Año nuevo Pisano!

Un curioso evento de la ciudad de Pisa- Italia. Cada 25 de marzo, celebra el: «Año Nuevo Pisano».
Esta singular tradición nos remite a su pasada grandeza como: República Marítima que fue Pisa años ha…

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De acuerdo a este antiguo calendario, el comienzo del Año Pisano es el día de la Anunciación, el 25 de marzo de cada año.
Aquí, la bellísima catedral de Santa María Asunta o bien, Il Duomo di Santa Maria Assunta en el centro de la Piazza dei Miracoli …

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Algo significativo

Cada 25 de marzo, al mediodía, un rayo de luz penetra a través de una ventana redonda en el lado sur de la nave e ilumina en lo alto de una balda fijada a un pilón en el lado opuesto de la iglesia. Esta balda queda sobre un huevo de mármol, símbolo de nacimiento y vida nueva. «Este es un reloj solar único « muestra el comienzo del Año Nuevo en esta famosa localidad.

En años normales numerosas son las celebraciones


El 25 de marzo por la mañana, tres desfiles históricos recorren la ciudad, que culminan con una misa en la catedral de la Piazza dei Miracoli, justo en el momento en que la luz del sol toca el huevo de mármol al mediodía.

Además, el Año Nuevo Pisano es actualmente el inicio oficial de la temporada turística en la provincia de Pisa.
Una rica agenda de eventos cubre todo el territorio, con numerosas propuestas turísticas y atracciones para todos los gustos y edades: shows de música, eventos gastronómicos, deportivos, muestras de arte, apertura extraordinaria de museos e iglesias, y la Fiesta del Chocolate en San Miniato, por mencionar sólo algunos.

Este calendario duró hasta el 20 de noviembre 1749, el día en que el Gran Duque de Toscana, Francesco I de Lorena, ordenó que todos los Estados en la Toscana siguiesen el calendario gregoriano y celebrasen año nuevo el 1º de enero.

Pero no dejaron perder sus tradiciones…cada año el evento es esperado por locales y turistas

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La basílica, iniciada en 1063-1064 por el arquitecto Buscheto, con la «décima» del botín de la empresa pisana contras las Islas Baleares. Verdaderamente !!Ecléctica!!! en cuanto a elementos estilísticos: clásicos, lombardos-emilianos, bizantinos y en particular islámicos como para probar la presencia internacional de los mercaderes pisanos de aquellos tiempos. En el mismo año del inicio de su construcción, se iniciaba también la reconstrucción de la Basílica de San Marcos en Venecia, con cierta rivalidad entre las dos repúblicas marineras para crear el lugar de culto más bello y suntuoso.

La catedral medieval de Pisa es representativa del románico, en particular del románico pisano, muestra el testimonio tangible del prestigio y de la riqueza alcanzados por la República marinera en el momento de su máximo apogeo.

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Consagrada en 1118 por el Papa Gelasio II, que pertenecía a los Gaetani o Caetani, condes de Terriccio y d’Oriseo.

Ya en la primera mitad del siglo XII fue ampliada de planta de cruz griega a latina bajo la dirección del arquitecto Rainaldo a quien correspondió el proyecto de la fachada actual, concluida por maestros guiados por los escultores Guglielmo y Biduino.

Tiene una verdadera colección de obras de artes que perduran a pesar de haber sufrido un destructivo incendio.

El púlpito, obra maestra esculpida por Giovanni Pisano entre 1302 y 1310, es uno de los sobrevivió a esa tragedia.

La inclinación de Giovanni hacia el realismo y la tensión dramática, ha conducido a los críticos a considerar que desempeñó, en la escultura, un papel semejante al de Giotto en la pintura.

Fue desmontado durante los trabajos de restauración del templo y no fue » repuesto» hasta 1926… encima…colocado en otro lugar del original designado por el autor.

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Con una estructura arquitectónica deslumbrante y de compleja decoración, es una de las más vastas en narraciones por imágenes del siglo XIII que refleja la renovación y el fervor religioso de la época.

En Pisa consigue el cargo de Maestro de obras de la catedral y diseña el púlpito con planta circular sobre una columna central donde adosa las tres virtudes a modo de cariátides, figuras esculpidas en el lugar de simples columnas. En la parte superior resume el Nuevo Testamento en nueve escenas. Son placas, ligeramente curvas, con un lenguaje expresivo, episodios de la Vida de Cristo.
La adopción de ménsulas, en lugar de los consabidos arcos para sostener el piso más elevado.
Un extraordinario sentido del movimiento llenan cada espacio vacío.
Por estas cualidades y por la técnica narrativa de las nueve escenas de la vida de Cristo es considerada la obra maestra de Giovanni Pisano y de toda la escultura gótica italiana.

A donde va aquel romero, mi romero adónde irá?

CAMINO DE COMPOSTELA, NO SE SI ALLI LLEGARÁ.

El Romance Jacobeo-Carolingio, Don Gaiferos Mormaltán, cuenta que Guillermo de Aquitania peregrinó a Compostela en el año 1137 muriendo ante el altar del apóstol un viernes santo.

El «Cócice Calixtino«- actualmente en la Catedral de Santiago de Compostela, cita esta peregrinación del Duque bajo el nombre de Gaiferos de Mormaltán.

El Códice

 

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La letra «C» como Inicial del Texto del Códice del apa Calixto II considerado por años autor del mismo.

El apelativo de “Calixtino”se debe a la creencia secular de que lo había escrito el papa Calixto II, ya que firma la obra al principio  autor y compilador, narrando cómo lo hizo. Elegido Sumo Pontífice en 1119, este papa estaba emparentado con la nobleza gallega, y le unía una entrañable amistad con Gelmírez, a quien honró con su proclamación como arzobispo, así como con la elevación de la Catedral a la dignidad de Metropolitana.

Pero la autoría de Calixto II  es hoy rechazada, aunque es indudable su influencia en el códice, igual que la importante abadía francesa de Cluny. El Codex Calixtinus termina con una carta de Inocencio II que presenta al portador de la obra, Aymerico Picaud, clérigo de Parthenay-le-Vieux. El autor de gran parte de la obra. Se  inició entre los años 1137 y 1140, y se retomaría de nuevo en 1173. Está  estructurada en cinco libros, completados con documentos etc.

El Libro I -La liturgia para la Misa y Oficio de las festividades de Santiago con la música inclusive. Es el libro más amplio, y supone tres cuartas partes del códice.

El Libro II–  Milagros de Santiago.

El Libro III– Traslado de los restos de Santiago desde Jaffa hasta Compostela.

El IV–  Pseudo-Turpín, recibiendo su nombre del arzobispo de Reims a quien se atribuyó su redacción, y narra las gestas de Carlomagno en España derrotando a los invasores árabes.

El Libro V -Guía del Peregrino, detalladas descripciones de la catedral a pesar de que el templo no estaba del todo concluido cuando fue escrita.

Se añadieron algunos apéndices, destacando las veintidós composiciones polifónicas del Libro I añadidas en 1173, una primicia en la Europa del momento, o el Himno de los peregrinos a Compostela, el Dum pater familias-apéndice del Libro II.

De pocas «Iluminaciones»

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En el folio cuarto, formando una “I”,  más de media página, está Santiago apóstol en actitud de bendecir. Portando un libro y sin sus atributos característicos, la figura del Apóstol se podría comparar con la de Cristo, aunque sin el nimbo crucífero que caracteriza a éste. Pero el hecho de que forme parte de la palabra “Iacobi”y la naturaleza del texto en que se incluye hacen imposible la confusión.

El Códice Calixtino, fue incorporado al «Tesoro catedralicio» en la primera mitad del XII, el hecho de que casi inmediatamente se empezó a copiar, y aún el siglo XIV se recurría a él con frecuencia.

El Romance a Don Gaiferos

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Tras la visita realizada a Santiago por los Reyes Católicos en el año 1486,  erigieron una real hospedería en la ciudad del apóstol. A raíz de la conquista del Reino de Granada en 1492, y de los ingresos recibidos por la victoria, en el año 1499 donaron un tercio de las rentas del Voto de Santiago para llevar a cabo tal empresa. El arquitecto real, Enrique Egas, fue el encargado de realizar la traza y dirigir la construcción del hospital, entre los años 1501 al 1511. Las obras duraron 10 años.

El edificio se utilizó como hospedería hasta mediados del siglo XX. El año 1953, se construyó un nuevo edificio en la calle Galeras, donde el antiguo Hospital se trasladó. El antiguo edificio, que se transformó en el Hostal de los Reis Católicos, después denominado Hotel de los Reis Católicos, integrado en la red de Paradores de Turismo, y denominado en la actualidad Parador Museo Santiago.

Los años Jacobeos

En 1122, coincidiendo con la colocación de la última piedra de la Catedral de Santiago, Calixto II otorgó el privilegio de celebrar con regularidad a partir de 1126 el Año Santo Jacobeo, siempre que la festividad de Santiago Apóstol  el 25 de julio cayera en domingo para que así se pudieran ganar en Compostela las mismas gracias que se otorgaban en Roma los años jubilares que acostumbraban a coincidir allí cada veinticinco años.

El privilegio fue confirmado y ampliado por pontífices posteriores Alejandro III, en la bula Regis aeterni del 25 de julio de 1178, declaró el carácter perpetuo del privilegio y lo equiparó a los de Roma y Jerusalén.

Peregrinación en Santiago de Compostela. Grabado del siglo XVIII. Obra del artista Peter van del Aa.

