grandes obras, fue maestro de canto, director de orquesta y director de escena. Tuvo un conocimiento muy profundo de las posibilidades de la voz humana y también supo dotar a sus óperas de un tempo dramático muy notable. Sabía combinar las situaciones jocosas propias de la ópera bufa con el sentimiento romántico. Utilizó técnicas del Bel canto dirigídas a desarrollar las dotes vocales de los interpretes,  (estos, trabajan la voz como un instrumento) requiere por lo tanto  de una técnica prodigiosa.

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La bella romanza…

y también, las opiniones de tenores que alguna vez la interpretaron.

«Es una melodía pura con una armonía que tiene sólo dos alteraciones; musicalmente es de lo más sencillo y, sin embargo… es de lo más complicado».

Una furtiva lágrimalo más famoso de la ópera!!! es un aria para tenor y el momento cumbre de la obra, en el que el enamorado Nemorino reflexiona sobre una lágrima que fugazmente vió en los ojos de Adina y que interpreta como señal del amor. Nemorino  sufre, su amada está lejos de su alcance social, cultural e intelectal. El protagonista presenta desde el principio de la ópera un carácter melancólico. Su frase «Io sono sempre un idiota» deja ver la poca autoestima del  sincero campesino.

«Es la voz sola con un acompañamiento mínimo».

La bella romanza es introducida por el fagot que actúa como solista acompañado del arpa y los pizzicatos de las cuerdas. Empieza el solo y va introduciendo algunos instrumentos de viento como clarinete, el corno inglés, oboe y flauta, quienes en ciertos casos doblan o hacen de eco a la melodía que lleva el fagot hasta el final de la pieza.

«Todos los tenores líricos lo saben: Se puede cantar  «L’ elisir d’ amore», pero como no se de «la talla» en la famosa romanza -será difícil que crítica y público perdonen al intérprete».

Según las memorias de Felice Romani, que escribió libretos para compositores muy conocidos y considerado como uno de los mejores, esta  aria fue un capricho del compositor:»la tenía guardada en su cartera… de la cual  estaba enamorado».

Alessandro Lanari, empresario del Teatro della Canobbiana de Milán, le pidió a Donizetti que compusiera una ópera en el breve término de dos semanas. El texto estaba basado en el libreto de Eugène Scribe para Le philtre, de Daniel-François-Esprit Auber.

«Hay que lograr un equilibrio y en ella, todo tiene importancia hasta el silencio».

 Romani se negó a colocar el aria al  principio porque estaba fuera de lugar, ya que la escena era de alegría y festejo y esto rompería el esquema de la acción. Pero el compositor insistió y finalmente fue incluida durante la octava escena del segundo acto. Nemorino, el enamorado protagonista, se percata de una lágrima que sale de los ojos de Adina, la mujer que ama. Él supone, que su amada está celosa porque repentinamente atrae a las jóvenes del pueblo, pero lo que él no sabe, es que el cortejo que le sigue es por la herencia que acaba de obtener de su tío recientemente fallecido. Piensa que es por el «Elixir» que ha bebido, que en realidad este, no es otra cosa que vino de Burdeos vendido por el charlatán de Dulcamara.

«Es a lo único que le tengo miedo de toda ópera…a la romanza,  la espera todo el mundo»…

Adina es el personaje de mayor dificultad vocal; para su interpretación es necesaria una soprano lírica de coloratura. Su caracterización tiene muchos momentos de gran dificultad vocal, tanto por la frecuencia con la que el compositor recurre a ornamentos de tipo rossinianos como por las notas agudas.

«Está al final de la obra y hay que llegar bien… la dificultad está en saber administrarse «

Donizetti nos muestra su maestría de saber combinar los contrastes más paradójicos. Siendo este el momento menos alegre de la ópera cómica, es el más esperado por el público y la de mayor lucimiento de los tenores.

 «tiene que tener dulzura pero sin relajarse»…

Está compuesta en SI Bemol menor y dividida en dos estrofas. A la entrada de la voz de Nemorino le anteceden 9 compases de la parte instrumental, la música modula de Si bemol menor hacia su dominante Fa mayor y en esta tonalidad concluye la la sección A. En el compás 26 la obra modula de nuevo a la tonalidad original e inicia la sección A’ cuya armonía y línea es semejante a la A, pero  esta vez modula a Si bemol Mayor y en esa tonalidad concluye la sección A’ y la obra. Pianos y fortes todo se mantiene muy ligado.

«El Passaggio»

Al final de la partitura, se sugiere el lucimiento del intérprete.  El compositor coloca sobre el pentagrama original varias posibles interpretaciones. A propósito del mal llamado do de pecho no pertenece al registro de «pecho»; realmente pertenece al registro de «cabeza», es el mal llamado falsete (imitación de voz femenina). Mezclar el registro de pecho y el de cabeza para que el cambio de timbre o  color de voz sea apenas apreciable por el público. En una palabra: el compositor da libertad interpretativa…

A

Una furtiva lacrima
negli occhi suoi spuntò:
Quelle festose giovani
invidiar sembrò.
Che più cercando io vò?
M’ama! Sì, m’ama. Lo vedo, lo vedo.

A’

Un solo istante i palpiti
del suo bel cor sentir!
I miei sospir confondere
per poco a’ suoi sospir!
I palpiti sentir,
confondere i miei coi suoi sospir…
Cielo! Si può morir!
Di più non chiedo, non chiedo.

Ah, cielo! Si può morir
Di più non chiedo.
Si può morir, Si può morir d’amor.

Pavarotti decía sobre la técnica del «Passaggio»: «Una de las cosas más difíciles de dominar es el «passagio». Casi todos los cantantes tienen no una, sino tres voces diferentes: una más grave, una intermedia y una más aguda. Cuando uno está cantando y pasa de una de esas voces a otra hay un ostensible cambio de engranajes. Se puede percibir cuando la voz se desplaza de un área vocal, o registro, a la siguiente. Lo primero que debe hacer un cantante con respecto a ello es saber en qué momento su voz cambia de registro y trabajar para controlar ese cambio de tal manera que se perciba lo menos posible. Lo ideal es que el que escucha no lo note en absoluto y que la voz suene como una totalidad en toda la amplitud de su registro.»

Pavarotti, un Nemorino inolvidable!!!

Digno interprete para tan hermosa obra.

El mundo supo reconocerlo y aplaudirlo. De hecho, durante mucho tiempo ostentó el récord del aplauso más largo de la historia. Nada más ni nada menos que 67 minutos de vítores en el Palacio de la Ópera de Berlín tras interpretarla. Salió 165 veces a escena, tras las respectivas 165 subidas de telón, para agradecer al público su gran apoyo.
Su voz convencía. Su timbre era brillante. Tenía una técnica buenísima!!! basada en el sul fiato, que proporciona una compresión ideal del aire y permite cantar sin esfuerzo, incluso con mucho volumen y ni hablar de sus «do de pecho». Lograba agudos fáciles y su fraseo legato . Aparte, ponía toda su sensibilidad interpretativa en ella.

Después de escucharla por un grande como lo fue el maestro Pavarotti uno entiende el comentario de los tenores…

«Es una melodía pura con una armonía que tiene sólo dos alteraciones; musicalmente es de lo más sencillo y, sin embargo… es de lo más complicado».

Ya lo creo que si… y tienen toda la razón!

 

El genio del Renacimiento

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Leone Battista Alberti (1404-1472)

Fue «El hombre del Renacimiento», el Primero con todo lo que eso significa al exponer sus avanzadas ideas dejando atrás definitivamente la vida medieval.

Fue un auténtico diletante:  Jinete, atleta, gran conversador, dramaturgo, lingüista, compositor, arquitecto, matemático y sacerdote. Ejerció como funcionario en Roma durante algunos años y en su tiempo libre estudiaba las ruinas de la Antigüedad.

Toda su vida huyó de lo práctico. Pero tuvo una «vista providencial» que lo llevaron a concebir notables edificios.

Obras en arquitectura

Terminó la fachada de Santa Maria Novella en Florencia (1456), introduciendo en ella el esplendor glorioso de un sol y el motivo de grandes volutas para unir las alturas de las naves

Detalle que fue muy copiado, desde el Gesù de Vignola en adelante, además de revestirla completamente de mármol, una de las herencias más persistentes de la antigua Roma.

El palacio Rucellai en Florencia

Fue encargado por Giovanni Rucellai, miembro destacado de esa familia de ricos tintoreros de tejidos y después, Banqueros.

Este palacio está hecho de piedra. El muro almohadillado, que consiste en rebajar los bordes para dar sensación de relieve a los sillares. Técnica que fue también copiada hasta el cansancio… esta, aparecía en acueductos y puentes romanos de la antigüedad. La dirección técnica de esta obra fue de Bernardo Rosellino.

Los nuevos tiempos del Renacimiento consistía en demostrar: el PRESTIGIO, debía tener carácter plurifuncional como ser: vivienda, recibir a embajadores y nobles, realizar fiestas y negocios. A su entrada, en el banco exterior, se sentarían a esperar «los clientes» la audiencia de los poderosos banqueros.  Además, vincular la obra al «marco urbano» que era lo fundamental.

Esta nueva arquitectura renacentista se estableció como modelo que sería imitado por más de 400 años.

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Alberti prioriza el trabajo intelectual del diseño, sobre el del constructor. El es sobre todo un gran teórico que proyecta o diseña gran variedad de edificios y escribe los tratados para la posteridad. Nunca puso «manos a la obra» se lo dejaba a los constructores o artesanos especialistas… jamás compitió con ellos.

También remodeló la iglesia gótica de San Francesco en Rímini (1450) como mausoleo de la familia Malatesta, aunque nunca la terminó.

Dos bellas iglesias en Mantua: San Sebastiano (1460), con la planta centralizada que el arquitecto defendía, basada en un cuadrado y no en un círculo «divino».

La otra, Sant’Andrea (1470), de cruz latina, levantada sobre altos podios, otra teoría albertiana materializada que dominaría el diseño de las iglesias durante varios siglos.

Gracias a figuras como Alberti que hizo tanto investigó en su tiempo,  se convirtió en el referente del «Gran estilo internacional»:  un nuevo tipo urbano que afectaría fuertemente a la Historia  de la Arquitectura.

El espacio urbano.

Su pensamiento era: Dejar de considerar exclusivamente la «arquitectura del edificio» para tener en cuenta el entorno.

De_Re_Aedificatoria «El arte de edificar»- es un tratado en diez libros acerca de arquitectura escrito en latín en torno al año 1450 por Alberti durante su permanencia en Roma.

