Se encuentra en los Museos Vaticanos, de dicha ciudad, en Roma.
Se ubica en un cuerpo anexo al Patio Octogonal -Cortile Ottagono del Palacio del Belvedere, ocupado actualmente por el Museo Pío-Clementino.
Fue diseñada por Donato d’Angelo Bramante en 1507 por encargo del papa Julio II, que estaba decidido a cambiar el aspecto de abandono que tenía la famosa Roma. Nombrado en 1504 superintendente general de las fábricas pontificias, con el objetivo de conectar el palazzetto de Inocencio VIII conocido como «Casina del Belvedere«, obra de Antonio del Pollaiolo con el resto de los palacios apostólicos.
El mismo pontífice también le había solicitado a Bramante la creación de la nueva Basílica de San Pedro, en 1505, consagrándose como una figura de gran relevancia en la arquitectura religiosa romana.
El patio Belvedere
Muy modificado con el paso del tiempo aquí el patio Belvedere, el Nicchione, la Piña, el globo y el cortile ottagonale. Si el cono de pino simboliza la vida como tal, » la esfera» simboliza la vida moderna del hombre. El autor del Balón de Oro es Arnaldo Pomodoro. El escultor creó su globo en 1990, el autor intentó expresar artísticamente todo el daño que la humanidad está causando al medio ambiente.
A un extremo del hastial del cortile ottagonale situó una rampa helicoidal, la mal llamada «Escalera de Bramante» de ascenso a la terraza. Llamarla escalera no es del todo apropiado, ya que no dispone de escalones.
Leonardo Pisano, Leonardo el viajero de Pisa o simplemente Fibonacci, fueun matemático italiano de la República de Pisa, considerado «el matemático occidental de mayor talento de la Edad Media».
La serie de Fibonacci hace referencia a la secuencia ordenada de números: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89, 144,…. A cada uno de los elementos de la serie se le conoce con el nombre de número de Fibonacci.
Bramante diseñó una «cortina arquitectónica» en tramos de pilastras, formando una retícula albertiana, con un ábside abierto en el centro simétrico, conocido como Nicchione, donde situó una rampa de abanico romboidal que fueron pronto conocidas como » escaleras bramantescas».
Bramante la configuró como rampa, con un suelo realizado en patrón de espina de pez para favorecer el ascenso a los animales que arrastraban los carruajes, sin gradas!!!
De forma helicoidal y soportada por columnas de orden «dórico», con arquitrabe continuo, tiene una estructura que permite el paso de la luz exterior a través de unos vanos o ventanas, dispuestas de forma regular en el exterior de la estructura. No es una obra demasiado conocida, incluso en muchas ocasiones se confunde con la otra escalera de los Museos Vaticanos. También es una escalera de caracol y bellísima, muy posterior y su diseño basado en esta audaz obra renacentista.
La escalera de Momo
La escalera del arquitecto Giuseppe Momo 1875 -1940. Trabajó para el papa Pío XI en el Vaticano y fue inaugurada el 7 de diciembre de 1932. Una obra compuesta por una doble hélice lo cual tiene mucho de arte, pero también su secreto matemático. Para calcular las dimensiones de estas obras se empleó el conocido como número áureo o dorado. La base de esos cálculos constructivos están en el famoso e insustituible número “phi” y la secuencia de Fibonacci. Su «balaustrada» o friso de bronce finamente decorados, que algunas opiniones ven influencias de art nouveau, en la que habría participado el escultor italiano Antonio Maraini– 1886 -1963.
En ambas obras arquitectónicas hay cierto efecto de espiral sinfín, y descubrimos el misterioso secreto de esta última obra neorrenacentista, que para nada no lo es: dos escaleras: doble entrada una para subir y otra para bajar dentro de un cilindro…
Auténticas joyas artísticas, que en muchas ocasiones pasan desapercibidas entre las incontables maravillas de la Ciudad del Vaticano.
«Su flauta… hablaba al corazón. Una luz en el mundo de la música acaba de apagarse», déclaró el Presidente de Francia, Jacques Chirac, al enterarse de su muerte.
Jean Pierre Rampal era el «hombre de la flauta de oro», su instrumento, verdaderamente de oro, pero también lo era por su virtuosismo, técnica, expresividad y la calidad de su sonido que lo llevaron a establecer la flauta como importante instrumento solista y al flautista como un solista equiparable a otros instrumentistas. Creó de ese modo un nuevo mercado internacional para el instrumento. Fue tal vez el artista clásico más grabado de la historia.
