Una obra Magistral!!!

En 1791, con una gran cantidad de deudas, viviendo en medio de una inmensa pobreza material y con su salud quebrantada, Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791,trabaja sin cesar.

El reaccionario emperador Leopoldo II, después de concluir una paz con Turquía, tomó medidas drásticas contra los derechos civiles, incluida la libertad de expresión en su país y territorios. El mecenazgo del emperador se le desvanecía, los conciertos eran escasos, las «entradas de dinero» efímeras»…

Y son precisamente de este período de sus grandes obras maestras como: el último Concierto para piano nº 27 KV 595, un concierto sin encargar algo muy importante por entonces. El Quinteto de cuerda KV 614. El Ave Verum Corpus K.618- el increíble motetete coral, regalo para el director del coro de la iglesia parroquial de Baden, donde la enferma esposa del compositor, Constanze, había ido a» tomar las aguas» para su recuperación… La Clemenza di Tito- encargada de celebrar la coronación en Praga del emperador Leopoldo II como Rey de Bohemia, La Flauta Mágica-escrita para su amigo masónico de la logia, Emanuel Schikaneder y el insuperable hasta hoy Réquiem que no logró terminar.

Y en este dramático contexto escribió …

El bellísimo Concierto para clarinete

Mozart escribió el concierto para clarinete K. 622 a petición de su amigo Stadler, está escrita en la misma tonalidad del Quinteto KV 581, contagiado quizás por la expresividad y brillantez del popular clarinetista, que era conocido como el ‘milagro de Bohemia’.

Originalmente: para clarinete di bassetto en La, dicho instrumento le permitía a Stadler, llegar una tercera menor más grave en Do que en el clarinete soprano en Mi. Mozart en un momento comentó:
“Nunca habría pensado que un clarinete podría ser capaz de imitar la voz humana tan
engañosamente como lo imita. Verdaderamente su instrumento tiene un tono tan suave y encantador que nadie con un corazón podría resistirlo”

7 de octubre de 1791 escribe a su esposa Constanza acerca del gran éxito que en esos días había tenido su ópera La Flauta Mágica y cómo tiene ya casi listo el concierto para clarinete y orquesta que estaba componiendo para Stodla, apodo con el que cariñosamente se refería a Stadler.

En la carta decía que:» jugó dos partidas de billar, vendió su caballo por catorce ducados, preparó una taza de café negro y fumó una pipa antes de orquestar ‘casi todo el Rondó para Stadler».

Lamentablemente la partitura manuscrita del concierto se extravió… según rumores… de la mano de la esposa del compositor. Otros dicen que Stadler la terminaría empeñando por setenta y tres ducados junto con otras composiciones inéditas,con el Quinteto para clarinete y cuerdas en La Mayor y los corni di bassetto fabricados por Lotz, Lamentablemente, este clarinete, no logró tener éxito como instrumento de uso corriente entre los músicos de la época, pero consiguió dar un fuerte empuje a la difusión del instrumento en la orquesta de cámara y como solista.

Concierto difícil

Tiene la forma de la «sonata clásica» y se piensa que es fácil

El primer movimiento, Allegro

La riqueza tímbrica del clarinete se confirma en el registro medio y agudo de Mi mayor -dominante y Do sostenido menor -relativo menor de este, con arpegios ascendentes y descendentes, fragmentos cromáticos, escalas y trinos. De gran riqueza expresiva y variedad de articulaciones y sonoridades que no dejan indiferente a nadie.

El segundo movimiento, Adagio

La exposición comienza directamente con el tema principal, fue usado en la película Memorias de África. Un gran sentido de legato y en la tonalidad de Re mayor.

A diferencia de todos los demás conciertos de Mozart, no hay cadenza para el solista en su primer movimiento, sí en el Adagio y la coda final …reitera las infinitas posibilidades tímbricas y expresivas del instrumento: arpegios, saltos, trinos, escalas, dinámicas llevadas al límite y amplitud de registros, en un temple íntimo de calma y deleite del espectador.

El tercer movimiento- Rondó

Reproduce la exposición de varios temas alternados con el estribillo o tema principal.

Mozart ofrece, un abanico de posibilidades tímbricas a través de un juego y aquí está el detalle, entre en legato y en staccato, la potencialidad sonora del clarinete se ajustan a la perfección y transparencia del estilo clásico que dominaba la época y ganó la aceptación del instrumento como miembro integral de la familia de las maderas.

La bella obra, está llena de sensibilidad y adelantándose a la intencionalidad de la música de épocas posteriores. Se considera pieza obligatoria de todo clarinetista que se precie, se incluye en los concursos para optar por una plaza de clarinete en cualquier orquesta profesional y obviamente de gran lucimiento del solista.

Por empezar: el concierto en total dura aproximadamente 25 minutos, representa un gran esfuerzo para el instrumentista.

Fundamental la digitación ligada a la embocadura, respiración… y otro detalle: la emisión del sonido, este debe ser «dulce» como lo requería el autor: «lo más parecido posible a la voz humana« y algo que a veces se pasa por alto: el perfecto fraseo, hace que la obra sea de una total belleza por sur correcto uso y tempo otorgado a los silencios.

De hecho, muchos años después, compositores, como Carl Maria von Weber, Robert Schumann, Johannes Brahms o Claude Debussy lograran algunas piezas para clarinete a la altura de esta sublime creación.

El estreno…

La obra se terminó el día 8 y se estrenó el 16 de octubre de 1791, en una actuación que Stadler ofreció en el Teatro Estatal de Praga donde años atrás, Mozart había estrenado su ópera «Don Giovani». El concierto, aunque agradó a los críticos, no les impresionó demasiado….