Es considerado el tratado arquitectónico más significativo de la cultura humanista mundial.

De re aedificatoria es considerado el texto fundador de la arquitectura.

La plaza

El centro por excelencia de la vida urbana.

La plaza Roja de Moscú…impresionante!

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En el s. XVII, las plazas fueron llamadas « plaza georgiana».  Con grandes e importantes edificios que se caracterizan por la abundancia de columnas y frontones.
Esta «Arquitectura georgiana» estaba inspirada en la arquitectura clásica renacentista de Alberti. Fue el nombre dado en los países de habla inglesa que adoptaron este estilo  llevado a cabo entre 1720 y 1840, llamado así por los cuatro reyes británicos llamados Jorge (George) que reinaron  desde 1714 hasta 1830.

Los teatros renacentistas como el Farnesiano de Parma, el de Vicenza.

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Entre ese estilo de edificios se destacaron los nuevos…

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Los clubes de  la calle Pall Mall.

Si, esta calle albergaba varios clubes de caballeros aristócratas construidos entre el siglo XIX y principios del XX. Entre los clubes se destacan el Athenaeum, el Travellers, el Army and Navy, el Reform, el Oxford and Cambridge Club y el Royal Automobile Club.

En la actualidad, estos clubs se muestran  democráticos en cuanto a la admisión de socios en lo relativo al estatus social y al género…  aceptan también a mujeres.

Los bancos de Wall Street.

Fue el límite norte de Nueva Ámsterdam. Allí, los colonos holandeses construyeron en 1652 un muro de madera y lodo, como defensa contra un eventual ataque de los indios…  o de los ingleses y colonos de Nueva Inglaterra. El muro,  fue derribado por los ingleses en 1699. La muralla desapareció, pero, se sigue recordándola.  WALL st.

Y muchos más que se fueron sumando…

Pero Alberti, nuestro «genio Renacentista», dejó que naturaleza y razón, saber y juicio, armaran»el edificio» de sus propias ideas para lograr vivir  en armonía.

Según retrato de su  gran amigo Landino :«lui geometra, lui aritmetico, lui astrologo, lui musico, e nella prospettiva meraviglioso»,  contribuyó a alimentar su leyenda.

 El Aritmético y geómetra, escribió tres libros de pintura (Trattato della pittura, 1435), un tratado sobre tracción (Trattato sui pondi, leve e tirari) y sobre los métodos de medir alturas (Ludi matematici, De punctis et lineis apud pictores), algunos libros sobre la vida civil (De republica, de vita civile et rusticana et de fortuna) y otros amorosos en prosa y verso. Fue el primero que intentó traducir versos de lengua vulgar a la métrica de los latinos. Un total de 43 obra ( sin contar su tratado De re aedificatoria que son 10 tomos) todas obras valoradas y difundidas, que provocaron  fascinación en su tiempo y ocupan un lugar de  privilegio en la literatura universal.

Pero fue el Momus, el que gozó de gran éxito en los ambientes humanistas. Lo redactó en Roma entre 1440 y 1450, es un  tratado satírico político-moral sobre el príncipe y el Estado, en latín.  Una gran meditación de carácter utópico que Alberti dedicó «al primo Papa del Rinascimento», Nicolás V, y a su proyecto de renovación no sólo de Roma sino de la sociedad del Quattrocento, que bien pudiera emparentarse con el Encomiun de Erasmo de1509 y la Utopía de Tomás Moro de 1516.

A partir de sus modelos arquitectónicos y de sus escritos, se inicia la teoría del arte académico, elevando la pintura, la escultura y la arquitetura a la misma categoría artística que la poesía o la filosofía. El papel social del artista creció hasta obtener un destacado lugar en la sociedad.

Jardines Renacentistas

Alberti asocia belleza con armonía, y expresa la idea de la utilidad de  «la ornamentación» en todas las artes incluyendo la belleza de los jardines.

«Aurora»… el aria patria

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La ópera «Aurora» es considerada la primera ópera nacional argentina.

Fue encargada por el presidente de la Nación José Figueroa Alcorta 1906-1910- con la intención de empezar a crear el clima propicio para los festejos del Centenario de la Revolución de Mayo – 25 de mayo de 1910 en la primera decada del siglo XX .

Así fue como se la incluyó  en la programación del Teatro Colón el año de su inauguración: 1908.

La ópera está en italiano como era lo usual por entonces. Fue compuesta por Héctor Panizza, 1875-1967 compositor argentino de Buenos Aires, hijo de italianos y el libreto de Luigi Illica- italiano (autor de los textos de Madame Butterfly …solo por mencionar algunos de sus éxitos). Para acompañar al libretista y suministrarle la información histórica y de contexto nacional se le sumó el argentino Héctor Cipriano Quesada.

Su autor

Panizza fue un notable músico argentino de relieve internacional. Llegó a dirigir en grandes teatros europeos, como Alla Scala de Milán (en el que fue codirector con Arturo Toscanini).  El Liceo, de Barcelona; la Opera Cómica, de París el Thèâtre des Champs Elysées, de la misma ciudad y el Coven Garden de Londres, en este último durante nueve años consecutivos.
Dirigió también en teatros de Berlín y Viena. En 1933 fue el único director extranjero invitado al ciclo realizado en Viena en homenaje a Wagner, ocasión en que dirigió la ópera Tanhauser.
Desde su juventud, Panizza había actuado en teatros líricos italianos, como los de Palermo, Roma y Nápoles. En América, se desempeñó con igual brillo como director de ópera, en teatros de Chicago, Boston, Cleveland, Baltimore, Los Angeles, Filadelfia y San Francisco.
Como compositor, en 1898 hizo conocer en el Teatro de la Opera de Buenos Aires, II fidanzato del mare («El novio del mar»), la primera de sus óperas. En 1900, Arturo Toscanini le dirigió la segunda de sus creaciones, titulada Medioevo Latino, representada en el Teatro Politeama de Génova.
«Aurora» fue la tercera de las óperas que compuso. Y en 1939 ofreció su cuarta y última ópera, Bizancio, que protagonizó en el teatro Colón de Buenos Aires, la excelente soprano Gilda Dalla Rizza.
Para orquesta, compuso: Tema con variaciones y Bodas campestres-suite sinfónica, Tríopara piano y cuerdas y Sonata para cello y piano entre otros.

La Ópera «Aurora»

Fue estrenada el 5 de septiembre de 1908, en el nuevo Teatro Colón de Buenos Aires bajo la batuta de su autor, con Amedeo Bassi y Titta Ruffo que buena fama tenían.

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En ocasión del estreno de la obra, los cantantes italianos, Cesare Assanti, Amedeo Bassi, Giuseppe La Puma y Titta Ruffo, llegaron a la Argentina desde Génova para estrenar la obra bajo la batuta de  Héctor Panizza.

El argumento …

Transcurre en Córdoba – Argentina en mayo de 1810

Al  convento de la Compañía de Jesús llega un cesto de flores que un fiel devoto envía a la Virgen de los Dolores. En el cesto, hay  un mensaje clandestino enviado desde BuenosAires:

«Muchachos: ¡Saluden a la Aurora!
¡Ella brilla triunfal en el límpido cielo de la Patria!
¡Empieza la lucha por la Independencia!»

La ciudad de Córdoba, estaba sojuzgada férreamente por la represión española. El gobernador Ignacio del Puente (interpretado por el barítono Titta Ruffo), había reaccionado con fuerza brutal para restaurar el orden después de la revolución estallada en el Río de la Plata, dando enseguida una proclama:
«¡En Buenos Aires flamea un estandarte rebelde e indigno! ¡¡¡Lo ahogaré en su propia sangre!!!»
 Del Puente aún ignora que Mariano, un joven patriota, se ha enamorado de su hija Aurora (interpretada por la soprano María Farnetti).
 Mariano (protagonista- Amedeo Bassi-tenor) se bate con heroico coraje, pero es capturado como espía.
El gobernador, no acepta esa historia de amor y jura la muerte de Mariano diciendo:
«¡Antes que padre, soldado!»
Los amantes consiguen escapar, pero la historia termina trágicamente con Aurora herida mortalmente por el fuego de las armas de las tropas de su padre.

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Aurora, en brazos de Mariano ve elevarse el sol de la libertad de América y exclama: «Mirad, es la aurora. Dios la escribe en el cielo con el sol y en la tierra con su sangre» y expira en sus brazos.

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El aria

En un profundo y emotivo silencio, los presentes escucharon la voz del tenor Amedeo Bassi, quien cantó el aria en italiano –  dura aproximadamente unos de tres minutos al final del segundo acto.

Era el amanecer… Mariano, “descubría”  en la figura de un águila que planeaba en lo alto, la imagen de la bandera nacional y le canta…

Alta pel cielo, un’aquila guerriera,
ardita s’erge in volo trionfale.
Ha un’ala azzurra, del color del mare,
ha un’ala azzurra, del color del cielo.
Così nell’alta aurora irradiale,
il rostro d’or punta di freccia appare,
porpora il teso collo e forma stelo,
l’ali son drappo e l’aquila è bandiera.

È la bandiera del Paese mio,
nata dal sole; e ce l’ha data Iddio!

El público, profundamente conmovido, le regaló el más caluroso de los aplausos imposible de imaginar, tanto es así, que Bassi tuvo que hacer un bis. Su éxito fue notable desde  la primera representación.

No faltó la crítica

Le criticaron el hecho de no estar ambientada en lo que era el país por 1810… que faltaban aires criollos o americanos. El Convento de la Compañía de Jesús, cuando los jesuítas habían sido expulsados en 1767. Otro error, aún más importante que los anteriores, en 1810 no teníamos bandera, esta fue creada en 1812. Ni hablemos de su color… un ala “azurra como il mare”, “azurra”, como el cielo, el color es celeste, no azul…además aquí no hay águilas.

A pesar de los errores históricos, del idioma y de todo lo que le quieran agregar…el aria despierta una inmensa emoción sencillamente, porque es !!Hermosa!!!. Tuvo siempre éxito e intérpretes de alto nivel, desde aquella primera puesta de 1908.

35 años después…

Angel Pettita y Josué Quesada, hijo de uno de los coautores de la versión original la tradujeron al español nuestro.La dificultad para sostener la métrica y la melodía en una composición es terrible y más aún en las traducciones. y como era de esperar… resultó una versión  mucho más criticada que la original, que ya tenía bastante.

Si bien la belleza de la música y la emoción que despierta se mantuvieron y siguieron intactas,  grandes y chicos se preguntan aún hoy: qué es eso de «aurora irradial»?  Solucionaron el problema cambiando la «i» latina por la griega:» y radial».

