…esto de los apodos….

El sobrenombre, mote, alias o como se quiera llamar a un apelativo que se aplica a un individuo por algo que es notorio, es una forma «aparentemente cariñosa» que puede agredir y discriminar o bien elogiar  hasta lo más alto y sublime del pensamiento humano. Puede significar el intento de rebajar o engrandecer a la persona subrayando usualmente una falla, un defecto o bien  destacar una magnífica virtud. Su aplicación expresa nada más ni nada menos…de no ser digno de ser llamado por su propio nombre.

Y es aplicable a «todo lo que sea digno de merecerlo!, según nuestro modesto entender: a ciudades, entidades, artistas, deportistas, personas famosas o no,  equipos de fútbol  etc.

En  Argentina, era costumbre que  los apodos relacionados con la nacionalidad y la “raza” no sean tomados como un insulto (algo que sí sucede en otros países) sino como algo normal, incluso afectuoso, o cariñoso.
De acuerdo a los expertos, esto tiene que ver con el fuerte sello que marcó  al país a comienzos del Siglo XX con la llegada de los inmigrantes. Para 1914 en Buenos Aires el 80 por ciento de los trabajadores y el 50 por ciento de la población era de origen extranjero.
Apareció el problema de generar una unidad nacional,  una obligación compulsiva de fundirse y homogeneizarse. Así,  se empezó a apodar por su lugar de origen: el tano, a todo italiano, el gallego, a todo español, el ruso, el turco etc. y era aplicable a todo aquel que conservaba rasgos (sobre todo idioma) de origen. Luego se empezó a generalizar, los que venían de Europa del Este eran rusos (por más que vinieran de países vecinos), los de Medio Oriente son todos turcos (más allá de que sean de otras naciones), y así con todo.

Por cierto esto que  no es novedad y en todas partes ocurrió más o menos lo mismo .

Todas las épocas tuvieron personas destacadas por algo bueno  o lo contrario …y siempre se acudió al  sobrenombre para destacarle.

La realeza …la primera en la lista.

Ricardo I – «Corazón de león»;Pipino  «el Breve· (715-768). El apodo no le viene porque su reinado fuera fugaz (pues fue rey de los francos entre 751 y 768) sino por su corta estatura;  Eduardo «el Confesor» (1002-1066). fue canonizado en 1161 y sería  patrón de Inglaterra hasta su sustitución por San Jorge.  Juan «sin tierra»; Juan «sin miedo»; Alfonso X de Castilla «el sabio», Juana I de Castilla «La loca» y su esposo Felipe I de Habsburgo «El hermoso», Luis I- «el Bien Amado»; Alfonso V de Aragón- «el Magnánimo»; Jaime II de Aragón-«el Justo»; Alfonso IV de Aragón- «el Benigno», o Fernando I- «el Honesto».

 

…En los idiomas

…una manera de decir

El idioma de Cervantes-el castellano; El idioma de Dante- el italiano; El idioma de Goethe-el alemán; El idioma de Shakespeare-el inglés.

Automovilismo

los amantes de este deporte contribuyeron  gustosos…

Maestro –Juan Manuel Fangio, 1955

Lo importante  de Juan Manuel Fangio no es sólo que es un signo de alabanza muy alta para el hombre que gobernó la F1 en los años cincuenta.

El profesor

Alain Prost   era un experto en contener el impulso de su unidad en diez décimas, la preservación de su coche hasta el final de la carrera, y sobre todo, asegurarse de no quedarse sin combustible.

Schummel-Schumi

Michael Schumacher, Benetton, 1994-“La palabra Schummel tiene connotaciones que significan engaño y tortuosidad. Apareció por primera vez en los periódicos sensacionalistas alemanes durante la temporada de 1994, cuando Schumacher fue repetidamente acusado de doblar o romper las reglas. hizo que Schumacher finalmente decidiera dejar Benetton y unirse a Ferrari. Pero a pesar de los siete títulos mundiales y 91 victorias, para algunos es todavía Schummel-Schumi.

Teflonso

Al español Fernando Alonso por los dos mayores escándalos de F1 en los últimos años, lo que le han valido’ el apodo de Teflonso .

En el caso de Alonso se refiere a su participación en ‘Spygate’ en 2007, cuando correos electrónicos revelaron que McLaren discutió el uso de información confidencial de Ferrari, y el ‘Crashgate’ en 2008, donde el Renault de su compañero de equipo Nelson Piquet Jr. fue ordenado por su equipo que chocara para ayudar a Alonso a ganar.Los cargos no se comprobaron, pero prevaleció el apodo.

El toro

 José Froilán González, el primer piloto en ganar una carrera de F1 para Ferrari, le valió el nombre de “El Toro Pampas”.  las personas más cercanas le llamaban – El Cabezón, “Fat Head ‘.

Otros ejemplos de este tipo incluyen el Gorila de Monza (Vittorio Brambilla) .

La Rata

Niki Lauda fue apodado La Rata más por su apariencia que por su personalidad.