Siete semanas después del estreno, falleció el compositor la noche del 5 de diciembre de este mismo año.

Esta obra, por su incuestionable perfección y transparencia, sería el «Testamento musical de Mozart» de no ser por esa maravilla que es su Requiem...

Con el manuscrito del concierto perdido… lo que se ha impreso desde su primera edición es la adaptación que hiciera el editor de Mozart para el clarinete en La, ya que la parte original estaba destinada para clarinete de bassetto -‘basset horn’, poco común. El clarinete en La resultaba mas lógico, usual y comercialmente.

El el último cuarto del siglo XX surge el interés por los instrumentos antiguos. En 1973, el concierto fue grabado con un instrumento histórico por Hans Deinzer-1934 – 2020 clarinetista alemán multifacético que abrió la puerta a varias otras grabaciones con instrumentos «de época». Deizer ejerció exitosamente la docencia, entre sus alumnos se encuentran varios «grandes» como: Sabine Meyer, Wolfgang Meyer, Suzanne Stephens, Nicholas Cox y Martin Fröst, este instrumentista, ha creado inusuales recitales y espectáculos con su clarinete. Su versión del concierto fue votada en el 2005 como «la mejor de todos los tiempos». El clarinetista sueco, grabó la obra en clarinete di Basseto con la participación de la Amsterdam Sinfonietta.

Mozart Clarinet Concerto 1 A Major_KV 622_3rd Movement Rondeau Allegro – YouTube

No encontré la grabación famosa completa con el instrumento para la que fue escrito… también esta es de hace varios años pero nos da una idea de lo que es capaz de lograr este consagrado clarinetista. Mozart hubiera estado de lo más que satisfecho por la ejecución de su obra que le hace honor con su reconocida maestría.

«Los Cristos» de Marc Chagall

En la basta obra del artista, pintor y vitralista Marc Chagall de ascendencia judía, nacido en Vitebsk, fervoroso practicante del judaísmo jasídico surgido en la Europa Oriental en el siglo XVIII, aparece una, sin duda, importante iconografía cristiana y más concretamente: Cristo crucificado.

Fue un gran admirador de la espiritualidad cristiana en Francia y testigo del ascenso del totalitarismo en Europa, convierte el horror de las persecuciones antisemitas, de la guerra en el tema central de su producción artística.

El artista, es un vivo ejemplo de cómo se puede contribuir a superar divisiones y ayudar a promover un entendimiento y respeto mutuo entre dos creencias que, desafortunadamente, han sido a menudo enfrentadas en el curso de una larguísima historia turbulenta y sangrienta.

Chagall vivió la mayor parte de su vida exiliado de sus raíces, que él evocó en numerosas obras. El nos muestra en un mundo lleno de color y con escenas sencillas a humildes y piadosos judíos, en un mundo condenado a desaparecer durante de la revolución soviética y la segunda guerra mundial.

Dada la prohibición veterotestamentaria de la creación de imágenes, su carrera plantea cuestiones interesantes sobre la existencia de un arte visual judío así como acerca del uso de una iconografía cristiana por parte de este pintor judío en el contexto de los avances en las relaciones judeo-cristianas.

Son relativamente muy pocos de famosos pintores judíos.

Comparando con otros logros verdaderamente asombrosos de los judíos en casi todos los campos de actividad humana… precisamente por la prohibición bíblica de la producción de imágenes.

No está del todo claro si la intención divina era prohibir la producción de cualquier imagen o solo aquellas imágenes cuyo fin era ser adorarlas como ídolos, en contravención del estricto monoteísmo establecido por el primer mandamiento del decálogo. De hecho, estudios arqueológicos han demostrado la existencia de varias épocas de florecimiento artístico en el curso de la historia judía. Por ejemplo: se han descubierto impresionantes mosaicos y murales en sinagogas de los primeros siglos después de Cristo. El arte judío entró luego en un largo período de decadencia hasta que experimentó un renacimiento importante en la época de la Ilustración y en particular a partir de la emancipación de los judíos promovida por Napoleón.

En los siglos XIX y XX, la lista de pintores judíos es impresionante e incluye figuras importantes como Pisarro, Modigliani, Rothko, Kitaj y el mismo Chagall.

Chagall empleó símbolos cristianos y realizó numerosas «Cruxificciones» me imagino que para la sorpresa del mundo Judeo-cristiano de su época.

En las palabras del rabino Irving Greenberg: “El judaísmo y el cristianismo son dos midrashim basado en un texto común, la Biblia Hebrea”.

Las pinturas de Chagall son una expresión visual elocuente de la enorme deuda que los cristianos tenemos con el pueblo elegido por el Dios venerado por judíos y cristianos.

Por ejemplo: en La Crucifixión Amarilla, Cristo lleva las tradicionales filacterias judías en su cabeza y brazo izquierdo y una enorme copia del Torá en su brazo derecho. Uno de los avances más positivos en los últimos años ha sido la mejora en las muchas veces tensas y a veces trágicas relaciones entre judíos y cristianos. La Iglesia Católica está empezando a reconocer y valorar las raíces judías del cristianismo. El papa Juan Pablo II describió a los judíos como “nuestros hermanos mayores en la fe” y el papa Francisco ha confirmado que “no podemos considerar el judaísmo como una religión extraña”.

