«Singeries»

Género pictórico.

«Singerie» en traducción del francés sería algo así como «monerías». La imagen del mono utilizada para simbolizar el aspecto irracional y absurdo de la naturaleza humana.

La historia de este tema aparece ya en el antiguo Egipto. Lo asegura Cyril Aldred-1914-1991- egiptólogo e historiador de arte, menciona  una singerie en su obra «Arte Egipcio: en el tiempo de los faraones 3100-320 a. C.»

A lo largo de la Edad Media, los monos imitando a los humanos se veían  «como un símbolo de la humanidad degradada«.

 

Se utilizaron para imitar el hombre y sus debilidades, a menudo aparecen en los márgenes de los manuscritos iluminados.

El grabador flamenco Pieter van der Borcht introdujo el «género singerie» como  tema independiente en torno a 1575 en una serie de grabados, que están fuertemente arraigados en la tradición artística de Pieter Bruegel el Viejo. El tema fue recogido por artistas flamencos, en particular los residentes de Amberes, como Frans Francken el Joven, los Brueghel el Viejo y el Joven, Sebastiaen Vrancx y Jan van Kessel. Todos ellos pintores de naturalezas muertas, flores, animales y de escenas costumbristas del barroco que practicaron con éxito este género tan especial.

David Teniers el Joven lo desarrolló junto con  su hermano menor Abraham. Los hermanos fueron capaces de atender al gusto imperante en el mercado del arte y  un papel decisivo en la difusión de este género fuera de Flandes.

 

 

«La Barberia»-monos y gatos son utilizados como alegorías cuyo objetivo era «moralizar» a través de la sátira. De esta manera, los animales simbolizaban a personajes de la sociedad de entonces, con lo que se evitaba una confrontación directa con los sujetos aludidos. En el caso de «La Barberia», los simios representan el poderío político y económico de Flandes sobre Francia, ejemplificada por los gatos, a quienes se les están cortando los bigotes con lo cual se les quita el sentido de orientación como bien sabemos…

Más tarde, los artistas del siglo XVII como Nicolaes van Verendael, conocido como un pintor de naturalezas muertas empezaron a pintar así escenas con monos.

«El mono Escultor»  de 1710 por Antoine Watteau.

 

«El mono pintor» del Chardin 1740- El «mono pintor» está basada en hechos reales, en ese momento preciso se adiestraban monos para actuar como pintores y así entretener a los  cortesanos.
El género Singeries se hizo popular entre los artistas franceses a principios del siglo XVIII. Decorador y diseñador francés Jean Bérain incluyó figuras vestidas de monos en muchas decoraciones de la pared del Palacio que el gran Ebanista real  André Charles Boulle luego los utilizó en su trabajo.

También la porcelana de Meissen realiza una serie de «piezas de moda»  en este género  «monos músicos».

En Francia…  realizó la decoración rococó de «Grande singerie

 y Pequeño singerie en el castillo de Chantilly,  Christophe Huet.

En Inglaterra…

El pintor francés Andieu de Clermont es conocido por sus flores, decoraciones Rococó y por sus singeries: realizó la decoración del techo en Monkey Island Hotel, ubicado en la Isla de los Monos en Bray-on-Thames -Inglaterra.  Este se construyó en la década de 1740 por Charles Spencer 3er Duque de Marlborough el ilustre antepasado de Lady Di .

 Francisco de Goya y Lucientes no estuvo ajeno a este género…

En el siglo XIX
«Los expertos en arte» obra Emmanuel Noterman –  y Charles Monginot. 

 

Los monos fueron desde siempre considerados  criaturas desvergonzadas, traviesas y excelentes imitadores de la conducta humana. «Estos monos» en papeles humanos eran una metáfora para «acentuar» la locura del mundo, un ejemplo: los  que ocupan altos cargos sin merecerlos. O bien ridiculizan la idea que los «los conocedores»  o «Expertos en Arte» son socialmente superiores al resto de los aficionados.

Hasta  el licor de anís tuvo su Mono…

Bosch, notario y afamado empresario catalán, aprovechó el debate que suscitaban las teorías de Darwin, para publicitar su ya afamado Anís como la «marca más evolucionada». En la etiqueta, un primate humanoide sostenía un pergamino que proclamaba: «Es el mejor. La ciencia lo dijo y yo no miento». Este tema muy de moda tras haberse echo pública en 1859 la presentación su libro El origen de las especies» de Charles Darwin   El rostro del primate humanoide, es el mismo Charles Darwin.

El famoso Ramón Casas – Artista modernista hizo anuncios para la firma y existe un collage cubista de Juan Gris donde muestra en 1914 la botella del licor.

Y así sucedieron los hechos…

A principios de siglo XX, la escuela de psicología de la Gestalt comenzó a realizar experimentos con monos pintores. En un período en el cual comienza a revalorizarse el denominado «art brut» o «outsider art», es decir el arte de enfermos mentales y marginados sociales, la pintura realizada por animales trajo un acalorado debate entre los artistas. El auge de los monos pintores coincide temporalmente con el momento de esplendor del Expresionismo abstracto y el tachismo, el oponente del cubismo.

Para los artistas que practicaban estos estilos, que un chimpancé pudiera realizar obras similares a las suyas era un signo de que iban por buen camino, de hecho algunos colaboraron directamente con primates.

A finales de los años cincuenta, el investigador Desmond Morris realizó un programa de televisión llamado «Zoo time» en el cual experimentaba con la conducta animal. Una de sus principales estrellas era «Congo», un chimpancé que podía pintar.

Morris llegó a realizar una exposición de dibujos y pinturas realizadas por chimpancés en el Instituto de Artes Contemporaneas de Londres en 1957. Para los críticos de estos movimientos en cambio, la similitud de la pintura animal con las obras de expresionismo abstracto supuso la oportunidad para una crítica perfecta.

Pablo Picasso y Joan Miró tenían obras  de «Congo». Picasso defendió públicamente tanto a Morris como a «Congo» de aquellos que sugirieron que el trabajo realizado por los chimpancés no era arte. Salvadór Dalí llegó a afirmar, “la mano del chimpancé es casi humana, la de Pollock es totalmente animal”.

En 2005, tres de los cuadros de «Congo» de 1957 se subastaron en 26.000 dólares en la prestigiosa casa Bonhams de Londres. En esa misma subasta, se ofrecieron cuadros de Botero, Renoir y Andy Warhol, que no se vendieron. Howard Hong, el coleccionista que compró las obras de «Congo», aseveró que sus cuadros se parecían a los primeros trabajos de Kandinsky por eso, quedó maravillado.

Morris recogió los resultados del estudio en su libro La biología del arte. Otro pensador que coincide con Morris es el filósofo israelí Ben Amí Scharfstein, quien en su libro Pájaros, elefantes y otros artistas, dice que el arte no es intrínseco al ser humano y que tanto humanos como animales pueden crear patrones temáticos y simetrías.

Los críticos calificaron el estilo de «Congo» : «lírico abstracto impresionista».

Música para deleitar…

Lakmé

De Leo Delibes

Su estreno en la Ópera Comique de París el 14 de abril de 1883, fue todo un éxito.

Alcanzó su representación  número 500 el 23 de junio de 1909, la número 1.000 el 13 de mayo de 1931 y en 1960 L´Opera Comique de París celebró la representación número 1500 en su sala.

Como otras óperas francesas de la época, Lakmé capta el ambiente de Oriente que estaba en boga el último cuarto del siglo XIX en línea con otras obras operísticas como Los pescadores de perlas de Bizet y El rey de Lahore de Massenet.

El tema de Lakmé fue sugerido por Gondinet como un vehículo para el lucimiento  de la soprano estadounidense Marie van Zandt.

La ópera, sobrelleva una fama extraordinaria, donde la protagonista canta la famosa «Aria de las campanas»,  sinónimo de virtuosismo y de agudos brillantes que provoca el recuerdo inmediato de las más famosas sopranos líricas de coloratura de agilidad extraordinaria en la historia del «Bel Canto» . Intérpretes inmortales como:

 

Amelita Galli-Curci, Lily Pons, Maria Callas, Beverly Sills, Joan Sutherland, solo por mencionar algunas la han representado con gran maestría. Poco a poco el siglo XX se olvidó de su música sublime y solo hacia sus finales, la obra ha vuelto a los escenarios.