Esto tiene que ver menos con el daño que se causó en el rostro tras su terrible accidente de 1976, en el cual sus dientes resistieron.A medida que acumuló victorias y campeonatos, el nombre se hizo más popular, progresando a “súper rata ‘y’ King Rat ‘antes de retirarse a finales de 1985 con tres títulos y 25 victorias en su haber.

Britney

A Nico Rosberg, por sus cabellos dorados, lo apodan ‘Britney‘, en referencia a la cantante Britney Spears, desde sus días como compañero de equipo de Mark Webber en Williams. Sucedió que Rosberg se presentó en el aeropuerto de Dubai y descubrió que alguien había sustituido la fotografía de su pasaporte por una de Britney Spears.

Otros deportistas …

Wayne Rooney, Astro Boy.
El futbolista del Manchester United tiene varios apodos, uno de ellos es ‘Astro Boy’, como la caricatura japonesa de los 70. Lo cierto es que no se parece físicamente, será de pronto por la rapidez.

“La pulga” Messi (Barcelona)

Mariano Rivera, ‘Sandman’.
El panameño de los Yankees de Nueva York tiene el apodo basado en un cuento infantil anglosajón, el Hombre de arena, quien es quien esparce arena mágica para que los niños sueñen. Sin embargo, la verdadera razón es que cuando entra al campo de juego Rivera lo hace acompañado de la canción ‘Enter Sandman’, de Metallica.

Diego Armando Maradona, conocido como El Pelusa, El Pibe de Oro o El Diez.

Derek Jeter, ‘Capitán América’.
Ser el capitán y líder del equipo favorito y referente del béisbol estadounidense, los Yankees de Nueva York, lo han convertido en un súper héroe de grandes y chicos.

Anderson Silva, ‘Spiderman’
El brasileño campeón del mundo de artes marciales se ganó este apodo por su habilidad a la hora de pelear pues parece que tuviera muchas extremidades que le permiten atacar y defenderse de un modo impresionante.

Equipo alemán de Ciclismo de Pista, modalidad Persecución, ‘Los Super Ratones’.
La historia se remonta a los 80 cuando existían las dos Alemanias. El apodo se lo ganaron debido al color gris oscuro del uniforme del equipo de la República Democrática Alemania. El remoquete trascendió y ahora se les llama genéricamente a todos los germanos en la competición.

Carles Puyol, ‘Tarzán’.
Al capitán del Barcelona FC le llaman así por su melena desordenada y su parecido físico con la caricatura del ‘Rey de la Selva’. Además, porque pareciera que volara colgado de las lianas al momento de saltar a cabecear.

Clubes de Fútbol con apodos…La mayoría…

Los futbolistas brasileños son los únicos que en los campeonatos mundiales son llamados por sus apodos.

Holanda: La Naranja Mecánica (por su estilo de juego y color de camiseta)

Italia: La Azurra (Azul en italiano)

Xeneize: fue el primer apodo de Boca, surgido por el origen genovés de sus fundadores (xeneize=genovés)
Bostero: surgió del canto de los hinchas de River con motivo de las continuas inundaciones que sufría el barrio con las sudestadas. “La Boca, la Boca, La Boca se inundó y a todos los bosteros la mierda los tapó”. Este canto hiriente de sus clásicos rivales luego fue tomado por los propios hinchas de Boca como un motivo de “orgullo”.

 

ROSARIO CENTRAL

El origen de Rosario Central fue popular, asociado con los obreros del ferrocarril.
A los de Rosario Central se los conoce como «canallas» después de no haber aceptado jugar un partido amistoso con sus rivales tradicionales a beneficio de los enfermos de lepra del hospital Carrasco.

RIVER PLATE

Con el tiempo, River dejó el barrio, en 1923, e instaló su cancha en la Avenida Alvear y Tagle en Bs.As.. Con la llegada del profesionalismo, trató de armar un gran equipo y contrató a Carlos Peucelle, por quien pagó 10 mil pesos a Sportivo Buenos Aires. Allí nació el mote de «Los millonarios».
River estuvo 18 años sin conseguir títulos entre las décadas del 50 y el 70. Pero llegó a una final de la Copa Libertadores en 1966. El partido decisivo con Peñarol se jugó en el Estadio Nacional de Santiago de Chile. Ganaba River por 2 a 0. Los uruguayos empataron y debieron ir al suplementario. Allí Peñarol consiguió dos goles más y se quedó con la copa. Al regreso enfrentó a Banfield como visitante. Desde la tribuna local lanzaron una gallina con una banda roja. Desde entonces, los jugadores y los simpatizantes de River son gallinas. Por extensión, al Monumental le dicen «El Gallinero».

 

… de ciudades-

aquí, el turismo colabora…!!! encantado!!!

generalmente se utilizan para ensalzar, acrecentar los elogios como: Budapest -La perla del Danubio; Praga- La ciudad dorada; San Petersburgo- La ciudad de las noches blancas; El Cairo- La perla del Nilo ;Jerusalén- La ciudad santa ; Hollywood-La meca del cine.

Artistas famosos que tuvieron cambios en sus nombres y  que orgullosamente llevaron sus «motes» quedando de esa manera reconocidos,admirados e inmortalizados. (Nadie los menciona de otra manera)

 Arquitectos, escultores, orfebres y artistas en general

El Greco, como se lo conoce a Doménikos Theotokópoulos, pintor manierista que vivió en Toledo- (España) fácil de imaginar : era Griego .