Un hecho que marcó al pintor profundamente …

La ¨Noche de los cristales rotos¨

En octubre de 1938 miles de judíos de origen polaco residentes en Alemania son sacados de sus casas por la fuerza y deportados a Polonia. El gobierno polaco no los recibe. Los deportados permanecen semanas en tierra de nadie sin refugio ni comida alguna.
Herschel Grynszpan, un joven de 17 años, judío polaco de origen alemán refugiado en Francia, se entera de la situación de expulsión de su familia a través de una postal proveniente de la frontera

¨Nadie nos dijo lo que estaba pasando pero nos dimos cuenta de que iba a ser el final –le escribe su hermana- No tenemos ni un centavo ¿Podrías enviarnos algo? …¨

El muchacho, desesperado, busca ayuda en la embajada alemana en París sin resultado alguno.
¨Queridos padres –contesta Herschel impotente- no puedo hacer otra cosa. Que Dios me perdone. Mi corazón sangra cuando oigo hablar de la tragedia de 17.000 judíos. Debo protestar para que el mundo entero me escuche, y esto, me veo obligado a hacer. Perdónenme¨.

El 7 de noviembre pide ver al embajador Ernst Vom Rath y dentro de su despacho, le dispara tres tiros en el abdomen.
El gobierno alemán encuentra en el atentado contra el funcionario el pretexto perfecto para concretar un viejo anhelo: lanzarse contra los judíos en toda la jurisdicción del Reich, nombre del estado Alemán hasta 1945.

La noche del 9-10 de noviembre de 1938, las fuerzas de la SA-camisas pardas- y la población civil con la total anuencia de las autoridades alemanas que miran sin intervenir, prenden fuego más de 250 sinagogas, saquean más de 7000 comercios y asesinan a muchos de sus propietarios y treinta mil personas confinadas en campos de concentración. Este vandalismo multitudinario pasa a la historia como la Kristallnacht, debido a las vidrieras destrozadas.

¨La crucifixión blanca¨,

Óleo sobre lienzo de 155 cm x 140 cm, concebida precisamente, en ese mismo año.

El lienzo, narra ese desafortunado suceso despliega una amplia simbología

En la parte alta a la derecha del cuadro una sinagoga profanada por un uniformado nazi que arroja al suelo objetos sagrados. Siguiendo el sentido de las aguas del reloj, un judío errante (mito del judío que Dios condenó a errar hasta su retorno por negar agua a Jesús durante la crucifixión, pisa el rollo de la Torá en llamas. En el centro y en primer plano, una extraña «menorah» al pie de la cruz… ha pintado una «menorah» con seis velas en vez de siete, quizás sugiriendo el intento fallido a lo largo de la historia de extinguir la luz espiritual traída al mundo por un judío: Jesús.

Chagall ha pintado una imagen del judío errante, condenado a errar de un país a otro en un intento desesperado de escapar de la persecución y del anti-semitismo.
Más abajo, casi saliéndose del cuadro, asoma el rostro de una madre desesperada con su hijo en brazos.
Hacia el ángulo inferior izquierdo, tres ancianos huyen.

En la esquina inferior izquierda un rabino huye con una copia del Torá debajo de su brazo, otro con un cartel al cuello. Otro llora se secándose las lágrimas con el puño.

Más arriba una barca con hebreos que intentan huir. Se ve una típica aldea judía rusa, o shtetl, parecida al pueblo en que Chagall creció, en llamas y sufriendo el ataque de soldados soviéticos blandiendo banderas rojas.
En el aire flotan cuatro personajes de aspecto rabínico lamentándose por la destrucción de su pueblo.
Entre tanto horror, un Cristo crucificado, blanco, sin heridas, ni rastros de tortura irrumpe en el centro del cuadro. Un haz de luz blanca sobre la cruz ilumina la singular figura del nazareno que no aparece aquí como el Mesías de los cristianos, sino más bien, como el judío que encarna el sufrimiento del pueblo hebreo. Elementos como el turbante en lugar de la corona de espinas, el «talít«.

Chagall claramente reivindica el origen judío de Jesús, quien lleva un talít o chal de oración judío en vez del simple paño blanco en las pinturas cristianas de la crucifixión.

Chagall entendió como nadie la relación entre «Credos» en especial, el Judeo-cristiano porque creció inmerso en la tradición jasídica bielorrusa. Según el jasidismo, el amor es el principal medio para conocer a Dios. Y según el evangelista San Juan en su primera carta: “el que no ama, no ha conocido a Dios” 1 Jn 4,8.

Un admirador

La revista jesuita italiana La Civilta Cattolica, en una entrevista que hicieran al papa Francisco reconoció que ¨La crucifixión blanca¨ de Chagall es una de sus pinturas favoritas.
La obra se conserva en el Instituto de Arte de Chicago– EEUU-

Otros Cristo de Chagall…

Y este bello «Cristo de las velas» que tienen, en La Galería de Arte de Barcelona.

Chagall dijo: «Un artista no debe temer ser «él mismo», expresarse sólo a sí mismo. Si es absoluta y completamente sincero, lo que dice y hace será aceptable para los demás».

Un buen trabajo!!!

La taracea ó marquetería es uno de los más antiguos y bellos oficios artesanales del mundo, que lamentablemente, por la industrialización y el uso de materiales sintéticos, se está extinguiendo.

Taracea, intarsia, ó » marquetería», se puede definir como el arte de combinar y ensamblar una figura, como piezas de un rompecabezas, realizada con trozos de láminas de madera de menos de 1 mm. de espesor, de diferentes colores o distintas orientaciones de las vetas, logrando como resultado un mosaico bellísimo y complejo de alto valor estético y decorativo.
Con esta técnica artesanal, se trabajan las chapas de madera en un mismo plano, pudiendo modificar, a través del calor, los tonos y colores de la madera para conseguir los deseados.