Lakmé es una ópera de gran belleza que cautiva  por varios motivos: Por el talento de Pierre Loti, el dramaturgo autor de la novela autobiográfica que narra el romance que vivió en Tahiti, y que terminó trágicamente con la muerte de su amada. Se le sumó el ingenio de Edmond Gondinet para adaptar el argumento al formato operístico, y a la habilidad melódica de su compositor: Delibes.

Actualmente, sus dos arias más conocidas son interpretadas regularmente como «piezas de concierto»: el maravilloso «Dueto de las flores», es una de las obras más emblemáticas de la historia de la música. En ella Lakmé soprano y Mallika mezzo aparecen recogiendo flores para decorar el templo. Este Duo se interpreta en el primer acto. Lakmé, la hija de un brahmán, y su criada Mallika, cuando van a recoger flores cerca de un río.

El otro «detalle»… La altamente y virtuosística Air de Clochettes -aria de las campanas del Acto II, de extremada dificultad técnica destinada al lucimiento de una soprano ligera o de coloratura, exigida a cerrar el aria con un mi-6 (la nota mi en la sexta octava del piano) al extremo de su registro.

Su autor

Leo Delibes-Nació el 21 de febrero de 1836-murió el 16 de enero de 1891en Francia. Fue un compositor romántico  que sirvió de inspiración a compositores,como Tchaikovsky y Debussy. Autor de  óperas, operetas y ballets. Estudió en el Conservatorio de París, donde obtuvo un primer premio de solfeo en 1850. Además estudió canto y se desarrolló como organista, llegando a convertirse en pianista acompañante y director de coro en el Théátre Lyrique, así como también en segundo director de coro de la famosa Ópera de París.

«Coppelia»  fue «su ballet» y su «obra maestra» se estrenó en 1870 en la Ópera de París le valió a Delibes un lugar en la historia de la tradición musical francesa. El ballet inspirado en un cuento de E. T. A. Hoffmann titulado «El Hombre de Arena» donde una muñeca, llamada Coppelia, cobra vida «misteriosamente» ante la sorpresiva mirada de su creador, el Dr. Coppelius. Luego vino el éxito de «Sylvia» en 1876, ballet mitológico que generó admiración y reconocimiento por las maravillosas piezas de danza que en él se desarrollan.

En 1884, Delibes fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes y recordado como un maestro de la tradición musical francesa, él mismo proclamó: «Por mi parte, doy las gracias a las emociones muy poderosas que Wagner se ha considerado m, de el entusiasmo que ha despertado en mí. Pero si, como oyente, que se han comprometido a dominar profunda admiración alemán, me niego, como productor, para imitar. «Murió el 16 de enero de 1891dejando una ópera inacabada, Kassya, que será orquestada por Jules Massenet.

Lakmé es la única ópera relevante del compositor quizás porque ha sido la única que no ha sucumbido ante el éxito de su afamada Coppelia.

 

 

 

La noche de San Juan…

…algo de tradiciones para recordar.

La Fiesta de San Juan,   víspera de San Juan o noche de San Juan es la festividad del nacimiento de San Juan Bautista el día 24 de junio. Santo llamado también «el precursor»y el único del santoral católico que se le celebra el nacimiento y su martirio. Algunos vinculan esta festividad a celebraciones y ritos de origen pagano previos al cristianismo.​ En países mediterráneos la realización de grandes hogueras de fuego es el elemento primordial.

Se celebra en toda la geografía española con ritos y tradiciones ancestrales. Es la noche más corta del año (en el hemisferio norte)la más larga (en el sur).  La fiesta dura hasta el amanecer.

La noche de San Juan ha adquirido la magia de las antiguas fiestas paganas que se organizaban con el solsticio de verano.

Consiste en…

El fuego y el agua ambos elementos tiene una función «purificadora» en las personas… es una noche mágica…  una verdadera Fiesta Popular donde nadie está ausente.

Algunos de los rituales populares y los más extendidos.

Los saltos en las llamas… concretamente, en Valencia y Alicante donde las fiestas y sus hogueras son muy famosas, consiste en saltar 7 veces las llamas, ello supone protección durante todo el año. En Galicia, también se da este ritual pero ellos realizan 9 saltos.

Los baños en el mar… de los rituales más extendidos de la costa es el primer baño en el mar del verano. El agua durante esta noche tendría «propiedades» milagrosas y curativas.

Los saltos con las olas… combinando el ritual de los saltos con el baño en el mar. Así, en Galicia también tendrían un ritual un poco más especial que consiste en saltar 9 olas de espaldas. Hacer esto en la playa La Lanzada -Pontevedra supondría  fertilidad para las mujeres.

La petición de los deseos… otro de los rituales más extendidos es la petición de deseos. Por ejemplo, en Asturias esto se realiza escribiendo los deseos en un papel y echándolo al fuego. En otros lugares costeros, se pedirían los deseos mientras te golpean las olas en los pies, concretamente tendría que suceder 3 veces para que funcionase.

La quema de objetos…en Asturias y otros lugares, también se daría otro ritual que consiste en echar al fuego elementos que hayan estado presentes a lo largo del año y de los que nos queramos desprender para generar «energías positivas». Esto suele suceder con libros o apuntes para tener buena suerte en los estudios.

Así puede seguir una lista interminable de  «detalles» para expulsar lo malo y recibir lo bueno que nos acompañará el resto del año en curso . Esto  va acompañado de comidas y bebidas para esta ocasión. Lo pueden faltar las sardinas asadas sobre pan casero…

Si hay una bebida típica de la noche de San Juan, esa es la Queimada gallega. Este líquido es una suerte de conjuro para ahuyentar a los malos espíritus. Se prepara con aguardiente, azúcar blanco y limón. Los ingredientes se colocan en un recipiente de barro y se deja quemar el líquido para que este pierda la fuerza.

Macarrons de Sant Joan
En Ibiza se preparan los macarrons de Sant Joan. Este postre típico es una variante del arroz con leche. Se sustituye el arroz por una pasta larga y rizada y se obtiene un postre suave y dulce. Su sabor es exquisito y su tradición también.

Cocas de San Juan
En Cataluña un postre para esta noche tan especial. En este caso, la coca de San Juan destaca por su sabor a pan dulce. Esta torta o pastel similar a las roscas de Reyes o  Pascua,

Serrat – la describe perfectamente:

FIESTA
Gloria a Dios en las alturas,recogieron las basurasde mi calle, ayer a oscuras y hoy sembrada de bombillas. Y colgaron de un cordel de esquina a esquina un cartel y banderas de papel verdes, rojas y amarillas.

Y al darles el sol la espalda revolotean las faldas bajo un manto de guirnaldas para que el cielo no vea. En la noche de San Juan, cómo comparten su pan, su mujer y su gabán, gentes de cien mil raleas.

Apurad. que allí os espero si queréis venir pues cae la noche y ya se van nuestras miserias a dormir.Vamos subiendo la cuesta que arriba mi calle se vistió de fiesta.

Hoy el noble y el villano,el prohombre y el gusano bailan y se dan la mano sin importarles la facha. Juntos los encuentra el sol a la sombra de un farol
empapados en alcohol abrazando a una muchacha.

Y con la resaca a cuestasvuelve el pobre a su pobreza,vuelve el rico a su riqueza y el señor cura a sus misas. Se despertó el bien y el mal la pobre vuelve al portal,
la rica vuelve al rosal,y el avaro a las divisas.

Se acabó,el sol nos dice que llegó el final, por una noche se olvidó que cada uno es cada cual.

Vamos bajando la cuesta que arriba en mi calle se acabó la fiesta.

Una grabación de los años ’70… aquí con su grupo en un recital  en Madrid  donde  cantó a modo de «Bis» este tema para cerrar el evento.

Feliz Noche de san Juan!!! aunque estemos en este año tan especial.

Una fiesta para la vista!!

La Libertad guiando al pueblo. Obra maestra del pintor del Romanticismo francés: Eugène Delacroix.

