George Braque

Pintor francés, que contribuyó al origen y desarrollo del «Cubismo».

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Nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil-sur-Seine, cerca de París. Pasó sus primeros años, entre su ciudad natal y El Havre, en la costa de Normandía.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando colores puros y brillantes en composiciones de estructura muy libre.

La exposición «fauvista» de 1905 le impresionó tanto que se adscribió a este estilo, usando preferentemente los colores rosa y violeta. Realizó en 1906 con Othon Friesz un viaje a Amberes y, durante el verano de 1907, a La Ciotat y a L’Estaque. Ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne, por siempre su preferido.

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Su interés por las formas distorsionadas y perspectivas poco convencionales llevaron a Braque a pintar de un modo que más tarde se conocería como «Cubista«. Entre 1908 y 1913 llevó a cabo un exhaustivo estudio sobre los efectos de la luz y de la perspectiva y los medios con los que cuentan los pintores para representar estos efectos.

Por mucho que Picasso influyera en él, Cézanne nunca dejó de ser su obsesión y modelo absoluto por excelencia.

Un Homenaje a Bach

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Braque fue un cultivado músico y gran admirador del compositor alemán J. S. Bach, a quien consideraba uno de los más grandes exponentes por la técnica musical utilizada, donde se superponen varias melodías. Admiraba los diversos planos melódicos con múltiples perspectivas o niveles a partir de los cuales se podía contemplar la música.
En su pintura, Braque, hace una analogía entre las técnicas aplicadas en su pintura, con la técnica compositiva que utiliza el célebre compositor.

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Un ejemplo de este estilo puede encontrarse en Violín y jarra -1910, Kunstmuseum-Basilea.

Los instrumentos de música fueron un motivo de inspiración porque gustaba especialmente de ellos, los tocaba y coleccionaba en su propio taller.

Georges Braques aparece tocando el bandoneón en su estudio de la Rue Caulaincourt, Paris, en 1911.

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Muchos de los objetos que aparecen se pueden ver en las pinturas cubistas de este período.

La colaboración entre Braque y Picasso continuó hasta 1914, año en el que Braque se alistó en el ejército francés. Herido de gravedad durante la I Guerra Mundial reanudó su carrera artística en solitario por 1917.

Desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por los colores brillantes y la textura de las superficies y después de su traslado a Normandía, por la reaparición de la figura humana.

Cuestionó la mayoría de las convenciones artísticas en uso. Por ejemplo, en sus cuadros de escenas de pueblos, reducía la estructura arquitectónica a una forma geométrica que se aproxima a un cubo o más exactamente, a un prisma rectangular, pero recurría al sombreado para reducir el volumen, con lo que lograba dar a los objetos una apariencia plana y tridimensional al mismo tiempo. De esa forma centraba la atención en la naturaleza de la percepción y de la representación artística.

Picasso, con quien Braque empezó a trabajar en estrecha colaboración a partir de 1909, utilizaba un enfoque pictórico similar.

“Vivíamos en Montmartre, nos veíamos todos los días, hablábamos… Durante aquellos años, Picasso y yo nos dijimos cosas que ya nadie se dirá nunca más, cosas que ya nadie sabría cómo decirse, que nadie sabría comprender…”.

Desde 1910 a 1912 ambos artistas realizaron obras estructuradas en complejas formas geométricas y pintadas con colores neutros, que hoy son conocidas como cubismo analítico.

George Braque desarrolla un cubismo diferente ya que se reconocen dos fases en su cubismo. En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una fase de «cubismo analítico» 1909-1912, en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el «cubismo sintético», es decir, con unidad compositiva.

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Prefirió las naturalezas muertas para sus pinturas.

El Collage cubista de Braque incluía recortes de periódicos y revistas, etiquetas de licores, paquetes de cigarrillos, papeles coloreados y todo tipo de objetos encontrados que el pintor fue incorporando al lienzo como un pigmento más. Su amigo Picasso, fascinado por el hallazgo, se permitió imitar y mejorar esta técnica, hasta el punto que muchos lo consideran a él el inventor del collage.

“En esa época, estaba muy unido a Picasso. A pesar de tener temperamentos muy distintos, estábamos guiados por una idea común”.

 

De la Segunda Guerra mundial hasta su muerte. 1940-1963.

La dureza de los años de la Segunda Guerra Mundial se refleja en telas lóbregas pintadas en Varengeville-sur-Me, modesto pueblo de Normandía ubicado a la orilla del océano en el que Braque había mandado construir una casa en 1930.