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Los últimos Jacobeos fueron: 1993, 1999, 2004 y 2010. Pasados once años desde el último, nos encontramos actualmente en año Xacobeo, más concretamente el Jacobeo 2021-2022, que en esta edición, además y debido a COVID-19, se extenderá de forma excepcional al año 2022, algo que no había sucedido nunca.

El camino

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Tradicionalmente, «el peregrino » partía desde «su casa» para llegar a la “Casa de Santiago”la Catedral en Compostela.

La peregrinación a Santiago impulsó de forma espontánea y sin planificación la construcción de una importante red de caminos modificada y adaptada, configurando un sistema de vías rápidas y seguras, equipadas con sus correspondientes servicios -hospitales, posadas, etc. y también con sus peajes, pasos fronterizos y centros de control.

El Camino de Santiago es el medio para llegar a la meta. Miles de peregrinos por siglos lo han realizado.

Sencillamente caminar… en ese andar «se acomodan» las ideas, se descubren emociones, se vislumbran horizontes y se observan milagros cotidianos…

Cada peregrino que lo realiza tiene claras aspiraciones y en el caso de no tenerlas… no tardará en encontrarlas. Santiago Apóstol es el Santo Patrono de España. Fue el primero en recibir el Martirio en el año 42 dC. al encontrar sus tumba en el medioevo se inicia la «Era de las Peregrinaciones».

Muchos ponían delante su fe…otros la expiación de sus fechorías… para algunos la curiosidad por ese destino incierto cargado de peligros…otros el valor que pretendían demostrar… Ricos, pobres, jóvenes o ancianos, laboriosos u holgazanes, extranjeros o locales alguna escusa tenían que no podían esperar…

Las aventuras y las emociones infinitas!!! los beneficios insuperables de este viaje misteriosamente inolvidable que marca de por vida a quien lo realiza, invitándole a volver una y otra vez a revivirlo con placer y esperanza.

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Adónde vas, peregrino, adónde quieres llegar?

…CAMINO DE COMPOSTELA, DONDE YO TENGO MI HOGAR…

El Camino Francés

Desde 1993 es Patrimonio de la Humanidad y fue declarado Itinerario Cultural Europeo.

Su nombre se debe a que su itinerario procede Francia, por lo que se le conoce también como la Vía Francígena. Su tiempo de mayor esplendor fueron los siglos XIV y XV , fue la vía que unió pueblos, ciudades, arte y comercio. Entra en la Península Ibérica por Roncesvalles, pasando por Pamplona, Logroño, Burgos, León, Astorga, Ponferrada, entrando en Galicia por O Cebreiro. De una riqueza cultural, artística y paisajística alucinante.

El Palacio episcopal de Astorga– En medio del camino francés, se alza el Palacio Episcopal que fue encargado al arquitecto catalán Antonio Gaudí en 1887 y se terminó en 1961. Hay esculturas diseñadas por el propio Gaudí, hoy sede del Museo de los Caminos.

El Arco de San Miguel de Mazarreros . Como una puerta, así emerge este arco en la carretera que conduce a Villahizán de Treviño -Burgos- y muy cerca de la localidad de Sasamón. Es el resto de la iglesia de San Miguel de Mazarreros construida en el siglo XII y desaparecida en el XV.

El Puente de la Reina del siglo XI. Más de 1000 años dando servicio a los caminantes que se dirigen a Santiago de Compostela. Fue la Reina Doña Mayor quien mandó construir esta pasarela sobre el río Arga. Tiene seis arcos de medio punto y da nombre a la villa navarra donde se encuentra.

El Camino del Norte

En 2015, con la aprobación por la Unesco, la ampliación del Camino de Santiago: «Camino francés y Camino del Norte de España», fue incluido entre los bienes individuales .

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La costa cantábrica: Irún, San Sebastián, Bilbao, Santander, Gijón, Avilés y entrando a Galicia desde Ribadeo. Tiene unas vistas fantásticas.

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Monasterio de Samos . Construido entre los siglos XVI al XVIII. maxresdefault

El Camino Primitivo

Es el primer Camino conocido, el que tomó Alfonso II el Casto, en el siglo IX para visitar la recién descubierta tumba del Apóstol Santiago. Desde Oviedo hacia Santiago por el interior de Asturias, Lugo uniéndose en su último tramo al Camino del Norte y al Camino Francés.

La muralla de Lugo – Tiene 2.266 metros de circunferencia la muralla romana, declarada Patrimonio de la Humanidad en el 2000. Fue construida entre finales del siglo III y comienzos del IV y es la única de todo el mundo que conserva íntegro su perímetro.

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El Camino Inglés

Debido a los peregrinos de las islas británicas, viajaban por mar a A Coruña y su Torre de Hércules pasa por Ferrol con hermosos parajes gallegos…

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Muelle de Pontedeume.- Alojamiento para peregrinos situado en las lonjas de Rajoy donde antiguamente se guardaba el material de pesca.

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El Camino Portugués

Esta ruta tomó relevancia, sobre todo, a partir del siglo XII, tras la independencia de Portugal. Su trazado hereda vías y caminos antiguos, como la Vía XIX, construida en el siglo I d. C., que unía Braga con Astorga a través de Ponte de Lima, pasa por Tui, famosa por su Catedral románica. Fue una de las calzadas romanas más importantes, pues vertebró la Gallaecia

El culto jacobeo ha tenido en el Camino Portugués un territorio fundamental para entender la verdadera dimensión internacional del fenómeno de las peregrinaciones. 

La Vía de la Plata

Procede de Sevilla, Mérida, Zamora y que entra en Galicia por Ourense. Recorre España de sur a norte.

La ciudad de Mérida, capital de Extremadura, es famosa por su impresionante conjunto arqueológico romano, la antigua calzada romana. El Acueducto de los Milagros y el puente romano de Mérida que cruza el río Guadiana mediante 62 arcos, hoy 60 y más de 700 m de longitud.

Llegaron a Compostela, fueron a la Catedral

Catedral de Santiago de Compostela – La meta del Peregrino 

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Es sin duda el mejor ejemplo del arte románico en España iniciada en el 1075- El acta de Consagración, se conserva en el Museo de la Catedral y se puede leer que entre los asistentes estuvieron el rey de León, Alfonso IX, los  obispos de Galicia y varios de Portugal.

 Para proteger el «Pórtico de la Gloria» del deterioro, en el siglo XVIII se decidió construir la actual fachada barroca, obra de Fernando de Casas Novoa. 

La Catedral fue declarada Bien de Interés Cultural en 1896 junto a  la ciudad vieja de Santiago de Compostela, que se concentra en torno a la catedral, fue declarada bien cultural Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1985

El botafumeiro

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El uso del incensario  empezó en el siglo XI, con la idea de perfumar el templo y eliminar el mal olor que dejaban los peregrinos, cansados, sudorosos y desaseados hasta muchos de ellos enfermos. Por el año 1200 se cambió el sistema de poleas por un sistema de rodaduras que permitía el desplazamiento lateral, con lo cual podía recorrer unos 150 cm, que era la distancia que permitía la cuerda. El rey Luis XI de Francia donó a la catedral  una suma de dinero para reemplazar el incensario medieval, que no se realizó hasta 1554. El mecanismo de rodadura actual del Botafumeiro se instaló en 1604.

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El nuevo incensario fue realizado completamente en plata…y  robado por las tropas de Napoleón en abril de 1809 durante la Guerra de la Independencia, siendo reemplazado por el actual, que fue creado por el orfebre José Losada en 1851.

Su Consagración

12 cruces  sobre las columnas del templo, que se encienden sus cirios solamente en el día aniversario que es el 21 de abril de cada año. Por esas épocas cada una tenía una leyenda diferente

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Si bien sufrió continuos «aggiornamentos» mantiene su titulo de» Iglesia Románica de Peregrinación» .

Inconfundible su fachada barroca y lo más destacado su «Pórtico de la Gloria» del Maestro Mateo restaurado recientemente.

El «Pórtico de la gloria»- Un concierto para la Gloria de Dios.

Esquema

 Un «Pórtico» esplendoroso y único, obra considerada ejemplo del protogótico, tendría importantes repercusiones en la historia del arte y el desarrollo de la escultura en general.

Cristo sentado en majestad muestra sus llagas. A ambos lados, los Evangelistas, tras San Marcos y San Lucas, aparecen cuatro ángeles a cada lado con los instrumentos de la Pasión. Unos llevan, sin tocarlos directamente, la cruz, la corona de espinas, la lanza y los cuatro clavos, la columna en que fue flagelado, la jarra con la que se lavó Pilato, la caña con una esponja, la vara y un pergamino -la sentencia de la crucifixión, la inscripción  INRI … Sobre las cabezas de estos ángeles, dos nutridos grupos de almas son  los bienaventurados, 40 en total, representando a la turba celeste que nadie podía contar…  El tímpano central se corona con una arquivolta en la que aparecen sentados los 24 ancianos del Apocalipsis, en representación de cada una de las 24 clases sacerdotales del antiguo Templo de Jerusalén, portando cada uno un instrumento música preparando un concierto. Los instrumentos, un organistrum, 14 citaras, 4 salterios y dos arpas. Dos de ellos- no tocan ningún instrumento, sostienen una redoma. En los espacios que unen el arco central con los arcos laterales hay dos ángeles en cada uno, que representan al pueblo judío -el primero de la izquierda y el pueblo de los gentiles el primero de la derecha, y los niños…  simbolizan las almas que van hacia Dios. La forma  que  representó a Jesucristo rompe con la visión apocalíptica medieval que imperaba hasta entonces. Quiere mostrar un Dios más humano y por eso muestra las heridas en manos y pies, y a los ancianos y profetas en amena relajada conversación entre ellos.