Según G. C. Argan – Crítico de arte italiano, es el primer cuadro político de la pintura moderna, pues en su opinión la historia contemporánea es la lucha política por la libertad. Libertad que, según este mismo autor, estaba ligada indisolublemente en aquella época al concepto de Patria. De ahí que la figura central de la mujer, alegoría de la libertad, lo sea también de la Nación. «El nacionalismo» es una constante en todos los románticos.

Meses antes de morir  Delacroix escribe estas palabras en su diario: «El mérito de una pintura es producir una «fiesta para la vista». Lo mismo que se dice tener oído para la música, los ojos han de tener capacidad para gozar la belleza de una pintura. Muchos tienen el mirar falso o inerte; ven los objetos, pero no su excelencia».

«La Libertad guiando al Pueblo» (1830).Óleo sobre lienzo, 260 x 325 cm. Museo del Louvre- París. Esta obra le valió a su autor la Cruz de la Legión de Honor.

Una “fiesta para la vista”.

Tras el Congreso de Viena, en 1814, la restauración de las monarquías absolutistas se generalizó por todo el continente. En Francia, la decepción ante la situación social y económica llevó a la Revolución burguesa de 1830. El cuadro de Delacroix se convirtió en un símbolo de toda esta época.

Obra claramente propagandística. Francia portadora de los valores universales.

“Libertad”  “Igualdad” y “Fraternidad” eran los valores que defendían los revolucionarios de 1789. Además, resulta paradójico, por otro lado, que esta figura más “real” que “republicana” presente los atributos propios de una Marianne o símbolo de la República, puesto que a raíz de la revolución de 1830 lo que se instauró en Francia fue otra monarquía, no de un Borbón sino de un Orléans constitucional. La escena de esta obra se enmarca en la ciudad de París en el fondo derecho de la imagen se vislumbra la Île de la Cité y la Catedral de Notre-Dame. –

“Marianne”  el eje central de la obra. Su corpulencia tiene algo de «michelangesca» y un poco más atrás, mucho de la estatuaria griega: Venus de Milo, Victoria de Samotracia.  La Libertad. es una figura alegórica sensual y “real, en plena barricada, con gorro frigio portando la bandera tricolor francesa, y un fusil.

Los personajes que la acompañan son miembros de las diferentes clases sociales – un obrero con una espada, un adolescente con dos pistolas y la burguesía con chistera y levita. El artista, no es imparcial en su militancia social, de ahí que sea el burgués quien está más cerca de la alegoría femenina defendiéndola con decisión para manifestar que en el proceso revolucionario, la burguesía tuvo amplia participación.

La composición  está basada en diagonales, donde se inscribe en sólida pirámide la alegoría de la libertad, cuya base son los cadáveres que han caído en la lucha contra la tiranía. El vértice de esa pirámide: la bandera. Se suceden diversos planos con diferentes figuras. La muchedumbre en actitud de avanzar sobre terreno enemigo entre una polvareda que difumina los contornos e impide contemplar con claridad el grupo de figuras que se sitúa tras la Libertad. Es una obra dinámica y agitada que transmite sentimientos exaltados. La perspectiva aérea perfecta. La línea del horizonte, algo inestable. Podemos distinguir dos planos:

Uno inferior horizontal: donde se hallan los soldados yacentes, que representan a los perdedores. Los cadáveres aparecen en primer plano de una forma muy realista.  Otro superior que subraya la verticalidad con el resto de los personajes, simboliza: la victoria aplastante de la Libertad.
Obra de gran expresividad y dramatismo, propia del espíritu romántico.

La pincelada: suelta, pastosa y abocetada, colores ricos y de gran luminosidad. Predomina la mancha sobre el dibujo.  Aquí, anticipa la modernidad pictórica, ya que antepone la fuerza de la expresión a la perfección formal.

El color: tiene un gran protagonismo lo utiliza para expresar sentimientos, habitual en los pintores románticos. Predominan:  ocres y tonos apagados. Destacan los colores de la bandera francesa.

Contrastes entre luces y sombras. En este caso la luz y el color tienen un objetivo en común: potenciar el movimiento.

Así, sin proponérselo, estaba no sólo marcando una profunda huella en la Historia del Arte, sino abriendo la vía a todas las revoluciones pictóricas de finales del siglo XIX e inicios del siglo XX.

El autor

Autorretrato de 1839

Eugene Delacroix –1798 – 1863- En el taller de Pierre Guérin, amigo de su tío, conoció al que sería su gran amigo el artista francés, Géricault.

Participó del Salón de los Artistas desde 1822 a 1859, con escasas ausencias.

Su primera obra, “La barca de Dante” 1822 le sirvió para recibir un gran reconocimiento, como artista y como figura del Romanticismo francés junto a Géricault, este, fallece en enero de 1824 con solo 32 años.

 

La siguiente obra de Delacroix para el Salón fue “La Matanza de Quíos”, en 1824 exalta la independencia y la libertad de los pueblos oprimidos que lo reafirma como cabeza de ese movimiento Romántico junto a los escritores Mérimée y Stendhal. En 1825 viaja a Inglaterra junto a Bonnington y Fielding, a quien había conocido en su taller. Allí aprende a apreciar la obra de Constable y otros artistas ingleses así como a Lord Byron, Shakespeare y Scott.

En homenaje al recientemente fallecido Lord Byron en esa localidad griega pinta: “Grecia expirante entre las ruinas de Missolonghi” para recaudar fondos de apoyo a la causa de la Libertad griega.

En 1827 presenta su obra “Muerte de Sardanápalo”, una obra despiadada, terrible! Es rechazada por el «Salón», pero si elevada a la categoría de «Manifiesto del Romanticismo». !Obra impresionante! Un cuadro que hace gala de las más espléndidas combinaciones de color, agitación,y movimiento, plantea un especie de ballet armonizado favorecido por claroscuros y pinceladas libres. Los cuerpos se arremolinan como arrastrados por una gran ola.

Destino de La Libertad

La nueva monarquía de Luis Felipe –que reinó con el título de «rey de los franceses» entre 1830-1848, adquirió La libertad  para el Museo Real, pero por su carácter incendiario no se atrevió a mostrarlo en público…pasaron años hasta que ocupara un lugar en el Louvre.

Después de La Libertad… de enero a julio de 1832, Delacroix formó parte de la delegación enviada por el gobierno francés ante el sultán de Marruecos; durante el viaje, que incluyó también España y Argelia, el artista realizó numerosos dibujos y anotaciones que le sirvieron para sus composiciones posteriores.
A su regreso a París le esperan encargos oficiales para decorar y pintar diversos edificios públicos:

el Salón del rey del Palacio Borbón,

el Palacio de Luxemburgo,

la Galería de Apolo en el Louvre…

 

 

 

En 1859, el pintor expone por última vez en el «Salón». Su estado de salud se deteriora.

En 1861 termina los frescos de Saint-Sulpice– que había comenzado en 1849-  Heliodoro expulsado del Templo san Miguel arcángel matando al dragón,Tobias y el Ángel, comienza la decoración del comedor del banquero Hartmann que dejará inacabada. En 1863 su estado de salud empeora muere el 13 de agosto acompañado su fiel ayudante Jenny Le Guillou. 

Su influencia fue inmensa: Impresionistas, Simbolistas, Realista y postimpresionista, sobre todo, por la primacía del color sobre la línea… fue un antes y un después. Esta pintura inspiró la Estatua de la Libertad de Nueva York, regalo que hizo Francia a los Estados Unidos, 50 años después de haber sido pintada. También en la literatura, la figura del joven con las pistolas, fue la inspiración para uno de los personajes de la novela Los miserables del  escritor romántico Victor Hugo- Gavroche.

En la música clásica: el americano George Antheil tituló su Sinfonía n 6 After Delacroix, señalando que se había inspirado en este cuadro del artista francés.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La mano izquierda de …

Paul Wittgenstein 1887-1961 – Pianista austríaco que después de haber perdido su brazo derecho en un combate en la I Guerra Mundial, decide continuar su carrera pianística con su mano izquierda.