En 1941 las fuerzas de ocupación nazis confiscaron todas las obras que había intentado salvaguardar escondiéndolas en un banco de la ciudad de Libourne, al suroeste de Francia.

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El pintor se recluyó en su casa y sobre todo en su taller.

Ese encierro, es palpable en los grandes interiores austeros y de tonos oscuros, casi sofocantes que realizó entonces.

Confesó ser: “muy sensible a la atmósfera circundante”

por lo que ejecuta obras oscuras y dolorosas.

Calaveras flanqueadas por crucifijos y rosarios o peces típicos de la iconografía cristiana. Son imágenes del infortunio de la guerra. Las siluetas de figuras humanas negras y fantasmagóricas

En 1953, apoyado por André Malraux, entonces Ministro de la Cultura, Georges Salles, director de los Museos de Francia, solicitó a Braque que pintara el techo de la sala Henri II de Le Louvre, dedicada al arte etrusco. A pesar de sus 70 años y de frecuentes problemas de salud, el artista trabajó día tras día durante tres meses para realizar una obra a la vez poderosa y delicada: dos grandes pájaros  pintados en tonos azul oscuro y negro sobre un fondo azul un poco más claro y brillante.

Nunca antes el Museo del Louvre había abierto sus puertas a un artista vivo.

Su obra del Louvre – «Pájaros» en el techo de la Sala Etrusca -1955. Óleos sobre lienzos.

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Braque fue un autor que buscó `perturbar´ a través del arte consiguiéndolo a pesar que fue subestimada su obra debido a que lo tildaron “de artista oficial de la Francia gaullista» que le ensombreció indudablemente su trayectoria a los ojos de la generación contestataria que le siguió.

Georges Braque murió en París a los 81 años, el 31 de agosto de 1963.

El 3 de septiembre el Estado francés le rindió homenaje con una ceremonia oficial celebrada en la Cour Carrée del Museo del Louvre. Fue André Malraux quien pronunció sus honras fúnebres. Luego su familia y sus amigos más cercanos lo enterraron en el pequeño cementerio de Varengeville.

El gobierno francés le proclamó como el ”más francés de todos los artistas franceses de su generación”.

En 2013, coincidiendo con el 50 aniversario de su muerte su país le rinde homenaje con una gran retrospectiva en el Grand Palais de Paris, bajo el sencillo título de Georges Braque.

Complicado… «Complejo»

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Santi Quattro Coronati …antiquísimo templo de Roma

Eran cuatro mártires que rechazaron hacer un sacrificio al dios Esculapio, por lo tanto y por orden del emperador Diocleciano 284-305 fueron condenados a muerte.

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Los cuerpos de los mártires fueron enterrados en el cementerio de los Santos Marcelino y Pedro, en la cuarta milla de la vía Labicana, por el papa Melquíades. Este, decidió que los mártires debían ser venerados con los nombres de Claudio, Nicóstrato, Simproniano y Castorio- junto a un quinto, Simplicio, cinco canteros mártires de la zona de Panonia.

Sus cuerpos se conservan en cuatro antiguos sarcófagos en la cripta. Según una lápida datada en 1123, la cabeza de uno de ellos está enterrada en Santa Maria in Cosmedin.

Con tantos siglos de historia en el lugar se formó un complejo increíble que prácticamente nadie descubre cuando visita Roma, posiblemente permanece ignorado hasta por los mismos romanos.

La Iglesia dedicada a los cuatro Mártires Cristianos.

El monasterio de los Cuatro Santos Coronados nació a mediados del siglo V d.C. sobre los restos de una domus romana un “Titulus Aemilianae”, un nombre que pronto se superpone al de “Titulus SS. Quattuor Coronatorum” que se menciona por primera vez en 595. La iglesia, dedicada a un grupo de mártires enterrados en el cementerio de San Pedro y Marcelino “ad duas lauros”- viene del latín, «a los dos laureles» e identifica, una propiedad del Imperio Romano, que ahora se incluye en el Parque Arqueológico de Centocelle, en Roma.
Objeto de gran atención para los papas Honorio I 625-638, Adriano I 772-795, León III 795-816 y Gregorio IV 827-844.