Lo del «purpurado cuello» … bueno este «detalle» jamás  fue solucionado. A pesar de tantas incongruencias idiomáticas e históricas  es el «Himno oficial a la Bandera Argentina”

La versión en idioma español de la ópera “Aurora”, se re-estrenó el 9 de julio de 1945 en el Teatro Colón donde se había estrenado. Entre los asistentes a la puesta, estaba Juan Domingo Perón, entonces vicepresidente la Nación y a partir de ese año, por decreto del Poder Ejecutivo Nacional, el aria de “Aurora” se canta en todo acto oficial durante el izamiento de la Bandera y cada mañana.

He aquí la traducción

Alta en el cielo un águila guerrera,
audaz se eleva en vuelo triunfal.
Azul un ala, del color del cielo,
azul un ala, del color del mar.
Así en el alta aurora irradial?
punta de flecha el áureo rostro imita,
y forma estela al purpurado? cuello.
El ala es paño, el águila es bandera.

Es la bandera de la Patria mía,
del sol nacida, que me ha dado Dios

El tenor argentino José Cura la interpreta en Praga

 

 

Vamos todavía…!!!

Mes de mayo

Del «Libro de Horas del duque de Berry»

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Este códice se realizó durante una época muy agitada de Francia. Con largas guerras que arruinaron la agricultura, causando hambre, pestes y diezmando a un tercio de la población del reino.

Lo comenzaron los Hermanos Limbourg…

El «Mes de Mayo» de estos «artistas iluminadores» representa la fiesta del 1 de mayo de 1400.  Es de destacar que los doce meses del año tienen el mismo formato y tonalidad.  En un primer semicírculo el carro simbolizando el sol que recorre el firmamento…el otro semicírculo cubierto de estrellas, el zodíaco, en este caso Tauro -geminis. Debajo la representación de cada mes. He aquí…

La «Fiesta del amor»

Era una «cabalgata tradicional»  que la realizaban jóvenes nobles precedidos por trompetistas. Los vemos que saliendo del bosque cercano donde buscaron  ramas para engalanar aun más sus ricos atuendos. Esta ramas, se colocaban en la cabeza o alrededor del cuello. Las mujeres solían llevar un vestido verde -por la primavera – como es el caso de tres de ellas y lucen follajes en su peinados y tocados. En este año en particular, la fiesta es en honor a la hija del Duque: Marie de Berry, y su esposo, Jean de Borbón -Conde de Clemont.

La construcción que se ve al fondo del dibujo: «el castillo», dio lugar a diversas interpretaciones debido que «el Bosque» oculta los detalles. Podría ser el Palais de la Cité de París con el Châtelet a la izquierda,o bien  la Conciergerie y la Torre del Reloj … en ambos lugares  se asentaba el poder político, que era lo que se quería demostrar.

El códice es…

La obra cumbre de los manuscritos iluminados de estilo gótico tardío más importantes del mundo!!!. Por los materiales utilizados,por su vistoso y costoso colorido, por sus diseño y ejecución excepcional. Es el último «libro de horas» confeccionado por encargo del duque Jean de Berry. El objetivo de la obra era ser: el «libro de horas» más espectacular y hermoso que se pudiese crear.

A finales de la Edad Media

El libro se convirtió en un objeto de uso privado, por lo tanto la afición a la lectura iba en aumento  y no podía faltar en la biblioteca de un príncipe,  un «  libro de horas»,  que además de ser una obra de arte era una joya que  probaba  la magnificencia de su propietario. Las oraciones por cierto en latin, con textos para laicos,  más cortos que los que usaban los clérigos.  Se  rezaban en 7 momentos del día. San Benito las denominó «Horas canónicas» centralizando su uso principalmente en sus monasterios benedictinos.

El Duque de Berry-

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La guerra de los Cien Años 1337-1453 que enfrentó a ingleses y franceses y la guerra civil 1407-1435 entre Armagnacs, encabezados por Jean de Berry y Bourguignons, mandados por su sobrino Jean sin Miedo someten a la población a una inseguridad casi continua,  negativa para la prosperidad y la realización de cualquier actividad.
Jean de Berry (1340-1416)-Tercer hijo del rey de Francia, Juan II el Bueno, y hermano de su sucesor Carlos V el Sabio. La región de Berry incluía los actuales departamentos de Cher, Indre y parte de Vienne.

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Jean de Berry siempre amó los lujos, la música, la literatura y la pintura. Su talante conciliador hizo que gran parte de su vida intentara restablecer la paz interna del reino, rota sin cesar por la rivalidad existente entre las casas de Armagnacs y Bourguignons.
El asesinato de Luis de Orleáns y las ambiciones de Juan sin Miedo, le obligaron, hacia el final de su vida, a tomar partido políticamente. Casado con Juana de Armagnac, se erigió como jefe de los Armagnacs odiado, no sólo por los campesinos franceses, sino también por  la burguesía parisina.
El duque, fue un delicado coleccionista de arte. Preocupado por la estética en todos sus ámbitos y niveles, gastaba todo su tiempo, dinero e influencia en rodearse de lujo. Compró  libros, obras de arte y mantuvo una permanente fiebre constructora de palacetes y castillos. Su principal maestro de obra era Guy de Dammartin. Pero también estuvo rodeado de pintores y escultores como Jean de Cambral y Claus Sluter.
Amante de los libros, tenía quince libros de horas!!! Trajo a «iluminadores» italianos para mejorar su biblioteca. Entre los numerosos artistas  que llegaron se encontraban Jacquemart de Hesdin y los hermanos Limbourg.

Los Hermanos Limbourg y el duque

Todos aparecen retratados en el «Mes de enero». Vemos al duque de Berry, representado de perfil como un emperador romano, sentado mientras sus cortesanos le ofrecen presentes para agradecerle su protección.
El día de Año Nuevo de 1415 se celebró con más fasto que nunca, el final de tres años de guerras entre Armagnacs y Bourguignons.

Los hermanos y el Duque

De los tres hermanos, Paul, Jean y Herman, el primero por su técnica y talento, fue  ayudante de cámara del Duque. Fueron originales, visionarios y sobre todo revolucionarios. Las escenas místicas del calendario muy elaboradas y de una calidad únicas!.

Llegaron a ser muy populares en vida, el cronista Guillebert de Metz, en su «Descripción de París» de 1434, nombra a los “tres célebres hermanos iluminadores”.

Nuevo enfoque:

Introducen en esta obra: el paisaje,  técnica  pre-renacentista importada de Italia. Ponen en práctica «la mezcla» de acciones, la elegante vida cortesana y el realismo crudo de los trabajadores campesinos. Utilizan intenso colorido en sus ropas debido al empleo de costosos y pigmentos. Se destaca el uso de lapislázuli, entonces costosísimo mineral traído de Oriente, (el amado color azul de los franceses) el oro y la malaquita, un mineral muy especial para los verdes y sus variantes.

Los hermanos Limbourg llevaban tres años ocupando el puesto vacante de Jacquemart de Hesdin como pintores principales de la corte del duque. El trabajo  de «iluminación» comenzó en el año 1413. Paul, Jean y Herman fallecieron a consecuencia de una devastadora epidemia, por 1416 y el  duque de Berry también, a los 76 años.

El códice quedaba de esta manera inacabado… lo componía deliciosas  de hojas sueltas…

Y  en ese estado llegó el manuscrito a finales del siglo XV a la Casa de Saboya. Fue entonces, hacia 1485, cuando Carlos I de Saboya encargó a Jean Colombe, pintor de renombre de Bourges y último gran miniaturista que diera Francia, la continuación del trabajo de iluminación del libro.

 La participación de Barthélemy d´Eyck.

Varios autores lo identifican como el maestro anónimo llamado: «Maestro de las sombras», que añadió  ilustraciones a «Las muy ricas horas del Duque de Berry».

proceción gregoriana

Han investigado que el manuscrito estuvo en manos de   Barthélemy d´Eyck. Este, habría iluminado  octubre, completado los folios correspondiente a marzo,(Vemos las sombras) junio y diciembre…

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También se le atribuye  el castillo de fondo en el del mes de septiembre, además de ser el autor de «las cabezas» de la «Procesión gregoriana».

A propósito de esta miniatura… se nota que los artistas nunca habían estado en Roma.  Este hecho es real, ocurre frente al Mausoleo de Adriano donde  vemos al Papa Gregorio  que luego sería santo, encabezando una procesión… era el año 590 y una terrible peste asolaba Roma y alrededores.

El nuevo papa,  Gregorio ordenó esta procesión  para implorar misericordia a Dios. El día 25 de abril, a las tres de la tarde, toda Roma salió pidiendo piedad a lo alto, cuando al tomar el puente sobre el río Tíber, se vio aparecer sobre el Mausoleo de Adriano al arcángel Miguel con su espada de fuego en alto. El arcángel, con gesto solemne, envainó la espada, dando a entender que la plaga cesaba por la súplica confiada del pueblo. De ahí el nombre Castello Sant´Angelo y la imagen del arcángel colocada en lo alto que vemos actualmente.

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   El castello … nada que ver con la arquitectura que muestran.

 

 

«Las muy ricas horas del duque de Berry» se terminó de completar en el año 1489.

Tiene en total de: 206 preciosos folios,  66 miniaturas grandes y 65 pequeñas, 300 letras capitales doradas y 1800 cenefas complicadas y primorosamente tratadas.

Pero la historia continua…

Cuando murió Margarita de Austria, gobernadora de los Países Bajos, en 1530, el códice fue entregado Jean Ruffaut, tesorero general del  Emperador Carlos V.

Durante el siglo XVII la pista del códice se pierde, y en el siglo siguiente se le añade al libro el escudo de armas de los Spínola, ilustre familia  de los Países Bajos oriunda de Génova.

De acuerdo con Raymond Cazelles, (autor de varios libros sobre historia del arte) el manuscrito permaneció en manos de la Casa de Saboya en el transcurso del siglo XVI, viajando desde Chambéry hasta Turín. En 1720, Víctor Amadeo II de Saboya dona el manuscrito a la Biblioteca Real de Turín. El último viaje del manuscrito ocurrió en el siglo XIX. Para entonces, el marqués Gerome de Serra lo había heredado del barón Félix de Margherita, y dispuso su venta en 1855. Advertido por el bibliófilo italiano y bibliotecario asistente del Museo Británico Anthony Panizzi, Enrique de Orleans, duque de Aumale, decide comprarlo por la suma de 18.000 francos. Viaja con el texto a Inglaterra, donde se encontraba exiliado, para volver con éste a Francia en 1871 al Castillo de Chantilly que había heredado.
A su muerte en 1897 donó todo su patrimonio a la Academia Francesa (Institución que defiende el buen uso de la lengua francesa). En su testamento, el duque prohibió expresamente la exposición de su legado en el exterior.