Formado en un ambiente musical, su padre Joseph Rampal fue flautista de la Orquesta Sinfónica de Marsella y quien lo llevó a conocer los secretos de este instrumento, pero no lo entusiasmaban con ser músico…le dieron libertad de elegir.
Eran tiempos de guerra y en el año que ofreció su primer recital las fuerzas nazis ocuparon su país. Viajó a París para estudiar y se graduó del Conservatorio Nacional de París iniciando una carrera que lo llevó a la cima, con presentaciones en los escenarios más importantes del mundo.
El comentarista Octavi Martin nos recuerda algunos aspectos fundamentales en la carrera de Rampal: “Afable, viajero incansable, ecléctico y simpático, Rampal formaba parte de esa pequeña élite de instrumentistas virtuosos cuyo apellido era conocido internacionalmente. La imagen de Rampal con su flauta de oro macizo entre las manos figura en la carátula de un sinfín de grabaciones. Su impresionante discografía es testimonio de su eclecticismo, ya que junto a grabaciones de los grandes clásicos se encuentran obras de compositores olvidados, sin dejar de recordar a los contemporáneos que escribieron especialmente para él como Jacques Ibert, Penderecki, Poulenc, Tomasi o Jolivet”.
En la década del 50, el renacer del repertorio barroco, llevó a Rampal a descubrir docenas de obras olvidadas del repertorio para flauta, las cuales grabó y también editó.
Isaac Stern, Mstislav Rostropovitch, Leontine Price, Jean-Pierre Rampal et Zubin Mehta lors du concert donné à l’occasion du 30ème anniversaire de la naissance d’Israel, Jérusalem, le 12 mai 1978, Israel. (Photo by Alain MINGAM/Gamma-Rapho via Getty Images)
Flutist Jean-Pierre Rampal rehearses with flute students at Carnegie Hall in New York.
Musician Jean Pierre Rampal, in New York City. (Photo by Paulo Fridman/Corbis via Getty Images)
Su compañero en la música de cámara al comienzo de su carrera fue el pianista Robert Veyron-Lacroix, a quien conoció en 1946.
Reconocido por su generosidad, Rampal siempre estaba dispuesto para charlar y dar un consejo, para celebrar, visitar amigos y para conocer otros nuevos. Alumnos de todo el mundo llegaban a Francia para estudiar con él, ya sea en el Conservatorio de Paris o en los cursos de verano en Niza.
Fundó el Conjunto Barroco de París y el Quinteto de Vientos Francés. En 1969 fue nombrado profesor del Conservatorio de París e inició una serie de colaboraciones profesionales con artistas de la talla de Isaac Stern, Yehudi Menuhin y Mstislav Rostropovich.
Rampal tocaba de todo, aunque su música preferida erala del período barroco y obras del siglo XVI, contemporáneas, pasando por la música hindú, el folclore inglés, clásicos japoneses o incursionando en el jazz de la mano de Claude Bolling. Compositores como Jean Françaix, André Jolivet, Jean Martinon, Francis Poulenc y Pierre Boulez le dedicaron obras. Su fama excedió el mundo de la música cuando fue invitado a participar del Show de los Muppets en la década del 70. Su duo con Miss Piggy es una escena imperdible e inolvidable.
Jean-Pierre Rampal llegó a poseer hasta una docena de flautas de concierto entre las que sobresalían dos fabricadas en oro. Una de ellas era un valiosísimo ejemplar fabricado a mediados del siglo XIX y que le llegaron a robar en el aeropuerto de San Francisco, finalmente fue recuperada por el FBI norteamericano. La otra era un ejemplar Hayness fabricado en 1959 con oro de catorce quilates. Con todo, Rampal dejó de tocar dichas flautas de oro en las giras de conciertos ante el temor de que volviesen a ser objeto de robo.
Rampal también fue propietario del manuscrito original del «Tratado de flauta travesera» de Johann Joachim Quantz, 1697-1773-famosísimo Flautista que escribió un tratado para su estudio. Nombrado Músico de la Corte de Federico II Rey de Prusia y profesor personal del rey hasta su muerte.
Rampal, se convirtió no sólo en un virtuoso ejecutante de flauta, sino en un incansable promotor del repertorio para ese instrumento.
