Vanidad…Vanidad… pura Vanidad…

John Singer Sargent nació en Florencia-Italia en 1856 – Londres 1925- fue un pintor anglo-estadounidense, considerado el «retratista más éxitoso de su generación».

En 1885 pasó el verano en casa de Francis Davis Millet– Pintor ilustrador, decorador, etc. su amigo, poco después de huir apresuradamente a Inglaterra desde París, por el escándalo suscitado por su cuadro de 1884 -«Retrato de Madame X«.

Allí, en casa de su amigo, mejor dicho, en su florido jardín surge esta obra de Sargent…

«Carnation, Lily, Lily, Rose»– de 1885-86. ​

Sir Frederic Leighton, presidente de the Royal Academy, instó a la Tate Gallery a comprarlo usando fondos de Chantrey Bequest. El título es de la popular canción «Ye Shepherds, Tell Me»-«Pastores, decidme»- de Joseph Mazzinghi, que menciona a la diosa Flora que llevaba «una corona en su cabeza, llevaba clavel, lirio, lirio, rosa».

El título de la obra surgió solo… el autor y sus amigos frecuentemente la cantaban alrededor del piano de la casa donde se pintó. La canción hace la pregunta: «¿Has visto a mi Flora pasar de esta manera?» la respuesta es: «Carnation, Lily, Lily, Rose»…

La obra: un estudio sobre la luz

En la pintura aparecen dos niñas de blanco encendiendo linternas de papel al anochecer rodeadas de rosas rosas, claveles color crema, detrás y arriba lirios blancos. Estas flores tenían significados diversos para los victorianos dependiendo de su color y cantidad. Simbolizaban esperanza y fe. Al clavel se le conoce como la “flor de Zeus” y las rosas rosadas, símbolo de la felicidad.

El cuadro está dominado por follaje verde sin línea horizontal para dar la sensación de profundidad. Al espectador, le parece estar al nivel de las niñas, pero a su vez, ignorándolas.

Las niñas son: Dolly de 11 años, a la izquierda y Polly Barnard de 7 años hijas del ilustrador Frederick Barnard – otro de sus amigos.

Hay claveles de color bordó y crema sobre tallos azul verdosos en la parte inferior de la composición

con rosas rosadas a cada lado

y lirios blancos alrededor y arriba. Ocho faroles de papel y globos que cuelgan entre las ramas y tallos alrededor de las chicas, que resplandecen y se ven hermosas contra el color de las hojas y tallos que las rodean. De vez en cuando, lirios justo frente de una linterna, para crear una forma retroiluminada, contrastando con las hojas de color verde oscuro y los faroles de un naranja brillante. El follaje verde cambia gradualmente de arriba hacia abajo. Las hojas y tallos en la parte superior son de un tono verde brillante, mientras los que están en la inferior de la composición, de un color azul verdoso.

Sargent se inspiró en las linternas que vio colgadas entre los árboles mientras navegaba por el río Támesis, en Pangbourne, con el artista estadounidense Edwin Austin Abbey en septiembre de 1885. Quería capturar el exacto nivel de luz en la oscuridad por lo que se sirvió del plenairismo– al exterior, al modo impresionista. Cada día de septiembre a noviembre de 1885, pintaba solo unos minutos cuando la luz era perfecta, la llamada «hora azul«.

Siguió pintando el cuadro el verano siguiente en la casa nueva de Millet en Broadway –Worcestershire-y lo terminó a finales de octubre de 1886. Mientras trabajaba, cortó el lienzo rectangular para que quedara de forma casi cuadrada.

Presentada esta obra un año después en la Royal Academy de Londres, le proporcionó el título de: » Apóstol de la escuela de las motas y manchas de color «. El artista, había utilizado de la técnica  impresionista para pintar los faroles y las flores en la que contrastan delicadamente las pinceladas rosas y malvas . 

Fue el primer cuadro que le compró un museo público y este fue nada más ni nada menos: La Tate Gallery.

Vanidad todo es vanidad…

Mientras Sargent estuvo residiendo en París, fue muy exitoso, compuso cerca de 900 pinturas al óleo y más de 2.000 acuarelas, sin excluir sus múltiples bocetos y dibujos al carboncillo.