He aquí todos los meses…

los meses
“Las muy ricas horas…” se conservan en el Museo de Chantilly, a 50 Km. de París.

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Satie…

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Su nombre completo era Alfred Erik Leslie Satie -1866-1925- fue un compositor y pianista francés.​ Precursor del minimalismo y el impresionismo, es considerado una figura influyente en la historia de la música y considerado precursor del teatro del absurdo y la música repetitiva. Denostado por la Academia y admirado por compositores de su época, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los cuarenta años. Esto sorprendió a quienes lo conocían, ya que hasta ese momento su formación había sido irregular y se dedicaba, entre otras cosas, a la música de cabaret. Adoptó el nombre de Erik Satie desde su primera composición, en 1884.

En 1879 Satie entró al conservatorio de París, siendo considerado  falto absoluto de talento. Abandonó sus estudios de música… reanudándolos al cabo de dos años y medio.

El profesor Decombes  en 1879 dijo de el: «Es el estudiante más vago del Conservatorio, pero logra un sonido precioso».

Satie fue un pensador con un «gran sentido de la elocuencia», que dejó un notable conjunto de escritos. Tenía esa «chispa de rara avis» auténtica y tan difícil de encontrar al menos en el ambiente musical donde todos se creen – «genios»- Considerado por muchos  «un charlatán»… malinterpretaron sus irreverencias e ingenio.

Se presentaba diciendo:

«Me llamo Erik Satie, como todo el mundo».

O bien: las indicaciones para su Danse cuiraseé : “Paso noble y militar. Se baila en dos filas. La primera no se mueve. La segunda fila se queda quieta. Los bailarines reciben un sablazo que les divide en dos la cabeza”.

O su obra  Vejaciones  de 1893 – Una pieza de 52 compases que debe repetirse 840 veces. Setenta años más tarde, John Cage ejecuta la obra en Nueva York, encabezando un elenco de diez pianistas que se turnan durante dieciocho horas. En 1980, el tándem Hidalgo y Marchetti repite el experimento en Milán y en 1989, en Madrid, Barber y otros ocho pianistas lo repiten.

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A los 21 años, trabaja como pianista en El Gato Negro –el mítico cabaret de París. Un año más tarde, compone sus hipnóticas Gimnopedias, recreación de una milenaria danza griega sagrada que en la antigua Esparta ejecutaban los niños desnudos, y que han servido para momentos especialmente melancólicos de algunas películas, para anuncios publicitarios y fundamentalmente como música de meditación.

Virginia Careaga  en 1990 dice: «Satie recupera las escalas griegas, produciendo ese hechizo hipnótico y cautivante de las gamas orientales, construidas en secuencias de incertidumbre tonal. Es el caso de las Gimnopedias y las Gnossiennes.  Su música —«blanca y pura, sin salsa» como decía el músico— no expresa emociones o estados de ánimo. Tras el paganismo místico de sus primeras obras y el misticismo cristiano de las siguientes, Satie decide dejar de escribir de rodillas. Con un pie en el templo y otro en el café, comienza su revuelta contra el arte oficial«.

En 1891 se convirtió en el compositor oficial y maestro de capilla de la Orden Rosacruz Compuso para ella piezas de inspiración mística, como Salut Drapeau!, Le Fils des étoiles, y Sonneries de la Rose Croix.

Sus mejores amigos : Los Pintores

«Siempre aprendí mucho más de los pintores que de los músicos», declaraba con solo 25 años.

Investigó el sentido preciso de la vida en una encrucijada inexplorada entre de la seriedad y el humor.

Dos de sus frases: «El músico es quizás el más modesto de los animales, pero el más orgulloso. Es él quien inventó el arte sublime de estropear la poesía».

                       «No nos fiemos del Arte: muchas veces no es más que Virtuosismo».

Las primeras obras de Erik Satie, en la década de 1890, tendrán enorme influencia en las composiciones de Debussy  su revolución musical no hubiera sido posible sin las obras de Satie.

Desde 1898 vivió solo en Arcueil…

Suburbio de París, cultivando un modo de vida excéntrico y sin permitir que nadie entrara en su apartamento.
En octubre de 1905, Satie se matriculó en la Schola Cantorum de Vincent d’Indy para estudiar contrapunto clásico mientras continuaba con su trabajo en el cabaret.​ La mayoría de sus amigos se quedaron tan perplejos como los profesores de la Schola cuando se enteraron de su intención de volver a las aulas (sobre todo porque D’Indy era un fiel discípulo de Camille Saint-Saëns, no especialmente apreciado por Satie). Completó cinco años en la Schola, como un buen alumno, y recibió un primer diploma en 1908.

En 1910, los «Jeunes Ravêlites»,  jóvenes músicos admiradores de Ravel, expresaron su preferencia por la obra temprana de Satie (la anterior al periodo de la Schola), reforzando la idea de que Satie había sido un precursor de Debussy. Al principio Satie se sintió halagado de que al menos algunas de sus obras recibieran atención pública, pero cuando se dio cuenta de que su trabajo más reciente estaba siendo minusvalorado o despreciado, buscó otros jóvenes artistas que comprendiesen mejor sus ideas con el fin de encontrar un mayor apoyo mutuo en la actividad creadora.

Dijo de él Igor Stravinski  en 1911: «Su inteligencia aviesa me gustó al instante».

A partir de un ofrecimiento rehusado por Stravinski, quien consideraba la remuneración insuficiente, crea la serie Deportes & Divertimentos, haciendo constar en su protesta,-  la excesiva retribución del encargo.

Así, artistas como Roland Manuel, y más tarde Georges Auric y Jean Cocteau empezaron a recibir más atención por su parte que los «Jeunes».

Comienza a publicar de nuevo sus escritos, mucho más irónicos que los anteriores  Memorias de un amnésico y Cuadernos de un mamífero.

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Por 1912 vio el éxito de sus breves piezas humorísticas para piano; durante los años siguientes escribiría y publicaría muchas de ellas la mayoría estrenadas por el pianista Ricardo Viñes  a su vez comienza a incorporar apuntes e indicaciones descabelladas «Interprétese como un ruiseñor con dolor de muelas»

La trampa de Medusa

En 1913, para la ejecución de esta obra teatral en un acto,  introduce hojas de papel entre las cuerdas del piano. Kahnweiler la editará en 1921 con ilustraciones de Braque, con ella anticipa el teatro dadaísta que llegará en la década 1920. Fue  concebida a finales del siglo XIX y retomada por el compositor en 1913 y finalmente reconstruida tras haber perdido Satie el original en un taxi. Compuso siete “bailecitos” “Danzas del mono” piezas breves que servían a modo de intermedio entre escenas que, según el compositor, debía bailar un mono mecánico -Jonás- para el entretenimiento del Barón Medusa. La peculiar obra teatral tiene momentos destacables, como la escena en la cual un criado -Policarpo-reclama a su amo igualdad, anticipando la lucha de clases.

El Ballet Parade

Con Jean Cocteau, al que conoció en 1915, comenzó a trabajar en la música incidental para una puesta en escena de la obra de Shakespeare El sueño de una noche de verano. Cocteau, dedicará a Satie algunos de los aforismos de su libro El gallo y el arlequín y le propone hacerse cargo de la partitura del ballet Parade, con decorados de Picasso y coreografía de Massine.

La obra se incluye: secciones para máquinas de escribir, sirenas de barcos, dinamos y hélices, es también la primera aparición del jazz en la música europea de concierto.

Jean Cocteau  en 1918 dijo: «Satie ha enseñado a nuestra época la mayor audacia: ser sencillo»

En las notas del programa, Apollinaire acuña el término «surrealismo»

Fue un escándalo total allá donde se representó: Barcelona y Madrid por ejemplo entre otras cosas…por incluir la aparición en el escenario de un caballo de circo animado por dos hombres ocultos y por los constantes ruidos de máquinas de escribir, sirenas de vapor y ruedas de lotería. El altercado con un crítico le acarrea una semana de cárcel y una multa de mil francos.

Pero una nueva generación de compositores

Se declara satiniana: Auric, Honegger, Milhaud, Paulenc…

Duchamp

Su Música de Mobiliario (1918), concebida como fondo sonoro para actividades cotidianas, despierta la admiración de Duchamp, quien el año anterior había presentado con el título de Fontaine su célebre urinario.

La prodigiosa facultad compaginadora de Satie le permite componer simultáneamente Sócrates, oratorio para voz y orquesta inspirado en los diálogos platónicos.

«Platón es un colaborador perfecto», aseguraba Satie.

Sobre esta obra Roger Shattuck observa: «Satie, el sabio de la música, en estrecha relación con los jóvenes y desempeñando el papel de tábano y comadrona, estuvo a la altura de las circunstancias. Sócrates es la única composición de Satie que aspira a la grandeza auténtica y la consigue. El resto de su música es diversión».

Conoció a los Dadaístas

Desde 1919 estuvo en contacto con Tristan Tzara, fundador del movimiento Dadá. A Francis Picabia (que más tarde se pasaría al surrealismo),​ André Derain, Marcel Duchamp, Man Ray, etc.

Mientras tanto…

Alrededor de Satie se había formado una Escuela de Arcueil, con músicos jóvenes como Henri Sauguet, Maxime Jacob, Roger Désormière y Henri Cliquet-Pleyel.

El insistía: «No existe la escuela Satie. Me mostraría hostil. Siempre hice un esfuerzo por confundir a los seguidores en cada nueva obra».

George Hugnet dijo de él): «Inventor de un fondo sonoro calificado por él mismo de música de mobiliario, ruega al público que no escuche su música, sino que hable durante la ejecución. Escritor —pensador, sería más justo decir— de las Memorias de un amnésico, colabora en diversas publicaciones Dadá con frases cortas y opiniones insolentes extraídas de los Cuadernos de un mamífero».

Ornella Volta afirma que Satie «Tal vez sea incluso el compositor que más ha meditado sobre los límites de la comunicación musical»

El poeta José Patricio Contamine de Latour, estrecho amigo de juventud de Erik Satie, cuenta cómo  decidió intercambiar las indicaciones de técnica, tempo y carácter habituales por expresiones de invención propia: «aun más blanco si es posible», «con orgullo», «con sorpresa», «llueve», «no encienda todavía»..., que en vez de hacer referencia directa a la técnica del intérprete, indicarían el estado de ánimo más acorde a las intenciones musicales del compositor. Algunos pianistas, entre ellos el propio Schönberg, tuvieron la idea de leerlos en voz alta durante la ejecución.