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En el parteluz debajo de Cristo, la figura sedente de Santiago Apóstol, con el bastón de peregrino, como patrono de la Catedral y luego Patrono de España.

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El Santo de los Croques

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Del otro lado de esta misma columna mirando hacia el Altar Mayor de la Catedral, está la figura arrodillada popularmente conocida con el Santo de los Croques, con el propio  Maestro Mateo, portando una cartela que dice: Architectus. En el pavimento y a los pies de Mateo  está sepultado el arzobispo Pedro Muñiz, que consagró la Catedral en 1211.

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Y DE ESTA MANERA HABLÓ GAIFEROS DE MORMALTÁN
GRACIAS MI SEÑOR SANTIAGO A TUS PIES ME TIENES YA
SI QUIERES TOMAR MI VIDA, YA ME LA PUEDES QUITAR
QUE YO MORIRÉ CONTENTO EN TU SANTA CATEDRAL

John Cazale

Un legendario!!!!… entre los actores secundarios. De origen italo-americano y dedicado al teatro, nació en Boston, 1935-y murió en N.Y. en 1978 -únicamente rodó cinco películas y todas nominadas para el OSCAR marca, que no ha sido igualada hasta el momento por otro. Hombre alto y delgado, pálido, su cabeza siempre gacha, la frente amplia, profunda mirada y de larga nariz amado, admirado e infinitamente recordado por todos los que lo conocieron.

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Su amigo y colaborador Israel Horovitz escribió para su funeral y publicado por The Village Voice el 27 de marzo de 1978 y dijo…

«John Cazale sucede una sola vez en la vida. Fue un invento, una pequeña perfección. Con razón sus amigos sienten tal indignación al despertar y descubrir que Cazale duerme con reyes y consejeros, con Booth y Kean, con Jimmy Dean, con Bernhardt, Guitry y Duse, con Stanislavsky, con Groucho, Benny y Allen. Hará amigos rápidamente en su nuevo lugar. Él es fácil de amar.» …»Nos deja, a su público que tanto le quiere, el recuerdo de su gran calma, su silenciosa espera, su amor por la buena música, su afición por los chistes malos, el absurdo límite del bosque que era su nacimiento del pelo, la rodaja de sandía que era su sonrisa. Era inolvidable«.

Después de mudarse a Nueva York, se ganaba la vida trabajando como mensajero para la compañía petrolera Standard Oil y como actor en obras off-Broadway y asistía a cástins para proyectos de cine y televisión.

De él dijo Al Pacino: ​ «Cuando vi por primera vez a John, me resultó instantáneamente muy interesante. Todo el mundo estaba siempre a su alrededor porque él tenía una manera muy agradable de expresarse».​

Recibió una sola nominación en toda su carrera: en 1976 como mejor actor de reparto a los Premios Globo de Oro por su cuarta película, Tarde de perros. ha actuado junto a grandes actores como: Al Pacino, Marlon Brando, Robert de Niro y Gene Hackman, Robert De Niro lo conoció haciendo teatro y a Meryl Streep también. En 1976 actuaron en el The Public Theater de Nueva York haciendo: Medida por medida  una adaptación teatral de la obra Shakespeare. Ambos se enamoraron. Ella, de 27 años y él con 42 años prometió que se casaría con ella, estaban definitivamente decididos a estar juntos para siempre.

También trabajó con para grandes directores: Francis Ford Coppola, Sidney Lumet y Michael Cimino, realizando papeles de seres frágiles, ingenuos, torpes o irresponsables, en películas que marcaron  un hito en la historia del cine.

1972.El Padrino (The Godfather), Francis Ford Coppola

1974. El Padrino II (The Godfather: Part II), Francis Ford Coppola

1974. La conversación (The conversation), Francis Ford Coppola

1975. Tarde de perros (Dog Day Afternoon), Sidney Lumet

1978. El cazador (The Deer Hunter), Michael Cimino

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John Cazale comienza su carrera como actor cinematográfico en el personaje de Fredo, el hermano frágil de la familia Corleone en la trilogía de El Padrino (The Godfather, Francis Ford Coppola, 1972-1990). Su destino, definido por una actitud de debilidad en un entorno en que se dirimían las cuestiones a sangre y fuego, no puede ser más trágico, al quedar en manos del hermano que debe garantizar la «honorabilidad» de la famiglia. Familiar incompetente, inubicable en el entorno del clan, el Padrino lo envía a Las Vegas, con la finalidad de encontrarle un sitio donde pueda pasar inadvertida su incapacidad como integrante de la mafia. Amparado por las mujeres de la familia, tendrá su retorno al hogar paterno de la mano de su hermana, una vez que ha muerto la madre. Este simple hecho, ya lo define como el más débil de los Corleone. Su incapacidad, sumada al resentimiento de años frente a la preferencia del padre por sus dos hermanos, lo llevará a traicionar a la familia. Hecho que le significará su condena, sellada por un beso fraternal…

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La escena en que Michael (Al Pacino) y Fredo conversan, antes de que éste inicie su paseo en el lago, tiene más silencios que palabras. Un «diálogo» de miradas y gestos, que entrañará una certeza, la de la despedida final. La frialdad del hermano menor, que ha tomado en sus manos la rienda de la familia y la resignación del débil ante su condena componen una de las escenas más conmovedoras de la cinematografía norteamericana. El actor compone un Fredo pusilánime, frívolo, falto de la maldad necesaria para sobrevivir como integrante de la famiglia, donde el deber y las normas de la pequeña comunidad se inmiscuyen en las relaciones afectivas. Un Fredo inolvidable…

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En La conversación (The conversation, Francis Ford Coppola, 1974) es Stan, el asistente susceptible y alegre de Harry Caul (Gene Hackman), un experto en espionaje, que intenta permanecer en el más cerrado anonimato. Si bien Stan tiene una filosofía de vida más bien desenfadada y sociable, Stan aparece en un segundo plano, como corresponde a todo actor secundario y aunque las apariciones de Cazale son efímeras y su personaje se desarrolla al conjugarse con el de Harry o con el grupo de colegas con los que sale de juerga, su presencia -e incluso su ausencia- permite soslayar al personaje que representa Gene Hackman, un espía hundido en su propia paranoia.

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En la historia recreada por Tarde de perros (The dogday afternoon, Sidney Lumet, 1975), John Cazale es Sal, el cómplice inexperto que acompaña a Sonny (Al Pacino) a robar un banco de Nueva York. Si bien a lo largo del film nos vamos identificando con Sonny, quien va a develar el verdadero motivo que lo impulsa a robar (la operación que su pareja gay desea llevar a cabo), Sal comenzará a surgir como personaje coprotagonista cuando, debido a su preocupación por ser confundido como un homosexual, pone en riesgo el golpe por las posibles noticias que difundirán los medios. Quizás el mejor personaje que ha interpretado Cazale. Es inolvidable.

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Su última oportunidad para la actuación fue en El cazador (The Deer Hunter, Michael Cimino, 1978), donde interpreta a Stan, uno de los amigos entrañables que trabajan en una fundición y salen de caza los fines de semana. La película de Cimino le reserva el protagonismo a tres de esos amigos que serán reclutados para luchar en Vietnam: Mike Robert de Niro, StevenJohn Savage y NickChristopher Walken, a John Cazale le vemos en la primera parte.Su personaje no es trascendental, pero ha quedado plasmado como el póstumo del actor, ya que murió antes de que la película fuera estrenada.

Hay dos escenas que vale la pena recordar: la del bar, donde junto a los amigos, tararean «Can’t take my eyes off you», mientras cuida con fervor a Steven, y la de la caza, después de la boda, donde aún lleva el traje de la fiesta y porta una pistola inútil que pone más que nerviosos a sus amigos. En este film, John Cazale compone a un Stan afable, alegre, protector, pero también distraído, soberbio y cobarde…

Un gran actor…

En todos sus papeles de actor secundario, se develan como contrapeso del protagonista. Es decir, su actuación y su comportamiento en las distintas películas vienen a definir el rol del personaje principal, un lujo que pocos pueden lograr.

Así, el Fredo de El Padrino nos muestra la frialdad de un Michael que ha asumido los negocios de su padre, donde un error no sólo pone en peligro su vida, sino la de toda la familia. Por eso, a pesar de identificarnos con el débil Fredo, entendemos en el marco violento del poder mafioso: su condena.

En La conversación, nos permite adentrarnos en la inescrutable vida de Caul, que contrasta con la sociabilidad y alegría de Stan. En Tarde de perros, su vulnerabilidad se revela cuando su condición queda en entredicho, en oposición a la valentía de Sonny, que asume públicamente su homosexualidad.

En El cazador es cierto que su personaje no es trascendental, pero ha quedado plasmado como el póstumo del actor, ya que murió antes de que la película fuera estrenada.

The Deer Hunter – Can’t Take My Eyes off You – YouTube

John ya estaba muy enfermo -cáncer de pulmón con metástasis, cuando tomó el papel para participar de este film donde también actuarían su amigo Robert de Niro y su amada Meryl Streep.

«Estaba más grave de lo que pensábamos”, reconoció tiempo después De Niro.

«Me dijeron que a menos que me deshaga de John, cancelarían la película», reconoció Cimino el director del film.

Robert de Niro se presentó ante los dueños del estudio cinematográfico. Completamente furioso amenazó con renunciar si despedían a su amigo.