Se calcula que dejó para la posteridad más de 300 grabaciones discográficas y el libro de memorias “Música, mi vida”, de 1989.
Durante los últimos años de su vida Rampal también acometió la dirección orquestal y desde 1981 dirigió con regularidad a la Orquesta de Cámara Escocesa. Alternó su residencia entre París y Nueva York, ciudad en la que poseía permanentemente reservada una suite en un conocido hotel.
Recibió el Grand Prix du Disque por su gran número de discos, el Leonie Prize, Sonning Prize, Prix du Président de la République y de la Académie Charles Cros. Poseía el título de Commandeur de la Légion d’Honneur,officer des Arts et des Lettres y Commandeur de l’Ordre National de Mérite.
Quienes tuvieron la fortuna de conocerle de cerca destacaron la gran comunicatividad y simpatía que derrochaba Rampal, un personaje absolutamente encantador y vital que provocaba la atracción y admiración de todos.
Musicalmente !Un fenómeno! Por la claridad y limpieza del sonido…tan impresionante, no en una obra, sino en la totalidad de sus obras. En sus presentaciones la sala estaba absorta, en el más religiosos silencio…no se podía creer tanta perfección.
Dentro del legado discográfico de Jean-Pierre Rampal es impresionante… todos los autores de todos los tiempos…podemos mencionar algunas grabaciones como Sonata para flauta y clave, BWV 1020, de Bach acompañado de Veyron-Lacroix–Suite orquestal nº2 de Bach, junto a la Orquesta Barroca de Amsterdam dirigida por Ton Koopman Trío para piano, flauta y fagot en Sol mayor de Beethoven, junto a Veyron-Lacroix y Paul Hongne Suite de danzas La Bouget de Blavet, acompañado por la Orquesta de Conciertos Lamoureux dirigida por Armand Birbaum–Concierto para dos flautas de Cimarosa, acompañado de Shigenori Kudo y la Orquesta del Mozarteum dirigida por el propio RampalSyrinx de Debussy- Berceuse de Faure, acompañado de Marielle Nordmann Concierto Op. 4 nº5 de Haendel, Trío nº1 de Haydn, acompañado de Rostropovich y Stern – Concierto para flauta de Ibert, junto a la Orquesta Nacional de la Radio Francesa dirigida por Louis de Froment-Concierto para flauta de Khachaturian, junto a la Orquesta Nacional de la ORTF dirigida porJean MartinonConcierto para flauta de Leclair, junto a la Paillard Chamber Orchestra dirigida por Jean-François Paillard y así infinitamente como quien dice …»Tocó con Todos»!!!
Gran cantidad de compositores –Jacques Ibert, Krzysztof Penderecki, Francis Poulenc, Henri Tomasi o André Jolivet, escribieron conciertos especiales para ser tocados por él.
Sin duda, la Suite para flauta y jazz piano que le escribió Claude Bolling es la más célebre de todas.
Inició un nuevo magisterio de su instrumento.
Rampal, Ha editado e interpretado multitud de composiciones del siglo XVIII hasta ahora poco conocidasy es autor del libro Música antigua para flauta -1958. Entre sus discípulos destacados James Galway. se dio el lujo de escribir con mayúsculas el nombre de su instrumento, así lo explicó en sus memorias de 1989: “Hace 40 años no se concebía que la interpretación de un concierto para flauta se confiara a un músico ajeno a las filas de la orquesta; poco a poco, reconozco que a partir de mis arduos esfuerzos, se empezó a aceptar la trascendencia del verdadero papel de un solista especialmente preparado para ello. Lo mismo que en su momento hicieron Segovia con la guitarra, Zabaleta con el arpa y Landowska con el clavecín” … inició un nuevo magisterio de su instrumento.
Entre 1998 y 1999 dio sus últimos conciertos en el llamado Teatro de los Campos Elíseos en París. Su última grabación en 1999 fue de tríos y cuartetos con el trío Pasquier y con el flautista Claudi Arimany.
En mayo de 2000, Jean-Pierre Rampal muere de un problema cardíaco a los 78 años. Sobreviven al artista su esposa Francoise, dos hijos: Isabelle y Jean-Jacques, y cinco nietos.