León IV 847-855 fue quien la transformó en una Basílica de tres naves, con cripta semicircular precedida de un pórtico en la entrada, en la cual se inserta el campanario. Hace colocar la cripta y las capillas erigidas a: Santa BarbaraSan Nicola y San Sisto -esta última lamentablemente desaparecida. El gran baptisterio circular descubierto durante excavaciones recientes se remonta al mismo período

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La capilla de santa bárbara

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En el siglo IX, la iglesia fue completamente reconstruida por el Papa León IV 847-855 se convirtió en una de las más importantes de la Roma carolingia.

El incendio que devastó la ciudad en 1084, iniciado por el príncipe normando Roberto el Guiscardo para defender a Gregorio VII del emperador Enrique IV, lo destruyó totalmente.

Para reparar el daño sufrido por la estructura de la iglesia en el año 1084, el Papa Pascual II 1099-1118 hizo en ella un gran restauro. El nuevo edificio fue consagrado el 20 de enero 1110.

El interior de la iglesia, consagrada en 1116 por Pasqual II, tiene tres naves dominadas por galerías superiores o de mujeres y sobre un grupo columnas antiguas y originarias  de los monumentos de la Roma imperial.

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El piso, de estilo Cosmatesco sigue siendo el original compuesto por discos de mármol, pórfido, y mosaicos trabajado de manera espectacular. 

En 1138 la iglesia fue confiada a los monjes benedictinos, que la mantuvieron hasta el siglo XV.

Construyeron el monasterio final del siglo XII, el claustro XIII la capilla de San Silvestro 1246.  y el palacio lujoso y fortificado del cardenal, cuya entrada todavía está dominada hoy por la enorme Torre Maior y el Aula gótica.

En 1521 el complejo se convirtió en “camaldulense” – l Orden de la Camáldula, fundada por San Romualdo en el siglo XI y desde 1560 fue confiado a las Hermanas Agustinas que aún lo custodian. 

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Esta es la razón por la cual dos patios . El primero corresponde al antiguo cuadrático del siglo IX d.C., el segundo en el área de la nave central original.

Con el traslado de la sede papal a Aviñón comenzó un largo período de declive que duró hasta 1564, año en que el Papa Pío IV transformó el complejo en un orfanato femenino para monjas de clausura agustinas que todavía  viven allí.

El ábside, abarca las tres naves… el único ejemplo en Roma. Los frescos del pintor florentino Giovanni da San Giovanni 1592-1636 representan la historia de los Cuatro Santos Coronados.

Foto www aklesiasuite com

y la magnifica Gloria de todos los Santos, en la que los ángeles son retratados con algunas curiosas características femeninas, que le ganaron el apelativo del Coro de Angelinas

Bajo el presbiterio se encuentra la cripta donde están las reliquias de los mártires titulares de la iglesia. 

El techo artesonado de madera, donado en 1580 por el rey  regente-Enrique de Portugal –el Casto, en las paredes de las navas se pueden admirar fragmentos de frescos medievales.

El Título Cardenalicio fue creado por el Papa Gregorio I en el año 600 al sustituir el anterior título Aemilianae, este título estaba relacionado con la Basílica de San Lorenzo extramuros. El titular actual es el Cardenal estadounidense Roger Michael Mahony desde 1991.

Se conecta con el claustro por el pasillo izquierdo.

El bello encantador clautro del siglo XIII.

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El espléndido claustro de planta cuadrada del siglo XIII, que salió a la luz a principios del siglo XX. Un remanso de paz. En el centro del jardín hay una fuente de mármol,  formada por piscinas circulares talladas en un solo bloque. En las paredes de los pasillos del claustro se puede admirar el anticuario, realizado con numerosos hallazgos arqueológicos -epígrafes y esculturas antiguas, medievales y medievales antiguas. encontradas durante el trabajo en el monasterio.

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 detalle del claustro

Capilla u Oratorio de San Silvestro o Silvestre

Desde el segundo patio externo hacia la iglesia, se accede al Oratorio de San Silvestro, que conserva perfectamente la pintura decorativa original realizada en 1246.

En ella se reproducen, tanto el tema del Juicio Final, como los episodios de la leyenda según la cual el emperador Constantino, enfermo de lepra, se habría curado gracias al papa  Silvestre que habría curado al emperador.

Es la primera vez que aparece la Umbrela o sombrilla a rayas rojas y amarillas como símbolo que utiliza la Iglesia para designar una Basílica.

La Sala del Calendario...

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Los maravillosos frescos del Aula Gótica.