Luigi Vanvitelli, nacido Lodewijk van Wittel – Italianizaron su nombre fue un famoso arquitecto e ingeniero de Nápoles-contruyó el Palacio de Caserta y el famoso Acueducto Carolino declarado Patrimonio de la Humanidad que lleva también su Nombre.

Pietro di Cristoforo Vanucci llamado El Perugino (Città della Pieve, h. 1448-Fontignano, febrero o marzo de 1523) fue un pintor cuatrocentista italiano, en transición hacia el Alto Renacimiento. El apodo de Il Perugino («el Perusino») proviene de su natal Perugia

 

 

 

 

Prudencia y Justicia                                                                                                                 Fortaleza y Templanza

Obras que hizo para el Palacio del Cambio de su ciudad el  famoso maestro de Rafael.

Luca d’Egidio di Ventura de Signorelli conocido como Luca Signorelli o Luca da Signorelli (Cortona, ¿1445? – 1523) en la frontera toscana fue un pintor cuatrocentista italiano. Aventajado discípulo de Piero della Francesca, de quien aprendió su tratamiento de la perspectiva. Mientras que su pericia en el dibujo de la anatomía se debe al influjo de Antonio del Pollaiuolo.
En Orvieto, produjo su obra maestra, los frescos en la capilla de S. Brizio entre 1499 y 1502(entonces llamada la Cappella Nuova), en la catedral.

Juicio final                                                                                                                     La Resurreción de los Muertos

Todos los frescos, inspirados en la Divina Comedia del Dante que realizó entre 1499 y 1502, constituyen sus capolavori (obras maestras), siendo por su apasionada violencia expresiva, la crudeza de la realización pictórica y la complejidad iconográfica los precedentes más significativos de Miguel Ángel y Rafael.

Jheronimus van Aken –conocido como Jheronimus Bosch, en España «El Bosco» (Bolduque, c. 1450-1516) fue un pintor del norte del Ducado de Brabante, en los actuales Países Bajos, El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y son relativamente pocos los que llevan una firma que pueda considerarse no apócrifa.

Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente como Verrocchio (Florencia, h. 1435 – Venecia, 1488)    fue un pintor, escultor y orfebre italiano.

Luca Giordano (Nápoles, 18 de octubre de 1634 – 12 de enero de 1705). Pintor barroco italiano. En España fue también conocido como Lucas Jordán, por la castellanización del nombre.  Su actividad, bastante prolífica, y su velocidad al pintar se reflejan en su apodo «Luca fà presto», palabras que al parecer su padre le decía para apremiarle en su trabajo.

Juan de Juanes o Joan de Joanes (Fuente la Higuera (Valencia), 1523 – Bocairente (íb.), 1579), nombre por el que se conoce a Vicente Juan Macip. del Renacimiento español.

Cristo en La última cena   de Juan de Juanes                                                                                                                                                     El David de Verrocchio

 

Beato Angélico O.P. Fra Angélico O.P. o Fray Juan de Fiésole O.P (Vicchio di Mugello (Florencia) 24 de junio de 1390 c. – Roma 18 de febrero de 1455), pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el «Beato Angélico».

La Pasión de Cristo- (Todos los atributos del martirio) con María y Santo Tomás de Aquino

Luis de Morales – «El divino»(Badajoz, Extremadura, 15091 – 15862 ), es un pintor español de estilo manierista.
Debido a la fama que disfrutó en vida y a la predilección por temas religiosos en sus obras, fue llamado «El divino Morales»En su pintura se observa un alargamiento de las figuras y el uso de la técnica del esfumado leonardesco.

                               Flagelación de Cristo en La catedral de la Almudena

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli (Florencia, 1 de marzo de 1451 -Florencia, 17 de mayo de 1510), fue un pintor del Quattrocento italiano.

La Primavera                                                                                                                       El Nacimiento de Venus

Pero la realidad es que…

…a algunas  personas no les importa que ignoren sus nombres y  toman estos  «Motes» como algo jocoso – humorístico o como sentimiento de afecto, amistad tal vez de admiración. Pero en muchos casos,   sino es en la mayoría, causan dolor, ira, rabia y sufrimiento. El impacto puede ser tan negativo que van calando  la autoestima y minando la parte emocional.  Como ocurre siempre … la otra parte,  (porque siempre la hay) quién pone los apodos, también está en problemas: si el «Mote» es ofensivo, demuestra, pese al ingenio, la chispa y brillantez usada, poca capacidad de aceptar las diferencias…

 Que Dios perdone nuestro entendimiento!!!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Dos puertas…

…Las del Paraíso de Ghiberti y más de cuatro siglos después…las del Infierno de Rodin.

Dos técnicas diferentes con un mismo fin. Una cumple sus funciones de puerta, la otra no, nunca se colocó en el lugar para la que fue programada, ambos artistas dejaron  «la vida» en ellas,  dos hombres que en su tiempo hicieron historia.

Ambas obras; bellísimas, ambas conmueven profundamente,  ambas son únicas y admirables.