En el 2005 fue creada la Asociación Jean-Pierre Rampal para continuar el estudio de la flauta solista y como apreciación a la contribución de Rampal a la interpretación de este instrumento. Para celebrar el centenario del nacimiento del flautista Jean-Pierre Rampal el 7 de enero de 2022, se publican por primera vez sus grabaciones completas para CBS, RCA y Sony Classical en 56 CDs.
Surgieron durante la época del Renacimiento y es uno de los subgéneros líricos más importantes de la literatura universal. El término se usó para designar la poesía pastoral, también conocida como poesía bucólica, en la que expresan sentimientos amorosos manteniendo una estructura de 7 y 11 sílabas.
«Madrigal» deriva del término “madrigale”, el cual hace referencia a “rebaño”.
Logra alcanzar su máximo desarrollo principalmente en Italia de la mano de autores como: Torcuato Tasso, Francesco Petrarca, Ottavio Rinuccini, Antonio Allegretti, Strozzi, Bartolomeo Gottifredi o Pietro Bembo, todos ellos musicalizados por el inefable Monteverdi.
Las composiciones eran temas de carácter profano. Cultivado en Italia y difundido, más tarde, a otras zonas del mundo. Los versos, tanto heptasílabos, así como endecasílabos, deben mantener una rima consonante siguiendo el tema en el que se centran. No existe una cantidad específica de versos, sino que el autor libremente elige la cantidad necesaria.
Fueron famosos en Italia:Giovanni da Palestrina, Luca Marenzio, Jacques Arcadelt, Adrian Willaert, Cipriano de Rore, Carlo Gesualdo, Giaches de Wert.
Giovanni da Palestrina– En plena Contrarreforma, cuando muchas composiciones sacras no eran sino un pretexto para que los compositores levantaran los más complejos edificios contrapuntísticos -con el consiguiente descuido de la comprensión de las palabras de los textos cantados, este compositor, con su «Misa del papa Marcelo«, devolvió a la música toda su pureza y su sentido, es su obra cumbre.
En Inglaterra: William Byrd, Thomas Morley, John Wilbye, Thomas Weelkes, John Dowland, Orlando Gibbons y Thomas Tomkins.
William Byrd- Fue el compositor inglés más famoso de los últimos años de la época de los Tudor -Isabel I y de la primera época de los Estuardo -Jacobo I-. Perteneció al Renacimiento Tardío. Cultivó muchos de los géneros musicales que existían en Inglaterra en aquella época, incluyendo varias formas de música sagrada y polifonía profana, música para teclado y música de ministriles.
Los franco-flamencos, Orlando di Lasso, Josquin des Prez .
Orlando di Lasso- Fue uno de los más prolíficos, versátiles y universales entre los compositores del Renacimiento tardío.
Escribió más de 2233 composiciones, incluyendo música vocal con letras en latín, francés, italiano y alemán, en todos los géneros conocidos en su época. Esto incluye 530 motetes, 175 madrigales italianos y villanellas, 150 chansons francesas, y 90 lieder alemanes.
Españoles: Sin duda el más destacado –Tomás Luis de Victoria–
Era un hombre devoto, que dejó su exitosa carrera musical en Roma para concentrarse en el sacerdocio hasta su muerte pero no dejó de componer jamás, llegando a publicar unas 180 obras en quince ediciones entre 1572 y 1605). Se distingue de sus contemporáneos por haber compuesto exclusivamente música religiosa.
Carlo Gesualdo -1566-1613 posiblemente de Nápoles era príncipe de Venosa y conde de Conza. Sobrino nieto del papa Pío IV y sobrino de San Carlos Borromeo. Estudió con los mejores músicos de su época y llegó a ser considerado uno de los mejores laudista de su era. Como compositor, hoy se establece que fue un músico vanguardista. Su música se sale de los cánones del Renacimiento, haciendo un uso constante de la disonancia y del cromatismo, algo impensado para la época.
Pero lo más extraño de este músico y compositor son las extrañas circunstancias que rodearon su vida.
Llegó a componer con un lenguaje cromático tan avanzado que no aparecería hasta el siglo XIX.
Gesualdo era noble y adinerado que componía por placer, sin la necesidad de publicar ni de ganar dinero con sus obras. Esta libertad y desinhibición, unida a su temperamento extremo, quizá fueran la llave que le abrió, de par en par, la puerta para profundizar en senderos en los que, hasta ese momento, ningún compositor había pisado.