“Rob decidió respaldar a John. No me lo dijo claramente, porque es una persona muy generosa. Pero creo que avaló con su propio dinero la participación de John. Puso plata de su bolsillo y lo metió en El Cazador”, contó Meryl Streep 

Decidieron filmar primero las escenas en las cuales aparecía Cazale, para así aprovechar las pocas fuerzas que le quedaban. Cuando terminó la producción, las deudas eran infinitas. Así que Meryl Streep aceptó un papel en la serie de televisión Holocausto que se rodaba en Viena para afrontar los gastos de la enfermedad de John.

Durante aquellos meses, no hubo un solo día en que los pensamientos de ella no hayan estado en Nueva York junto a John. “Me estaba volviendo loca. John estaba enfermo y yo quería estar con él”, expresó Streep muchos años después.

“Cuando vi a esa chica ahí, con él… Dios, pensé que no había nada igual. Eso es lo importante para mí. Por muy buena que sea en su trabajo como actriz, es lo que veo cuando pienso en ella, en ese momento. Para mí es lo que la define”, expresó Al Pacino casi 40 años después.

Muchos años después la actriz lo describiría como :“John era distinto. No he conocido a nadie como él. Destacaba en él su singularidad, su humanidad, y la curiosidad que le despertaba la gente”

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El actor secundario de «oro»

John Cazale falleció en la madrugada del 13 de marzo de 1978, en el Memorial Sloan Kettering.

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Todas las películas en que John Cazale ha participado son íconos de una época y de una sociedad. Su mérito actoral en cada una de ellas, es la composición de personajes tremendamente humanos, en los que el espectador pueda identificarse. Su rostro ha quedado grabado en esas películas inolvidables. No se parecía a ningún otro actor de Hollywood. Era espigado, con una gran frente y una incipiente calva. No era el típico actor del que el público salía hablando sin parar al terminar la película, como sucedía con sus colegas Robert de Niro o Pacino. Si ellos representaban el atractivo y la arrogancia de la nueva generación de Hollywood, él era «la cara B de la masculinidad estadounidense», Y sin embargo, era sencillamente brillante…

«Cuando John fijaba sus ojos hundidos en algo, podía parecer tan lastimado y desesperado como un perro moribundo», le describe el periodista Michael Schulman en «Meryl Streep. Siempre ella».

Una vulnerabilidad que Cazale imprimía en sus personajes, pocos pero potentes, que terminarían haciendo historia como él.
Se ganó a su ídolo, Marlon Brando, que repitió una toma cuando disparan a Vito Corleone en la calle para disfrutar de la actuación de John. «Brando, admiraba a John, volvió a tumbarse junto a la acera para que John pudiera actuar cerca de él. Era, por así decirlo, el mayor de los cumplidos», reconoció el director Marvin Starkman en una entrevista con Schulzman.

Pacino, decía que el actor le había inspirado mucho: «Aprendí más de interpretación de él que de cualquier otra persona. Todo lo que quería hacer era trabajar con John el resto de mi vida», dijo en 2003 en «Entertainment Weeckly».

Doce años después de su muerte apareció en una sexta película, El Padrino III -1990, utilizando imágenes de archivo.

El Padrino III también fue nominada como mejor película. Esto marca un lógro único conseguido por Cazale: cada largometraje en el que apareció fue nominado como mejor película en los premios OSCAR. Más recientemente, su imagen fue usada para el videojuego de El Padrino como su personaje, Fredo.

Hay un teatro que lleva su nombre, el McGinn/Cazale Theatre-, ubicado en 2162 Broadway en la 76th Street, sobre el Promenade Theatre en el cuarto piso. Se citó a Cazale por su «Actuación distinguida» por los premios Off-Broadway Obie en la temporada 1967-68 por su actuación en la obra The Indian Wants the Bronx de Israel Horovitz.

Su vida y carrera fue plasmada en el documental I Knew It Was You -Descubriendo a John Cazale, que fue presentado en el Festival de cine de Sundance de 2009,

«No vino a ser servido sino a servir»

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Una historia como la de tantas familias de inmigrantes…

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En enero de 1929, la familia Bergoglio desembarcó en el puerto de Buenos Aires. El grupo lo encabezaba Rosa, la abuela, quien a pesar del calor sofocante, llegó enfundada en un abrigo de visón. No era una excentricidad: en el forro traía los billetes que les habían pagado por la venta de todos sus bienes en Portacomaro, en la región del Piamonte.

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PORTACOMARO STAZIONE, ITALY – MARCH 14- 2013

En cuanto bajaron del buque, los Bergoglio viajaron a Paraná -Entre Ríos provincia del litoral argentino donde los esperaban algunos familiares que habían llegado al país en 1922 y montaron una empresa de pavimento.

La vida resultó ser mucho más fácil que en Italia y los piamonteses construyeron el» palacio Bergoglio». En cada piso vivía un hermano. Pero en 1932, en el inicio de laque se le ha dado en llamar » Década Infame» y perdieron todo.

Entonces, Mario José decidió mudarse a Buenos Aires, y abrió un almacén, conoció a su mujer Regina María Sivori y ambos lograron salir adelante. Tuvieron cinco hijos: Jorge Mario, Oscar Adrián, Marta Regina, Alberto Horacio y María.

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El barrio de Flores lo vio crecer en la casa ubicada en Membrillar 531. Tenía 4 años cuando sus padres lo inscribieron en el Jardín de Infantes del Instituto Nuestra Señora de la Misericordia, siguió sus estudios primarios en otra escuela de la zona, la Nº 8, llamada «Pedro Antonio Cerviño».
“Esa gloriosa escuela pública y gratuita”, así describió el Papa Francisco a la Escuela N° 8 “Coronel Ingeniero Pedro Antonio Cerviño” Varela 358, dejó su marca en miles de estudiantes y docentes que pasaron por sus aulas. Tanto es así que el ex alumno Ernesto Lach, compañero de Jorge Bergoglio de 5to grado, le escribió un tango:

“Por Directorio y Varela yo fui a la escuela de chiquilín.
La “Pedro Antonio Cerviño” cuando era niño me dio piolín.
Era en el barrio de Flores, el barrio de mis amores.
Allí aprendí sentida, lección de vida que me educó.
En Directorio y Varela, en esa escuela que me formó”.

Fue en aquella casa de Membrillar conoció a Amalia Damonte, la vecina a quien le declaró su afecto. Cuenta Amalia: «Nos criamos juntos, fuimos amigos, hermanitos, íbamos a la misma escuela y nos queríamos mucho. Un día me dio una carta, pero jamás hablamos de amor. Sí me dijo que nos íbamos a casar. Pero todo se terminó cuando se enteraron mis padres y me prohibieron que lo viera«.

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Junto con su hermano Oscar fue inscripto como pupilo en el Colegio Vilfrid Baron de los Santos Evangelios, complejo Don Bosco de Ramos Mejía. En 1950, empezó los estudios secundarios en la Escuela Técnica Nº 27 «Hipólito Yrigoyen» y desde entonces se erigió como hombre de pensamientos firmes. «Jorge siempre fue buen alumno, de bajo perfil, pero tenía sus ideales. Cuando ingresó al colegio se le advirtió que no se podía usar ningún tipo de símbolo político en la institución. Por supuesto que, como era adolescente, no obedeció y llevaba el escudo peronista en la solapa. Cuando se lo señalaron por tercera vez, finalmente le pusieron amonestaciones», relata Gustavo Fierro, jefe de Laboratorio de la Escuela técnica Nº 27.

Se diplomó como técnico químico, y eligió luego el camino del sacerdocio entrando en el seminario diocesano de Villa Devoto.

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A los 21,le diagnosticaron una pulmonía grave. Le detectaron tres quistes en el pulmón derecho. Debió ser operado y le extrajeron la parte superior lleva una gran cicatriz en el pecho. «Lo estás imitando a Jesús», le dijo una monja que lo visitaba en el hospital. «Eso me dio paz para transitar el dolor», les dijo a los autores del libro El jesuita. El 13 de diciembre de 1969 recibió la ordenación sacerdotal de manos del arzobispo Ramón José Castellano. El 31 de julio de 1973 fue elegido provincial de los jesuitas de Argentina, tarea que desempeñó durante seis años. El 20 de mayo de 1992 Juan Pablo II le nombra obispo titular de Auca y auxiliar de Buenos Aires. El 27 de junio recibe en la catedral la ordenación episcopal. A la muerte del cardenal Quarracino, le sucede, el 28 de febrero de 1998 como…

El arzobispo primado de Argentina

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Fue en el Consistorio del 21 de febrero de 2001, Juan Pablo II le crea cardenal.

Conocido por su humildad, su adhesión a la opción preferencial por los pobres y su compromiso de diálogo con personas de diferentes orígenes y credos.

A sus sacerdotes siempre les ha recomendado misericordia, valentía apostólica y puertas abiertas a todos. Lo peor que puede suceder en la Iglesia, explicó en algunas circunstancias, «es aquello que De Lubac llama mundanidad espiritual», que significa «ponerse a sí mismo en el centro». Su proyecto es sencillo: si se sigue a Cristo, se comprende que «pisotear la dignidad de una persona es pecado grave».

Nunca vestía el traje purpurado. Vestía de negro. No llevaba una cruz de oro, insignia de su nivel dentro de las jerarquías eclesiales, llevaba una sencilla medallita de la Virgen Desatanudos. Se movía por la ciudad en transporte público, no pierde la sobriedad de trato y el estilo de vida riguroso, por alguno definido casi «ascético».