Estas indicaciones fueron más escuetas en principio, pronto ganaron ciertas dimensiones, llegando a cobrar más tarde entidad poética propia al ser recopiladas, entre otros, en el libro Cuadernos de un mamífero -de Erik Satie –  El compositor ponía de de puño y letra las diversas reflexiones que hacía en distinguidas revistas de vanguardia a comienzos del siglo XX –  advirtió desde el comienzo lo siguiente:

«A cualquiera:  Prohibido leer en voz alta el texto durante el transcurso de la ejecución musical. Todo incumplimiento de esta observación levantará mi justa indignación contra el petulante. No se conceden privilegios».

La última diversión de Satie…

Tuvo lugar en 1924, a expensas  de su ballet instantaneístaRelâche – en colaboración con Picabia, para los Ballets Suecos de Rolf de Maré. Y la música de la película dadaísta Entr’acte, de René Clair, que se utilizó para el intermezzo de Relâche.

En un anuncio de la revista 391, el propio músico advierte: «Traed gafas oscuras y algo para taparos los oídos». Primera obra cinematográfica incorporada a un ballet y primera composición musical escrita para el cine, su recepción desencadena otro legendario tumulto!!!

Oh…sorpresa!!!

Poco después de su 60 aniversario, una cirrosis pone fin a las «Brillantes iluminaciones» de Satie. Braque y Milhaud lo acompañan en ambulancia al hospital. Brancusi llega a tiempo para despedirse, Maritain acude con un sacerdote que a la salida, declara: «Satie era un teólogo asombroso».

Nadie jamás… había entrado a su habitación en Arcueil desde que se mudara hacía veintisiete años. Sus amigos, descubrieron ahí después de su entierro  un «recinto encantado» similar a la tumba de Tutankamon … o la magnífica vista de las Minas del Rey Salomón

Una colección de cien paraguas, algunos jamás usados, el retrato que le hizo  Suzanne Valadon en 1893, cartas de amor y muchos dibujos.

Su colección de dibujos de edificios medievales. Cosas memorables entre ellas: siete trajes de terciopelo de su período del caballero de terciopelo. Composiciones que jamás nadie había oído hablar incluían las Vexations, Geneviève de Brabant, y otras no publicadas o no terminadas, como El pez soñador,  ejercicios de la Schola Cantorum, un conjunto no conocido de sus «piezas caninas», algunos otros trabajos para piano sin título… las cuales fueron publicadas como Nuevas Gnossiennes, Pièces Froides, Enfantines, Música de amoblamiento, etc.

Jean Cocteau dijo en 1925: «Enseñaba lo ridículo de dar importancia a los elogios tanto como a los insultos. Tenía una paciencia de ángel».

Un «Genio » del «Ingenio»

César Vallejo (1926): «El enigma de su personalidad desconcertaba a los investigadores más obstinados y sigue todavía impenetrable para muchos. Erik Satie, a quien fui presentado por Vicente Huidobro, fue durante toda su vida un hombre oscuro, pobre y sin gloria, no obstante ser el más genial de los músicos franceses. Debussy, que hizo suyas las idea de Satie, decía: «He aquí, al fin, el nuevo camino».

Darius Milhaud (1927): «El arte de Satie fue un auténtico Renacimiento. Durante un tiempo, se contentó con olfatear la dirección, luego se retiró y dejó a otros la tarea de internarse a través de la senda indicada por él».

André Breton  en 1955 lo reconoció tardíamente…«El tránsito del siglo XIX al XX no ha producido ninguna evolución espiritual tan fascinante como la suya. Tendida entre dos puntos extremos, no conozco mayor escuela de libertad con respecto a todas las convenciones, ni otra sonrisa más traviesa por encima del abismo interior, de negrísima especie, del que se escapa la bandada de sus dibujos e inscripciones caligrafiadas en absoluta soledad, tan graciosos y a la vez inquietantes».

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Un Museo?… El Hermitage!!!

 

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De izquierda a derecha: El teatro Hermitage; el arco sobre el canal de Invierno; el Gran Hermitage; el Pequeño Hermitage y una parte del Palacio de Invierno

En Rusia, San Petersburgo es también llamada “La Venecia del Norte”, una ciudad con más de 300 puentes que la unen.  Sin duda una de las ciudades más hermosas de Rusia, se encuentra al noroeste del país sobre el delta del río Neva y a orillas del golfo de Finlandia. Fundada por el zar Pedro I -el grande para ser la nueva capital de Rusia y sede de su gobierno desde 1712.

La historia del Museo comenzó con…

En el Palacio de invierno

Este, fue edificado para la zarina Isabel I hija de Pedro I el grande. El arquitecto: Bartolomeo Francesco Rastrelli que realizó con este edificio su «obra maestra»entre 1732 y 1735 dentro del estilo barroco tardío. Después de finalizadas las obras, en abril de 1762 en el palacio se radicó Pedro III– sobrino de Isabel I.

-Rastrelli La longitud de su fachada es de 2 km, el número de habitaciones, salas, aposentos, etc, es de 1054, tiene unas 2000 puertas, 2000 ventanas (de 12 tipos distintos), 120 escaleras. La altura del edificio es de 22 m. 

 

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Tiene suntuosos decorados en el que trabajaron por más de 50 años  figuras como:Y. Velten,  formado en Francia A. Rinaldi,  G. Quarenghi, A. Montferrand. Todos ellos participaron de alguna manera en la decoración y embellecimiento de esta obra espectacular.

El origen del museo

Fue la residencia oficial de los antiguos zares. El último que lo usó  como residencia fue Alejandro II, quien murió asesinado. Sus sucesores, Alejandro III y Nicolás II prefirieron, por seguridad, residir en el no menos magnífico palacio Tsarskoye Selo, a 24 kilómetros al sur de San Petersburgo,  otra de las creaciones de Pedro I el Grande y su esposa, Catalina I, cuyas sucesoras, Isabel I y Catalina II llevaron a su máxima expresión.

El Museo se formó con las colecciónes privadas que fueron adquiriendo los zares durante varios siglos. Actualmente: una de las mayores pinacotecas del mundo.

                                                                                                                                            Catalina II de Rusia

Catalina

colección

La compra  por parte de Catalina II la Grande, de la invaluable Colección Gotzkowsky en el año 1764.

La década de los 60 del siglo XVIII vería el auge y declive de este curioso personaje  cuando en 1760 el ejército ruso, liderado por Heinrich von Tottleben, estaba a las puertas de Berlín, amenazando con el saqueo de la ciudad,  Gotzkowsky rápidamente puso en marcha su diplomacia y logró una rebaja significativa del dinero que pedían los rusos y evitar el saqueo. Un año después, Gotzkowsky realizó la compra de una manufactura de porcelana en Berlín que a pocos de la compra, Gotzkowsky la vendió a Federico II, que la usaría como manufactura real, pasando a llamarse Königliche Porzellan-Manufaktur Berlin (KPM), que todavía hoy sigue abierta. En 1764 Gotzkowsky tuvo que afrontar la situación de cómo el estado prusiano pagaría a Rusia.

Catalina II la Grande ansiaba  una colección de arte que compitiera con las  más existentes de las ciudades de Europa occidental. Gotzkowsky no vio otra solución «pagar» con 225 pinturas que pertenecían al rey Frederick II de Prusia obras de artistas como: Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Tiziano, Rafael y Holbein, entre otros. El Duque de Golitsyn (1734-1803) desempeñó un papel importante como galerista y  el seguía los mercados de arte de Europa.

Entre 1765 y 1766 Catalina ordenó la construcción de un edificio de dos pisos anexado al Palacio de Invierno:

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arquitecto francés

J.B. Vallin de la Mothe- lo construyó: el Pequeño Hermitage,que se convirtió en la sede de la colección de arte de Catalina II.

En el  hacía reuniones íntimas y mostraba  sus colecciones de arte. De  estilo neoclásico y conectados a los otros edificios del complejo mediante Galerías y un Jardín Colgante.

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En 1769 Catalina II adquirió la Colección del conde Heinrich von Brühl poderoso ministro sajón y gran especialista en obras de arte de la esc. flamenca, holandesa e italiana.compuesta por grabados, dibujos y más de 600 cuadros.

 

En 1771 un nuevo edificio, levantado próximo al Malecón del Neva, se agregó al complejo:

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el Gran Hermitage: de tres pisos en estilo neoclásico y con una fachada decorada con líneas verticales y horizontales. En 1792 se le agregó a este: la Sala Rafael, para albergar obras provenientes del Vaticano. Más tarde se construyó un puente que conectaba este edificio con el Teatro, construido entre 1783 y 1787 al otro lado del Canal de Invierno.

Nuevas colecciones se agregaron en 1772 Colección Antoine Crozat
titular del marquesado du Châtel creado para él por Luis XIV. Los herederos  vendieron a la emperatriz su colección de 400 cuadros, dibujos, junto a piedras talladas, y esculturas…

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En 1779 adquirió la colección de Robert Walpole, considerado como el  Primer ministro del Reino Unido, que comprendía obras de Murillo, Rembrandt, Rubens van Dyck.

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En 1781 compra la colección del Conde de Baudouin, que abarcaba 119 obras de artistas flamencos, holandeses y franceses, y en 1787, la colección de escultura de John Lyde-Brown, director del Banco del Reino Unido, que contenía 300 esculturas, entre las que se encontraban varias esculturas romanas, una griega y esculturas renacentistas. Gracias a un banquero inglés W. Coesvelt, se obtuvo la colección de arte español: Antonio Pereda, Maíno, Zurbarán, Ribalta, Pantoja de la Cruz, Murillo.

El Teatro del Hermitage fue ordenado a construir por Catalina entre los años 1783 y 1787.

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Kvarengi

Lo realiza el arquitecto Giacomo Quarenghi. Se encuentra al otro lado del canal de Invierno. En la actualidad, se siguen representando obras teatrales dentro de la programación del museo.

Entre 1787 y 1795 se construyó la Sala San Jorge o Sala del Trono, de 800 m2 de superficie.

Catalina II fallece en 1796. Consiguió tener la mayor colección privada de Europa. Compró alrededor de: 4.000 pinturas, 10.000 grabados, 10.000 dibujos, 38.000 libros y 16.000 monedas y medallas.