En el contexto de la época, su música sonaba «extravagante y rara», muy difícil de interpretar por los vocalistas. Una extravagancia que se logra mantener coherente gracias a un hábil uso y conocimiento de la técnica, como ocurrió siglos después.
El rescate
Considerado por muchos historiadores nada menos que un compositor adelantado a su época. Sus giros armónicos, su utilización del cromatismo y la modulación entre tonalidades lejanas no volverían a encontrarse en una partitura hasta bien entrado el siglo XIX, con Richard Wagner.
Su obra fue rescatada del olvido en el siglo XX por Igor Stravinsky. En 1959, en un viaje a Italia con Robert Craft , visitaron el palacio de Don Carlo de Venosa interesándose por su obra, llegó a orquestar algunos de sus madrigales. A partir de ahí la mayoría de sus trabajos fueron publicados y su controvertida música fue y sigue siendo elogiada por muchos.
La estructura y forma de las piezas es llamativa por su libertad, dejándose fluir y fragmentar sin obstáculos. El orden sólo lo impone el texto y en él trata de plasmar, con todo el exceso que su lenguaje musical le permite, sus tormentos. Estos textos seleccionados, de poetas como Torquato Tasso, tendrán, como no podía ser de otra manera, una temática recurrente sobre el dolor y la muerte. Es precisamente cuando aparecen esos motivos en el texto cuando más creativa y atrevida se muestra la música.
Era época de enorme experimentación, muy cercana ya a la era tonal. Resultaba común que los compositores intentarán ir más allá, buscando el límite dentro de los cánones de la época.
La disonancia.
Gesualdo exprimió esa disonancia y fue mucho más allá en los juegos cromáticos y las modulaciones, transgrediendo en su música a la par que lo hacía en su vida. Premeditadamente o por impulso, no lo sabemos. Un camino que no agradó y que nadie continuó después de él. Un camino al que se comenzó a llegar aproximadamente dos siglos más tarde, pero desde un sendero diferente y mediante una evolución mucho más previsible.
Gesualdo fue probablemente el compositor más oscuro y maldito de la historia de la música escrita. Su vida fue un infierno de tormentos tanto para los que le rodearon como para sí mismo. Su pluma, sobre el pentagrama, pisaría terrenos que tardarían aproximadamente 200 años en volver a ser transitados. Murió hace unos 400 años, pero una parte de su alma, plasmada en partituras, sobrevive deleitando a aquellos que la escuchan. En su música unos encuentran placer y belleza, algunos inspiración… Publicó cinco libros de madrigales, con una armonía y un cromatismo tan desconcertantes como soberbios, tan singulares para su época que no solo lo sitúan en un lugar especial sino que hace de los intérpretes que cantan sus obras unos privilegiados.
La obra de Gesualdo es bella, sombría, melancólica y por cierto… única.
Si Monteverdi hizo la transición entre el madrigal manierista y la ópera inventando el madrigal dramático verdadera bisagra entre el Renacimiento y el Barroco, Gesualdo no modificó fundamentalmente las formas existentes. Compuso a la manera ya «vieja» de la época pero con un estilo muy personal, rico en cromatismos , disonancias y rupturas rítmicas y armónicas.
Opiniones
Según Denis Morrier, “sus obras nos cuestionan. Nos asombran y confunden con cada audiencia. Llevan un mensaje de evidente modernidad, que ha fascinado y sobre todo inspirado a todos aquellos que se preguntan por el futuro de los lenguajes contemporáneos. « Según Jocelyne Kiss,“Gesualdo sigue siendo un caso único en la historia del madrigal. Su sensibilidad, su extravagancia, su afán de exteriorizar, de compartir con nosotros su universo afieltrado y contradictorio, lo llevaron a un pathos, una estética que, si bien aparece, a la luz de obras como las de Monteverdi o Marenzio como desordenada. , poco fluido y técnicamente limitado, nos entrega afectos y sentimientos auténticos, sin pudor y pocas veces musicalizado hasta entonces ” .
Momento de locura
Fingió que salía por varios días de caza que junto a la música era su gran pasión y la noche del 15 al 16 de octubre de 1590 irrumpió, acompañado por unos esbirros, en los aposentos de su esposa, a la que encontró en “flagrante delicto di flagrante peccato” con su amante, y mató a los dos.