 

«Las Puertas del Paraíso»

El Baptisterio de San Juan en Florencia tiene una gran importancia en la historia del Arte Occidental. Su planta octogonal simboliza los ocho días de la Resurrección de Cristo, así como la vida eterna dada a través del bautismo. Sus tres puertas están compuestas por relieves narrativos que se fueron llevando a cabo a lo largo del tiempo.

En 1330 con el escultor y arquitecto Andrea Pisano quien se encargó de la puerta sur del baptisterio l sería la 1ª puerta.  Las otras dos a cargo de Ghiberti. Después de ganar el concurso para la 2ª puerta en 1400, se volcó a la tarea e involucró durante largos años a  muchos ayudantes, algunos de los cuales luego se convirtieron en grandes artistas  del  Renacimiento Italiano, como Michelozzo, Donatello, Uccello. Su taller de fundición  fue una herramienta extraordinaria para el desarrollo y evolución  de la escultura florentina. El trabajo de creación  se dilató 24 años, 1401-1425.

La Puerta del Paraíso  es la 3ª de las puerta se encuentra ubicada al lado este del baptisterio de San Juan, en el ingreso principal al recinto, que además da hacia la fachada de la catedral de Santa María del Fiore de Florencia. Eligió como tema los hechos del Antiguo Testamento, narrados en diez amplias escenas, contenidas en marcos rectangulares de una belleza extrema. Los frisos verticales reproducen elegantes figuras de cuerpo entero y cabezas rodeadas por marcos circulares. La tercera pareja de cabezas del friso central de la puerta, empezando a contar desde abajo, está formada por los retratos del escultor (a la derecha) y de su padrastro y maestro, Bartolo di Michele, llamado Bartoluccio (a la izquierda).

El estilo del artista había cambiado mucho utilizaba las nuevas normas, escenas  más ricas en detalles  animadas por un claroscuro que les confiere un vivaz efecto “pictórico”. El paisaje y los edificios del fondo, según las reglas de la perspectiva, es decir, disminuyendo la altura del relieve, a medida que las figuras se alejan del primer plano las termina en 1452 dos años antes de su muerte.

 

El resultado final fue tan espléndido que justamente se decidió colocarla en la sección oriental por ser la más jerarquizada de todas. Se dice que fue Miguel Ángel quien las bautizó como las «Puertas del Paraíso», porque por su belleza y perfección merecían estar en la entrada del Paraíso.

 

«Las puertas del Infierno»

La obra fue encargada a Rodin el 16 de agosto de 1880 en nombre del estado francés.Según los términos de la comisión la puerta debía estar «adornada con bajorrelieves que representaran a la Divina Comedia de Dante» . Ésta se tenía que colocar como entrada del futuro Museo de Artes Decorativas de París siguiendo el modelo del Museo de Victoria y Alberto en Londres. El proyecto nunca se llevó a cabo, Rodin invirtió en ella toda su energía hasta el final de su vida en 1917.

Rodin tuvo listo el yeso a principios de 1886, pero no quedó satisfecho porque consideró que varios de sus elementos podían ser autónomos. Y, aunque se esperaba que mostrara su trabajo final en la gran Exposición Universal de París de 1889, no sucedió así.

La única vez que Rodin mostró su conjunto escultórico al público fue durante la Exposición Universal de París de 1900. En aquella ocasión se le reservó un espacio particular en el Pabellón del Alma.

Para sorpresa de todos…La puerta que se expuso se presentaba despojada de sus elementos principales.

En lugar de las figuras estaban anotaciones que servían como referencia para la ubicación de cada personaje. Varias fueron las lecturas que trataron de justificar tal elección. Se pensó que el gusto estético de Rodin había evolucionado hacia una mayor abstracción, otras ven en aquella elección una simple falta de tiempo. Lo cierto es que el escultor nunca explicó claramente esta circunstancia.

Apartir de 1920 se llevan a cabo las versiones en bronce Rodin no logró ver la fundición de su magna obra.

La Puerta se compone de más de 180 figuras.

De ella emergieron: «El pensador», «El beso», «Las tres sombras», «Adán y Eva», etc.
Debía de estar decorada con once bajorrelieves representando la Divina Comedia de Dante.  A Rodin, las puertas de Ghiberti del siglo XV le sirven de inspiración.

Las enormes puertas (de 5,58 metros de altura) tienen en la parte más alta, el grupo de «Las tres Sombras», con un enfoque extremadamente moderno( es, en realidad, la triple repetición de la misma figura con un brazo amputado). En el tremó, «El Pensador» (el propio Dante) se alza por encima del abismo. En el batiente de la derecha, reconocemos a Ugolin. En el de la izquierda, Paolo y Francesca  «El beso» se integran en un desliz de cuerpos.

El conjunto emerge de las  lavas hirvientes. Las poses convulsas traducen la desesperación, el dolor, la maldición. Las formas invaden la estructura, hasta tal punto que a veces sustituyen los elementos arquitectónicos. El patetismo de la obra enlaza quizá con la visión trágica de «Las flores del mal», del poeta Baudelaire.