Se trabaja con con navaja fina o bien con bisturí quirúrgico, por su mayor perfección de corte y con maderas nobles. Una vez lograda un área absolutamente lisa y de un mismo espesor, esta, será pegada sobre una superficie, mueble u objeto que se desea decorar.
Este arte milenario- 3.500 A.C. se puede apreciar en los jeroglíficos hallados en el Valle de los Reyes-Egipto que muestran a los maestros egipcios recortando chapas o láminas de madera para concretar trabajos en taracea ó marquetería. Más adelante pasó a Occidente, donde con el correr de los años se perfeccionó, especialmente en Venecia, Andalucía y Países Bajos.
Durante el siglo XV se manifestaba fundamentalmente en diseños arquitectónicos, formales y geométricos. En el siglo XVIII, especialmente en Europa, alcanzó su apogeo con la realización de diseños asombrosamente intrincados y hasta exagerados.

Un artista de aquellos…

Artista único e inigualable fue Fra Giovanni da Verona – Dominicano, pero al parecer fiel al lema de los Benedictinos «Ora et Labora» realizó una obra fantástica sobre este arte por toda Italia entre los finales del s. XV y el primer cuarto del s. XVI.

Verona

Un ejemplo de su arte está en la bella ciudad de Verona – Veneto – Italia en la Iglesia de Santa María in órgano.

Los orígenes de este templo se remontan al siglo VIII -IX cuándo comenzó a funcionar como abadía Benedictina de las épocas ostrogodas y lombardas en el país. Posiblemente es llamada Sta. María in órgano porque fue la primera iglesia que tuvo un órgano de fuelles en la época de Carlomagno.
En la época lombarda, fue considerada, el monasterio veronés más antiguo, la edificación sufrió los efectos del terremoto de 1117 por lo que tuvo que ser reconstruida. De manera que la edificación que vemos actualmente es el resultado de estas obras de reconstrucción, adiciones y restauraciones, que fueron hechas durante el siglo XV y que le dieron su apariencia románica que podemos apreciar hoy en día.

La fachada tiene la apariencia románico-gótica típica del siglo XV que fue construida en mármol blanco, cabe destacar, diseñada por Michele Sanmicheli, arquitecto y gloria de la ciudad de Verona… aunque todavía permanece sin finalizar.

El bonito campanario fue diseñado por Giovanni da Verona arquitecto y renombrado en el arte de la «intarsia». Posteriormente, le fueron añadidas cinco campanas afinadas en Fa sostenido mayor y que forman parte del arte del campaneo veronés.

La cripta, debajo del presbiterio, es considerada: «una reliquia de la Alta Edad Media«.

En su interior y realizados en la segunda mitad del siglo XV, hay una magnífica obra en el este dedicado y bello trabajo donde se destaca el fantástico Coro ubicado detrás del altar que realizó Fra Giovanni da Verona, y años más tarde hizo la sacristía, considerada como «la más hermosa en toda Italia» según Vasari.

Coro

Fra Giovanni Giocondo da Verona– 1457-1525 escultor, arquitecto y artesano de la Orden Dominicana y se convirtió en uno más de los muchos miembros de esta orden que fueron pioneros del Renacimiento. 

Trabajó durante 25 años, desde 1477 a 1501 en los respaldos de la sillería del coro y los frentes de los armarios de la sacristía están llenos de interesantes detalles en Santa María in Órgano de Verona. Con una gran maestría en la interpretación de la perspectiva, Fra Giovanni daba profundidad a paisajes planos, reproducía las vistas de la ciudad desde una ventana abierta, y creaba interiores de armarios llenos de libros,instrumentos, cuencos de fruta etc.

En los diminutos dibujos de animales demostró su destreza , no era para era un artista menor, hacía gala de su  genialidad en todo lo que emprendía.

Sacristía

En Umbria y  Reggio Emilia

Trabajó con cierta intensidad en Umbria, entre Perugia y Spoleto. Hay informes de varios clientes, de al menos dos viaje en colaboración con Melchiorre y con  Antonio Da Reggio Emilia, así como de la presencia de Garzoni y  proveedores de material de trabajo.

Monasterio de Monte Oliveto Maggiore

A fra Giovanni lo trasladan cerca de Siena…y ante ese maravilloso paisaje de la campiña Toscana…continua  con su infinita creatividad.

Uno de los  retratos  mas conocidos de Fra Giovanni da Verona  fue pintados por Sodoma en el claustro de la Abadía de Monte Oliveto Maggiore.

Los famosos pintores renacentistas Luca Signorelli y Sodoma fueron los encargados de los frescos que decoran el claustro grande olivetano.

Fra Giovanni fue un escultor de talento, realiza una Madona en mármol  -1490-que se conserva en dicha Abadía.

En su obra da ha entender su preferencia por los «poliedros» acorde con el pensamiento renacentista reinante: De divina proportione -de Paccioli, De quinque corporibus regularibus de Piero della Francesca en su representación de bellas ciudades ideales, Leonardo da Vinci, Luciano Laurana, fra Carnevale y muchos otros. Trampantojos ópticos… instrumentos musicales y matemáticos… una selección exquisita para el momento histórico que vivía.

La sacristía, también realizada por él donde continua con su espectacular maestría.

En Siena

De Fra Giovanni se conservan una decena de tablas de marquetería con representaciones de objetos matemáticos y perspectivas de edificios obtenemos más de setenta paneles del centenar que ha sobrevivido. Acorde al pensamiento renacentista contienen poliedros y elementos matemáticos.

En Lodi

Pequeña ciudad del Piamonte donde había de Fra Giovanni unas 23 tablas,  que se han reducido a 11 en la catedral de esa ciudad.

Los poliedros representados en el lenguaje de Leonardo son: ycocedron abcisus vacuus,  ycocedron elevatus solidus y septuaginta duarum basium solidum -un icosaedro truncado vacío, un icosaedro estrellado sólido.