En 1996, con motivo de la restauración de un aula del monasterio de los Cuatro Santos Coronados, fue descubierto de forma fortuita un ciclo de frescos del siglo XIII.
Los frescos permanecieron escondidos bajo una gruesa capa de yeso blanco, y tomó a los restauradores casi diez años liberarlla de ellos.
Más allá de la excelente calidad de los frescos, la importancia histórica de esta serie de cuadros es tal como para obligar a los estudiosos e historiadores de reescribir páginas enteras de la historia del arte.
Los frescos se atribuyen al “Terzo Maestro d’Anagni”, el autor de los frescos de la cripta de la Catedral de Anagni, uno de los ciclos pictóricos más importantes y admirados de Italia medieval.
Esta Sala Gótica está ubicada en el convento de las monjas de clausura, para abrir el aula al público, se hizo necesaria la construcción de una puerta de acceso secundario.
En diciembre de 2006, el entonces ministro Francesco Rutelli, anunció el fin de las obras de restauración. Sin embargo, se demoraron más de lo previsto, y recién a partir de junio de 2014 fue por primera vez visible para visitantes externos este extraordinario lugar.

La mayor parte de las escenas bien conservadas representan a los Doce Meses, las Artes Liberales, las Cuatro Estaciones y el Zodiaco.

La imagen del rey Salomón, un pío y un juez, pintada en la pared septentrional llevó a considerar que la habitación tenía como destino ser sala de Justicia. La escayola es posible que se aplicara después de la Peste Negra de 1348 por razones higiénicas, o quizá en el siglo XV, cuando los camaldulenses dejaron el monasterio.

Se supone la representación del cardenal presbítero Alfonso Carrillo de Albornoz, español nombrado por esas fechas titular en los Cuatro Santos Coronados y archivicario de la Basílica de Letrán en 1428 en agradecimiento. Alfonso Carrillo, había intentado convencer a Benedicto XIII para que cediera en sus pretensiones y concluyera la época de los anti-papas. Un momento importante de la vida de Roma, la ciudad que vuelve a ser sede del papado tras el destierro y las luchas entre varios papas que contemporáneamente se consideraban legítimos, participó en el cónclave de 1431 que eligió al Papa Eugenio IV asistió al concilio de Basilea, en el que ejerció una poderosa influencia.

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Para no perderse…. no hay como un mapa…

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«La Tabla» de Basilea

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Durante siglos Konrad Witz permaneció totalmente ignorado para los historiadores del arte. Como ocurrió con otros pintores del norte de Europa contemporáneos suyos sin ir más lejos el extraordinario Robert Campin, hubo de esperar que algún investigador lo rescatara del olvido.

El» milagro»

No ocurrió hasta 1901, cuando Daniel Burckhardt, se interesó por un viejo retablo de Ginebra, al que los documentos de la época se referían como Conradus Sapientis de Basilea. Burckhardt descubrió la firma de Konrad Witz en el marco original en 1897. Otro descubrimiento importante de Burckhardt fue la estancia de Alberto Durero en Basilea.

Descubrió que el 21 de junio de 1434, un tal Konrad von Rotwil fue aceptado por el gremio de artistas de la ciudad suiza de Basilea, y que en enero de 1435 Conrat Witz von Rotwil fue admitido como ciudadano.

Además de un perspicaz análisis estilístico, permitieron a Daniel Burckhardt identificar a Konrad Witz como el autor de un conjunto de pinturas repartidas por diferentes ciudades suizas y alemanas, como Basilea, Estrasburgo o Nuremberg.

El Autor, pudo haber nacido entre 1400 y 1410, en Rotweil, en la región alemana de Suabia. Viajó desde Alemania a Basilea, atraído quizás por el Concilio Ecuménico de la Iglesia Católica que tuvo lugar allí en1431. 

Continuaron las investigaciones…

Es incierta la fecha de su muerte que suele recogerse por el año 1445 ó 1446. La doctora en Historia del arte Marianne Barrucand sugiere que debió ocurrir, a principios de 1444, poco antes de la colocación del retablo en la catedral de Ginebra al que pertenece La pesca milagrosa, y que según otro experto en el tema, Röttgen, lo comenzó Witz pero lo concluyeron pintores de su taller.

Otras obras sugerentes…

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En este sentido, Barrucand apunta a una obra de Witz en concreto, La Sinagoga, que por la audacia de su colorido, la suavidad de sus formas, inusuales en Witz, hacen de ella una obra singular que evoca la pintura italiana del Quattrocento.