Obra simbolista por excelencia que deja total libertad a la imaginación, el altorrelieve da paso a la vehemencia y al poder expresivo del cuerpo humano, en un espacio indeterminado, extremadamente perturbado por los juegos de sombras y de luces.

Luego de la exposición la obra es trasladada a Meudon, pues Rodin quiere tenerla cerca suyo, a pesar de lo cual jamás la terminará. Este modelo en yeso es considerado el más auténtico de los modelos y fue restaurado en julio- agosto de 1917.

Pero, al desmontarla se habían tomado referencias muy precisas, las que permitieron a Léonce Bénédite, el futuro conservador del Museo Rodin reconstruir un modelo completo a comienzos de 1917, actualmente expuesto en el Musée d’Orsay como había sido programado  en un principio.   La primera edición en bronce fue realizada a  mediados de 1920 por parte del Museo Rodin, a esta siguieron sietes versiones hoy colocadas en varios países del mundo a partir del modelo original en yeso. Estas versiones están repartidas en museos de: EEUU -Corea-Japón – Suiza y México.

De un segundo modelo se realizaron en 1921, tres vaciados en bronce que se encuentran en Filadelfia, París y Tokio.

Las Puerta en  yeso que exhibe el Museo d`Orsay de París

Cristina de Suecia

La reina Cristina de Suecia fue una de las monarcas más destacada de la historia del país escandinavo. Inteligente, recta, responsable, la hija del rey Gustavo II, llevó la corona sueca con dignidad y resolución. Pero tras pocos años de reinado, Cristina abdicó en su primo sin dar una razón explícita del por qué de su abdicación.

La Guerra de los Treinta Años llegaba a su final  después de tres décadas de masacres, enfermedades y saqueos que asolaron el corazón de Europa. Se firmaron los tratados de paz de Osnabrück el 15 de mayo de 1648 y de Münster el 24 de octubre de ese miso años, aunque sería más conocido en los libros de historia como la Paz de Westfalia, en virtud de la cual Suecia estableció su hegemonía en el Mar Báltico quedando en su poder buena parte de Pomerania y las ciudades de Bremen y Wismar entre otros territorios alemanes, lo que además le permitía participar en la Dieta Imperial donde se elegía a los emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico, convirtiendo a Suecia en una de las grandes potencias europeas.

Su coronación fue «una fiesta inolvidable»

El carruaje utilizado por la reina es uno de los objetos más importantes de la historia del ceremonial sueco del siglo XVII. Fue diseñada por el italiano Gianlorenzo Bernini, el más influyente escultor de la época. Estaba completamente tapizada de terciopelo bordado en oro y tirada por seis caballos blancos con libreas doradas. Por 300 años los magníficos textiles que cubrían el carruaje se han conservado en la Real Armería, al igual que los arneses completos del tiro de caballos.

La procesión a Storkyrkan, la Gran Iglesia de Estocolmo, era tan larga que cuando los primeros carruajes llegaron a la iglesia, los últimos aún no habían abandonado Jacobsdal. Los cuatro estados –nobleza, clerecía, burguesía y campesinado- fueron invitados a cenar en el castillo.

Había fuentes en la plaza del mercado emanando vino, se sirvió carne asada, y brillaban las iluminaciones de festejo. Los participantes fueron vestidos con trajes de fantasía, como en un carnaval, la coronación de la reina  en octubre de 1650 fue una de las ceremonias más lujosas de la historia de Suecia. Cientos de encargos se hicieron en París durante varios años antes del evento. Cristina en el Castillo de Jacobsdal –hoy conocido como Palacio Ulriksdal-, unos 6 kms al norte de Estocolmo, subió a su carroza de coronación.

El 20 de octubre de 1650 Cristina era coronada oficialmente como reina de Suecia en la catedral de Estocolmo y no en la de Uppsala como era tradición, en este caso la superstición se mostraría acertada y el reinado fue breve.

Su madre, la reina viuda María Leonor, asistió a la coronación , era la primera vez que madre e hija se veían en diez años desde que María Leonor se fugara a Dinamarca. «desde su llegada al trono reemplazó los torneos medievales y las bárbaras costumbres del norte por veladas musicales , animadas tertulias literarias, fastuosas fiestas y representaciones teatrales que igualaban a las de Versalles».

«Descartes en la corte de la reina Cristina de Suecia» del pintor francés Pierre Louis Dumesnil (1698-1781) El filósofo René Descartes , el primero por la derecha señalando un papel en la mesa con una figura geométrica a la reina Cristina de Suecia que estaba sentada frente a él.

René Descartes viajó a Suecia en otoño contra el consejo de los que le habían advertido de los fríos inviernos suecos, pero el filósofo tenía muchas ganas de conocer a aquella mujer cuya erudición ya era célebre en toda Europa.

La primera vez que se entrevistaron, Cristina lo recibió a las cinco de la madrugada en la gélida biblioteca de su palacio, el Palacio de las Tres Coronas. Sin embargo, a pesar de su inteligencia y erudición, a René Descartes, Cristina la decepcionó precisamente por su insaciable curiosidad que según él era contrario a la serenidad y paciencia necesaria para reflexionar y hallar el conocimiento «Dominaba diez idiomas -escribe Descartes – lo había leído todo y sentía curiosidad por lo nuevo, exactamente lo contrario para alcanzar el conocimiento y la capacidad de juicio» Aún así parece que Descartes tendría una gran influencia en la conversión de la reina al catolicismo.