Sobre su directa participación en la ejecución del crimen las crónicas no se ponen de acuerdo. Resultaba evidente que se trataba de un crimen de honor que quedaba a resguardo de cualquier acción de la justicia, de hecho, el virrey español de Nápoles no emprendió acción alguna contra don Carlo, quien se refugió prudentemente en su Castillo de Gesualdo, para evitar venganzas de las familias de sus víctimas.
Aunque ese tipo de crímenes no era excepcional en la época, el suceso fue famoso en toda Italia.
Entre marzo de 1595 y el mismo mes del año siguiente, el compositor publicó sus Libros III y IV. Después estableció su capilla musical y una imprenta en su propio castillo.
En sus últimos días, el príncipe Don Carlo se retiró a su habitación, “vecina a la cámara del cembalo”, sin hablar con nadie. Nunca volvió a salir. El 18 de septiembre de 1613 murió, lo enterraron en Nápoles, en la Iglesia de Gesù Novo, al pie de la lujosa Capilla de San Ignacio.
Lo sobrevivió su propio mito, que luego alimentaron la ópera que Schnittke estrenó en Viena en 1995 –Gesualdo –con libreto de Richard Bletschacher., un documental dirigido por Werner Herzog y la peregrinación al castillo de Gesualdo de Igor Stravinsky.
“Los músicos debemos salvar a Gesualdo de los musicólogos, pero los segundos lo han hecho mejor hasta ahora. Todavía hoy es poco respetable para las academias, todavía demasiado excéntrico y cromático, todavía difícil de cantar”, escribió Stravinsky.
El príncipe, se convertiría en un personaje novelesco, sobre el que se escribieron cuentos, películas y como personaje trágico en las óperas contemporáneas de Franz Hummel –Gesualdo Ópera en 2 actos. Libreto: Elisabeth Gutjahr. WP 14 de enero de 1996y Alfred Schnittke- Gesualdo –con libreto de Richard Bletschacher.
El grupo argentino Les Luthiers interpreta un madrigal denominado «La Bella y Graciosa Moza Marchóse a Lavar la Ropa , la mojó en el arroyuelo y cantando la lavó, la frotó sobre una piedra, la colgó de un abedul«.
Sencillo experimento físico con el que se puede demostrar «La teoría del Caos» debido al carácter impredecible del movimiento que realiza ya que es sensible a cualquier perturbación de sus condiciones iniciales.
El carácter caótico de este movimiento, ocasiona que nunca se repita la misma serie de movimientos por parte del péndulo.
Este, lo tiene St Mary Redclife– Bristol – la bella iglesia gótica construida entre los siglos XII y XV.
La reina Isabel I la denominó como: «la iglesia parroquial más hermosa y famosa de Inglaterra». Es una iglesia parroquial anglicana ubicada en el distrito Redcliffe de Bristol – Inglaterra, a pocos pasos de la estación de Bristol Temple Meads .
Está sobre un acantilado rojo sobre el río Avon, era una señal para los marinos, que rezaban a su partida y daban gracias allí a su regreso. La iglesia fue construida y embellecida por los ricos comerciantes de Bristol.
Preguntar a los que saben sobre el tema
El Dr. Juan Ignacio Deza de la University of the West of England de Bristol nos dice…
Péndulo Caótico
«La física se parece al arte en el hecho de que nos gustan las cosas simples. Un trazo simple, un movimiento lineal o circular siempre ganará en nuestras mentes sobre una nube complicada e incomprensible. Será que el mundo está lleno de cosas complicadas que nos llama la atención la simplicidad? Será la naturaleza humana más allá de la disciplina?.
El hecho es que cuando estudiamos el movimiento de los cuerpos nos gusta ver figuras simples. Y para hacerlo existe una cosa llamada diagrama de fases. Es básicamente un plano x-y donde en x está la distancia (o el ángulo) y en «y» está la velocidad del péndulo. En ese diagrama, un péndulo normal es circular o elíptico. Porque la velocidad es máxima cuando el péndulo está en cero y cero cuando el péndulo está en la posición más alejada y el resto se mueve de forma acorde… y por eso se estudia el péndulo en la secundaria. Porque es simple, y bonito, aunque muchas veces los profesores no lo hagan ver así.