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Una día, viajando en la línea A de subte, un hombre le dijo que se parecía al cardenal Bergoglio.

El le preguntó: «¿Y usted, qué piensa del cardenal?». «Que es una buena persona«, respondió el señor. «¡Gracias! ¡Soy yo», le dijo. «¿Es usted? ¿Por qué viaja en subte?». «Y usted, ¿ cómo viaja?» replicó.

«Mi gente es pobre y yo soy uno de ellos», ha dicho más de una vez para explicar la opción de vivir en un apartamento y y no en el Palacio Apostólico. Nunca aceptó vivir las dos residencias cardenalicias de Buenos Aires. Se instaló en un departamento chiquito que el arzobispado tiene para eventual necesidad de los sacerdotes que trabajan allí –«Un departamentito minúsculo que los demás usamos para dormir la siesta», define un prelado. Almorzaba en la cocina de la curia- «siempre muy frugal»– ayudaba a lavar los platos y pedía que le» guardaran algo» para calentarse en el microondas a la noche.

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Hace unos años no dudó en llamar al «Beto» Acosta, ex jugador de San Lorenzo, el club de sus amores, para cuestionar su retiro del fútbol: «¿Para qué te fuiste? Ahora no le hacemos un gol a nadie». Es socio del club que hoy celebra tener entre sus afiliados a un hombre que ya es parte de la historia universal.

Una sorpresa fue…

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La renuncia de Benedicto XVI

El cardenal italiano, Ángelo Scola, era el gran favorito en 2013Lo querían los cardenales italianos, lo deseaba Benedicto XVI y hasta lo pronosticaban las principales casas de apuestas. Era el cardenal número uno de Italia. Milán es el arzobispado más grande de Europa y uno de los top tres del mundo. Tras cinco votaciones, en la sexta… «HABEMUS PAPA».

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Francisco

Ante una multitud que llenaba la plaza de San Pedro del Vaticano se atrevió a bromear:» Me fueron a buscar al fin del mundo»

El cardenal Jorge Mario Bergoglio tomó tras su elección el nombre de Francisco, en homenaje al «Pobereto de Asis» y jamás un jesuita había sido elevado al solio de Pedro… después de veintiún siglos de pontífices originarios de Europa o de Oriente Próximo un Latinoamericano.

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Desde el primer momento impuso su personal manera de decir las cosas. «Sin vueltas» y de manera clara. « Esto no va«… Igual que en Buenos Aires, no cambiaría sus costumbres por más jerarquía que tuviera, mostró gestos pastorales de sencillez, su decisión de residir en la Casa de Santa Marta en lugar de la residencia papal en el Palacio Apostólico Vaticano usada por sus antecesores desde 1903. Cuando viaja el lleva su viejo portafolios negro como cualquiera, al igual que sus comidas y vestimenta sigue sencilla, rechazó los famosos «zapatos rojos» usados por los papas, él continuo con sus tradicionales zapatos negros «sin firuletes»...

Escudo de Francisco I

Francisco escogió como lema y escudo papales los mismos que tenía como obispo y cardenal. Su lema, Miserando atque eligendo ‘Lo miró con misericordia y lo eligió’, proviene de una homilía de san Beda el Venerable.​ El emblema de la Compañía de Jesús, IHS ( Jesús en griego) en su variante con una cruz, de gules, y los clavos, de sable, sobre unos rayos solares de oro. En la parte inferior se encuentran una estrella, símbolo de la Virgen María, y una flor de nardo, que representa a san José, patrón de la Iglesia Universal, también en oro.

Destacan sus iniciativas de reforma de la Curia Romana en diversos campos como: economía y finanzas, administración, tribunales eclesiásticos y el derecho canónico, las comunicaciones sociales, la sanidad, el laicado y la familia.​ Propugnó soluciones en temas complejos que incluyen la transparencia en las finanzas vaticanas, la coherencia entre la misión evangelizadora y la actividad económica, la simplificación de la burocracia, la eficacia de la comunicación, la nulidad matrimonial, la lucha contra la pedofilia, los abusos, y la protección de menores y migrantes.

Encíclicas

Lumen fidei

La luz de la fe, firmada el 29 de junio de 2013, en la solemnidad de los apóstoles Pedro y Pablo, y centra su tema sobre la fe; y viene a completar lo que su predecesor, Benedicto XVI, ya había escrito anteriormente sobre la esperanza y la caridad, las otras dos virtudes teologales, en sus respectivas encíclicas Spe salvi y Caritas in veritate. Francisco asumió, el trabajo de Benedicto XVI, quien antes de su renuncia al papado ya había completado una primera redacción del texto; al que le añadió algunas aportaciones. La fe como una luz que disipa las tinieblas e ilumina el camino del ser humano. El papel de la Iglesia en la transmisión de la fe.

Laudato si’
Su segunda encíclica, Laudato si’ Alabado seas… fue firmada por Francisco el 24 de mayo de 2015, en la solemnidad de Pentecostés del tercer año de su pontificado, y tiene por tema central la conservación del ambiente, con particular énfasis en la búsqueda de una «ecología integral».

Fratelli Tutti
Hermanos todos. Su tercera encíclica firmada por Francisco el 3 de octubre de 2020. Se traslado hasta la tumba de San Francisco de Asís para firmar la encíclica en forma de homenaje al santo. Francisco destacó la importancia de intensificar el diálogo entre las distintas religiones, en primer lugar con el islam, pero también con los no creyentes para que «nunca prevalezcan las diferencias que separan y laceran», sino que, «predomine el deseo de construir lazos verdaderos de amistad entre todos los pueblos».

Publicó cinco exhortaciones apostólicas: Evangelii gaudium– 2013, Amoris laetitia  2016, Gaudete et exsultate 2018, Christus vivit – 2019 y Querida Amazonia 2020. 36 constituciones apostólicas, 72 cartas apostólicas, ha promulgado 41 motu proprio y ha escrito numerosas cartas y mensajes pontificios.

Creó 101 cardenales en 7 consistorios. Actualmente los cardenales son 227 en total, de los cuales 126 son electores, es decir menores de 80 años y por ello con derecho a participar del cónclave que elegirá, cuando se requiera, al nuevo Papa. Presidió las canonizaciones de más de 30 nuevos santos, entre los que destacan los Papas: San Juan Pablo II, San Juan XXIII, Pablo VI, Santa Teresa de Calcuta y San Óscar Romero.

Y continua coherente con su vida… si escribió Fratelli Tutti no se iba a echar atrás para viajar a Irak a pesar de cuanto dijeron los medios de lo peligroso que era… allá fue, generoso como siempre llevando y pidiendo La Paz para un mundo que tanto la necesita. Se reunió con los más grandes y poderosos.

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Agradeció la labor de las autoridades religiosas del país «que han trabajado tanto por este viaje» y a todos los que han preparado la visita y le acogieron con afecto, en particular al pueblo kurdo. Citas históricas, como la reunión que tuvo con el gran ayatolá Ali Al Sistani, máxima autoridad religiosa de los chiíes, y la visita a Ur de los Caldeos, donde nació el profeta Abraham.

«En estos días vividos junto a ustedes, he escuchado voces de dolor y de angustia, pero también voces de esperanza y de consuelo. Y esto es mérito, en gran medida, de esa incansable obra de bien que ha sido posible gracias a las instituciones de cada confesión religiosa», agregó Francisco a su mensaje de despedida.

«Rezo, de manera especial, para que los miembros de las distintas comunidades religiosas, junto con todos los hombres y las mujeres de buena voluntad, cooperen para estrechar lazos de fraternidad y solidaridad al servicio del bien común y de la paz”, dijo.

“Salam, salam, salam (paz). Shukrán! -Gracias- Que Dios los bendiga a todos. Que Dios bendiga a Irak. Allah ma’akum! -Que Dios esté con ustedes-”, se despidió, en árabe.

Comento a los periodistas que el viaje que fue «un encuentro bueno para mi alma». Que el gran ayatolá Alí Sistani «es una persona que tiene sabiduría, pero también la prudencia». «Me dijo que desde hace 10 años no recibía a visitantes con objetivos políticos o culturales, sólo a los que tenían motivos religiosos», narró. «Fue muy respetuoso durante nuestro encuentro y me sentí honrado. Nunca se levanta para saludar a un visitante, pero se levantó para saludarme dos veces»

«Creo que fue un mensaje universal, sentí el deber de hacer esta peregrinación de fe y penitencia, y de encontrarme con un grande, un sabio, un hombre de Dios. Esto se veía simplemente escuchándolo».

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Gracias por estos ochos años de ejemplo de pontificado!!!!

Por una cabeza…

Tango canción con música…

De Carlos Gardel y grabada por él, en marzo de 1935 para su última película Tango Bar. Gardel era un experto en temas hípicos, lo que hace que esta canción tenga un especial valor entre sus seguidores

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Su letra hace referencia a las carreras de caballos y al fanatismo que se crea en torno a estas competencias y sus apuestas, y un paralelismo con las relaciones con la mujer y la vida.

La gran pasión de Gardel y quedó reflejada contundentemente en su cancionero que se ha dado en llamar «tangos burreros», tomando la expresión lunfarda de «burros» para referirse al turf.

Muchos de sus amigos pertenecían a ese mundo de las carreras de caballos, como el célebre jóquey Irineo Leguisamo, los hermanos Tortercio, el cuidador Francisco Maschio y el jóquey Alfredo Peluffo.​ Gardel, fue propietario de ocho caballos de carrera: Lunático -su preferido, montado por Leguisamo y cuidado por MaschioLa Pastora, Cancionero, Amargura, Theresa, Guitarrista, Explotó y Mocoroa.