La nobleza de su país le exigía que contrajera matrimonio para tener descendencia . Después de dilatarlo lo más que pudo el 6 de junio de 1654 en Uppsala se produjo la ceremonia oficial de abdicación ,  ella seguiría manteniendo el título de reina , su primo coronado como el nuevo rey de Suecia con el nombre de Carlos X Gustavo.

Cristina se apresuró a abandonar Suecia a caballo para dirigirse primero a Dinamarca y desde allí a Hamburgo. Durante el viaje «se hizo cortar el pelo, vestía ropas de hombre, iba armada con un fusil y se hacía pasar por el conde Dohna» y cuando por fin atravesó la frontera entre Suecia y Dinamarca, se apeó por un momento del caballo y exclamó «¡Por fin soy libre!»

Comenzaba una nueva etapa en la vida de la reina que se convertiría por muchas y controvertidas razones en el asombro de Europa.
Su posterior conversión al catolicismo pudo ser una de las causas de su abdicación.

Cristina vivió el resto de su vida fomentando el arte y la cultura.

 

 

La llamada Minerva del Norte murió en Roma el 19 de abril de 1689.

A pesar de haber pedido ser enterrada con sencillez en el Panteón de Agripa, el papa Inocencio XI decidió honrarla con un funeral de Estado fue enterrada en las Grutas Viejas de la nave central de la Basílica de San Pedro del Vaticano.

Años después, otro papa, Clemente XI, ordenaba a Carlo Fontana que erigiera un precioso monumento funerario en la misma basílica.

Anna Pavlowa

 

Nació el 31 de enero de 1881 en San Petersburgo. Pasó su infancia junto a su madre en Ligovo, en pleno campo. Con diez años, Anna consiguió ingresar a la Escuela de Ballet del Teatro Mariinsky de San Petersburgo que dirigía Marius Petipa. Allí recibió formación en ballet clásico con los profesores Pavel Gerdt, Christian Johansoon y Eugenia Sokolova; ellos la guiaron a través de la tradicional, noble y elegante escuela francesa. Nueve años más tarde, ya graduada, Pavlowa ingresó al Ballet Imperial, donde, además de intervenir con frecuencia en el repertorio de la compañía, tomó clases con Enrico Cecchetti, las que le dieron la fuerza y el virtuosismo propios de la escuela italiana.

 

En 1905,ya era Prima Ballerina del Teatro Marinsky. Su figura delgada, frágil, de brazos largos y pies extremadamente arqueados, cambiaron para siempre el ideal de la bailarina clásica que, por ese entonces, solían ser mujeres corpulentas y musculosas.

 

Ese mismo año nacieron su fama y la leyenda, cuando Michel Fokin compuso especialmente para ella, un breve solo: “La Muerte del Cisne”, con música de Camille Saint-Saens –agónica evocación mitológica del ave– que emocionó hasta las lágrimas a millones de espectadores por la conmovedora interpretación de La Pavlowa.

 

Las excepcionales virtudes de la bailarina hicieron que Sergei Pavlovicht Diaghilev la invitara a participar en el debut de los Ballets Russes, en París, en 1909, junto a otra leyenda del ballet, Vaslav Nijinski. La pareja bailó en “Le Pavillon d’Armide” y “Les Sylphides”, antes conocida como “Chopiniana”, pero su permanencia  en los Ballets Russes fue breve, desinteligencias con Diaghilev los distanciaron. Ella defendía el ballet clásico: creía que las tendencias innovadoras del empresario amenazaban el arte del ballet. Diaghilev, por su parte, buscaba renovarlo con el aporte de jóvenes músicos, coreógrafos, artistas plásticos e intelectuales de vanguardia. Pavlowa, querida y admirada por millares de espectadores, solo deseaba llegar al corazón con su arte.
Anna amaba la naturaleza, las aves, las flores, los insectos; sobre el estanque del amplio parque de Ivi House, su residencia en Londres, se deslizaban inmaculados cisnes: Jack era su preferido.

Después de 18 años de giras agotadoras y más de 4.000 representaciones, era evidente que el público, fascinado por la seducción que emanaba de su arte, solo quería ver y admirar a La Pavlovwa.

Así lo comprendió y entendió que cada representación debía ser un rito y ella el oficiante. Lo dejó entrever a la prensa cuando declaró: “Crecí con la convicción de que el arte está cerca de Dios. Por consiguiente es algo sagrado. Cometer cualquier acto que lo degrade, sería lo mismo que saquear un templo”, “Nadie puede adquirir talento. Sólo Dios lo otorga; el trabajo transforma el talento en genio”.

Su repertorio pasó a ser cada vez más nostálgico, formado por ballets clásicos abreviados o pequeñas piezas coreografiadas por ella: “Hojas de Otoño”, “Amarilla”, “La Rose Mourante”, “La Libélula”, que pretendían capturar la inimitable exquisitez de “La Muerte del Cisne”, aunque solo tenían como atractivo artístico a la extraordinaria bailarina, cuya gracia y delicadeza transfiguraban al público.