Podemos asociarlo con el género pictórico Impresionista y Modernista. Los mejores retratos de Sargent, revelaban la personalidad de sus modelos, hasta que se le ocurrió realizar su obra más controvertida:  Madame Pierre Gautreau, 1884- la esposa del banquero francés Pierre Gautreau. Ella era famosa en la alta sociedad por su belleza e infidelidades. Orgullosa de su apariencia, vestía sofisticadamente y no dudaba en empolvarse y teñirse el cabello en un tiempo en que maquillajes y tintes estaban proscritos para damas honestas. Su belleza poco convencional fascinaba a los artistas.

Después de algunos bocetos de 1883

y de un cuadro sin terminar que actualmente lo tiene la Tate Gallery.

Cuando se mostró esta obra en 1884 generó una reacción negativa…tanto es así, que el pintor se trasladó a vivir a Londres.

La confianza de Sargent en sí mismo era tal, que le llevó a intentar un experimento arriesgado que no le salió… para nada bien.

No se trataba de un retrato de encargo, sino que, a diferencia de lo que era habitual, Sargent se lo ofreció a la retratada.

El retrato del escándalo

Sargent escribió a un conocido mutuo: «Tengo un gran deseo de pintar su retrato y tengo razones para pensar que ella lo permitiría, y está esperando que alguien se lo proponga como un homenaje a su belleza… debes decirle que soy un hombre de un talento prodigioso»…

Completar la pintura le llevó alrededor de un año.​ La primera versión del retrato de Madame Gautreau, con su famoso escote, la piel blanca y la arrogante posición de la cabeza, incluía un tirante caído que incrementaba el efecto global, haciéndolo más atrevido y sensual. 

La pose altiva y el vestido demasiado revelador, hirieron la sensibilidad francesa, considerándose una indiscreción al sugerir la reputación de la dama, lo que se tomó por un ultraje escandaloso.

Un crítico francés escribió, que si uno se paraba ante el retrato durante su exposición en el Salón, «oía  las maldiciones en lengua francesa» como todos… por lo visto sin excepción, los franceses toleraban el adulterio, pero no lo admitirían jamás abiertamente…

Madame Avegno, la madre de Virginie, le rogó encarecidamente a Sargent que retirara el retrato del Salón, pero lo único que hizo el pintor fue: repintar el tirante en su sitio y renombrar el cuadro como «Retrato de Madame X», para aportarle un toque misterio.

Sargent dejó de recibir encargos en Francia.

Ya no era extraño que una mujer de la clase social de Virginie posara como modelo y ningún escándalo sucedió después con el retrato que le hizo de Courtois en1889 a pesar del bretel caído…

y del retrato que le hiciera de la Gándara de 1898…

La obra de Sargent fue vista como un desafío a las convenciones al insinuar el estilo de vida inmoral de la mujer, a pesar del título, su identidad era reconocible… con un atrevido traje de noche, sin guantes y con ceñido vestido negro de vertiginoso escote solo sostenido por tirantes de pedrería encima uno de ellos caído. 

Sargent, comentó a su amigo Edmund Gosse  en 1885  durante este desdichado episodio que estaba considerando abandonar la pintura para dedicarse a la música o los negocios…

En Londres, Sargent se convertiría en uno de los más solicitados retratistas de la alta sociedad británica y estadounidense, mientras Madame Gautreau cayó en el ostracismo… bueno… digamos, por un corto tiempo.

 Sargent comentó en 1915 cuando ofreció esta obra al Met. de N.Y.-

«Supongo que es lo mejor que he hecho». Y el museo se lo compró.

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«Pau»

Pablo Casals–Dibujo de Ramón Casas

Pau Carles Salvador Casals i Defilló– nació el 29 de diciembre de 1876, en El Vendrell– Cataluña-España ciudad cerca de Barcelona. Rodeado de música, Pablo, aprendió a cantar antes que hablar. Es considerado en la actualidad uno de los mejores violonchelistas de todos los tiempos.

Su padre, músico español, enseñaba música y tocaba el órgano en la iglesia para aumentar sus ingresos, su madre puertorriqueña, hija de catalanes. Comenzó sus estudios músicales con el piano y se interesó en el cello después de ver el instrumento en un recital de música a los once años. Su padre le construyó uno. Su madre lo inscribió en la Escuela Municipal de Música de Barcelona y luego pasó al Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con el magnífico Víctor Alexander Marie Mirecki Larramat profesor español de Cello de origen franco-polaco. El joven Pablo se enfrentó con estrictos instructores, todos muy competentes…pero el prefería tocar el violonchelo a su manera.