Wittgenstein pertenecía a una familia de acaudalados industriales. El hogar paterno, era  visitado por prominentes figuras de la cultura, entre ellos los compositores Johannes Brahms, Gustav Mahler y Richard Strauss, con quienes el joven Paul tocaba dúos. Estudió con Malvine Bree y el virtuoso músico polaco Teodor Leszetycki. Hizo su debut público en 1913 con críticas favorables.

Primera Guerra Mundial

Llamado al servicio militar y durante un asalto en Polonia, fue herido y capturado por las fuerzas rusas,  su brazo derecho tuvo que ser amputado. A pesar de la pérdida, Paul nunca pensó en abandonar su vida como pianista. En el hospital de prisioneros de guerra de Omsk, aprendió a realizar cosas básicas con su mano izquierda, dibujó el teclado de un piano en una caja para poder practicar hasta 7 horas al día.

Muchos pensaban que, además del brazo, había perdido la cabeza.  Un diplomático que lo vio, consiguió trasladarlo a un campo de prisioneros donde tenía acceso a un piano. Allí comenzó a trabajar, arreglando aquellas piezas que conocía de memoria, comenzando por el Estudio Revolucionario de Chopin.

Es muy probable que eligiese empezar por Chopin porque conociese la adaptación de los estudios que había realizado Godowsky. Quizás pudo inspirarse en el conde Géza Zichy, estudiante favorito de Liszt que se convirtió en el primer pianista manco profesional. Zichy había perdido su brazo en un accidente de caza, pero su  fuerte determinación le permitió hacer con una mano lo que otros hacían con dos.

En 1915 realizó una actuación benéfica para hombres que habían vuelto mutilados del frente, sorprendiendo con su técnica de una sola mano. Volvió a hacer conciertos y llegó a hacerse conocido y muy querido por el público melómano. Sin embargo, en las buenas críticas pesaba más la valentía de enfrentarse a las obras con un solo brazo que la técnica en sí. Paul no quería ser recordado como un «caso raro», sino como un excelente pianista, por eso empezó a encargar obras compuestas específicamente para  la mano izquierda. Su antiguo maestro, Josef Labor, viejo y ciego  escribe piezas para él, para ser interpretadas con una sola mano.

Durante la década de los 20, compusieron para él: Korngold, Hindemith, Richard Strauss y Franz Schmidt, en los años 30 fueron Ravel y Prokofiev y 1942 Britten.

Su gran dedicación

Wittgenstein  se abocó intensamente a la práctica del instrumento, creó nuevas técnicas pianísticas en la que combinando el uso del pedal con su única mano tocaba acordes considerados imposibles con anterioridad.

Con el correr de los años su carácter cambió bastante… para mal. Las obras encargadas no siempre eran de su agrado…no le gustó la mayoría de lo que encargó. A menudo se enfrentaba a sus colaboradores, mostrándose  imperativo  y exigente. Además, como pagaba estas obras, se mostraba posesivo con ellas, impidiendo que otros las ejecutasen.

Klaviermusik Op 29 de Hindemith, de 1924  obra que Wittgenstein condenó al olvido. Despreciaba su trabajo y se negaba a tocarlo, pero tampoco dejaba que nadie lo tocase. Esta obra fue interpretada por primera vez por Leon Fleisher, 81 años después de que se compusiese.

En 1931, Prokofiev entregó al pianista las partituras de su Cuarto Concierto para piano. La reacción de Wittgenstein negativa… «Gracias por el concierto, pero no entiendo una sola nota y no lo tocaré». Y el concierto quedó en el olvido, siendo el único de los conciertos de Prokofiev que el compositor no pudo ver interpretado en vida. Recién  en 1956, el pianista que también había perdido su brazo derecho en la segunda guerra, Siegfried Rapp pidió las partituras de este concierto a la viuda de Prokofiev y por fin se pudo dar a conocer en la Temporada de conciertos del año 1956, el 5 de septiembre, se estrenaba en primera audición con la orquesta filarmónica de Berlín Oriental bajo la batuta de Gerhart Wiesenhutter.

Sin lugar a duda la más conocida, y brillante de todas esas obras encargadas fue, la compuesta por Ravel, su Concierto para la mano izquierda en Re mayor.  Ravel hizo desaparecer la discapacidad de Wittgenstein.

Ravel compuso la obra entre 1929 y 1931, y tal era el desfío del compositor francés, que abandonó todos sus trabajos pendientes para centrarse en la composición del mentado concierto. Por esos años había empezado a trabajar en su otro concierto para piano, el ‘Concierto en sol mayor’. Ravel admiró la determinación de Wittgenstein de continuar su carrera como pianista de conciertos a pesar de su discapacidad.

Las obras de piano para la mano izquierda ciertamente no eran ninguna novedad; las composiciones de Scriabin, Alkan, Godowsky y Lyapunov así  lo atestiguan. Ravel quería crear una obra única que no sólo demostraría cómo un pianista puede compensar una discapacidad física, sino que deseaba componer una obra que se destacara como un «concierto de piano único». Ravel contaba ya con 55 años y era toda una celebridad en Europa. Hacía tres años del éxito de su genial Bolero tuvo la virtud de sorprenderse a si mismo como compositor pues logró uno de los grandes conciertos para piano del siglo XX.
Wittgenstein, que era difícil, no le gustaba nada la larga cadenza con que la obra se inicia, se vio forzado a estrenar el Concierto en re mayor para la mano izquierda tal cual Ravel lo había escrito.  El resultado fue una obra inspiradísima y singular, un concierto estructurado en un solo movimiento, en lugar de los tres canónicos.

Ravel  lleva al límite las capacidades pianísticas de la mano izquierda, hasta el punto de hacer olvidar la inexistencia de la mano derecha. Cuando se escucha, no se es capaz de discernir, que se trata de una obra para una sola mano. Ravel se valió del profundo manejo de la orquesta, que siempre lo caracterizó, para hacer que éste «sonara» como si se interpretara  normalmente el piano. Toda una proeza musical del compositor!!  El Concierto en Re mayor para la mano izquierda  resultó ser una de las obras más importantes del compositor y de toda la literatura musical.

El concierto comienza…

Con una atmósfera tenebrosa, protagonizada por los violonchelos, los contrabajos y el contrafagot. A estos le precede una tímida orquesta en un «pianissimo oscuro» que crece a un inmenso «fortissimo» un «Tutti» de la orquesta.

Aquí, el piano hace una esplendorosa aparición, una poderosa muestra de virtuosismo en forte, pero variable crescendos, decrescendos, subito fortes y pianos protagonizan la escena, para finalizar en un glissando que da lugar a la aparición nuevamente de la orquesta. Asimismo, el piano continúa  en la escena enfrentándose a la orquesta, para reaparecer posteriormente con los vientos en crescendos u decrescendos continuos.  La percusión  juega un papel importante con influencia jazzística, usando polirritmia y diferentes recursos nada usuales por entonces.

A pesar de las diferencias que hubo entre ellos, la obra fue estrenada por el pianista con la Orquesta Sinfónica de Viena en enero 5 de 1932 y se interpretó en París con Wittgenstein en el piano y Ravel dirigiendo la orquesta el 17 de enero de 1933.

Pese a las reticencias iniciales de Wittgenstein, la obra terminó por gustarle. Hoy se ha convertido en la más célebre de las composiciones que se hayan escrito para la mano izquierda.

Wittgenstein realizó la primera audición de este Concierto de Ravel para América en Cuba, con la Orquesta Filarmónica de La Habana bajo la dirección de Amadeo Roldán en 1937, en aquellos años los melómanos habaneros y gracias a Roldán, al tanto de lo más avanzado e interesante del repertorio mundial.

Para la segunda guerra

La familia desde hacía tres generaciones se había convertido al cristianismo pero las leyes de Nüremberg los clasificaron como judíos. Su hermano Ludwig, el filósofo ya llevaba varios años viviendo en Inglaterra y Paul parte rumbo a los Estados Unidos  puesto que el gobierno nazi no le permitía representar ningún concierto. La fortuna de su familia superaban los 6.000 millones de dólares estadounidenses … se cree que puede haber sido la fortuna privada más cuantiosa de toda Europa y todos los activos de la familia fueron entregados a los nazis a cambio de protección para sus hermanas, ya mayores, en Viena.