 

 

Después de unas vacaciones navideñas– tuvo un accidente el tren donde ella retornaba; vestida con un ligero abrigo, caminó sobre la nieve, para saber qué había sucedido. Días más tarde le diagnosticaron neumonía, el “cisne” estaba solo, su salud empeoraba rápidamente. Agonizando pidió que le alcanzaran su vestido de cisne: “tocad aquel último compás…” fueron sus últimas palabras.

 

 

 

Dos días después de su muerte –el 23 de enero de 1931, en el Hotel Des lndes de La Haya– tuvo lugar en Londres una función de ballet. Cuando terminó el primer intervalo, el director de Orquesta se dirigió al público para anunciar que se interpretaría “La Muerte del Cisne” en homenaje a Anna Pavlowa.

Lentamente se alzó el telón sobre el escenario oscuro y vacío, cuando comenzó el doliente diálogo entre el chelo y el arpa una luz cenital iluminó y recorrió la escena como si siguiera a la figura danzante.

Muchos espectadores lloraron, creyeron estar viendo el espíritu del “Cisne Inmortal”.

 

 

Piranesi: maestro del grabado

 

 

 Giovanni Battista Piranesi -1720-1778 -Obra de Francesco Piranesi (su hijo)

 

En 1740, Piranesi visitó por primera vez Roma y se quedó maravillado de la decadente belleza que atesoraban las antiguas ruinas romanas. En este sentido, sus grabados le convierten en un precursor del Romanticismo. Las Antichità romane (Antigüedades romanas) fijaron una imagen misteriosa de la ciudad sometida al paso del tiempo y abrieron el camino a los paisajes metafísicos de Giorgio De Chirico y Salvador Dalí

Piranesi nació en Mogliano Veneto, en 1720 que entonces pertenecía a la República de Venecia y  fue: arqueólogo, arquitecto, investigador y grabador ténica que aprendió con Giuseppe Vasi con quién tiene algunas obras firmadas.

 

 El Coliseo

 

Realizó más de 2.000 grabados de edificios reales e imaginarios, estatuas y relieves de la época romana así como diseños originales para chimeneas y muebles.
Sus grabados , muchos de ellos de gran formato y ordenados en libros, se exportaron rápidamente a Inglaterra y otros países, a modo de souvenirs del Grand Tour, antecedente del moderno turismo cultural. Esas láminas influyeron en la arquitectura palaciega, especialmente en las casas campestres inglesas.

Muchas planchas del artista se siguieron imprimiendo hasta principios del siglo XIX y pasaron a la actual Calcografia Nazionale de Roma, fundada por el papa Clemente XII, donde aún se conservan.

Existen grabados de Piranesi en casi todas las bibliotecas de Europa. En España, destacan los fondos de la Biblioteca Nacional y del Museo de Bellas Artes de Valencia, que posee unas 880 láminas, casi todas adquiridas en el mismo siglo XVIII.

Le carceri d’Invenzioni  el poder de su imaginación

 

 

Su hijo Francesco 1758-1810 reeditó algunas de sus planchas que años después fueron admiradas por los surrealistas. Su influencia llego hasta las películas de terror del s. XX  dejándose sentir también en escenógrafos y pintores de «caprichos» como su amigo Hubert Robert y más aun en la imaginación literaria.

En 1761 se convirtió en miembro de la Academia di San Luca de Roma. Murió en 1778 y fue enterrado en la única iglesia que construyó: Santa María del Priorato. sede de los caballeros de la Orden de Malta en el Aventino.

La Escuela de Atenas

 

La Escuela de Atenas es uno de los conjuntos más grandiosos de la pintura renacentista. Fue pintada por Rafael y sus discípulos entre 1508 y 1524  por encargo del Papa Julio II para realizar un proyecto integral de renovación de sus estancias personales: la decoración de la «La Stanza della Segnatura» para  convertirla en su biblioteca privada.

Está situada en el Vaticano en el ala conocida como las «Estancias de Rafael».Las cuatro estancias,  eran parte de los aposentos situados en el segundo piso del Palacio Pontificio, escogidos por Julio II (pontífice desde 1503 hasta 1513) en  pleno Renacimiento.

«La Stanza della Segnatura» fue la primera en ser decorada, y» La escuela de Atenas» la segunda pintura en ser finalizada, tras «La disputa del Sacramento».

 

La obra muestra a  los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. Los distribuye  bajo  una arquitectura clásica, abovedada como unas termas. Esta arquitectura recuerda el proyecto de la Basílica de San Pedro elaborado por Bramante.

Su base es de 7,70 m y su altura de 5,00 m.

En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes.

En el centro de la composición, alrededor del punto de fuga. Platón está sosteniendo el Timeo y Aristóteles sostiene una copia de su Ética a Nicómaco. Ambos debaten sobre la búsqueda de la Verdad y hacen gestos que se corresponden a sus intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo, simbolizando el idealismo dualista racionalista que es su pensamiento mientras que Aristóteles la tierra, haciendo referencia a su realismo sustancial racional teológico.