Florens Deuchler, historiador de arte suizo, va más allá y llega a sugerir un posible viaje transalpino, y encuentra en obra, La liberación de San Pedro y otras  innegables ingredientes italianos tomados de Filippo Lippi, Massaccio y Paolo Ucello. Su hipótesis es que Witz pudo haber viajado a Ferrara y Florencia acompañando a los obispos y cardenales cuando el papa Eugenio IV ordenó en 1437 el traslado del Concilio desde Basilea a Ferrara primero y más tarde a Florencia. Posteriormente, tras los sucesos ocurridos en la Iglesia, regresaría a Basilea en 1439.

Su mejor obra

«La pesca milagrosa»

El artista, se esfuerza al máximo en ella para representar todos y cada uno de los detalles de manera exquisita. La técnica de las veladuras con la que logra tales efectos, adquiere en esta obra el mismo grado de perfección de artistas flamencos de la talla del renombrado Jan Van Eyck.

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Actualmente se exhibe en el Museo de arte e historia de Ginebra -Suiza.

El el marco original dice: «Hoc opus pinxit magister conradus sapientis de basilea 1444»

Mide 132 cm de alto y 154 cm de ancho. Es temple sobre tabla y es un fragmento del retablo de san Pedro que pudo estar destinado a la catedral de San Pedro en Ginebra.

Prácticamente un siglo después, en1536 Ginebra abraza la Reforma y la Catedral es adoptada por Juan Calvino como Iglesia Madre, tomando el nombre de Templo de San Pedro.

Narra el episodio de: «La pesca milagrosa» en el capítulo 21 del Evangelio según san Juan, versículos 4-7.

Según el historiador de arte polaco Bialostocki, Witz, es un «pintor de personalidad vigorosa e independiente, con gran capacidad de observación de la naturaleza circundante, pero con poca paciencia para la anatomía y la perspectiva», tiende a eliminar lo accesorio y a captar las cualidades materiales de los objetos.

Como buen seguidor de la escuela flamenca, está interesado especialmente en representar de manera convincente el espacio, los volúmenes y las figuras humanas.

la introducción del paisaje

Witz presenta en esta obra uno de los primeros paisajes reconocibles en la historia del arte, el lago Leman.

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En los pintores flamencos y nórdicos, el paisaje se mostraba a través de arcos y ventanas, pero poco a poco se fue abriendo paso de un modo más abierto. Esta obra de Witz, ha pasado a la historia porque es el primer paisaje realista que se pinta.

La primera vez que podemos reconocer un paisaje real. El pintor, traslada la escena bíblica… al lago Leman, en Ginebra- Suiza, quizá tratando de responder mejor a los sentimientos de los espectadores situándola en un entorno familiar.

La vista del lago está tomada desde la orilla derecha, en el sitio conocido actualmente como Les Pâquis, desde el cual se divisan varias montañas, a la derecha le Pêtit Salève, en el centro La Môle, y a la izquierda los bosques de Voirons. Al fondo, las montañas nevadas de los Alpes y el Montblanc se dibujan entre las nubes.

La búsqueda realista ha llevado a los investigadores a intentar determinar a qué hora exacta del día pintó Witz la escena. Según la dirección de las sombras, Barrucand indica que la tabla pudo pintarse hacia las tres de la tarde, un día de verano, pero…la luz del primer plano es demasiado fría y difusa para esa hora del día y las sombras de los árboles demasiado largas… se parece más a un amanecer o primeras horas de la mañana y más de acuerdo más de acuerdo con el pasaje bíblico:

» Al amanecer, Jesús estaba en la orilla, aunque los discípulos no sabían que era él. Jesús les dijo: «Muchachos, ¿tienen algo para comer?». Ellos respondieron: «No». el les dijo: «Tiren la red a la derecha de la barca y encontrarán». Ellos la tiraron y se llenó tanto de peces que no podían arrastrarla. El discípulo al que Jesús amaba dijo a Pedro: «¡Es el Señor!». Cuando Simón Pedro oyó que era el Señor, se ciñó la túnica, que era lo único que llevaba puesto, y se tiró al agua.»

numerosos símbolos

Eran duras épocas de Concilios…

El primero de todos: la identificación de la Iglesia con la barca, que no se hunde jamás, que fue reiteradamente empleada por los conciliaristas. Al fondo, sobre la verde campiña… jinetes que cabalgan y que portan el estandarte de la casa de Saboya.