Introdujo nuevas posibilidades técnicas sorprendentes, logrando más expresividad. Su progreso fue extraordinario, cautivó al público e hizo del Cello un instrumento popular.

Su amor por Bach

En 1890, mientras Casals y su padre visitaban una librería de Barcelona, encontró un volumen de seis suites de Bach para violonchelo. Las suites eran consideradas ejercicios musicales, debido a su dificultad, pero Casals vió en ellas algo mucho más profundo y deleitante, descubrió su belleza. Estudió y practicó las suites todos los días durante más de una docena de años antes de interpretarlas públicamente y continuó tocando, al menos una suite, todos los días por el resto de su vida.

Intérprete notable

En el Carneggie Hall 1917

Su exquisita concepción del fraseo, su perfecta afinación y su prodigiosa técnica le hicieron triunfar ante los auditorios más exigentes: Londres, París o Viena, al lado de las más grandes orquestas, batutas e intérpretes más destacados.

Con el violinista Jacques Thibaud y el pianista Alfred Cortot, constituyó a partir de 1905 un trío mítico.

Durante la primera guerra mundial se mudó a New York.

En 1917 anunció su decisión de no volver a actuar en Rusia, tras los sucesos de la Revolución rusa y la implantación del sistema comunista. En los años posteriores extendería esa decisión a todos los países llamados comunistas donde no hubiese «democracia».

Paralelamente a su actividad como solista, el músico empezó a prodigarse como director de orquesta, fundando en Barcelona, en 1920, la Orquesta Pau Casals.

En 1926 creó en Barcelona la Associació Obrera de Concerts -una entidad independiente cuyo objetivo era permitir el acceso de la clase trabajadora a la enseñanza de la música y la audición de conciertos.

En 1933 rechazó una invitación para actuar en Alemania a causa de la llegada al poder de Adolf Hitler, cuya doctrina detestaba. Manifestó su intención de no tocar en ese país hasta que no hubiese un cambio de régimen político pese a haber sido amenazado por los nazis con quemarle las manos.

En 1936 comenzó la Guerra Civil Española. Casals apoyaba a los Republicanos y organizó conciertos benéficos para las víctimas de la guerra. Realizó muchas grabaciones a lo largo de su carrera de música solista, de cámara y orquestal, incluidas algunas como director, pero quizás sea más recordado por las grabaciones de las suites para violonchelo de Bach que realizó entre 1936 y 1939.

Tiempo de silencio…

Se exilió cuando las fuerzas fascistas ganaron la guerra y después de la segunda guerra mundial Pablo dejó de tocar su violonchelo públicamente para protestar por la dictadura de Francisco Franco y las violaciones de los derechos humanos que pasaban en España.

Durante los años del régimen franquista, en los estamentos oficiales y medios de comunicación españoles se le llamaba Pablo Casals, siempre reclamó que le llamasen Pau, no sólo porque ese era su nombre en catalán, lengua que siempre defendió, sino también porque en catalán la palabra «pau» significa «paz».

Animado por amigos, Casals volvió a la interpretación en el año 1950, participando en el Festival de Prada organizado en honor a Bach.

El canto de los Pájaros

Al final del festival, y de cada concierto que ofreció posteriormente, interpretó «Canto de los Pájaros«, una canción popular catalana, para protestar por la continua opresión en España.

En 1956 se estableció en Puerto Rico y comenzó el Festival Casals, fue un impacto en la escena musical de la isla, al fundar la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico en 1958 y el Conservatorio de Música en 1959. 

El 24 de octubre de 1958 fue invitado a participar en la Asamblea General de las Naciones Unidas, para conmemorar el Día de las Naciones Unidas. El concierto y el mensaje de paz de Casals fue retransmitido por radio a más de 40 países. Aquella intervención le convirtió en uno de los símbolos mundiales de la lucha por la paz y la libertad en el mundo, y la nominación al Premio Nobel de la Paz de ese mismo año.

Escribió un oratorio de Natividad- «El Pessebre«. Viajó por el mundo trabajando con varias orquestas para compartir su mensaje de paz a la que estaba abocado.