Wittgenstein se convirtió en ciudadano estadounidense en 1946, y pasó el resto de su vida en ese país, dedicado a la enseñanza. Murió en la ciudad de Nueva York en 1961 y sepultado en el cementerio de Pinar, South Sterling, Pike County, Pennsylvania .

Los «divertimentos del Bosco»

«El Bosco», fue un pintor nacido en la ciudad holandesa de Hertogenbosch, cerca de Amberes, al norte del Ducado de Brabante en los actuales Países Bajos, autor de  obras excepcionales por la extraordinaria inventiva de sus figuraciones.

Se casó con Aleyt van Meervene, de una familia que proporcionaba una buena dote al matrimonio. Esto le valió absoluta solvencia ha sido uno de los pintores más privilegiados en este tema, porque pudo dejar su pensamiento plasmados en los lienzos.

Hieronimus obtuvo el título de maestro, imprescindible para trabajar de forma independiente. Los encargos debían ser numerosos, ya que queda constancia de que pagaba uno de los tributos más altos de la ciudad y de que vivía en la mejor zona: la Plaza Mayor.  Su clientela: burgueses, clérigos, nobles y la Hermandad de Nuestra Señora, cofradía religiosa dedicada a la Virgen de la que el Bosco era miembro. Uno de sus encargos más importantes de 1504 el Juicio Final que le hizo Felipe el Hermoso.

Siempre difícil de catalogar

Para muchos, la verdadera innovación del Bosco fue la utilización de elementos burlescos y divertidos, “poniendo en medio de aquellas burlas muchos primores y extrañezas”, como decía fray José de Sigüenza, tratadista del siglo XVII y añadía:

“La diferencia que existe, a mi juicio, entre las pinturas de este hombre y las de otros, consiste en que otros buscan pintar, con la mayor frecuencia, al hombre tal cual aparece en su exterior; sólo él tiene la audacia de pintarlo tal como es en su interior”.

Erwin Panofsky, el famoso historiador de arte, lo calificó como: «artista lejano e inaccesible» dentro de la tradición de la pintura flamenca a la que pertenece.

Su pintura

No fechó ninguno de sus cuadros y son relativamente pocos los que llevan una firma que pueda considerarse cierta. Utilizaba capas muy finas de pintura, dejando ver en ocasiones el lienzo. Para algunos, era una forma de pintar que carecían de toda técnica, para otros, una genialidad que le permitía trabajar más rápido, al secarse antes las capas de color, y con un coste menos elevado.

Su formación como pintor de su familia, sus propios hermanos y su padre le enseñaron el oficio artesanal.

Su estilo recogía  los años finales de la Edad Media, en los que la salvación tras la muerte era una obsesión generalizada.

Sus fuentes de inspiración favoritas: la cultura popular. Los refranes, los dichos, las costumbres y leyendas, las supersticiones del pueblo le dieron múltiples temas para tratar en sus cuadros. Da a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convierte la escena en un momento delirante, lleno de simbolismos. Todos sus cuadros están impregnados de un sentido del humor burlesco, hasta cruel.

Su temática: «la debilidad humana», tan proclive al engaño y a ceder a las tentaciones.  El mundo religioso estaba presente tanto o más que los acontecimientos cotidianos.

   

Era un mundo donde no se sabía leer ni existían imágenes solo los cuadros del Bosco presentaban una realidad tan cotidiana como los trabajos del campo. Es el suyo un arte rural… pero que influyó fuertemente en pintores de la talla de: Pieter Brueghel, James Ensor, Max Ernst y Salvador Dalí.

Así estaban cosas en su época…

Se produjeron abundantes movimientos heréticos, sectas que trataban de romper con la Iglesia, que ostentaba un poder y un lujo excesivos. Trataban de retornar a las raíces del primer cristianismo. Todas ellas fueron perseguidas, como el caso de Savonarola en Italia.

La ignorancia y el analfabetismo alcanzaban a un 90% de la población, con una  esperanza de vida de no más de cuarenta años. Las enfermedades endémicas y las epidemias. «La peste», diezmaba la población, cuando no eran guerras eternas. En Alemania, y en los Países Bajos, Lutero  triunfaría pocos años después de la muerte de el Bosco.

Época de Durero y  Leonardo, de Erasmo, Maximiliano I y Carlos V.

   

 

El Bosco jamás entró en contacto con la cultura urbana ni con las renovaciones que se estaban produciendo en las grandes ciudades los Países Bajos, Italia y España.

El Bosco representa el Arte de las Provincias, sin influencia alguna de los movimientos contemporáneos.

En la época del Bosco no existía la psicología.

Algunos centros urbanos de importancia, trataban de cambiar ese mundo, de racionalizar la vida del ser humano, desterrar el miedo y la superstición. La Ciencia sepultará mitos y la Filosofía tratará de conjugar con la Religión.

Aquí el error de pensar que el Bosco pintó para nosotros…que se adelantó a nuestra visión por lo tanto un visionario!!!!

Pintó, hace más de 400 años y  hoy, incapaces de comprender todos los símbolos y lecturas con que impregnó sus cuadros, fantaseamos. Después de Freud, el Bosco volvió a ponerse en boga, algo que se le puede llegar a agradecer… los surrealistas encontraron en él una verdadera mina y la psicodelia de los ’60 lo puso definitivamente en órbita popular.

El Bosco no era tan apreciado, por mucho que se diga, le hacían parecer una «rara avis» e inaccesible como lo decía Panofsky. Sobrevivió en la Historia del Arte gracias a un famoso coleccionista…Felipe II, que pudo reunir un importante número de pinturas en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial y en el Palacio de El Pardo de España.

El pintor muere en 1516, tres años antes que Leonardo da Vinci. Leonardo vivía dedicado el mundo de «las cortes» llenas de intelectuales donde se pretendía cambiar el concepto del mundo basado en Dios por el de un mundo basado en el hombre. El Bosco vivía en el mundo real…donde transitaba la vida de la mayor parte de la sociedad europea del siglo XVI.

Una obra acorde a la presente temporada…

La Extracción de la piedra de la locura

Pertenece a la primera etapa del pintor realizada entre el 1475 y 1480, e incluida en un conjunto de grabados satíricos y burlescos que por entonces se realizaban en los Países Bajos. Es un óleo sobre tabla de roble, de 48 x 35 cm. Está en el Museo del Prado desde 1839. – Madrid.

«El bosco» sátiriza su época

En la sociedad del siglo XV de el Bosco, había un rechazo constante hacia todos aquellos que se proclamaban trabajadores de la salud.  El pintor,en esta obra realiza una expresa crítica contra los que creen estar en posesión del saber, al final, son más ignorantes que aquellos a los que pretenden sanar de su «locura».

De una manera no tan lejana a la actualidad, aquel, que actuara o actuase fuera de los cánones sociales del momento, era ser catalogado como un «loco». Como dice un viejo proverbio neerlandés: “quien no es completamente normal tiene una piedra en la cabeza”.

En la obra aparece un falso doctor.

Porqué falso? lleva un embudo en la cabeza símbolo de la estupidez.

Revela al «cirujano» como estafador. El tulipán (la extracción) representa la ingenuidad, de nuevo la tradición holandesa en su expresión “cabeza de tulipán”, y se relaciona también con el dinero.

El formato elegido… es llamativo

Como si fuera un espejo, a través de él, el espectador puede «asomarse a la realidad,  ver la necedad y la locura humana, la falsa medicina y el curanderismo.
En el marco una inscripción en letras góticas que cita:

Meester snijt die keie ras
Mijne name is Lubbert Das

Maestro, quítame pronto esta piedra
Mi nombre es Lubbert Das

Lubbert Das era un personaje satírico de la literatura holandesa que representaba la estupidez:«Mi nombre es tonto».  Como tontos serían todos aquellos que confiaran en los médicos.

Descalzo, muestran los zuecos a su lado y atado a la silla, mira al espectador mientras se somete a la extracción. Su bolsa de dinero está atravesada por un puñal, símbolo de que está siendo estafado.