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La casa a la que pertenecía Amadeo de Saboya nombrado antipapa con el nombre Félix V quien poco después de ser electo escribe una carta a los cardenales reunidos en Basilea de quienes se despide diciendo: «Datum Laussane sub annulo Piscatorum, XVII, Maji, 1440″Dada en Laussane bajo el anillo de los pescadores, 17 de mayo de 1440.

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Pero la pintura de Witz contiene otros elementos más sutiles…

Witz aproxima las montañas entre sí y hace más abruptas de lo que son las caras de La Môle… modifica la realidad paisajística … quizá por necesidades compositivas, lo más seguro que no lo sea, lo hace por otros motivos de significado más profundo el triste momento que pasaba la Iglesia Católica.

Sitúa la gran montaña de La Môle justo sobre la cabeza de Cristo, identificándolo a Él, y no a Pedro, como la verdadera roca sobre la que se erige su iglesia.

Los Opositores a la Iglesia No querían al Papa y Witz lo expresa claramente…

No parece un «detalle» casual, sino colocado deliberadamente en la obra. Pedro – el papa, está en situación comprometida, ha intentado emular a Cristo, camina sobre las aguas, pero empieza a hundirse…» necesita la ayuda de Cristo, igual que el papa necesitaba el apoyo y consejo de los cardenales».

Minuciosa atención pone el pintor al tratar la zona del lago cercana al Solemne Cristo, piedras, peces bajo el agua transparente y logra el reflejo de los pescadores sobre la superficie del lago.

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Durante la Reforma, s. XVI muchas de las obras de Witz fueron destruidas o dañadas por el furor iconoclasta de los calvinistas, esta, sufrió graves daños en los rostros de algunos apóstoles, como lo han puesto de manifiesto en una restauración reciente efectuada en esta pintura. «Las tablas» que con ella componían el famoso retablo, se perdieron durante los sucesos ocurridos en Ginebra el 8 de agosto de 1535.

El Paisaje actual

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El Museo de arte e historia de Ginebra -Suiza expone la obra en su segunda planta…

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Musulmanes y cristianos…

En el Arte Mudejar

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Se desarrolló en los reinos cristianos de la península ibérica. Estos, incorporaban influencias, elementos y materiales de estilo hispano-musulmán.

MUDÉJAR – Es una palabra que procede del árabe, podría traducirse como: disciplinado, tributario.

Este arte es un fenómeno exclusivamente hispánico que tiene lugar entre los siglos XII al XVI. Mezcla de corrientes artísticas cristianas, románicas, góticas, renacentistas y musulmanas de la época que sirve de eslabón entre el arte cristiano y el islámico.

destaca de otros estilos

Por los Materiales

Los llamados blandos como: ladrillo, yeso, cerámica o madera, lo que facilita la profusión decorativa y el uso de ciertos elementos arquitectónicos y temas decorativos.
Para unos historiadores, se trata de un epígono del arte islámico.

Para otros, es arte cristiano en el que aparece la decoración islámica, ya que lo practicaban los mudéjares, gentes de religión musulmana y cultura árabe-bereber que permanecían en los reinos cristianos tras la conquista de su territorio y que a cambio de un impuesto, conservaban su religión y un estatus.

Se consideraron que no suponían ninguna amenaza y que eran parte de la población y del reino y así moriscos y cristianos aprendieron las técnicas propias del Arte Musulmán.

Desde el punto de vista histórico: «Los mudéjares fueron aquellos musulmanes que continuaron viviendo en los territorios reconquistados por los reinos cristianos y que se mantenían fieles a su fe, diferenciados de Los moriscos, conversos al cristianismo.

Obra de Arte Mudéjar…

La Catedral de Teruel

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Tiene su origen en la iglesia de Santa María de Mediavilla, que comenzó a edificarse en estilo románico en 1171 y se concluyó con la construcción de la torre mudéjar en 1257.

En la segunda mitad del siglo XIII, el alarife morisco Juzaff, reestructura la antigua obra románica y dota al edificio de tres naves mudéjares de mampostería y ladrillo, que mejoran y elevan la estructura románica del siglo XII.
En el mismo estilo gótico-mudéjar, ya en el siglo XIV se sustituyeron los ábsides románicos por otros, se puede apreciar en la cabecera de la capilla mayor, lo que dio un mayor espacio y luminosidad a las naves de arcos apuntados.