La expresión «por una cabeza» en la «jerga hípica rioplatense», es usada como «medida» de referencia.

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Sus autores Carlos Gardel y Le Pera murieron tres meses de la creación de este tema en un accidente de aviación en la ciudad de Medellín- Colombia. Gardel era sumamente popular, muy carismático, siempre sonriente causó un profundo dolor entre los fanáticos seguidores del tango y de su obra. Pasados 70 años del suceso, la música y la letra de “Por una cabeza” pasaron a dominio público de acuerdo con el artículo 5 de la Ley 11.723 -Régimen Legal de la Propiedad Intelectual.

El tango – un estilo musical

El tango fue repudiado en sus comienzos como antes había ocurrido con otras danzas que las sociedades del momento consideraban «indecentes» como pasó con el Vals originario del Tirol conquistó nobleza en Viena por 1760, y se puso de moda en esa ciudad 20 años después. Su origen era la volte o volta, danza en 3 tiempos practicada durante el siglo XVI. El Can-Can de gran exigencia física y en «los Cabares» franceses por 1840, el Charleston una variedad de FoxTrot en «…los años 20″y a mediados de siglo con el Rock and RollTwist...Lambada.. etc.

Muchos elementos influyeron en la formación del tango en tiempo de 2/4 con un ritmo más rápido que el de la habanera. Era una improvisación popular, una fusión espontánea de elementos toscos en una creación nueva.

Como baile, tenía una figura fuertemente sensual. La pareja bailan juntos al son de un ritmo, melódico cadencioso y encantador, se formalizó a medida que el tango ingresaba en la sociedad elegante.

Una fuerte tradición asocia sus orígenes con el distrito conocido como Corrales Viejos -la zona de Parque Patricios, un arrabal en la franja sur de la ciudad, desde 1872 hasta 1902, funcionó el Matadero de los Corrales, donde se faenaba el ganado que llegaba del interior y en cuyos alrededores se instalaron fondas y prostíbulos, donde cantaban los payadores que se fue transformando en la música ciudadana: la milonga y desde 1870 el tango. Es probable que el tango creciera en improvisados salones de baile algunos con piso de tierra yen los burdeles. Su origen social era pobre, marginal, e incluso semidelictivo. Por esta razón fue repudiado largo tiempo por la alta sociedad argentina, aunque los jóvenes de clase alta desempeñaron su papel en la propagación del tango por la ciudad.

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Las orquestas de la época aún eran primitivas y toscas. Los tercetos y cuartetos predominaban y los instrumentos más comunes eran la guitarra, la flauta, el violín, el piano a veces y el bandoneón: este pariente del acordeón, inventado en Alemania a mediados de la década de 1830, apareció en Argentina en el tercer cuarto del siglo diecinueve y se convirtió en el instrumento esencial del tango. A principios de siglo, orquestas de tango tocaban en los cafés de La Boca, donde la gente escuchaba la música más que bailarla. Años más tarde, el tango y su música invadieron el Centro, se instaló en cafés y pistas de baile, incluidos los de la calle Corrientes. Esta calle tiene un significado casi legendario para la tradición del tango.

La tangomanía

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Pero fue la “tangomanía”, la que alcanzó su cima en Europa justo antes de la Primera Guerra Mundial. El popular caricaturista francés Georges Goursat -Sem -rebautizó a París llamándola Tangoville. Los “tés de tango”,los “vermuts de tango” y las “cenas de tango”– se convirtieron en furor universal. “El año 1913”, escribió una inglesa de la época, “podría llamarse ‘el Año del Tango’, pues dicho baile ha provocado más charlas… que cualquier otra cosa”.

Obispos, cardenales e incluso el papa Pío X se pronunciaron contra ese baile que juzgaban inmoral; los emperadores de Austria-Hungría y Alemania prohibieron a sus soldados bailarlo cuando vestían el uniforme. Como el vals y la polca anteriormente, y como el charlestón unos años después, el tango superó todos los escollos.

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La sociedad elegante de la Argentina consideraba a Europa fuente de buen gusto, intelecto y sabiduría, tuvo aversión al tango —“ese reptil de lupanar”, como lo describió el escritor Leopoldo Lugones— se aplacaría posteriormente ya que la alta sociedad europea elevara ese baile al rango de última moda. “París, que todo lo impone, ¿acabará por hacer aceptar en nuestra buena sociedad el tango argentino?”, se preguntaba una revista porteña en 1911.

Su promoción

El barón Antonio Demarchi-italiano-Su abuelo Silvestre, había instalado una droguería muy próspera en Buenos Aires. Su padre Antonio, se había casado con Mercedes Quiroga, hija del célebre Facundo «El tigre de los llanos». Antonio, y su hermano Alfredo, quedaron a cargo de la droguería familiar. Antonio se casó a su vez con María Roca, hija del general Julio Argentino Roca, presidente de la República Argentina en dos períodos -1880-1886 y 1898-1904. Así Antonio, deportista y hombre de sociedad argentina promovió el tango fervientemente. Y en septiembre de 1913 ,organizó un Festival de tango celebrado en el Teatro Palace de la calle Corrientes que contó con el auspicio de un comité de damas cuyas credenciales eran impecables. El esnobismo reprobatorio puede haber perdurado por un tiempo y en ciertos círculos, pero finalmente, triunfó el tango en Argentina.

El tango siempre se consideró música popular.

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Las vivaces melodías y ritmos de esta música exigían el añadido de una letra, poseen «lunfardos«, la «jerga» porteña en los cuales los autores expresan sus sentimientos y tristezas que hombres y mujeres del pueblo padecían. Solían ser violentas y de lenguaje grosero y vulgar para ir ascendiendo lentamente a lo más alto.

Varios artistas —Linda Thelma, Pepita Avellaneda y Alfredo Gobbi, entre otros— se hicieron famosos a principios del siglo XX cantando versos con música de tango.

Ángel G. Villoldo, prolífico compositor, notable versificador, instrumentista y cantante, cuyos múltiples logros llevaron a muchos a considerarlo como el «padre del tango«, lo cual, no le impidió morir en la mayor pobreza en 1919.y … «en lo de Hansen»… famoso lugar de fiestas y bailongos

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No existía esta denominación cuando Gardel y Razzano irrumpieron en la escena porteña. Apareció años después con Gardel y Le Pera.

La figura del cantor con orquesta tuvo a grandes como. Ignacio Corsini, Agustín Magaldi, Tita Merello, Azucena Maizani, Ada Falcón, Rosita Quiroga, Nelly Omar, Libertad Lamarque etc.

Hoy el tango es considerado un patrimonio cultural inmaterial de la humanidad y se practica en todo el mundo, mostrando que algo que inició como una simple expresión de la gente de pueblo que trascendió esas fronteras

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El escritor porteño Jorge Luis Borges 1899-1986 le dedico un hermoso poema que llamó precisamente «El Tango» ,además ofreció charlas: “Los orígenes del tango”, “De compadritos y guapos”, “Evolución y expansión” y “El alma argentina”  y tiene junto a Piazzola nada menos una preciosa milonga: Jacinto Chiclana

El tango – Poema de Borges – Poesía en YouTube – YouTube

Muy popular

Tangerine Tango & Honeysuckle

Existe el color tango e infinidad de productos que llevan el nombre de esta famosa forma musical.

«Por una cabeza»…

El término «Por una cabeza» es «la escusa» que se dice generalmente cuando se pierde…

Alfredo Le Pera escribió su letra y Gardel la musicalizó.

Por una cabeza
De un noble potrillo
Que justo en la raya
Afloja al llegar
Y que al regresar
Parece decir
No olvidés, hermano
Vos sabés, no hay que jugar

Por una cabeza
Metejón de un día
De aquella coqueta
Y risueña mujer
Que al jurar sonriendo
El amor que está mintiendo
Quema en una hoguera
Todo mi querer

Por una cabeza
Todas las locuras
Su boca que besa
Borra la tristeza
Calma la amargura…
Por una cabeza
Si ella me olvida
Qué importa perderme
Mil veces la vida
Para qué vivir…

Cuantos desengaños
Por una cabeza
Yo juré mil veces
No vuelvo a insistir
Pero si un mirar
Me hiere al pasar
Su boca de fuego
Otra vez quiero besar

Basta de carreras
Se acabó la timba
¡Un final reñido
Yo no vuelvo a ver!
Pero si algún pingo
Llega a ser fija el domingo
Yo me juego entero
¡Qué le voy a hacer!

La Lista de Schindler…del director Steven Spielberg .Thomas Keneally escribió la novela basada en hechos reales «El arca de Schindler»

Un magistral Al Pacino en Perfume de Mujer

Tuvo infinitos  arreglos y adaptaciones ,pero todas y sin excepción, valen la pena su audición…

Dos grandes  Itzhak Perlman con su prodigioso violín y el no menos famoso arreglador musical de Hollywood: John Williams…

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Por amor al arte…

Johann Joachim Winckelmann – Stendal, Brandeburgo, 1717 – Trieste, Italia-1768 fue un modelo de hombre moderno que descubre la verdad del mundo antiguo. Solamente un hombre como él podía llegar a reflexionar con vigor y autenticidad sobre este controvertido tema…un hombre enamorado del arte.