También un hombre  que parece un fraile, con un aguamanil en la mano.  Aparentemente interactúa con el cirujano, y a su lado se encuentra una mujer, parece una monja que observa la escena con un libro cerrado en la cabeza. Se apoya en una mesa con forma de vegetal, sobre ella otro tulipán, posiblemente de una operación anterior.

El libro cerrado, una crítica a la superstición y la ignorancia adjudicada al clero, o bien, una burla hacia la costumbre de llevar amuletos hechos con libros. Para otros autores, ella es una bruja con un libro de conjuros sobre la cabeza.

La extracción de la piedra de la locura, es un reflejo y crítica de lo que eran las cirugía en esas épocas: falsos curanderos y charlatanes que buscaban enriquecerse a costa de las creencias de sus pacientes.

Con ella muestra la dimensión supersticiosa en la que la locura estaba inmersa. No sólo Satán es causa de la locura, sino también lo  los objetos tangibles, como una piedra.

Estas creencias, eran caldo de cultivo para el estafador, ya lo denunciaba el médico persa Rhazes –865-925 cuando decía: “los charlatanes que pretendían curar la epilepsia haciendo una incisión en la frente y «aparentando» extraer algo que llevaban escondido en la mano”.

El desconocimiento se mezclaba con la superstición, la religión o la magia… y los médicos ridiculizados, tal como puede verse en esta obra de el Bosco.

 

 

Tantum Ergo…

Son las palabras iniciales de la penúltima estrofa del himno de vísperas de la Fiesta del Corpus Christi. Esta estrofa, junto con la final, o doxología («Genitori» etc.), forman un himno separado que se prescribe para la bendición del Santísimo Sacramento.

Tantum ergo Sacraméntum,
Venerémur cérnui:
Et antíquum documentum
Novo cedat rítui;
Præstet fides suppleméntum
Sénsuum deféctui.
Genitori Genitóque,
Laus et iubilátio;
Salus, honor, virtus quoque,
Sit et benedíctio;
Procedénti ab utróque
Compar sit laudátio.
Amen.

Himno compuesto por Santo Tomás de Aquino en el año 1264, a petición del Papa Urbano IV para celebrar la institución de la Solemnidad de Corpus Christi. También para esta fiesta el mismo Papa pidió a Santo Tomás  que compusiera el Oficio Litúrgico propio. Tantum ergo es parte del himno Pange Lingua, compone las últimas dos de seis estrofas.

Acuarelas de Durero

Una panorámica de la ciudad natal del pintor: Nuremberg- Acuarela que hoy se conserva en el Kunsthalle de Bremen– Alemania.

Alberto Durero – Albrecht Dürer -1471-1528​ – El artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte.

Durero fue principalmente un artista gráfico e indudablemente, el mejor dibujante de su tiempo, y uno de los artistas más exitosos que jamás haya existido.

Aquí, su autorretrato de joven y con la flor del cardo en la mano este símbolo estaba relacionado con Cristo, posiblemente lo hizo, para demostrar su amor por la naturaleza que ciertamente la tenía. Ha pasado a la Historia del Arte por ser el máximo representante del Renacimiento en tierras germánas. Es conocido por su intensa labor como grabador, por sus dibujos y pinturas de temática religiosa y por sus numerosos autorretratos. Sin embargo su faceta como paisajista es práticamente desconocida.

Se destacó  en múltiples actividades, pero fue ante todo: grabador de una calidad absolutamente excepcional. También pintor, acuarelista, dibujante y platero. Además de matemático, viajero, corresponsal y cronista.

Inicialmente formado como platero en el taller de su padre, el artista fue moldelando su carácter artístico y sus conocimientos sobre el trabajo artesanal, su afán por lo minucioso, lo delicadamente detallista, dotó a sus obras de gran expresividad y virtuosismo formal.

Fue el primer artista alemán en encontrar nuevas oportunidades de producción y distribución. La reproducibilidad técnica, la posibilidad de reutilizar los bloques de grabado de madera trabajados y las placas de cobre como copias de impresión en tiradas altas, era algo que él usaba con naturalidad, un detalle desconocido hasta entonces. Fue el primero en introducir la producción de gráficos impresos y en tener su propio negocio editorial.

Sus acuarelas maravillosas 

El  dominio de las acuarelas lo consiguió durante el primer viaje que hizo a Italia en el año 1494 donde conoció de primera mano el Renacimiento del Quatrocento. Esto influyó en su pintura, y a través de él a todos los artistas alemanes del siglo XVI sin excepción.
Muchas de ellas con bellos paisajes montañosos, realizados al atravesar los Alpes  de regreso a su patria.

En ese género encontramos diversas «vistas» como: “Vista de Arco”  de 1495  una representación muy precisa de esa localidad en el norte de Italia. En ella ha usado una iluminación uniforme, sin ningún efecto atmosférico, centrándose  en la representación de la montaña, la naturaleza y la arquitectura. A pesar de su pequeño tamaño, la acuarela posee una gran monumentalidad. “Vista de Arco” es una obra adelantada a su tiempo, paisajes puros y libres que parecen anticipar las obras de los grandes paisajistas de los siglos XIX y XX.

Otras acuarelas de Durero… “Estanque en el bosque” (1496) o su “Vista de Kalchreut” (1511) vistas de su ciudad natal Nuremberg  y de  Innsbruck- Austria.

Posiblemente…sus acuarelas no eran un paisaje como tal, sino más bien un «estudio» previo de algún trabajo, que el artista recurría para crear los fondos de otras composiciones. Funcionaban como «herramientas» de taller, es decir, recursos para las grandes composiciones del maestro.

Se pueden observar en ellas detalles pintados con mucha minuciosidad y el fuerte colorido que va introduciendo paulatinamente en estas obras… Son algo más que un simple boceto.

Una elección? …

Liebre joven (en alemán, Feldhase)-  Pintada en acuarela sobre papel de 25,1 cm x 22,6 cm. Está firmada y fechada en 1502 actualmente se conserva en el Museo Albertina de Viena.

La realiza en su taller… Liebre joven o Lebrato está considerada junto a «Gran mata de hierba» obras maestras del autor. Es el simple retrato de un lepórido…  pero el más famoso de la historia del Arte.

La liebre fue dibujada con una «calidad fotográfica».

El trabajo descriptivo es tan meticuloso, que el autor se permite el lujo de indicar que se trata de un espécimen joven, como sus características anatómicas lo demuestran.

Esta acuarela fue realizada durante un corto período en que el artista se interesó en la observación del entorno y el naturalismo que utilizaba a menudo para sus grabados: Flores, plantas, animales y aves… le gustaban las liebres,  perros y caballos…

Que detalle!

La obra supuso un reto especialmente difícil, debido al pelaje de la liebre que se extendía en diferentes direcciones y a la luz que lo matizaba con parches oscuros y brillantes por todo su cuerpo. El maestro tuvo que adaptar las convenciones tradicionales del sombreado para poder perfilar el contorno del animal por medio de la luz que caía sobre él. Consiguió manejarlo admirablemente, no sólo para crear un muy detallado «estudio científico», sino que dió al dibujo una cálida luz dorada  desde la izquierda,que ilumina las orejas, recorre el pelo a lo largo de su cuerpo  convirtiéndola en una obra de arte. Pequeños y refinados detalles como los bigotes, las uñas y el reflejo de una ventana de su taller… en el ojo del animal. Esta obra impresiona aún hoy, por su increíble naturalidad.

Sobre este reflejo hay un debate abierto: Para unos sería la prueba de que Durero utilizó una liebre que mantuvo viva en cautividad para usarla de modelo. Otros,  creen que utilizó una liebre muerta para copiar los detalles y por eso el reflejo del ojo no sería más que un recurso habitual, usado por el pintor en otras obras, que servía para dar más vivacidad a los ojos de sus personajes.

La fecha junto al monograma del artista, indica que Durero estaba muy orgulloso de su trabajo, la consideraba una obra en sí misma y no un mero boceto.

Otras liebres…

En: La sagrada familia con tres liebres, y el grabado en cobre de Adan y Eva, aquí, la liebre está huyendo medio escondida entre las piernas de Eva.  Por cierto… los grabados no tienen ni el color ni el brillo de una acuarela.