En el Vaticano

Fue invitado a realizar la decoración original de la la Stanza della Segnatura del Vaticano con un nuevo revestimiento de madera, que se extendía sobre todas las paredes a excepción de la del Parnaso, donde se conservó la decoración original visible en nuestros días. El revestimiento de madera, en cambio, quedó destruido a raíz del Saqueo de Roma en 1527. En su lugar, y durante el pontificado de Pablo III papa 1534 – 1549, Perin del Vaga pintó un zócalo con claroscuros.

En Nápoles

Sacristía

Fra Giovanni trabaja en la Sacristía la iglesia de Sta Ana dei Lombardi, en Nápoles, algunos de eses respaldos se conservan hoy en la catedral de Lodi. En ellas: armarios ilusionistas que incluyen objetos con sentido simbólico, vedutes urbanas reales o ideales de gran influencia veneciana, arquitecturas clásicas de acusado verticalismo y otras con pájaros en los primeros planos.

Años después Vasari completaría aquí la decoración con frescos en la bóveda siguiendo con el tema de las matemáticas, e instrumentos musicales.

Además, crea detalles únicos en las basas de los zócalos del Monasterio Mayor de los olivetanos que son una delicia…

Chopin …un exquisito

Fue uno de los más destacados pianistas de la historia, y quizás el más refinado, expresivo y de una calidad lírica difícilmente explicable con palabras. La obra de Chopin se encuentra entre las más originales e influyentes de la Historia de la música, por este motivo se le compara con frecuencia con Johann Sebastián Bach, Wolfgang Amadeus Mozart y Bellini con su Bel canto, todo magistralmente combinado con su herencia musical polaca, convirtiéndose en el primer compositor nacionalista de su país.

Sus enseñanzas para la posteridad se entroncan en la tradición mozartiana más pura, pero con una ornamentación elaboradísima, virtuosa, evitando el alarde técnico con el el tratamiento poético que le otorga a cada pieza.

En sus composiciones siempre hay un piano involucrado. Sus amigos y colegas lo animaron a abordar otros géneros e instrumentos, pero a esto el músico respondió con una honestidad sin igual: «Dejad que sea lo que debo ser, nada más que un compositor de piano, porque esto es lo único que sé hacer».

Retrato que le hizo Eugene Delacroix su leal amigo parisino.

Su estilo

El siguiente comentario sobre su estilo apareció en el Allgemeine Musikalische Zeitung-1829– «La extraordinaria delicadeza de su pulsación, una indescriptible perfección técnica, su completa gama de matices, fiel reflejo todo ello del más profundo sentimiento»

Sin embargo, también se le criticó y mucho por su poco volumen. Y uno de los testimonios más destacados lo ofreció precisamente Robert Schumann en 1837:

«Imagínense que un arpa eólica tuviera todas las escalas y la mano de un artista las pulsara desordenadamente con toda clase de adornos fantásticos, de tal modo que siempre se oyera una fundamental más grave y una voz más aguda de forma suave y mantenida –así tendrán una imagen aproximada de su modo de tocar–«. Probablemente Schumann se refería al rubato cuando decía «desordenadamente»

La sencillez fueron sus constantes, rechazó la exageración y el amaneramiento utilizó el «rubato» en sus obras su definición es: un término musical que se utiliza para hacer referencia a la ligera aceleración o desaceleración del tempo de una pieza a discreción del solista o del director de orquesta con finalidad expresiva.

El mismo Chopin escribió sobre él:

«La mano derecha puede desviarse del compás, pero la mano acompañante ha de tocar con apego a él. Imaginemos un árbol con sus ramas agitadas por el viento: el tronco es el compás inflexible, las hojas que se mueven son las inflexiones melódicas»

Poseía un genio extraordinario e innovador que se revela en su riqueza de ritmo armónico, sus modulaciones y sutiles cromatismos, anticipándose en medio siglo a sus contemporáneos.​ Por ello encontró gran oposición entre los músicos conservadores.

No era un ejecutante arrollador ni teatral y lejos de impresionar por la fuerza, lo suyo eran: matices y contrastes.

La falta de vigor no se debió a su enfermedad, Tuberculosis, como se ha dicho​, era parte de su propio estilo interpretativo.

Por esa razón, el sonido de Chopin se avino muy bien a las veladas o soirées de la aristocracia. Prefirió presentarse en esos pequeños salones, ante un breve y selecto auditorio, en donde era posible una singular comunión. Chopin no fue un concertista de piano como Thalberg o Liszt, sino un gran pianista-intérprete de sus propias obras, y llegó a tener una posición envidiable como tal.

Otra razón por la que quizás evitó los grandes auditorios fue su extraordinario nerviosismo para enfrentarlos.

Sigismund Thalberg, dijo una vez de él: «Lo peor de Chopin es que a veces uno no sabe cuándo su música está bien o está mal».

Chopin, descubrió el verdadero potencial del instrumento para construir un mundo poético lleno de melodía y color logrando un lenguaje sonoro único, con una técnica especial para introducirlo en el moderno y futuro siglo XX. Sin duda alguna, impuso las bases de la composición pianística posterior.

El convulsionado París de 1847

Dos años antes de su muerte, Chopin está solo y vive para su música, intenta trabajar en su residencia en el número 9 de la Place d’Orléans.