 Aristóteles

El rostro de Platón  es el de su contemporáneo Leonardo

                                                                

 

                                                                                                                                  Miguel Ángel – Heráclito

A la izquierda, de la obra se encuentra un gran bloque de piedra cuyo significado puede estar conectado con la Primera epístola de Pedro; simboliza a Cristo, la «piedra angular». El hombre ubicado sobre el bloque es Heráclito, con los rasgos de Miguel Ángel. Este personaje no estaba en el esbozo o cartón de este fresco, que se conserva en la Biblioteca Ambrosiana de Milán. Se retrata en esta figura a Miguel Ángel, como se ve en el rostro, que es el del pintor florentino ligeramente mejorado, además de en las características stivali que calza: eran unas botas de montar que el pintor florentino no solía quitarse; está escribiendo uno de sus sonetos. En 1510, Rafael vio el trabajo  en la bóveda de la Capilla Sixtina, tras esto lo agregó en su pintura como señal de respeto hacia el artista

También  vemos a Averroes y Pitágoras

                                                                                                         Rafael Sanzio como Apeles

El autorretrato de Rafael está ubicado a la derecha del cuadro, el joven que observa al espectador, tocando con un sombrero redondo de color azul,sería Apeles; a su lado, Perugino el pintor con idéntico sombrero pero en blanco.

A la izquierda de la pintura se encuentra Hipatia de Alejandría fue una de las mujeres más importantes en el ámbito de la ciencia en la Antigüedad aquí pintada como Margherita Luti al parecer, amante de Rafael, vestida en blanco, y observando al espectador. (Ellos son los únicos que  nos miran).

Hipatía

Para la perspectiva, Rafael se inspira en  Leonardo, pero la admirable composición de las figuras es el arte propio del autor. Es un fresco de una gran simetría, los arcos de medio punto situados en el centro, los 58 personajes dispuestos en el cuadro como si quisieran equilibrarlo. Se puede apreciar un sólo punto de fuga que coincide con el centro del arco central. Del fondo del cuadro proviene una luz diáfana que ilumina toda la composición.

                                                                                                                          Bramante,  como Euclides,

La arquitectura renacentista de este fresco es un homenaje a su gran amigo Bramante (algunos dicen que eran parientes). Este arquitecto había proyectado la  Basílica de San Pedro  compuesta por amplios salones, blancos mármoles y una luminosa cúpula con arcadas abiertas al cielo.

Los frescos de Rafael y los proyectos romanos de Bramante celebraban el momento de mayor esplendor del Renacimiento.

 

 

 

También vemos:

Diógenes aparece tumbado sobre los escalones, en un gesto muy representativo de su sobriedad. Perteneciente a la escuela cínica se regía por los principios de autonomía y desprecio de los usos de la sociedad.

 

Es el retrato de Julio II, hacen pensar que fue el modelo de Rafael para Plotino, filósofo neoplatónico autor de las Enéadas. Como eje principal de su doctrina estaba su teoría de la trinidad compuesta por el Uno, el nous y el alma. Heredero de Platón y Aristóteles, centró su doctrina en la metafísica y el misticismo. Fue fuente de inspiración para numerosos filósofos y místicos cristianos.

Sócrates es considerado como uno de los tres máximos representantes de la filosofía griega, junto a Platón, su discípulo y Aristóteles. Fue el verdadero iniciador de la filosofía en cuanto que le dio su objetivo primordial de ser la ciencia que busca en el interior del ser humano.

 

La filosofía de Epicuro, se caracteriza por situarse en el lado opuesto a la filosofía platónica: afirma que no hay más que una realidad, el mundo sensible, niega la inmortalidad del alma y afirma que ésta, al igual que todo lo demás, está formada por átomos, afirma el hedonismo en la teoría ética y como modo de vida y rechaza el interés por la política y, frente a la reestructuración de la sociedad que, afirmaba Platón, objetivo del filósofo, prefiere un estilo de vida sencillo y autosuficiente encaminado a la felicidad en el que la amistad juega un papel fundamental.

En nichos, a los lados del primer arco, están las estatuas de Apolo y Atenea, referidas a los modelos clásicos.

El significado de las dos figuras se aclara en los bajorrelieves situados debajo:una lucha de desnudos y Tritón que rapta a una vida, simbolizan la violencia y los deseos sensuales
que dominan la parte inferior del alma humana y deben ser dominados y guiados por la autoridad de la razón, representada por Apolo.

Las alegorías bajo Atenea , que parecen simbolizar la actividad de la inteligencia, gobernada por la divinidad. Otras estatuas y bajorrelieves se entrevén en escorzo en las paredes de la nave. Los medallones en las pechinas de la cúpula representan a un hombre que alza los ojos y a una mujer que posa un brazo sobre el globo terrestre.
«La Escuela de Atenas»  trata de reflejar una idea: el renacer de la Antigüedad y la grandeza de un presente triunfante en la Roma .

Existe una reproducción de este fresco en el auditorio de Old Cabell Hall en la Universidad de Virginia –  EEUU. Fue realizada en 1900 por George W. Breck para reemplazar una antigua  destruida por un incendio en 1895,con una  ligera diferencia de cuatro pulgadas con la original .