Después de la muerte del artista

La liebre es vendida por sus herederos a un marchante y gran coleccionista de arte de Nuremberg, Willibald Imhoff. En 1588, los herederos del marchante la ceden, junto con otras obras y acuarelas, al emperador Rodolfo II del Sacro Imperio Romano Germánico quien la envía a Praga. En 1631, el emperador Fernando II de Habsburgo traslada la mayor parte de la colección de Rodolfo II desde el Castillo de Praga al Palacio Imperial de Hofburg en Viena, para preservarla del pillaje de la ciudad durante la Guerra de los treinta años.

A partir de 1783, la acuarela forma parte de la Biblioteca Imperial y posteriormente es vendida, en el año 1796, al duque Alberto de Sajonia-Teschen cuyas colecciones son la base del museo Albertina – Viena. La acuarela figura dentro de las colecciones del museo desde su creación.

 

 

 

 

 

 

 

 

«Apostolados»… del Greco

Doménikos Theotokópoulos -Nacido en Creta -Grecia- 1541-1614 en Toledo- Pintor Manierista– En sus comienzos, fue pintor de iconos tardo-bizantinos, descubre en Italia los grabados del Renacimiento y la pintura veneciana, incorporando todo a su personal estilo. Viaja a España en 1577- porque se comentaba que se necesitaban artistas para «El Escorial» de Felipe II. No consigue el trabajo, pero en Toledo se quedaría toda su vida.
Tuvo fama de extravagante y de loco tanto por el comportamiento en su vida, como por su obra. Tuvo cierto éxito, apoyado por la élite intelectual española.
Luchó por la dignificación social de la profesión de pintor, fue criticado por los teóricos más intransigentes de la contrarreforma que vieron en su pintura demasiadas «licencias». Como artista,  fue repudiado por la Ilustración, y redescubierto por los románticos que valoraron sus detalles expresionistas.  Su arte, subjetivo y de visión atormentada, libre y opuesta a la imitación servil de la realidad de su época.

Los Apostolados del «Greco»

Corresponden a la producción tardía del pintor. Es a partir de 1600, cuando el Greco y sus ayudantes produjeron varias series de cuadros representando al Salvador y sus discípulos, en el contexto iconográfico español conocidos como » Los Apostolados».

Estos, no responden estrictamente a esa realidad; en todos ellos se eliminó a Matías para poner a Pablo. Bartolomé fue sustituido en casi todos por san Lucas que no fue apóstol, pero… escribió el tercer evangelio y Los hechos de los Apóstoles.

Estos conjuntos estaba compuesto por 13 lienzos de idéntico formato en los que se muestra a Cristo y 12  discípulos. Cristo siempre aparece frontal y bendiciendo. Sus discípulos, en cambio, están vueltos hacia uno de sus lados mirando al Maestro. Identificados únicamente por el atributo que portan, generalmente símbolo de su martitio que  suele mantenerse constante con mucha suerte.

Otros apostolados

Cuando el Greco y su equipo los pinta, circulaban otros por Europa. Son aquellos de un carácter severamente clásico y a cuerpo completo, como los de de Marco Antonio Raimondi, conocido por ser el primer impresor de grabados en serie.

Su trabajo consistió principalmente en impresiones reproduciendo pinturas renacentistas. Raimondi se convirtió en pieza clave en el auge de las estampas de reproducción, difundió el estilo  Renacentista por toda Europa y en especial el arte de Rafael. Aquí san Mateo evangelista.

Tienen éxito «Los Apostolados» más dramáticos: Agostino Carraci, Parmigianino, los hermanos Wierix, que ofrecieron varias series siguiendo modelos de Raimondi o Durero.

Un apostolado creado por él

Los Apostolados tienen carácter devocionario. El tema tratado servía para ser utilizado en las Sacristías o para ser colgados en los laterales de las iglesias, salas capitulares o aulas conventuales. El Greco consigue con «sus apóstoles» una versión Libre de un tema que era constante en la iconografía Cristiana.

Rechazados los relatos de la época medieval por la Contrarreforma, esta mantuvo los atributos más característicos de cada apóstol con algunos cambios a saber: las llaves, para San Pedro, la espada, de San Pablo, el cáliz, de San Juan , la cruz en aspa, de San Andrés, el cuchillo, de San Bartolomé, la sierra, de San Simón, la alabarda, de San Judas Tadeo, el garrote, de Santiago el Menor, el libro o la bolsa, de San Mateo, la escuadra, de Santo Tomás, el hacha, de San Matías, el bordón de peregrino, de Santiago el Mayor o la cruz, de San Felipe.
Estos atributos, eran seguidos por todos los artistas en sus representaciones. Pero el Greco no quiso seguir sus pasos  sino crear las propias, personales y libres. Para ello prescinde de algunos. A veces los intercambia, o recoge elementos arcaizantes que en su tiempo ya no existían, como el dragoncillo diabólico que sale de la copa de San Juan o el diablo encadenado de San Bartolomé y que pertenece a una leyenda medieval.

Existen 4 apostolados:

El de la Catedral  de Toledo parece ser el primero y permanece allí desde el siglo XVIII, el del Museo de Oviedo- Asturias, otro en  Almadrones (Guadalajara) incompleto y el del Museo del Greco sería el último y el de mayor calidad.

Realizaba un exhaustivo estudio

Una vez que recibía el encargo, el Greco visitaba el templo o el destino de los mismos.  Esto le servía para una iluminación concreta usando una acorde gama cromática. Incluso, para su punto de vista: siempre elevados sobre los fieles que podían contemplarlos desde abajo. De echo, y vistos a corta distancia dan una errónea sensación  que llevó a cometer terribles errores a restauradores, que intentaron corregir o acabar las obra del maestro.

Pintaban:  seis apóstoles mirando a la derecha y otros seis mirando a la izquierda que irían colgados en paredes paralelas  y en el frontal, Cristo bendiciendo.

El Museo del Greco tiene el último

Todos los cuadros estás tratados como retratos: Oleo sobre lienzo, de 97 x 77 cm. salvo el de Cristo con una insignificante  diferencia.

Cristo Salvador-1610-14. Oleo – Lienzo, 99 x 79 cm

Está tratado como un Pantocrátor bendiciendo «a la griega» mira al espectador con un halo luminoso romboide.  De gran luminosidad, sobre fondo negro, mirada franca y directa con un toque de tristeza o melancolía en sus ojos.

A su lado dos hermanos:

Pedro y  Andrés pescadores en Galilea.

Pedro, el discípulo más cercano a Cristo y su vicario en la tierra, con sus llaves.
Andrés muere en Patras. Su símbolo es la cruz en forma de «aspa», muere crucificado en ella.

Otros dos hermanos:

 Santiago el mayor, Hijo de Zebedeo, pescador en Galilea y hermano de Juan, el Evangelista. Del círculo más próximo a Cristo, estuvo presente con Pedro y Juan en la Transfiguración y en la agonía de Jesús en el Huerto. Fue juzgado y ejecutado en Jerusalén entre los años 42 y 44 por Herodes Agripa. Su atributo el Bordón, sombrero y capa de Peregrino. Patrono de España.

 Juan Evangelista– el otro hijo de Zebedeo, autor del cuarto Evangelio, del Apocalipsis y tres cartas. El discípulo amado por Jesús. Su atributo un libro o el águila, pero aquí lo pinta con el cáliz y la serpiente dentro.

Felipe -Era de Betsaida –Casa de Pesca, en hebreo, al este del río Jordán, reedificada después por Herodes Filipo, que la llamó Julia. Fue uno de los primeros en ser llamado por Cristo. Su atributo es la cruz, allí muere, pero boca abajo, como Pedro.

Santiago el Menor se encargó de la Iglesia de Jerusalén después de la muerte de Jesús y allí fue martirizado. Viste con las ropas amarillas y manto azul y sostiene un libro en la mano izquierda. Le falta el Palo o Garrote, con el lo matan, y eso ha dificultado su identificación.

Bartolomé  uno de los mejores retratos del pintor-  sustituye a Lucas en las demás series. El Greco recoge la tradición española habitual en el siglo XIV representa al santo de blanco, encadenado al demonio pero… lleva el cuchillo deshollar en la mano, el nuevo atributo del Concilio de Trento. Bartolomé muere deshollado.