Ese verano parisino, no hubo escapadas a Nohant…

pues había recibido la última carta de George Sand, quien desde su finca de descanso le escribe despidiéndose definitivamente de él con estas palabras:
«Adiós, amigo mío, curaos pronto de todas las dolencias y agradeceré a Dios por este extraño desenlace de nueve años de amistad exclusiva. Hacedme llegar alguna vez vuestras noticias.»
Se acabaron los veranos y las tardes apacibles componiendo en la soleada campiña. Debe componer y aumentar el número de lecciones, conseguir más pupilos. Su salud no es para nada buena, tose mucho y tiene accesos de fiebre, todo se dificulta cada vez más.

Ese convulsionado verano, Chopin se refugia por momentos en casa de amigos y en oposición a la realidad histórica que lo rodea, compondrá un vals elegante, plácido… y si se quiere, aristocrático, a la vez que perfecto.

Chopin se había convertido en el maestro de piano de Charlotte en 1841, y como reconocimiento tácito de los muchos años de apoyo brindado por el barón James y su esposa Betty, le dedicó, como regalo de bodas en1843 su célebre balada No. 4 en fa menor, Op. 52. Ahora, el Vals en do sostenido menor, N°2 Op.64 dedicado a la Baronesa Charlotte de Rothschild, esposa del famoso banquero en cuya casa escapó de su soledad por algunos días.

Aquí un deleite para los de espíritu chopiniano con la gloriosa interpretación de Kissin … dedicado a la obra del músico.

Sin estridencias, clarísimo, perfecto. Supo interpretar lo requerido por el autor, otorgando a tan deliciosa obra la melancolía y nostalgia evocadora de sus últimas composiciones…

EVGENY KISSIN plays CHOPIN Waltz Op.64 n.2 – YouTube

«Fontana della Vergogna».

Diseñada inicialmente para el Palazzo di San Clemente en  Florencia – Toscana – Italia fue transportada a la ciudad Palermo- en Sicilia para superar a la fontana di Orione de la vecina ciudad de Messina. Se dice que durante el periodo de dominio y ocupación de los españoles en Palermo, los mesineses enfrentados con los palermitanos, rompieron las narices de las estatuas. Temerosos de “tocar los genitales”, optaron por fracturar sus narices. En todos los casos, los “tabiques nasales“ se restauraron.

Fue ubicada en la Piazza Pretoria – «centro histórico de la ciudad «. Para integrarla, se remodeló el espacio urbano del siglo XVI, eliminando edificios y terminando su instalación en 1581.

Todas las esculturas son «desnudos»… en frente, esta el convento de Santa Catalina. Cuentan que las monjitas gritaban horrorizadas: ! que verguenza, que verguenza ! por lo que la llamaron la «Fontana della Vergogna«.

Esto ocurrió no bien estuvo fue instaurada. Pero siglos después los palermitanos encontraron similitudes entre sus «gobernantes corruptos» con los personajes de la famosa fuente, quedando definitivamente la denominación de: «Fuente de las Vergüenzas».

Su historia:

Encargada a Francesco Camilliani y a Michelangelo Naccherino por Don Pedro Álvarez de Toledo y Zuñiga– Virrey de Nápoles y Capitán General delos Ejércitos Españoles-, sucesor de Cosme I de Medici, Gran duque de Toscana, para situarla en el jardín de su residencia en Florencia. Al morir Don Pedro, en 1552, su hijo Luis medió para que el Senado de Palermo adquiriera la fuente interviniendo en la mediación García de Toledo Osorio, hermano de Luis y antiguo virrey de Sicilia, convirtiéndose en una verdadera muestra de «planificación urbana «.

Rodean la fuente

El Palacio Pretorio, sede del Ayuntamiento de Palermo, del siglo XIV y reestructurado en el XIX; la Iglesia de santa Catalina de fines de siglo XVI este edificio renacentista-barroco, con su monasterio de clausura, ocupa todo el lado este de la plaza y dos palacios: el Palacio Bonocore y el Palacio Bordonaro.

Francesco Camilliani fue el artista florentino que hizo las esculturas entre 1554-55. Fue la obra más importante de Francesco Se destacó por su estilo Alto renacimiento. Giorgio Vasari la llamó «la fuente más estupenda que no tiene igual en Florencia o quizás en Italia». La reconstrucción en Palermo se completó en 1584.

Michelangelo Naccherino también florentino- colaboró el armado cuando la fuente fue trasladada en barco a Sicilia. Eran 644 partes y fue montada en Palermo con su colaboración en 1573, con la dirección de Camillo Camilliani, hijo del escultor.

Una verja de hierro forjado, colocada en el s. XIX obra de Giovan Battista Basile – arquitecto y también autor del Teatro Massimo Vittorio Emanuele II dedicado al primer rey de Italia. Lugar icónico para los amantes del cine frente a mismo se filmó la escena final del Padrino III.

La verja la circunda y protege, solamente se puede acceder desde el lado de la Vía Maqueda frente al Palacio comunal , que es el encargado de su custodia.

La Fuente

Como buena fuente Renacentista los niveles de agua son mesurados que aportan serenidad al espíritu.

Ha sido realizada enteramente en mármol de Carrara y en dos niveles sobre una planta ligeramente elíptica.

El perímetro queda dividido en cuatro sectores separados por escaleras. La fuente está formada por un juego de simetría en el que cuatro escaleras ascienden hacia la fuente central. Cada una de ellas está flanqueada por dos esculturas en la parte inferior y otros dos al finalizar los peldaños. Se tratan de divinidades paganas del mundo clásico. Por ejemplo: al pie de las escaleras encontramos al Baco romano o Dionisio griego, con su racimo de uvas representando el vino; y al otro lado Hércules; Diana y Apolo; Adonis Venere; o Mercurio y Pomona .

El 1°nivel

En el primer nivel se encuentra, en cada uno de los cuatro sectores, una pila alargada situada entre un Tritón y una Nereida. Sobre cada pila se ve, recostada de lado, una divinidad pagana.