En 1423, ya con aspecto mudéjar, el pontífice aragonés Benedicto XIII, el llamado «Papa Luna» la elevó al rango de Colegiata.

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El cimborrio

Trazado en 1537 por el maestro Juan Lucas «Botero», que había sido el artífice del cimborrio sobre trompas mudéjar de la Catedral de Zaragoza y del de la catedral de Tarazona.

Fue llevado a cabo en 1538 por el maestro de obras Martín de Montalbán.

Este cimborrio conseguía iluminar el nuevo retablo mayor terminado1536, obra maestra del renacimiento del escultor Gabriel Yoly.

Octogonal, sobre trompas, presenta en su exterior ventanas ajimezadas con decoraciones platerescas.

En 1587, con la creación de la Diócesis de Teruel, fue promovida a Catedral y consagrada como tal.

Alrededor del año 1700, la cabecera gótica se modifica para realizar una girola, se modificó la ornamentación para adecuarla a los gustos neoclásicos, ocultando con un falso techo del XVIII la techumbre original mudéjar para entonces considerada «pasada de moda».

Sin duda, esto permitió que se conservara la pintura.

En 1909 se aborda la edificación de la fachada en estilo neomudéjar, obra de Pablo Monguió.

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Una de las maravillas que acoge la catedral además de su Cimborrio es su techumbre, de par y nudillo, con función estructural lo que no es para nada habitual.

La techumbre impresionante!!!

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La riqueza ornamental es sencillamente !!extraordinaria!!! muestra la colaboración entre musulmanes y cristianos.

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La decoración musulmana salta a la vista y se mezcla con verdadero afán de lograr una gran belleza decorativa dejando atrás las diferencias …estrellas de ocho puntas… la luna… los entrelazados…

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Si bien la estructura es de tradición musulmana, la decoración pictórica se funde con la cristiana, ya que se inscribe en el llamado gótico lineal, con el añadido de elementos de clara inspiración islámica.

La primera se compone de motivos vegetales estilizados, fácilmente identificables.

La segunda cubre gran parte de los tirantes, las grandes vigas transversales.

Por su parte, la decoración caligráfica, escasa, es de tipo cúfico -letras árabes angulosas de carácter decorativo aparece en un sitio: el lateral del cuarto tirante.

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La decoración de tradición cristiana es figurativa, prohibida por la tradición islámica.

La decoración figurativa está dividida:

Escenas de carácter mitológico cristiano y escenas profanas en las que se representan las tres clases sociales del Teruel del siglo XIII -nobleza, clero y pueblo llano, y escenas de animales reales o fantásticos.

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Los canes o modillones son unas vigas incrustadas en el muro y que trabajan como apoyo de los tirantes o vigas principales. Tienen decoración muy variada por sus tres lados y también por su frontal, donde terminan en cabezas talladas humanas o animales.

Es una decoración «divertida» «entretenida»

Observamos escena de caza en la que un jabalí es lanceado con ayuda de perros. Mientras, en la parte inferior hay un dibujo geométrico entrelazado. En su extremo asoman dos cabezas, una mujer que se sujeta el tocado.

Se distingue una inscripción en árabe con alfabeto cúfico que dice el poder pertenece a Dios, aunque escrito como si estuviera reflejado en un espejo.
Vemos escenas de Cristo, Calvario, crucifixión y enterramiento. Cabezas talladas de caballos.


El bestiario es muy rico.. dos ejemplos: un curioso dragón y una sirena, en ambos casos con cuerpo de pájaro cuya cola termina en motivos florales. Las cabezas talladas…un rey y un obispo, como delatan la corona y la mitra respectivas. El motivo geométrico inferior está realizado en relieve.

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Los aliceres o frisos se apoyan directamente sobre el muro, desde donde arranca el armazón, se recubren de todo tipo de decoración vegetal y geométrica. Espacio perfecto para ubicar personajes y escenas de la vida cotidiana del Medioevo. Reyes coronados, monjes con tonsura, leones, caballeros al galope hasta los artesanos que realizaron la propia techumbre.

Se la ha llamado la «capilla sixtina» del arte mudéjar, por su gran valor arquitectónico y pictórico. Una obra de excepcional relevancia y poca difusión por la integración perfecta de las tradiciones artísticas musulmana y cristiana de la época.

Lamentándolo mucho, sufrió daños en los bombardeos de la Guerra Civil Española y por suerte …restaurada.