 Judas Tadeo– inacabado- Apenas esbozado dejando muchas zonas con la preparación al descubierto. Las manos y la barba no son más que una mancha imprecisa, pero la expresividad es impresionante!!!.  Un rostro inconfundible. Ya anciano, ataviado con túnica azulada y manto amarillo anaranjado que mira al espectador de manera única. Según la tradición, lo decapitaron con una alabarda, por eso se le representa con este atributo.

 Mateo autor del primer Evangelio. Recaudador de impuestos en Cafarnaúm – trabajaba en su mesa cuando Jesús lo llamó para que le siguiera. Aceptó de inmediato. Como evangelista, su atributo es un ángel, aquí muestra un libro y una pluma. Está inacabado: la mano que sostiene el libro no tiene forma, tampoco su barba y hay una mancha azul(descuido)sobre la mano que sostiene la pluma, también sin terminar  y varios detalles…

 

Simón– llamado el Zelote, secta judía ortodoxa. Procedía de Caná,  también conocido como Cananita o Cananeo. Acusado de derribar estatuas de ídolos, fue cortado en dos con una sierra, su atributo, igual que al profeta Isaías. En el siglo XVII, aparece, rara vez, hojeando un libro, así lo pinta el Greco.

Tomás -Conocido como Dídimo, el Gemelo. Su atributo puede ser una escuadra de constructor, o bien un cinturón con espada o daga; el instrumento de su martirio. Fue el que dudó cuando le dijeron que Cristo había resucitado.

Pablo no fue de los doce que Cristo llamó al principio. Pablo pasó a ser el Apóstol de los Gentiles, tras su dramática conversión en el camino de Damasco. Fundó comunidades cristianas en muchos lugares, incluyendo la isla de Creta donde nació el greco. Aparece en todos sus Apostolados en el lugar de Matías el apóstol agregado tras el suicidio de Judas Iscariote. Siempre con la espada de su martirio y siempre muestra una carta en la que aparece escrito en minúsculas griegas: «A Tito, ordenado primer obispo de la iglesia de los Cretenses» su tierra natal…

Desde la segunda década del siglo XX,  El greco tiene su Museo en Toledo. La iniciativa parte del marqués de la Vega Inclán que incluso donó muchas obras  de su colección particular para tal  importante ocasión: se celebrarían los trecientos años de la muerte del Pintor. Muchas fueron las reformas y cambios que tuvo a lo largo de su siglo de vida. La última para celebrar el 4 centenario de su muerte en el 2014. Se amplió bastante y se agregó un pabellón donde podemos ver sus obras empezando desde afuera: los colores que utilizaron los arquitectos  corresponden a los amados verdes que tanto le criticarón los toledanos de entonces.

«Tronie»

Su significado en el holandés del siglo XVI-XVII era  «rostro-cara».
El género comenzó en el Países Bajos en el siglo XVI, donde probablemente fue inspirado por algunas de las cabezas grotescas dibujadas por Leonardo

que habría sido el pionero de estas cabezas grotescas. Emparejadas y generalmente de perfil se colocaban una frente a la otra para acentuar su diversidad, y demostrar la maestría del dibujante. A veces, un tronie era una la representación de un individuo, incluyendo, el rostro de Dios de Cristo, María, un santo, un ángel…

Podría ser bidimensional, pero también hecho de yeso o piedra como estas de Franz Xaver Messerschmidt- escultor alemán entre los períodos Barroco – Neoclásico.

Archivos e inventarios a veces se refieren también a las «naturalezas muertas»  flores, frutas como tronies.

Un tronie denota la «cabeza tipo«, por ejemplo: granjero, mendigo, bufón una persona vieja y fea, un personaje interesante. Concebido así, como la cara de un individuo: «un tipo«, el objetivo de un tronie era expresar los sentimientos y el carácter de una manera «precisa» y por lo tanto «sumamente expresivo».

Y es en la pintura de la Edad de Oro holandesa y barroca flamenca donde se muestra una «expresión facial exagerada» o bien «un personaje con estrafalario vestuario».

 Los artífices de este género

Se cree que Joannes y Lucas van Doetecum

grabaron  por 1564 o 1565 un total de 72 cabezas que fueron por siglos atribuidas a Pieter Brueghel el Viejo, que siguió el arreglo de poner las cabezas «tipo Leonardo».

Este modelo emparejado todavía estaba siendo utilizado por algunos artistas en el siglo XVII. Por ejemplo: el artista flamenco Jan van de Venne, que estuvo activo en la primera mitad del siglo XVII, pintó una serie de tronies yuxtaponiendo caras diferentes.

Varios grabados de autorretratos de Rembrandt son tronies, al igual que pinturas de él mismo, de su hijo y esposas.

En su análisis de los Autorretratos grabados por Rembrandt, Ernst van de Wetering distingue cinco “estudios en expresión facial”, de tres tronies, que incluyen retratos terminados con vestuario histórico. Los “estudios con expresión facial” se usaron y  se produjeron específicamente, para que los alumnos copien como parte de su entrenamiento, para que pudieran representar diversas «expresiones faciales» extremas que muestran emociones, para luego utilizarlas como «espectadores» en pinturas de historia.

La oportunidad de mostrar la técnica pictórica

Los tronies, serían «estudios» para usar en determinadas obras. Las imágenes solían venderse fácilmente en el mercado de arte sin identificación del modelo, no era encargada, como los retratos. La mayoría de los tronies holandeses parecen estar basados en modelos reales, incluyendo al artista, un colega, pero sin la intención de ser retratos.

Es imagen típica de Rembrandt y sus seguidores.

En el siglo XVII había un mercado ávido de este tipo de estudios, considerados un «género» que servía como archivo de tipos faciales y expresiones para usar en pintura de mitología o de historia.

Por ejemplo: la pintura de Rembrandt ahora conocida como Saskia comoFlora –su primera esposa como Flora-diosa de la primavera y de las flores.

La reiteración de este tema, se explicaría con un fenómeno histórico concreto: en las primeras décadas del siglo XVII, la pasión por los tulipanes en Amsterdam era una especie de locura colectiva y de gran transcendencia económica. Es posible que los coleccionistas pudieran solicitar cuadros de este tipo.

En esta pintura, Saskia aparece de perfil y con el rostro vuelto hacia el espectador; la mano derecha sujeta el bastón florido atributo de la diosa, mientras la izquierda sostiene el vestido. Este gesto se ve en algunas obras de  holandeses del Renacimiento, entre ellos el Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck: es posible que Rembrandt lo haya tomado con intención de acentuar el «aura de antigüedad» de la imagen. Raro es el caso de tronies en los que se conoce el nombre del comitente.

Tres pinturas de Vermeer fueron descritas como tronies en la subasta de Dissius de 1696, incluyendo: «La carta»,»La lechera»,»La encajera»y la»Joven de la perla» que tanto interés ha despertado ultimamente. 

Frans Hals también pintó varios tronies, que ahora se encuentran entre sus obras más conocidas…

Adriaen Brouwer fue uno de los profesionales más exitosos del género ya que tenía talento para la expresividad. Su trabajo le dio un rostro a las figuras de clase baja al infundir sus imágenes con emociones humanas reconocibles y vívidamente expresadas: ira, alegría, dolor y placer.

El arte de Brouwer fue reconocido en vida y tuvo un potente impacto sobre el arte flamenco. Rubens era propietario de varias de sus obras al momento de su muerte más que de ningún otro pintor. Artistas como David Teniers el Joven, Jan van de Venne, Joos van Craesbeeck y David Rijckaert  trabajaron  un estilo parecido. Jan de Bray, formó parte de La edad de oro holandesa se especializó en retratos de grupos y muchos retratistas a veces mostraban a damas aristocráticas en particular como figuras mitológicas.

Los pintores de géneros a menudo volvieron al viejo tema de la «Alegoría de los cinco sentidos» y así crearon tronies para representarlas.

Los sentidos de Jan Steen

El tronie está relacionado con el “retrato histórico”, un retrato de una persona real como otra figura, generalmente histórica o mitológica. Este recurso fue sumamente utilizado.