El 2° nivel

A la izquierda en primer plano vemos la estatua de Baco en versión romana, reconocible por el racimo de uvas que lleva en sus manos. Más arriba, en segundo plano a la derecha, está Orfeo, con el perro de tres cabezas y la lira, con la cual hipnotizó Cerbero para tratar de liberar su amada, la ninfa Eurídice.

La fuente central

En lo alto, con una escultura que sostiene una Cornucopia -símbolo de opulencia y derroche con cuatro delfines, y atlantes en la parte inferior.

Los grupos concéntricos de pilas son rodeados por estatuas que representan seres mitológicos. Según una reinterpretación del poeta Antonio Veneziano, las cuatro fuentes menores son una alegoría a los cuatro ríos que regaban Palermo: el Oreto sería el Nilo Blanco, el Papireto el Ippocrene, el río Nilo, el Gabriele y el Maredolce el Nilo azul.

En la actualidad, es reconocida como una verdadera obra maestra del «Alto Renacimiento italiano«.

En 1998 hasta el 2003, tuvo una remodelación, devolviendo a la obra su titulo de:

» El conjunto escultórico más bello de Sicilia».

«La ratonera del diablo»

Unos de los trípticos más estudiados de la Historia del Arte es precisamente esta entretenida «Anunciación» de los llamados «primitivos flamencos». Estaría ubicado dentro del estilo gótico tardío.

Realizado por el llamado «Maestro de Flemalle,» que luego de mucho andar, se le otorgó la autoría a Robert Campin y ayudante que se exhibe, desde 1956 en la colección de Cloisters – Metropolitan Museum de Nueva York. Su compra fue financiada por John D. Rockefeller Jr. y fue descrita como un «evento importante para la historia del coleccionismo en los Estados Unidos».

Contiene abundante simbolismo, y esto originó el eterno debate entre «los grandes de la Historia del Arte» como fueron Meyer Schapiro y Erwin Panofsky este último lo amplió… y como muchos opinan, lo desarrolló en exceso.

Es una tabla de: 64,5 cm × 117 cm realmente pequeña para ser retablo, pero se acepta en una Capilla privada.

Datada entre 1425-28, algunos extienden esta fecha hasta 1432, ha estado en colecciones privadas durante muchísimos años y por lo tanto, inaccesible, tanto para los académicos como para el público.

El tríptico fue propiedad de las aristocráticas familias belgas Arenberg y Mérode – de ahí su titulo-desde 1820 hasta 1849 antes de llegar al mercado del arte.

Le llamaron “Maestro de Flémalle” pues los paneles provenían del Château de Flémalle, cerca de Lieja ya que su identidad se desconocía.

En el siglo XX, el profesor belga George Hulin de Loo acabaría en 1909 por identificarle con Robert Campin. Este, estaba documentado como Maestro pintor en Tournai desde 1406 dirigiendo un gran taller. Dos alumnos que entraron en su taller en 1427 fueron Jacques Daret y Rogelet de la Pasture, este último, era probablemente Rogier van der Weyden. Es tentador asumir que tanto Daret como Rogier fueron discípulos del Maestro de Flémalle, esto es de: Robert Campin.

Los llamados » Primitivos flamencos«, originaron infinitos debates, entre los estudiosos de la Historia del Arte que aun hoy continúan. Muchos «detalles» vistos vez aquí por primera vez, reaparecen en posteriores «Anunciaciones» de numerosos artistas, como Roger van de Weyden, al que se le considera su mejor alumno.

La tabla a nuestra izquierda

Los donantes

El tríptico se ha relacionado con la ciudad de Malinas – Bélgica por el blasón masculino de la tabla central, de la familia: Engelbrecht.

Peter o Petrus Engelbrecht, nacido alrededor del año 1400, fue probablemente comerciante de paños y lana, encargó una capilla para añadirla a la antigua iglesia parroquial de Malinas. Capilla privada para cantar misas por el alma del rico propietario donante.

De la cintura de Peter cuelga un «sectante» para demostrar su preocupación por la ciencia y su poder económico…

El matrimonio Engelbrecht, de rodillas «espían» por la puerta entreabierta el dialogo celestial…

El calendario litúrgico aporta aquí una explicación para este momento:  celebran «la Anunciación de María», el día 25 de marzo- el artista muestra que es primavera  a través de las rosas y pájaros en el fondo de este panel y las flores del campo al lado del matrimonio.

Posiblemente el encargo sería un Exvoto del nuevo matrimonio…

 

 

Junto a la puerta entreabierta que muestra la cuestionada ciudad, una pequeña figura barbada…parece añadida más tarde. Es un mensajero de la ciudad, puesto que lleva una placa cosida en su pecho con las «armas» de Malinas. Se ha sugerido… que es el mensajero que llevó la liberación de los Engelbrecht acusados en Colonia de asesinato.

El compromiso para su liberación era de mantener la paz…ellos se comprometieron mediante juramento al ser liberados, el blasón de Peter tiene armas que le fueron impuestas como un castigo, con la cadena sobre las armas en forma de» V» invertida significa: prisión.

Mucho se ha especulado sobre esta figura si no es un autorretrato del autor: Robert Champin

La Tabla central

El pintor y su ayudante realizaron dos versiones de la tabla central titulada «La Anunciación» con algunas diferencias. La que quedó en Bruselas, opinan los expertos, que es la original.

En ambas tablas el pintor destaca la naturaleza doméstica de la escena, mantiene las convenciones religiosas y la minuciosidad en los detalles ya que eran obras de pequeño formato para observarlas muy de cerca.

Ni María, ni el Arcángel, ni José llevan «halos».