Si ahora observamos el Péndulo Caótico de Redcliffe aparece un comportamiento muy diferente. Este péndulo consiste en tres piezas. Dos tubos horizontales por los que sale agua, y un peso central (vertical). Si el peso vertical fuera muy pesado, entonces la contribución del agua de los tubos sería muy pequeña y el péndulo se comportaría más o menos como un péndulo normal, no caótico. Si el peso fuera muy pequeño, entonces los tubos se moverían aleatoriamente en alguna dirección y se quedarían allí, para siempre, ya que el agua pesa más del lado por el que sale y no hay un mecanismo para que vuelva a moverse en la otra dirección. De la misma manera si la cantidad de agua saliendo por los tubos fuera muy alta el peso central debería ser más pesado para compensar y lo mismo con el largo del péndulo y otros «parámetros» que pueden cambiar el comportamiento del sistema. Así que la primera lección es que en este caso la caoticidad es un fenómeno que sólo ocurre dentro de un rango de parámetros. Esto es una cosa que suele ocurrir en sistemas relativamente simples (como un péndulo) que en general se comportan de forma simple y sólo en ciertas condiciones se comportan de forma compleja.
Si, por el otro lado, el peso central es justo, el agua saliendo de un tubo hará que el tubo se incline para ese lado, pero eso será compensado por el peso central y se creará un movimiento – precisamente- pendular. Luego el péndulo oscilará para el otro lado donde, si la inclinación es mayor que 0 grados, el agua comenzará a correr para el tubo opuesto precipitando el péndulo para el otro lado. Por supuesto que el primer tubo todavía contendrá agua que seguirá teniendo peso y tendiendo a inclinar el péndulo para donde estaba así que es una cuestión de equilibrio entre el largo de los tubos, la velocidad del flujo de agua y el peso central. Todo tiene que estar en un equilibrio. Y esa es la segunda lección, muchas veces los comportamientos impredecibles y «locos» son producto de intentar compensar cosas opuestas.
Si ahora intentamos dibujar el comportamiento del péndulo caótico en el diagrama de fases encontraremos que sigue siendo simple y bonito. Tendrá muchas vueltas y esas vueltas no se compondrán en un flor, cada vuelta será diferente y cualquier intento de predecir lo que el péndulo hará en ciertos puntos será infructuoso. El péndulo llegará a momentos de «impasse» donde incluso una perturbación microscópica desencadenará un movimiento en una dirección u otra, que será más o menos predecible hasta llegar a otro de esos puntos especiales. Se pueden ver muy bien en el video.
«Y ahí les va la tercera lección. No todo el caos es creado igual. Generalmente habrá momentos de imprevisibilidad pero una vez tomada una decisión, o superado un obstáculo, o simplemente pasado el punto por azar, el sistema continuará como péndulo normal hasta el próximo problema. En cierta forma es una analogía de la vida. En ciertos momentos habrá problemas y cómo reaccionemos a ellos hará que nuestro futuro avance de formas impredecibles.
«Porque el mundo es caótico, pero el caos no es una masa oscura, una fuerza contra la que no podemos hacer nada…. Son consecuencias impredecibles a nuestras decisiones, o al azar en el caso que no queramos tomar decisiones. Lo cual también – en el fondo – es tomar una decisión.«
Gracias Dr. Juan Ignacio Deza por esta clarísima explicación para aquellos espíritus inquietos que vivimos en un mundo… maravillosamente caótico.
Algo sobre este templo…
Dos grabados de St Mary Redcliffe antes y después de 1850 y antes de 1872
La parte superior de la aguja, fue alcanzada por un rayo en 1446 y reconstruida en 1872 a una altura de 89 m. Un mástil de telecomunicaciones móviles está instalado dentro de la aguja, que es la tercera más alta entre las iglesias parroquiales, y el edificio más alto de la ciudad de Bristol .
El Bristol Blitz
Durante la Segunda Guerra Mundial, una bomba explotó en una calle cercana, arrojando un riel del tranvía sobre las casas cayendo en el cementerio de St Mary Redcliffe, donde quedó incrustado en el suelo. Se dejó allí como monumento.
Una placa conmemorativa dice: «El Viernes Santo 11 de abril, esta «Vía» de tranvía fue arrojada sobre las casas contiguas por una bomba explosiva que cayó sobre Redcliffe Hill. Se deja para recordarnos que la iglesia estuvo cerca de su destrucción en la guerra de 1939-1945 «.