El Museo

Alejandro I

En 1837 un gran incendio destruyó casi todo el interior del Palacio que obligó a derrumbar tres corredores para que el fuego no llegara al Hermitage. El zar Nicolás I ordenó reconstruirlo por completo, la restauración se realizó en sólo dos años por A. Briulov, V. Stásov y K. Rossi. El aspecto exterior del palacio se conservó, pero la mayoría de los interiores fueron decorados de nuevo.

En 1850, se adquirió la colección del Palacio de Cristoforo Barbarigo de Venecia en donde había muerto el pintor Tiziano. Esta colección incluía cinco cuadros del mismo Tiziano, que se unían a los otros tres que ya contenía la colección.

Nicolás I quiso estar acorde con el resto de Europa y mandó cambiar la entrada para que pudiera ser abierto al público. Para ello encargó el proyecto al arquitecto alemán Leo von Klenze, que poseía experiencia en la construcción de museos. El 5 de febrero de 1852  se inaugura el Museo del Hermitage.  Los festejos incluyeron una función en el Teatro del Hermitage y un banquete para más de seiscientas personas.

Siguieron las compras

En 1865 se compró el famoso cuadro de Leonardo da Vinci, la Madonna Litta al Conde Litta, junto con otros tres cuadros, por 100.000 francos. En 1870, se compró por 310.000 francos la obra maestra de Rafael La Virgen y el Niño, que el gobierno italiano intentó comprar para evitar que saliera del país, pero no pudo igualar el alto precio.

En 1861 el Museo adquirió la colección del marqués de Cavelli, Gianpietro Campana. Este arqueólogo aficionado era el director del Banco Monte di Pietà de Roma y utilizó fondos del banco para adquirir sus antigüedades. Cuando fue sentenciado a 20 años de prisión, el Estado subastó toda su colección, que se repartió entre el Hermitage y el Museo Napoleón III de París (actual Louvre). La colección adquirida por el Hermitage abarcaba más de 500 vasijas griegas, 200 bronces y esculturas de mármol, mientras que el museo parisino adquirió mayormente pinturas.

En 1886 adquirieron la colección de Aleksandr Basilevski, que comprendía todo tipo de piezas medievales, de marfil, esmaltes, y todo tipo de objetos, que el museo compró por 6 millones de francos. Además, un año antes se había trasladado la Colección Imperial de Armas al museo.

Cambios de aires…

Con la Revolución de octubre de 1917 pasó a ser Museo Estatal. Durante la década de 1920, se trasladaron 500 obras al Museo Pushkin de Moscú, para que el arte no estuviera tan centralizado en San Petersburgo. En los años 30, se trasladaron otras 70 obras, entre ellas pinturas de Rubens, Rembrandt y Tiziano. A mediados de los años ’30, se produjeron una serie de ventas de cuadros al extranjero, lo que supuso una gran pérdida para el museo. El objetivo de estas ventas, según la postura oficial, era la financiación del propio estado.  Se vendieron más de 2.800 cuadros, entre los cuales había 250 obras mayores y 50 obras maestras. Desde el año 1932 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, fueron saliendo obras menores del museo para ser vendidas o  distribuidas entre las distintas repúblicas soviéticas.
Con la entrada de las tropas alemanas en Rusia en el año 1941, se inició la evacuación de las obras !! más de un millón de obras!!, trasladadas en tren hasta Sverdlovsk, en los Urales.  Al final de la Segunda Guerra, el museo tuvo que ser restaurado debido a los daños sufridos y volvió a abrir sus puertas al público, con sus obras colocadas en su lugar de origen.

En el año 1948, el Museo de Arte Contemporáneo Occidental de Moscú donó al Hermitge – 320 obras de arte del siglo XIX y XX, entre las que se encontraban obras de Renoir, Matisse, Picasso, Monet, Van Gogh y Gauguin.

Expansión del Museo

La primera sede del Museo Hermitage en suelo internacional se inauguró en el año 2000, en Somerset House de Londres. Al año siguiente abrió otra filial en Las Vegas-USA y más tarde  en Ámsterdam, Venecia y se espera que para el 2022  se logre en Barcelona.

Sus guardianes…todavia-forman-manera-simbolica-Hermitage_

Los gatos. La historia de los felinos del Hermitage se inicia en 1745, cuando la emperatriz Isabel I,  firma un ucase que ordena «hallar en Kazán a los mayores y mejores gatos, aptos para cazar ratones, para mandarlos a la corte de Su Majestad».
Luego, en la época de Catalina II (1729-1796) los felinos pasaron a ser conocidos como «los gatos del Palacio de Invierno» al residir oficialmente en ese lugar para preservar a las obras de arte de los roedores.

Hoy tienen derecho a una fiesta en su honor, una vez al año, y el museo ha creado un sitio web para que los ciudadanos puedan adoptarlos.

Podemos «hacer las visitas virtuales» que nos ofrece Museo… en el segundo piso estan: Tiziano, Rafael, Leonardo, Rembrandt…

 

Una figura increible…

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«Maman» de Bilbao -España, en el Museo Guggenheim instalada en la parte posterior del edificio, bajo el Puente de La Salve desde el 2001.

«Maman» es el nombre que recibe esta impresionante  escultura. Su autora, Louise Bourgeois, la realiza en 1999.

Llamó a su obra «Maman» en homenaje a su madre, capaz de tejer pacientemente la tela de los afectos y quedar atrapada en ellos.​ Con esta obra fue reconocida internacionalmente, después de muchos años, por su capacidad para reflexionar plásticamente sobre temas dolorosamente profundos que atañen a la naturaleza humana.

“Vengo de una familia de reparadores”, dijo en una ocasion. “La araña es una reparadora. Si rompes su telaraña, no se altera. Teje y la repara”.

Louise Joséphine Bourgeois (1911-2010) es su autora y fundadora del movimiento del «arte confesional».

 Bronce y acero

Louise

Existen 7 arañas y 6 réplicas que están en exposiciones permanentes: Reino Unido, en el Museo Tate Modern de Londres y es de acero inoxidable,la única. Las de  Canadá, Japón, USA, Corea del Sur y  Bilbao  todas  ellas de bronce. La obra mide unos 10 metros de alto y 11 de ancho aproximadamente, y un peso de 22 toneladas.  La escultura tiene 26 huevos de mármol en su abdomen. Las 8 patas están diseñadas minuciosamente en un equilibrio perfecto.

Su obra ha sido exhibida en numerosos museos del mundo.

Cuando preguntaban a Louise el significado de su obra está respondía: “Es una Oda a mi madre…ella era mi mejor amiga. Ella fue paciente, inteligente, creativa, suave, ordenada y útil como una araña. Ella ha sido mi musa».

Empezó a estudiar arte después que su madre falleciera. Durante la década de «los cuarenta», realizó dibujos con la temática de la araña, los recuperaría cincuenta años después. En el aspecto amenazante del arácnido de dimensiones monstruosas se esconde la araña como «protección», como «benefactora» pues se alimenta de insectos trasmisores de enfermedades.

 Louise, alude a su madre: paciente, limpia, trabajadora e indispensable. Era tejedora restauradora de tapices… una madre que teje, en palabras de la artista, «el hilo de la vida, el hilo de araña que la madre corta».

“Mis obras son una reconstrucción del pasado. Pero al mismo tiempo están creadas con el fin de olvidar el pasado, para derrotarlo, para revivirlo en la memoria y posibilitar su olvido”

Sus conflictos en la vida real la motivaron para crear una forma única de arte.

A Louise Joséphine Bourgeois – La prensa la ha llamado «la mujer araña» … creadora  de esculturas monumentales.  Fue un ser increíble, de esos que se encuentran pocos sobre la tierra. Era pequeña, simpática, siempre sonriente y rodeada de jóvenes, trabajadora incansable en un ambiente que para nada era fácil, con una fuerza y entereza poco común y dura si las hay como crítica de arte.  Fue una artista influyente en el arte moderno y contemporáneo y públicamente reconocida como la fundadora del movimiento del arte confesional.

Mientras estudiaba realizaba diseños para colaborar con la familia ( eran tejedores-restauradores de tapices )También a cuidar de su madre enferma, quien sufre varias recaídas y fallece en 1932. Ese mismo año, Louise se gradúa en La Sorbona con honores en Matemáticas. La muerte de su madre hace que caiga en una fuerte depresión, decide salir a través del arte.

Estudió en varias escuelas prestigiosas, como la Academie de la Grande Chaumiere, Escuela de Louvre y la Escuela de Bellas Artes, compañera de trabajo  y amiga de Constantin Brâncuși. En 1938 estudia con Fernand Léger y ese mismo año se desvincula del negocio familiar y abre su propia galería de arte dedicada a exponer obras de Delacroix, Matisse, Redon o Bonnard.
Ese año contrae matrimonio con el historiador de arte primitivo Robert Goldwater, fue el primer director del Museo de Arte Primitivo-Nueva York, desde 1957 hasta su muerte. En Nueva York se radican con sus tres hijos y Louise se enfocó en la escultura.

En 1945, realizó su primera muestra individual; dos años más tarde exhibió 17 pinturas en la Galería Norlyst, Nueva York y en 1949, realizó su primera muestra escultórica en la Peridot Gallery de Nueva York.

Tras la  muerte de su padre en 1951, la artista entra en otra profunda depresión y empieza a desarrollar instalaciones envolventes relacionadas con sus recuerdos, experiencias y traumas. Empieza a asistir a sesiones de psicoanálisis, entrando a la vez en un periodo de reclusión.

Por 1958 aproximadamente el matrimonio se mudó a una casa con terraza en la calle 22 Oeste en Chelsea (Manhattan), donde vivió y trabajó a lo largo de su vida utilizando todo tipo de materiales y muy consciente del sentido de la perfección…

Durante sus primeras épocas sus creaciones artísticas a menudo exudaban los temas de la soledad, ansiedad y traición. Utilizaba trozos de chatarra y madera flotante, la cual tallaba para formar esculturas de madera vertical. Cubría las impurezas de la madera con pintura y luego utilizaba clavos para crear orificios y arañazos en la pieza para articular una cierta emoción.

En 1964 sale de su aislamiento para organizar una exposición en solitario, y por primera vez incluye el concepto de “guarida” (más adelante, Cells – Celdas).

No consideraba su arte feminista… pero siempre era su tema central …

Ella se refería a «su arte» como una serie o secuencia de días y circunstancias relacionadas entre sí, describiendo su trabajo temprano como «el miedo a caer» que posteriormente se transformaría en el «arte de caer» hacia la  evolución final «el arte de perdurar».