También, continuó negándose a exhibirse en países que reconocieran oficialmente al gobierno de Franco hasta su muerte, hizo una sola excepción – en 1961 se presentó en la Casa Blanca para el presidente de Estados Unidos John F. Kennedy, un hombre al que admiraba. En 1971, a la edad de noventa y cinco, interpretó su «Himno de las Naciones Unidas«el Himno de las Naciones Unidas compuesto por Casals con letra del poeta W.H. Auden por encargo de U Thant, Secretario General de la organización y recibió la Medalla de la Paz.

Durante toda su vida, Casals trató de inspirar la armonía entre las personas, tanto con su Cello como con su silencio.

Casals nunca volvió a España. Murió el 22 octubre 1973 a los 96 años. El 9 de noviembre de 1979, restablecida la democracia en España, sus restos fueron trasladados al cementerio de El Vendrell-Cataluña su población natal, donde actualmente descansan.

Casals recibió póstumamente un Grammy Lifetime Achievement Award en 1989.

La sonata «Kreutzer»

Beethoven, el gran genio de la música, siempre hizo cosas raras y sin meditar demasiado como es el caso de la dedicación de una sus sonatas para violin y piano la n° 9 en La Mayor opus 47 de 1802. Sin duda !Un romántico de ley! … se la dedicó a «su amigo» que apenas conoció.

«Una pequeña y gran diferencia»

Entre Beethoven y los músicos que lo precedieron existió un abismo. Radicó, en que el compositor se consideraba un artista y defendía sus derechos como tal.

Artista y creador. O sea. !Un ser superior! según su propio entender a reyes y nobles. Beethoven tenía ideas revolucionarias acerca de la sociedad y un concepto romántico del arte, en especial acerca de la música.

“Lo que tengo en mi corazón debe salir a la superficie y por tanto tengo que escribirlo.”

Ni Mozart, ni Haydn ni ningun músicos anterior harían nada ni remotamente parecido.

 «La sonata número 9«.

Beethoven escribió las nueve primeras sonatas en sólo seis años, entre 1797 y 1803. La última, la Op. 96, es de 1812. De todas ellas, las más conocidas son, sin lugar a dudas, las únicas dos que tienen apodo: la quinta, llamada «Primavera», y la anteúltima, la monumental «Sonata Kreutzer».

Interpretada por los más grandes violinistas de todas las épocas,
empezando por Pablo Sarasate, que la incluía entre sus piezas favoritas.
Sir Donald Francis Tovey- comentarista de análisis musical ha dicho: «La Sonata a Kreutzer no necesita de análisis, o éste tendría que ser muy detallado»

Jules Léon-Jean Combarieu – Musicólogo francés: «No hay que buscar en ella la expresión del estado de ánimo de un personaje, sino considerarla
como una obra de imaginación y de fantasía al servicio del virtuosismo».

La «Sonata a Kreutzer» no está escrita de un sólo impulso como uno se imaginaría. Ferdinand Ries– compositor alemán, alumno y amigo de Beethoven comenta: «El final pertenecía, originalmente, a la primera de las Sonatas la Op. 30, dedicadas al Zar Alejandro I».

El primer movimiento, -el más complejo de la obra, se inicia, al modo de las sinfonías de Haydn, con un«adagio» en el que el violín comienza con dobles cuerdas y el pianista contesta. Da paso al primer tema «staccato», del «presto» en tono menor cuyo desarrollo constituye un alarde de unidad, pues son tantos los contrastes, modulaciones, diseños temáticos del movimiento, que parece imposible mantenerlo como un todo perfecto y coherente.
Tras él viene un «andante « con cuatro grandes variaciones de carácter afectuoso que dan ocasión al violinista de poner a prueba su habilidad
y buen sonido. Suele ser este «adagio» el preferido de todo tipo de públicos.
El movimiento final, en forma de «tarantella», para culminar, deslumbrando al público.
Ahora bien, para alcanzar ese «momento», ese «climax» esa «crispación romántica«, se necesita de la colaboración de geniales intérpretes.

Ludwig van Beethoven 1770-1827, retrato 1803, pintado por Christian Horneman.