Salvando esa sola excepción, es una extraordinaria obra pictórica del siglo XIV.

La torre, la techumbre y el cimborrio de la Catedral de Teruel fueron declarados con el conjunto monumental mudéjar de la ciudad, Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1986.

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Menahem Pressler… exigente

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Nacido en Alemania en 1923, Pressler huyó de la Alemania nazi en 1939 y emigró a Israel. Su reconocida carrera a nivel mundial se inició después de ganar el Primer Premio en el “Concurso de Piano Debussy” en San Francisco en 1946. Después realizó su exitoso debut americano con la Orquesta de Filadelfia bajo la batuta de Eugene Ormandy. Desde entonces ha realizado extensas giras por América del Norte, Europa y el Lejano Oriente.

El trio Beaux Arts

Menahem Pressler, el intérprete de mayor edad que permanece activo en el circuito de las principales salas de conciertos internacionales. Entre 1955 y 2008 fue pianista permanente del soberbio Beaux Arts Trio, y prácticamente grabó con este grupo todo el repertorio de de cámara …fueron de los más destacados del siglo XX. Cuando el grupo se disolvió, decidió retomar la carrera como solista!!!! que había dejado en un segundo plano durante más de medio siglo.

Concierto El Beaux Arts Trio interpreta a Schubert – medici.tv

Lleva más de una década de una destacable carrera como solista, Pressler debutó como músico de cámara en 1955 en el Festival de Berkshire, donde apareció como pianista del Trío Beaux Arts, formación de la que estuvo al frente durante casi 55 años, hasta que en la temporada 2007-2008 el violinista Daniel Hope, el chelista Antonio Meneses y el pianista decidieron disolver la exitosa formación. A pesar del final del legado artístico del trio, Pressler ha seguido deslumbrando al público en todo el mundo, tanto como solista como músico de cámara, actuando los cuartetos como Juilliard, Emerson, Pacifica y Ebène.

Después de haber grabado prácticamente todo el repertorio de cámara con el Trío Beaux Arts,

Durante casi 60 años Menahem Pressler ha dado clases de piano en la facultad de la Universidad de Indiana, donde actualmente es Profesor Distinguido de Música.

El profesor Pressler ha sido nombrado como «Maestro de Pedagogía».

Entre sus numerosas distinciones, ha recibido doctorados honoríficos de la Escuela de Música de Manhattan, 6 nominaciones a los Grammy y el galardón “Lifetime Achievement Award” de Gramophone.

Ha sido galardonado con el “Certificado de Honor” de Críticos Alemanes de la Música y ha sido elegido para la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.

En 2005 recibió la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania y la Orden de las Artes y las Letras de Francia.

En el 2007 miembro honorario de la Academia de Música y Danza de Jerusalén por su carrera artística.

Entre sus premios más recientes destacan la prestigiosa medalla del Wigmore otorgada en 2011, el “Premio Menuhin” otorgado por su majestad la Reina Sofía de España en 2012 y el premio “ECHO Klassik 2015” por su trayectoria en Alemania.

Después de sus colaboraciones con orquestas como la Filarmónica de Berlín, Orquesta de París, Staatskapelle de Dresden con Christian Thielemann o la Orquesta de la Concertgebouw.

En 2016 Menahem Pressler realizó una gira por Europa, Estados Unidos e Israel, ofreciendo recitales, conciertos como músico de cámara y conciertos con orquesta, además de actuar en el festival de Ravinia y el festival de Tanglewood, dónde actuó con la Sinfónica de Boston, orquesta con la que además ofreció clases magistrales en esta misma ciudad durante la temporada de conciertos.

Actualmente, lleva más de una década de una destacable carrera como solista.

Pressler ha recopilado más de treinta grabaciones como solista con obras que van desde Bach a Ben Haim, y ha comenzado la grabación de las sonatas de Mozart con La Dolce Volta. Entre sus DVD se incluyen conciertos con Paavo Jarvi y la Orquesta de París, Sir Simon Rattle y la Filarmónica de Berlín y su concierto en directo de su 90 cumpleaños en la Sala Pleyel de París con el Cuarteto Ebène.

Además, se han escrito varios libros sobre su legado honorífico, incluyendo “Menahem Pressler: The Artistry of Teaching” y “Always Something New to Discover: Menahem Pressler and the Beaux Arts Trio.”

y algo más..

Sin duda un maestro sumamente exigente, con una larga trayectoria impecable que lo llena de orgullo.