Conocidos varios…

Conoció a Miró en París en 1938, pero comenzaron su amistad por 1947 en Nueva York. Aunque él apreciaba su pintura, que consideraba «Naif», no estimaba para nada su escultura y así como Miró prácticamente la ignoraron TODOS!!!.

En 1954, Louise se unió al American Abstract Artists Group  lo formaban: Barnett Newman y Ad Reinhardt. Durante esa época se hizo amiga de los artistas: Willem de Kooning, Mark Rothko y Jackson Pollock. Su membresía en el grupo fue el catalizador para ella hacer la transición de estructuras de madera verticales al mármol, bronce y yeso.

Louise inspiró a múltiples estudiantes a un arte basado en la naturaleza femenina. Por 1970  era anfitriona de las reuniones llamadas “Sunday, bloody Sundays” en su casa en Chelsea. Donde jóvenes artistas y estudiantes recibían críticas de su parte, muchos la consideraron «vieja y loca». Rodeada de activistas, formó parte de The Fight Censorship Group, un grupo feminista fundado por Anita Steckel, el grupo defendió el uso de imágenes sexuales en el arte.

Escribió varios libros y obtuvo varios puestos instructivos  en varias instituciones de educación superior como Cooper Union y el New York Studio of Drawing, Painting and Sculpture. También enseñó por muchos años en el sistema escolar público de Great Neck, Long Island.

Después que su esposo fallece el 26 de marzo de 1973- La artista se dedicó  a crear obras de creciente poder transgresor, fuertemente influenciada por el feminismo y con nuevos materiales. Desde 1980 contó con la colaboración del comisario artístico Jerry Gorovoy, que actuó como su mánager.

Al fin, con 71 años…

Consiguió el reconocimiento internacional al celebrar su primera retrospectiva, en 1982  en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), (primera vez que se hacía una retrospectiva a una mujer artista!!!). Hasta entonces había sido una figura periférica en el arte, cuyo trabajo era quizás admirado por pocos, pero lejos de ser aclamado por todos.

En la entrevista con Artforum- revista internacional especializada en Arte contemporáneo- para la apertura de la muestra retrospectiva, ella reveló, que las imágenes de sus esculturas eran puramente autobiográficas. Louise compartió con el mundo, que revivía obsesivamente y a través del arte, su trauma infantil de descubrir que su niñera era también amante de su padre.

Un gran cambio en su vida.

Otra retrospectiva en Kassel -Alemania 1989.​elGran Prix de Escultura del Ministerio de Cultura francés -1991 y en 1991 el «Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award, International Sculpture Center, Hamilton, NJ, USA. y la Medalla Nacional de las Artes que se vuelve a repetir en 1997.

Representó a EE UU en la Bienal de Venecia de 1993.

1997 el «Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award, International Sculpture Center, Hamilton, NJ, USA. y la Medalla Nacional de las Artes.

León de Oro de la Bienal de Venecia y Premio de la Asociación Japonesa de Arte (1999)

Sus últimas obras, realizadas en su taller de Nueva York, exploraron las posibilidades más sorprendentes del montaje monumental, como en Spider (1992) y Maman 1999.

En el 2000 su trabajo fue seleccionado para ser expuestos en la apertura del Tate Modern en Londres.​ En 2001, expuso en el Guggenheim Hermitage Museum.

En el 2003 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén. En 1997 el «Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award, International Sculpture Center, Hamilton, NJ, USA. y la Medalla Nacional de las Artes.
En 2008 le fue entregada la condecoración de la Legión de Honor del gobierno francés y el Premio Aragón-Goya también del 2008.

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Para Louise, las arañas no causan pánico,  sorprendentemente, simbolizaba el amor, la dedicación y paciencia de su propia madre. Para ella, la araña representaba “la inteligencia, la productividad y la protección”.

Decía:

“Algunos estamos tan obsesionados por el pasado que morimos sepultados por él. Ésta es la actitud del poeta que nunca encuentra el paraíso perdido y también es la del artista, que trabaja por motivos que nadie es capaz de comprender. Puede que lo que ambos intenten sea reconstruir un elemento del pasado para así exorcizarlo, razón por la que el pasado tiene, para muchas personas, un enorme poder y belleza. Todo lo que yo he hecho se ha inspirado en mi vida anterior (…) Cada día haz de olvidar tu pasado o aceptarlo. Si no lo puedes aceptar, te conviertes en escultor.”

Louise falleció en Nueva York a los 98 años de edad.

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Pantagruélicas épocas !!!…Bodegones

 

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Adriaen van Utrech

Despiertan un apetito atroz… pero bueno, ya lo decía don Juan Ruiz de Alarcón:

Quien come

Y si… en el  idioma español

Se usa el término bodegón, para plasmar escenas de cocinas o “bodegas”. Se registra como “pintura de bodegón” en 1599 y esto lo dice el pintor de las Corte Española Pantoja de la Cruz retratista  de toda la familia real española. Para entonces ya era una palabra popular, y en el Diccionario de Covarrubias de 1611 aparecen los términos “bodegón” y “bodegonero” en relación tanto a la “bodega” (tienda de vinos) o como  “despensa” doméstica.
En francés se utiliza el término Nature morte (naturaleza muerta o sin vida) al igual que en catalán natura morta), que sustituyó al término anterior Vie coite (vida tranquila). En inglés se usa; Still Life y en alemán: Stilleben con un sentido algo diferente al anterior, “naturaleza inmóvil” o “inmovilizada”.

Los bodegones o Naturaleza muerta siempre fueron… para mi gusto: placenteros, alegres, perfectos!!! Pero no siempre fue así.  Era considerado un género “bajo” en la jerarquía de los géneros, las obras eran «menospreciadas», consideradas “insignificantes” e incluso “desacreditadoras” por lo tanto mal remuneradas.

Los artistas

Ponía todo su empeño en lograr un perfecto dibujo, color, forma, composición…  agregaban «al pasar» el «status  social» demostraban opulencia o frugalidad en fin eran el espejo de la época …tampoco hacía falta pintar demasiado para decir mucho…ponian en ellos mensajes en detalles ocultos en simbolismos fueron: !! toda una revelación!

La temprana ciencia de los remedios a base de hierbas comenzó en esta época. Empezaron a coleccionarse y comercializarse conchas, insectos, frutas exóticas y flores. La llegada de plantas nuevas, como el tulipán (importado a Europa desde Turquía), se plasmaban fielmente en los bodegones también lo que venía del Nuevo Mundo. La explosión de la horticultura despertó amplio interés en toda Europa. Algunas regiones y cortes tenían intereses particulares. Los holandeses cambiaron el color de las zanahorias antes rojas, blancas o amarillas por las zanahorias de color naranja  para rendir homenaje a la «Casa de Orange-Nassau.».  En Italia, la representación de cítricos, por ejemplo, era una verdadera pasión de los Médicis de Florencia.

Con el gran pintor llamado «tenebrista»,  Caravaggio y su espectacular  «Cesto de frutas» 1595- da comienzo a este género que está englobado en el estilo Barroco haciendo que este cuadro  sea el ejemplo de bodegón puro.

Canestra_di_frutta_(Caravaggio) A partir de entonces  Comienza a ser un género algo más popular. Su éxito se debe a los coleccionistas privados que demandaban pinturas profanas, si bien el «Cesto» tiene connotaciones morales y religiosas como la fugacidad de la vida, el pecado,  la corrupción  además de estar magistralmente compuesto y con  colorido ejemplar .

 

Sánchez Cotán (1560-1627) – Toledano

Un pintor religioso de escasos méritos, sin embargo, poseyó unas extraordinarias dotes en este género.  La clientela de Toledo mostró por los bodegones flamencos verdadera admiración, esto impulsó a los artistas toledanos de finales de la centuria del s. XVI a realizar estos temas.  Sanchez Cotán realiza cuadros, apaisados, con pocos elementos, frutas, hortalizas y aves, sobre el alféizar de una ventana, tratados con preciso dibujo y denso modelado,  intensa luminosidad les destaca sobre un oscuro fondo, acentuando su realismo y plasticidad. Pinta humildemente con un sentido devocional,  busca en ellos la acción creadora de Dios… a los 43 años decidió cambiar el rumbo de su vida  abandona Toledo para convertirse en monje cartujo. En septiembre de 1604 fue nombrado hermano lego del Real Monasterio de Nuestra Señora de la Asunción de la Cartuja en Granada. Y en esta ciudad moriría en 1627.

Pintan las damas

Aunque la pintura de bodegón italiana iba ganando en popularidad, permaneció menos respetada que la pintura de «gran estilo» los temas históricos, religiosos y míticos. Destacados académicos italianos de principios del siglo XVII,  encontraron amplio mecenazgo en su tiempo, estos propietarios de pinturas fueron personas de un alto nivel intelectual colocándolas en sus bibliotecas… no en los comedor es como era de imaginar.  Se abrieron paso las pintoras, pocas, normalmente elegían o se «veían obligadas» a pintar estos temas, dos ejemplos: Giovanna Garzoni, Fede Galizia.

Las pinturas de bodegones de aquellos años estaban repletas de flores y frutos, ya que los artistas escondían de este modo sus «sentimientos secretos» o enviaban mensajes a sus contrincantes… y amantes. Así también demostraban sus preferencias políticas, creencias etc.

 Cerezas claveles  y mariposas

Desde el Renacimiento, la cereza fue la fruta que simboliza el amor, la prosperidad  y el clavel, como vemos en esta obra de Giovanna Garzoni, la flor predilecta para escenas de compromiso y matrimonio. Nada ha cambiado desde entonces y el clavel sigue siendo el regalo perfecto para demostrar amor con flores. El clavel blanco, la inocencia el amor puro, mientras que el clavel rosado, símbolo de gratitud  con una persona, por algún favor recibido. Fede Galizia  puso junto a sus cerezas una mariposa, estas son símbolo universal de transformación y evolución en la vida. Es considerada un buen augurio, una nueva oportunidad…  un nuevo comienzo.

Las mariposas en la Teoría del caos,  estudiada en diferentes ramas de las ciencias, para explicar la sensibilidad a las variaciones que poseen los sistemas dinámicos. En este contexto se utiliza el concepto “efecto mariposa” que proviene de la frase popular «el aleteo de las alas de una mariposa pueden provocar un Tsunami al otro lado del mundo».

Último tercio del s. XIX

En época de Manet  los «Bodegones ya era un género reconocido y muy valorado. El artista, aplicó su particular forma de interpretar el naturalismo a esta obra.