La sonata fue dedicada al «mejor violinista» de la época, un francés con apellido alemán Rudolphe Kreutzer–

Este, conoció al compositor en una gira por Viena en 1798, quien al recibirla le pareció “intocable”, incluso se permitió el lujo comentar que “Beethoven no comprende el violín”. Poco acertado este comentario ya que el músico venía de una familia de violinistas, el mismo lo era y estaba al tanto de la última tecnología aplicada al instrumento para lograr efectos sonoros novedosos.

Kreutzer, realizaba sus interpretaciones con un violín construido por Antonio Stradivarius de 1727, actualmente en manos de Maxim Vengerov.

Rudolphe Kreutzer murió en 1831 y jamás tocó La sonata que los expertos consideran una de las grandes obras del compositor alemán.

Aquí el primero y tan sonado movimiento…

Maxim Vengerov, comentó sobre su violín: «La relación entre el violín y el violinista es como un matrimonio».

«Sonata» es una forma musical que durante el periodo clásico adquirió su verdadera personalidad con Haydn, Mozart y luego Beethoven, siendo la estructura base de la sinfonía y del concierto. Consta de tres tiempos, cada uno de ellos compuesto bajo una forma determinada.

Los movimientos de esta sonata duran aproximadamente 37 minutos de ejecución. Ellos son:

1. Adagio sostenuto – Presto – Adagio aproximadamente 12 minutos de duración. Comienza con una introducción lenta, algo que se espera más en una sinfonía que en una sonata para violín, y el violín tiene las primeras notas, que se hacen eco en el piano. El Presto principal es un diálogo vigoroso de apasionada intensidad.
2. Andante con variazioni – 16 minutos-Con cuatro variaciones y una coda, rítmica y armónicamente fuera de tono. Es en Fa Mayor
3. Presto – 9 minutos. El único movimiento en forma de sonata, aunque con su propia y extraña desviación métrica cerca del final de la exposición.

Después de la publicación de esta obra en 1802, «las sonatas» nunca volverían a ser lo que fueron. Beethoven la definió como en «uno stilo molto concertante, quasi como d’un concerto». El primer movimiento, con su drama y su furor, bastan y sobran para probar la condición de la obra. De sus 10 sonatas para Violin y Piano es sin duda y por lejos…!!! la mejor!!!.

El compositor la estrenó interpretando personalmente el piano y con el excelente violinista Bridgetower que lo hizo practicamente a «primera vista», porque la acababa de concluir y leyó del manuscrito borrador del compositor.

La obra despertó el entusiasmo de los asistentes y del compositor que dijo que le dedicaba la obra a Bridgetower como Sonata Mulática como se puede leer en el manuscrito. Después se disgustaron-según el recuerdo de Bridgetower años después de la muerte de Beethoven. Quizás… un comentario inapropiado del joven violinista, el hecho es que Beethoven le quitó la dedicatoria tal como antes lo había hecho con Napoleón y su Sinfonía Heróica.

El hecho, fue tratado como una «rareza», el «Allgemeine Musikzeitung» (revista general de la música) de 1805 escribía que era menester ser ver­daderamente «ciegos admiradores» de Beetho­ven, o bien víctimas de una «especie de terrorismo musical», para no advertir que «de algún tiempo a esta parte Beethoven se complace en mostrarse a toda costa siempre diferente de los de­más». Cosa que, en efecto, conseguía con cierta facilidad… pero no en el sentido en que aquel escritor del magazine lo entendía.

«La Sonata n°9, despertó pasiones sorprendentes!!!

Hacia el final del siglo XIX, escritor ruso León Tolstói 1828-1910 escribió una novela corta con el nombre de la obra de Beethoven.

Ciertamente, «la Sonata» ha tenido un «particular efecto» en Tolstói. La escuchó por primera vez en su casa el 3 de julio de 1887, durante un concierto en el que su hijo, Serguéi, tocó el piano y su profesor de música, Monsieur Liassote, el violín.

En 1888, la obra fue interpretada nuevamente en Yásnaia Poliana, la casa de Tolstoi. Esta vez, en presencia de sus amigos, el pintor Ilya Repin 1844-1930-y el actor Vasily Andreyev-Burlak 1843–1888.

Tolstói propuso evocar la obra utilizando cada uno su especialidad artística. La única que se creó fue la novela. La pintura de Repin nunca se concretó, y la obra de teatro, tampoco. En 1860 el escritor había comenzado un relato que tituló «El asesino de su mujer», que dejó sin terminar. La ejecución de«La sonata a Kreutzer» le dio la idea para su nuevo libro.