«Noble simplicidad y serena grandeza»

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 Winckelmann -óleo de Angelica Kauffmann 1764

Lo increíble en su vida, es que nunca visitó Grecia y su conocimiento sobre sus esculturas se basaron en copias romanas, lo que lo convirtió en un admirador inadvertido de esta cultura. A través de su exquisita investigación editó dos libros famosos: Reflexiones sobre la pintura y la escultura de los griegos  -1755 e Historia del arte de la antigüedad 1764,. Sin lugar a dudas fue el mayor investigador del siglo XVIII.

Hace un «manifiesto» del Neoclasicismo en «Reflexiones sobre la imitación… » de1755, Winckelmann defendía que en Grecia, y por extensión así debiera ser en el mundo moderno, la belleza ideal se alcanzó gracias a las condiciones políticas democráticas que permitieron el desarrollo y perfección del arte. La relación entre arte y libertad, que la Revolución Francesa llevaría a sus últimas consecuencias, especialmente en la obra del pintor Jacques-Louis David-1748-1825-

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Pero no sólo creó un método para estudiar el arte griego sino una forma de expresión del sentimiento de lo bello, su percepción subjetiva, la emoción que produce el objeto, son argumentos prioritarios, en busca de la belleza absoluta, aquella que sólo es posible en la imitación ideal, en la mimesis de la idea.

Como dijera Hegel de Winckelmann «proporcionó un nuevo órgano al espíritu humano», una nueva forma de mirar. A la escultura griega, se la admira, con quietud contemplativa la gracia de sus formas. No se refería a una idea de la gracia sensualmente rococó, sino agradable según la Razón, como escribió en 1759, entendía como «aurora de la belleza».

Una belleza que el artista moderno debía evocar, la mimesis de los griegos, «imitando» la imitación, lo que no deja de ser una atractiva versión historicista del neoplatonismo. Se ha llegado a hablar de la «Historia del Arte» de Winckelmann como de la primera «historia social del arte». Consistió en recrear históricamente la imitación de la idea y no como buena parte del pensamiento académico y convencional han creído hasta hace poco: proponer modelos para copiar.  El pintor Mengs y el escultor Antonio Canova así lo entendieron.

En 1763 escribió para el joven aristócrata báltico Friedrich von Berg el «Tratado sobre la capacidad para sentir lo Bello«, donde afirma:

«Como la belleza humana ha de ser concebida, para ser comprendida, en una sola idea general, me he fijado que los que no están atentos a la belleza del sexo femenino y los que no o no mucho para la del nuestro tienen raramente la facultad innata, global y viva de sentir la belleza en el arte. Esta belleza les parecerá imperfecta en el arte de los griegos, ya que las mayores bellezas de éstos se fijan más en nuestro sexo que en el otro».

Fue influenciado por el nuevo interés en Arquitectura romana y de la antigüedad clásica generado por la famosa excavación de 1738 de las ciudades romanas enterradas de Herculano, Pompeya y Estabia y los escritos de los famosos:

Vitruvio–  arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano del siglo I a. C.

Bernard de Montfaucon –1655-1741-monje benedictino francés, historiador, traductor, bibliógrafo, paleógrafo y editor de textos patrísticos-

Giovanni Battista Piranesi 1720-78 – arqueólogo, arquitecto, investigador y grabador italiano. Realizó más de 2000 grabados de edificios reales e imaginarios, estatuas y relieves de la época romana  y del Conde de Caylus– 1692-1765 el anticuario más destacado de la época, este, no daba valor a la belleza y sólo se interesaba por lo que tenía muchos años.

Se destacó en particular por su análisis erudito del desarrollo estilístico de la estatuaria griega, y por sus observaciones detalladas sobre el estudio de historia del Arte sobre la cual ejerció una influencia significativa, también en la nueva ciencia de la arqueología, y en los artistas neoclásicos.

Las visitas de Winckelmann a Pompeya y Herculano durante los primeros años de su descubrimiento condujeron a sus comunicaciones en forma de «cartas abiertas».

Sus duras críticas a la labor de los arqueólogos son consideradas hoy el «fundamento de la moderna arqueología«. Sus escritos expusieron los errores de los buscadores de tesoros aficionados y ayudaron a poner estas excavaciones en manos competentes, iniciando una nueva concepción de la arqueología moderna frente a la erudición acrítica y elitista de los anticuarios, criticando fuertemente el ocultismo practicado por reyes, papas, nobles, prelados y coleccionistas privados, que muy excepcionalmente concedían permisos para dibujar y difundir sus colecciones de antigüedades.

Por su esfuerzo denodado y por su catálogo de joyas antiguas, ha sido llamado el «padre de la arqueología moderna».

Winckelmann el sencillo hijo del zapatero, se inclinó por el estudio de la historia de la Humanidad, en especial por la Prehistoria. Tras estudiar las culturas griega y romana, logra en 1755 una beca para trasladarse a Roma, donde ejerció en 1756 el cargo de «Conservador de las antigüedades romanas» y más tarde «Bibliotecario del Vaticano».

Allí conoció a los que serían sus amigos famosos.

Anton Raphael Mengs, su amigo -1728-79 el escultor  Antonio Canova-1757-1822.y por su amistad con el arquitecto Robert Adam 1728-92 influyó también en la  Arquitectura neoclásica tanto en Gran Bretaña como en el continente y el mundo.

Escribió informes y relaciones

Estos nuevos descubrimientos, asombraron a Europa y abrieron el camino de un conocimiento más profundo acerca de la Antigüedad clásica. Sus críticas a la labor de los arqueólogos son consideradas hoy: el «fundamento de la moderna arqueología«. Además, sus escritos ejercieron gran influencia en el progreso del arte y la estética en el siglo XVIII.

Winckelmann rechazó la naturaleza sensual del arte y la manifestación de las pasiones del alma que realza el estilo: Barroco- Rococó, e inventa la «Belleza antigua», muy unida a la blancura y perfección del mármol. Por entonces, se ignoraba que en la Antigüedad, esculturas, relieves y templos eran policromados, su estética se basa en la idealización de la realidad y condicionada por la libertad política.

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Defendió el neoclasicismo a muerte y otorgó carácter científico a la «Historia del arte«. Su obra mayor es «Gehschichte der Kunst der Altertuns» -1764-. Sus teoría estéticas y su tratado de la pintura y escultura griegas le enfrentaron a muchos eruditos de su época.

El autor explica porque los modernos no pueden alcanzar el ideal helénico, ya que los griegos tenían un concepto de la desnudez más liberal y natural, “…los griegos alcanzaban estas imágenes aunque no las tomaran de los cuerpos bellos, a saber, que mediante la observación cotidiana de lo bello de la naturaleza, que nosotros, sin embargo, no se muestra todos los días y rara vez como el artista lo desea…”

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Winckelmann se transformará en el principal teórico de la estética Neoclásica, y será «el tutor» que acompañará las ideas de la Ilustración.
Comenzará una identificación con lo antiguo a partir de los llamados “Studia Humanitatis” que dan continuidad al tópico de: la dignidad del saber. A través de su mirada a las obras antiguas actualizará el concepto de mímesis aristotélico,  por mímesis se referirá a la imitación de las obras antiguas en escultura y pintura, propugna una vuelta a los contenidos en el arte y esto será su obra más perdurable.

 

Winckelmann, sentó las bases de la Pintura y Escultura neoclásica fundamentándose en el estudio y el conocimiento del mundo antiguo. Hoy, en  la actual sociedad globalizada buscamos la inspiración o la interpretación en cualquier cultura pasada que nos ayuden a entender mejor el mundo y ir hacia delante, hacia el futuro ya sea en la inspiración de la cultura helénica, la budista, la india, la musulmana etc.es decir, la búsqueda nos ayuda a entender mejor nuestro presente y proyectarnos un futuro.

Descripciones «diferentes» de las obras:

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El Apolo de Belvedere, en el Vaticano: «La estatua de Apolo es la más sublime… El artista que lo creó debió guiarse exclusivamente por un ideal… Su talla encierra una hermosura física superior a la de los hombres, y toda su actitud es reflejo de su grandeza interior. Una eterna primavera, tal como la que reina en los felices Campos Elíseos, confiere a la atractiva plenitud masculina una amable y armoniosa juventud que asoma dulcemente entre la orgullosa constitución de sus miembros… La suave cabellera, movida por una leve brisa, flota alrededor de la cabeza cual los tiernos y flexibles tallos de la vid… La contemplación de esta maravilla del arte me hace olvidar el entero universo… Mi pecho parece ensancharse y elevarse como si estuviese inundado de espíritu profético y algo me transporta a Delos y a los bosques de la Licia, lugares que Apolo honraba con su presencia».

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Descripción, Laocoonte: «De la misma manera que el fondo del mar permanece siempre tranquilo por muy agitada que pueda estar la superficie, de la misma manera las figuras de los griegos, en medio del mayor tumulto de las pasiones, muestran en sus expresiones un alma grande y sosegada. Este alma está expresada en el rostro de Laocoonte, y no sólo en el rostro, a pesar de los más atroces dolores… La expresión de un alma tan elevada supera en mucho la forma de la hermosa naturaleza: el artista debió experimentar en sí mismo la fortaleza de ánimo que supo imprimir en el mármol». Como lo haría Canova.

Después de su viaje a Nápoles, para ver Herculano, Pompeya, Paestum…, describiría las bailarinas de los frescos romanos y diría: «tan ágiles como una idea».

Su muerte fue trágica, ocurrió en Trieste -Italia y fue sepultado en el cementerio de la Catedral de San Giusto.