Vitrales interesantes
Solución para vidrios medievales…
Queda poco de las primeras vidrieras. En la ventana de la Capilla de San Juan, por ejemplo, el vidrio medieval que sobrevivió a la destrucción… causada por los hombres de Oliver Cromwell. La mayoría de las porciones superiores quedaron intactas, pero otras resultaron gravemente dañadas. En algunos casos, las ventanas eran imposibles de reparar y finalmente se introdujo vidrio transparente para reemplazar las escenas faltantes.
Vitrales victorianos
El resto de las vidrieras son victorianas, creadas por los mejores artistas de entonces.
William Wailes, diseño la Ofrenda de los Reyes Magos y se instaló en Lady Chapel, junto con uno diseñado por Arthur O’Connor.
Un homenajes a los Marinos
Siendo muy joven, en 1497, Sebastián Gaboto– «Cabot» en inglés, que pudo haber viajado hasta Terranova con su padre, Juan Caboto, cuando este estuvo radicado en Brístol y efectuó un viaje bajo bandera inglesa hasta la costa oriental de Norteamérica.
La iglesia también muestra una costilla de ballena traída en uno de sus viajes por John Cabot .
La vidriera que conmemora al magnate de la Royal African Company del siglo XVII se retiró en junio de 2020 tras el derrocamiento de la estatua de Edward Colston el 7 de junio. Debido a este gravísimo problema la estatua del traficante fue quitada de la iglesia al igual que su vitral.
Igualmente n la catedral de Bristol, la gran ventana de Colston fue tapada hasta que sean retirados sus vitrales.
Tríptico de Hogarth
En 1756 ocupó el extremo este del presbiterio. La Ascensión con María Magdalena, El Sellado del Sepulcro y las Tres Marías en la Tumba , cada una de las cuales mide 4,22 x3,7 m. Fue retirado de la iglesia por liturgistas de mediados de la época victoriana y exhibido en el Museo y Galería de Arte de la Ciudad de Bristol, actualmente en la iglesia de St. Nicholas de Bristol que desde el 2018 volvió a utilizarse para el Culto Anglicano en la Diócesis de Bristol .
Homenaje a Williams Penn
Fundador de Pensilvania en lo EE.UU.Fue un cuáquero prominente, filósofo y empresario de bienes raíces.
El rey de Inglaterra Carlos II le había pedido dinero prestado a su padre Sir William Penn, que falleció antes de que el préstamo hubiera sido pagado. En vez del dinero prefirió una extensión de tierra en Norteamérica y el 4 de marzo de 1681 le cedió aproximadamente 130.000 kilómetros cuadrados 50.000 millas cuadradas en el nuevo continente.
Al nombre Sylvania -«los bosques», se le agregó «Pennsylvania«, los bosques de Penn porque el rey insistió en honrar a su padre. Fundó Filadelfia-«ciudad del amor fraternal» y durante dos años gobernó la colonia.
Su casco y media armadura están colgados en la pared, junto con los andrajosos estandartes de los barcos holandeses que capturó en la batalla.
Coro
El coro del templo ha lanzado numerosas grabaciones, además de haber realizado giras por Europa y América del Norte.
Órgano
Un órgano Harrison & Harrison de 1911, restaurado en 1990. Hacia el final de su vida, Arthur Harrison dijo que consideraba el órgano de St Mary Redcliffe como su «obra más fina y característica». El órgano permanece tal como lo diseñó en 1911.
Kevin Bowyer grabó la Primera Sinfonía de Órgano de Kaikhosru Sorabji en 1988, para la cual el órgano fue una «elección ideal»; las notas de la grabación describen a la iglesia como «acústicamente ideal, con un período de reverberación de tres segundos y medio», y señalan que el órgano tiene «un tono lujoso» y «un rango de volumen desde prácticamente inaudible hasta diabólicamente alto».
William McVicker, organista del Royal Festival Hall , ha calificado al órgano como «el mejor órgano altamente romántico jamás construido».
William Byrd- Fue el compositor inglés más famoso de los últimos años de la época de los Tudor -Isabel I y de la primera época de los Estuardo -Jacobo I-. Perteneció al Renacimiento Tardío. Cultivó muchos de los géneros musicales que existían en Inglaterra en aquella época, incluyendo varias formas de música sagrada y polifonía profana, música para teclado y música de ministriles.
El Bristol Blitz 
Ana Maria Brandolini 