No hay paloma representando al Espíritu Santo. Lo único que nos indica que es una «visión celestial» son las alas del arcángel, vestido de diácono y el pequeño Jesús llevando una cruz que «Viaja hacia María» sobre siete rayos dorados… la vela recién apagada por «el soplo de viento» sería la exquisita representación del Espíritu Santo–

 

El acontecimiento religioso transcurre en una pequeña estancia burguesa de las primeras jamás pintadas, con objetos reproducidos con todo detalle.

Esta combinación de la vida cotidiana y lo sobrenatural religioso deriva de la prédica de los franciscanos desde 1223. Se trataba de mostrar que: Cristo se hizo hombre, que María vivió como una mujer simple y finalmente, que el mundo del Evangelio es semejante al que vivimos hoy y ahora.

El pintor coloca a María en una estancia de hermosa, prolija, de material, pero sin ninguna puerta que comunique con la tabla de José.

Algo del simbolismo que nos habla de María

Sentada prácticamente en el suelo y delante del banco –humildad- y leyendo un libro, que no toca con las manos-por ser sagrado- el banco se extiende hasta la ventana tapando parte de la chimenea sobre el, con cojines en azul -color de la divinidad presente. El vestido, rojo, un símbolo de realeza- la elegida – con sus pliegues y reflejos, hacen alusión a una estrella aludiendo a las muchas comparaciones teológicas que de ella se hicieron.

Champin utiliza una perspectiva de un solo punto de fuga. El punto de vista es muy cercano a la escena y solo viendo el cuadro desde muy cerca, se atenúan sus marcadas distorsiones…esto se vería muchos siglos después, en Cézanne, Van Gogh etc.

La mesa, considerada altar, con 16 lados aludiendo a los profetas principales.

Un libro y un rollo junto a María, simbolizando el Nuevo Testamento, y el Antiguo con el cumplimiento de la profecía mesiánica Is7,14. Las azucenas blancas en el jarro de cerámica de la región sobre la mesa, representan su pureza y virginidad. Los remates en forma de león sobre el banco, se refieren al Trono de la Sabiduría – el candelero con la luz recién apagada … esa imagen del humo sencillamente… !!! increíble!!!

La toalla y el caldero colgados– en la parte posterior de la habitación, pueden estar relacionados con la acción del sacerdote oficiante de lavarse las manos durante la Misa.

La insólita ala derecha

San José , fue el santo olvidado por siglos en la Iglesia Católica, fueron los franciscanos quienes lo rescataron enalteciendo sus virtudes cristianas: obediente, laborioso, piadoso, responsable…ejemplo importante para los donantes.

José no participa del acontecimiento sagrado, no corresponde.

La representación pictórica que hace Campin es doméstica y única en la historia del arte. Jamás José formó parte de una Anunciación.

El santo aparece representado como artesano, en un sencillo taller de madera, esto nos revela la importancia que tenía tanto para el pintor como para los comitentes esta profesión y posición social además de las virtudes del santo como ciudadano cristiano. Está sentado, junto a sus herramientas meticulosamente tratadas.

Los clavos, martillos, cinceles, alicates y destornilladores hacen referencias de los Instrumentos de la Pasión de Cristo. Magistralmente, el pintor realiza una espectacular «Naturaleza muerta «.

Hay una cajita de madera que se ha identificado como «una ratonera», y otra más en la ventana…detalle que se ha discutido mucho. Los expertos en arte creen que puede aludir a la descripción de San Agustín de que «Jesús es la ratonera del diablo».

Una explicación teológica para» las ratoneras de San Agustín», metáfora usada en tres ocasiones en sus sermones por el famoso doctor de la Iglesia: «La cruz del Señor fue la ratonera del diablo; el cebo por el que fue capturado, fue la muerte del Señor». El «Sacrificio de Jesús es usado como cebo para capturar a Satanás«.

Que ciudad es?

Por la ventana entreabierta del taller de José se observa el cielo y parte de «una ciudad«… es invierno -caen copos de nieve que se destacan nítidamente en los transeúntes de la Plaza. José, se convertirá en «padre putativo de Jesús» recién en diciembre, el 25, cuando celebramos el Nacimiento de Cristo–La Navidad.

Muchos expertos han intentado averiguar de qué ciudades se trataría y son varias las posibilidades: Malinas, Gante, Lieja o la propia ciudad del pintor- Tournai o incluso Mechelen -donde vivían los donantes.

Que es lo que perfora con su taladro José?

Otro punto de vista muy cuestionado.

José estaría realizando equipamiento de aquellas épocas para elaborar vino. Este tema, si bien es más raro, existen algunos paralelos.

De manos del carpintero salían diferentes tipos de equipamientos que necesitaban los bodegueros por entonces era común en los monasterios para elaborar el buen vino y también sus excelentes envases. Conservarlo en buen estado e incluso mejorarlo: Se guardaban en: cubas, tinas, pipas, bocoyes o barricas etc. utilizado en tonelería maderas tales excelentes como el: castaño, haya, cerezo y roble.

El consumo de vino era en el siglo XV tan importante como el pan. Por un lado, evitaban el agua por la duda que fuera potable. Pero fue la liturgia de La Iglesia fue sin duda influyó para su popularización enormemente al ser simbólicamente la Sangre de Jesucristo, tema central en la Santa Misa.

Campin, junto con Jan van Eyck  y su hermano, fueron cofundadores de la Escuela de Pintura flamenca.

Existe una afinidad entre el estilo de la perspectiva primitiva que utiliza Campin en el Retablo de Mérode  con la empleada en el comienzo del siglo XX por el Cubismo de Georges Braque y de Pablo Picasso.