Museo d’Antichita “J.J. Winckelmann”

Luego con el correr de los años en 1808 -el historiador literario Conde Domenico Rossetti -1774-1842 y protagonistas de la vida cultural de Trieste, promovió una suscripción pública para erigir un monumento y homenajear a Winckelmann realizando un «Cenotafio» en su honor. Comisionó al escultor Antonio Bosa, profesor de la Academia de Venecia y había pertenecido a la escuela de Antonio Canova para que realizara la obra que finalmente fue terminada más de 10 años después y otros 10 años más para ser inaugurada oficialmente el 1 de marzo de 1833 en el jardín de un antiguo cementerio en Trieste-El monumento representa a un joven genio alado sentado sobre el sarcófago apoyado en un retrato de Winckelmann. Debajo un bajorrelieve donde un hombre «togado»-Winckelmann. dialoga con las musas de la antigüedad: egipcia, etrusca. Las alegorías del arte: pintura, escultura y arquitectura y le siguen: la historia, la crítica, la filosofía mientras que la arqueología sentada intenta escribir. El literato Giovanni Labusel contribuyó con el texto.

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La historia del Museo comienza en 1833 precisamente con la inauguración del «cenotafio» con el objetivo de promover el estudio del arte y la arqueología.

 El Museo ha sido alojado desde 1925 en un edificio neoclásico de tres plantas y conservas junto con materiales arqueológicos de la prehistoria y el protohistorio local, la colección egipcia y de jarrones griegos. En 1934 el nicho fue demolido y el monumento fue colocado dentro de la gliptotheca donde se habían almacenado las lápidas y esculturas más delicadas y preciosas.
La restauración de la década de 1990

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De esta manera, Trieste rinde homenaje al famoso investigador, padre de la Arqueología Moderna y de la Historia del Arte en la ciudad que lo vio morir el 8 de junio de 1768.

Sublime belleza…

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En Japón, los árboles de cerezo son denominados «sakura«. La palabra: formada por ‘Saku’,  “florecer” o “sonreír”, y ‘ra’ que sería la terminación del plural.

Los cerezos japoneses son árboles realmente bellos e imponentes!!!. De hecho, puede llegar a alcanzar los 5 metros de altura y su tronco los 3 metros en su diámetro. Su corteza destaca por ser rojiza y cuenta con unas hojas redondeadas muy nervadas. Si bien es cierto que el color de las hojas cambiará según la estación, lo que más llama la atención de este cerezo es, sin lugar a dudas, su flor. Una hermosa flor rosa, púrpura y blanca que llenará todas sus ramas despojadas de hojas..

Durante el año los árboles de cerezo permanecen con hojas y sin ellas en el invierno, pero hacia el inicio de la primavera florecen, decorando los parques y riberas con su apariencia de nubes rosadas y blancas para la admiración de todos.

Elemento simbólico en la cultura popular de Japón. La imagen de los pétalos de estas flores caídos en masa al principio de la primavera, especialmente en abril, simboliza la belleza y la fugacidad en la vida. Pasear bajo los cerezos y recibir una lluvia de flores se considera un gran placer, y una invitación a reflexionar por la corta existencia de las flores. Este sentimiento de melancolía en relación con el transcurrir de las estaciones se ha visto reflejado ampliamente en las artes plásticas y la literatura japonesas. Las fiestas hanami se celebran en Japón desde hace siglos en parques, jardines públicos y privados a lo largo del país.

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«Hanami«

Literalmente significa “mirar las flores” Hana/flor y Mi /mirar.

Esta es su flor más significativa, pero lo notable, que no es la flor oficial, esta es: el Crisantemo. Durante este tiempo de primavera familiares y amigos se reúnen en los parques con cerezos y bajo la sombra de los mismos, comparten un increíble momento y mientras celebran su aparición ,reflexionan sobre la naturaleza efímera de la vida y disfrutan del espectáculo.

La cultura samurái de Japón

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Los samuráis -Los samuráis fueron la casta guerrera más famosa del antiguo Japón: sus creencias y valores han dejado un legado filosófico que aún repercute en muchas personas. Al igual que las flores de los cerezos- tenían una vida corta y se creía que la flor representaba las gotas de sangre derramadas en sus batallas.

“Cuando un samurái está constantemente dispuesto a morir, ha alcanzado la maestría de la Vía y puede dedicar, sin cesar, la vida entera al servicio de su señor”

Yamamoto Tsunetomo

La flor constituyó incluso el emblema de los conocidos guerreros Samuráis. La máxima aspiración del samurái es cumplir con las pautas de la «Vía» -Do y convertirse en un noble caballero. Su vida deberá ser austera, sostenida por la lealtad y el sentido del deber, los cuales están incluso por encima del instinto de preservación de la propia vida. El samurái se entrega, sin temor a la muerte, en su momento de máximo esplendor, en el apogeo de su sabiduría en el arte de la lucha, y no envejece ni “se marchita”, al igual que tampoco se marchita la flor del cerezo en el árbol, pues cae en el cenit de su belleza.

Durante el periodo Meijí -1868-1912 se produjeron una serie de levantamientos armados contra el nuevo gobierno y contra el proceso de cambios políticos y económicos que éste imponía. Los samuráis hacían acopio de fuerzas, sin importar su edad, para enfrentarse al régimen que les había arrebatado los privilegios y que, con su modernización militar, los condenaba a la desaparición. Estos combates eran sumamente sangrientos y los samuráis fueron, finalmente, liquidados durante la rebelión de Satsuna, poniéndose punto y final a una casta de guerreros milenarios. Las mujeres de estos soldados en sus casas durante estos enfrentamientos, ante la notificación de la muerte de sus esposos, tomaban la decisión de quitarse la vida y, al parecer, lo hacían siempre frente a un cerezo. El rojo de la sangre que la tierra absorbía se habría fundido con el blanco de sus flores, surgiendo así los cerezos rosados.

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También es una tradición, sobre todo en ceremonias de compromiso oreuniones importantes de negocios, tomar té de sakura (さくら茶), la flor que se usa para hacer el té son las del cerezo que florecen con muchos pétalos y esto lo ponen en remojo con sal y otros ingredientes.

Los lugares preferidos para disfrutar el hanami están el parque Ueno, el parque Shinjuku y el río Sumida en Tokio, en cambio, en Kioto hay preferencia por el Paseo del Filósofo, el canal de Kiya-machi Dori,Arashiyama, los templos de Ninnaji y de Daigoji, y el parque Maruyama.

El cerezo japonés forma parte de un estilo de vida donde la prioridad es tener equilibrio espiritual, mental y físico.

Variedades y modas

Es tan importante este espectáculo en la vida del país que el servicio meteorológico desde 1951, la Agencia Meteorológica de Japón elabora pronósticos para la región de Kantō y desde 1955 para todo Japón, excepto Okinawa y las islas Amami. A partir de 2010, la Agencia dejó que las previsiones las realice el sector privado aunque sigue observando y determinando el impacto del clima sobre la floración…

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En Japón, la especie más habitual de cerezos de flor es la “Somei-yoshino” o cerezos Yoshino, una especie híbrida de dos otras especies.  La cereza Yoshino variedad desde finales del período Edo, se ha plantado en todo el archipiélago. Los árboles de muestra también incluyen la cereza Higan en el sur y Prunus sargentii– cereza de Sargent en el norte. Se la conoce por tener pétalos casi completamente blancos con matices de un rosa muy pálido. Con frecuencia se plantan a lo largo de ríos y fosos de castillo, de modo que forman un túnel de centelleantes tonos blanquecimos que se reflejan en el agua. También puedes encontrar estos cerezos en parques y escuelas.
Otra variedad preciosa es la Kawazu-zakura, que se encuentra fácilmente, en la zona sur de la península de Izu, a pocos kilómetros de Tokio, entre el monte Fuji y el océano Pacífico, en la isla japonesa de Honshu. a 2 horas y media de Tokio en tren. Estas flores son de tonos rosados más fuertes que las Somei-Yoshino y florecen aproximadamente un mes antes, generalmente desde finales de febrero a principios de marzo.

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Incluso tienen los cerezos shikizakura, literalmente “sakura cuatro estaciones”, que florecen dos veces al año y son un espectáculo popular en la prefectura de Aichi -está ubicada en la región de Chūbu. La capital es Nagoya, donde, en otoño, se puede admirar el contraste de las hojas de color rojo vivo con las delicadas flores rosadas, todo al mismo tiempo.
Se ha puesto de moda comprarse un árbol para plantarlo y cuidarlo uno mismo en EEUU, se venden árboles listos para plantar para los aficionados a la botánica. En Japón, puedes encontrar incluso bonsáis de cerezos podados con formas exquisitas, árboles en miniatura que combinan a la perfección dos símbolos de la cultura japonesa.

El Festival Kawazu-zakura de cerezos en flor es una escena espectacular que atrae aproximadamente un millón de personas cada año. Actualmente el Kawazu Festival 2021 ha sido cancelado debido a COVID-19.

桜 ( さくら / Sakura) – YouTube

En la actualidad, la flor representa inocencia, la sencillez, la belleza de la naturaleza y el renacimiento que trae la primavera.

Cerezos Japoneses – YouTube

Y esas cosas locas que tiene el mundo en que vivimos…

Es la ciudad de Macon, Georgia EEUU la tiene el titulo de: «La capital de los Cerezos en flor» así también el festival de esta flor. Hay más de 300.000 árboles de cerezo que florecen anualmente. Fue William A. Fickling un agente inmobiliario local, quién descubrió uno cerezo en su propio jardín trasero en 1949 y comenzó con una movida para plantarlos por en la ciudad.

Un verdadero espectáculo en primavera!

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