«Manojo de espárragos» -1880

Una anécdota …

ESPARRAGOS

Manet vende al coleccionista Charles Ephrussi su cuadro»Manojo de espárragos» por 800 francos. Pero Ephrussi le envía 1000 francos, y Manet, que no ve adecuado darle  vuelto, decide pintar un espárrago más y se lo remite con una nota: “Le faltaba uno a su manojo”.

manet-1aspergePara el «manojo», se basó en los bodegones barrocos holandeses. Pero en el caso del espárrago solitario, Manet decide situarlo en una composición novedosa: descentrado y desde un punto de vista inusual. La mesa de mármol lo llena todo.. arriba a la derecha, la firma del artista en negro, porque a diferencia de los impresionistas  que sus sombras y firmas eran de color  violeta, Manet usaba el negro y nunca lo abandonó.

Paul Cézanne -1899 – Bodegón con naranjas y manzanas

Cezanne 1899

Cézanne es el gran perfeccionista, cada obra es trabajada concienciudamente.

Aquí  el tapiz de la pared, establece una composición bidimensional que el artista rompe con el mantel blanco de grandes pliegues para dar profundidad a la escena.  Apreciamos la simplificación de formas llevada hasta el extremo con las naranjas que están sobre el frutero, éstas son solo formas redondeadas que reconocemos gracias al color y no a la forma.

Siglo XX

Giorgio_Morandi- 1947

Giorgio Morandi –  de Bolonia- Italia -1947

Utensilios de la vida diaria: vasos, botellas, etc. colocados sobre una mesa, se convertían en los  protagonistas de sus cuadros. Seguía así a su admirado Cézanne: la elección de los bodegones sencillos como medio de expresión de su pintura.
En 1960 el director Federico Fellini rendiría tributo a Morandi en su largometraje La Dolce Vita, donde aparecían algunas de sus pinturas.

Giorgio Morandi fallecería en 1964 en su ciudad natal. En el año 2001 el Museo Morandi abriría sus puertas en una sección del Palazzo d’Accursio, sede del gobierno local de Bolonia.

1937 - calle

M. C, EscherBodegón y calle (1937)

El artista holandés Maurits Cornelis Escher, 1898-1972 más conocido por sus increíbles y detalladas obras gráficas, creó Bodegón y calle (1937), su versión actualizada de la tradicional naturaleza muerta de mesa holandesa.

Como artista, M. C. Escher resulta difícil de clasificar. Hay múltiples interpretaciones de sus obras, pero la realidad es que Escher plasmaba lo que le gustaba. No basaba su trabajo en los sentimientos, como otros artistas, sino simplemente situaciones o soluciones a problemas, juegos visuales, «momentos locos». Visiones que que pasaban por su imaginación espectacular y  creía merecedora de ser plasmada en sus cuadros.

Actualmente su trabajo en un Museo con su nombre de la ciudad de La Haya- Holanda.  Su obra se ha plasmado en posters, puzzles, camisetas, corbatas, portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos. Una mente fantástica que todos quisieramos tener.

«Quítate las sandalias de los pies…

…para entrar a la Catedral de Siena … es: para los ángeles!!… ellos vuelan…

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Alessandro Franchi, Elías en el carro de fuego

Si, su famoso piso de mármol  es una obra extraordinaria y única. Ninguna otra iglesia de la Cristianidad tiene una creación artística comparable a ésta por la complejidad del conjunto y por la calidad de la ejecución. Es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO

La Catedral,  dedicada Duomo di Santa María dell’Assunta se erigió donde ya existía un edificio religioso construido, a su vez, sobre un antiguo templo dedicado a Minerva.  Los planos de la catedral fueron de Nicola Pisano, uno de los mejores arquitectos italianos del siglo XIII, mientras que la fachada toda de mármol blanco con alguna decoración en rojo de Siena fue obra de su hijo Giovanni Pisano,  en 1284 que realiza la transición románico-gótica.  Por deseo de  san Bernardino de Siena, se colocó el símbolo del sol sobre la puerta principal en el siglo XV. y sus partes esenciales se completaron en 1215, mientras que la cúpula fue realizada entre 1259 y 1264. Las torres laterales exteriores robustas, aligeradas solamente por las ventanas delgadas, que se abren entre remates de cúspides con estatuas, gárgolas y coronamientos góticos y su linterna dorada, que fue hecha por Gian Lorenzo Bernini en el siglo XVII se asemeja al sol.

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Un detalle para admirar

Los templos se levantaban en su mayoría de  ladrillo, luego decorados con  mármol blanco y en este caso, negro formando las características rayas o bandas horizontales. Son los colores simbólicos de Siena, tomados de los caballos blanco y negro de los fundadores legendarios de la ciudad: Senio y Asquio. La alternancia de bandas de color aumentan la horizontalidad contrarrestando con la verticalidad lo vemos en Siena, Orvieto, Prato, Génova… una especie de identidad nacional.

duomo

TESOROS

siena-catedral-bibliotecaEl arte de Siena, siempre mostró una  gran creatividad lo vemos en la obras de Giovanni y Nicola Pisano con su famoso Pulpito

Pulpito

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Los 10 frescos de Pinturicchio en la llamada Biblioteca Piccolomini, que ocupa una de las naves de la catedral.

Duccio di Buonsignena con su Maestá

 

 

 

Un pavimento único

La iglesia era«el lugar» para entrar encontacto con la sabiduría. Se hizo en ella una parte destinada a caminar y ver “recorrido con imágenes” contemplando  esta grandiosa obra que empieza en los tiempos anteriores al Cristianismo y lleva a los fieles hasta la Revelación.

El itinerario se desarrolla a través de diferentes temas: de la Loba que amamanta Rómulo y Remo,el fundador del saber: Hermes Trismegisto, hay diez Sibilas también la puso Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, filósofos Sócrates, Aristóteles y Séneca.  En el hexágono bajo la cúpula se pueden admirar las historias de Elías y Acab y, en los recuadros cerca del altar, aquellas de Moisés que hace brotar el agua de la roca, en el Sinaí y el sacrificio de Isaac. Luego siguiendo en el crucero y el coro se encuentra la historia del pueblo judío y los eventos de la salvación realizada por Cristo que encontramos representado en el altar. Colaboran entre los siglos XIV y XVI unos cuarenta artistas.  56 paneles de diferentes formas: rectangulares, hexagonales o romboidales. La mayoría de los paneles se conservan en su estado original.

Una singular técnica

colle_della_fortunaPinturicchio, autor en 1505 del célebre recuadro de «La colina de la Sabiduría»

Recuerda al mosaico,

Teodora - Ravenna

Villa_Adriana_Opus_Sectile_Piccole_Terme

al opus sectile romano

Basílica de las Angustias -granada

o a la taracea, pero  no es ninguna de estas tres cosas.

 

Las escenas más antiguas están hechas con la técnica de graffiti,(muy diferente a lo que hoy entendemos por graffitis) término proviene del italiano sgraffiare, hacer incisiones o rascar con una herramienta especial llamada grafio, como una especie punzón, haciendo pequeños agujeros, marcando líneas en el mármol y llenándolos luego de betún o brea mineral y realizado con mármol de diferentes colores.  No fue tarea fácil demoraron siglos a partir del 1300 hasta bien entrado el s. XIX. a pesar del tiempo transcurrido el piso muestra su proyecto  de excelencia muy uniforme .

Participaron en la obra «La Gloria de Siena»

Los diseños de las 56 taraceas fueron proporcionados por importantes artistas, en su mayor parte de origen sienesa, como Domenico di Bartolo y Matteo di Giovanni. Domenico de Niccolò dei Cori, Matteo de Giovanni, Neroccio de Bartolomeo,Pietro y Ambrogio Lorenzetti y Simone Martini etc. Pero también artistas de otras regiones, como Pinturicchio y Domenico Beccafumi.  Los artístas hicieron los dibujos preparatorios de las cincuenta y seis «marqueterías» que luego fueron realizados por los maestros lapídeos con la técnica la técnica elegida.
Por obvias razones de conservación, el mosaico permanece cubierto la mayor parte del año y sólo unos paneles quedan a la vista. Lo despejan totalmente desde la fiesta de El Palio ( carrera de caballos por la ciudad) en agosto hasta el 25 de octubre aproximadamente.

Puerta del Cielo

También la extraordinaria abertura de la “Puerta del cielo”, otro descubrimiento de esta sorprendente Catedral nunca abiertos antes, nadie ha podido entrar por siglos. A través algunas secretas escaleras de caracol se puede acceder a las torres de la entrada que llevan al ‘cielo’ de la Catedral y admirar de arriba las bóvedas estrelladas de la nave derecha.


 La “Puerta del Cielo” es la Virgen,  de acuerdo con la Letanía de Loreto, como Madre de Cristo y de la humanidad, contribuye a nuestra salvación eterna en el Cielo. El recorrido permitirá comprender mejor la dedicación de la Catedral de Siena a la Asunción de Nuestra Señora y el vínculo que los ciudadanos de Siena han tenido durante siglos, con su “patrona”: Sena Vetus civitas Virginis.

Otra sorpresa

La Cripta del Duomo en Siena – Cripta de San Giovanni  probablemente la entrada original de los peregrinos a la catedral y fue descubierta por obreros en 1999 de una manera totalmente inesperada, vieron porciones de pinturas en una pared, situada en un cuarto debajo del púlpito del Duomo.

Los trabajos de vaciado del recinto duraron tres años. Finalmente, expertos de todo el mundo, historiadores de arte y arqueólogos se enfrentaron a un descubrimiento sorprendente que añadiría nuevas piezas importantes a la Historia del Arte Medieval.

180 metros cuadrados de pared con hermosos frescos que mantienen el brillo y colores originales, de la segunda mitad del s.XIII. Cerrada y llena de escombros  permaneció  escondida durante unos siete siglos!

Y un detalle para terminar:

SATOR -AREPO -TENET -OPERA -ROTAS- que en latín puede traducirse como: “El sembrador Arepo guía con destreza las ruedas”.

A veces las cinco palabras se encuentran dispuestas en forma radial, como en la Abadía de Valvisciolo en Sermoneta, o bien en forma circular, como en la Colegiata de Sant’Orso de Aosta.El cuadrado mágico de SATOR en el Duomo de Siena - Foto www siena-agriturismo it

El curioso cuadrado mágico SATOR,  se han encontrado en ruinas romanas de Cirencester (la antigua Corinium) en Inglaterra. En Italia en la Región Abruzzo en la Iglesia de S.Pietro ad Oratorium entre Bussi y Capestrano, en el castillo de Rochemaure, en Oppède, en Siena (pared de la catedral), en la abadía de Collepardo, Santiago de Compostela, etc.