Tolstói fue un apasionado pianista y trabó amistad con personalidades del mundo de la música, compositores como: Piotr Chaikovski, Serguéi Tanéyev y el pianista Alexander Goldenweiser (1875-1961) pero no le gustaba para nada Beethoven. En su ensayo Qué es arte -1882-1896 Tolstói puso abiertamente en duda el genio del compositor al considerar su música como antinatural por su sordidez. Chaikovski se enojó mucho por eso.

En otra ocasión, Tolstói dijo: “No lo amo, es decir, no es que no me guste, pero es demasiado excitante«.

Tenía sus preferencias musicales como la música instrumental y la de cámara. Nada de ópera!! la aborrecía especialmente la de Richard Wagner. Nada de música nacionalista rusa del siglo XIX. Según él, esta música tiene un propósito, está demasiado enfocada en el efecto externo; es simplemente fea!. La música debe tener un efecto purificador, calmante, y dar alegría. Haydn, Mozart y Chopin eran sus compositores favoritos.

La novela comienza con la cita del evangelista San Mateo 5, 28 :“Yo os digo que cualquiera que mira a una mujer para codiciarla, ya cometió adulterio con ella en su corazón”.

Tolstói publicó su «novela o cuento corto» en 1891, dos o tres años después de que escuchó la famosa sonata. Tuvo muchos tropiezos antes de ser publicado, la censura moralista de la época lo consideraba pecaminoso por abordar con crudeza los celos y el adulterio. En el libro «Los Románov» 1613-1918, de Simon Sebag Montefiore, se menciona la prohibición de los zares pese a que Tolstói era reconocido entonces y orgullo de la literatura rusa, al igual que Pushkin y Dostoievski.

Pero las copias mimeografiadas circularon y se distribuyeron por la población. En 1890, la oficina de Correos de Estados Unidos prohibió el envío de periódicos que contuvieran fragmentos de la obra. Esta sentencia fue ratificada por el Fiscal General de los Estados Unidos ese mismo año.

En palabras del propio Theodore Roosevelt dijo de Tolstói: «un pervertido sexual y un desvirtuador de la moral.»

Tanto fue el revuelo que años después …

Sonata a Kreutzer -1901 óleo sobre lienzo- Rene Prinet

Una de sus obras más famosas, de este pintor francés –La Sonata a Kreutzer, inspirada en la entonces prohibida obra de Leon Tolstoi – estuvo expuesta en 1901 en la exposición de : » Arte francesa contemporánea» en Stuttgart– Alemania, donde se vende al príncipe regente de Baviera.

Inspiró también…

Un Cuarteto de cuerdas n°1 del compositor Leoš Janáček

Más de treinta años después de la primera publicación de la controvertida novela, el compositor checo Leoš Janáček -1854-1928- explicó algo sobre su recién estrenado cuarteto n° 1 de cuerdas a Kamila Stösslová – 15 de octubre de 1924: “Tenía en mente a la desafortunada, torturada, golpeada, asesinada, como lo describe el escritor ruso Tolstói en su obra Sonata a Kreutzer“. El cuarteto fue apodado “Sonata a Kreutzer”.

Después…Teatro y Ballet
Esta novela fue adaptada al teatro por el dramaturgo estadounidense Langdon Mitchell y fue estrenada en Broadway el 10 de septiembre de 1906.

El Carolina Ballet, con coreografía original de Robert Weiss y acompañado por la música de Beethoven, Janacek, hizo su primera interpretación del Ballet, La Sonata a Kreutzer en el año 2000.

En el año 2007, en Wellington -Nueva Zelanda- se estrenó una obra teatral llamada «El Kreutzer», que combina danza, música, teatro y proyecciones con ambas piezas de música la de Beethoven y Janáček interpretadas en vivo. La adaptación, dirección y coreografía corrió a cargo de Sara Brodie. Una nueva edición de este espectáculo fue presentada en marzo de 2009 en el Festival de Auckland.

Obviamente no podía faltar…

Esta obra en el cine y prácticamente desde sus comienzos … más de 10 largometrajes que llevan el argumento de Tolstoi y la maravillosa música compositor alemán.

         

El tapiz de Bayeux

Es uno de los documentos medievales más relevantes de la Historia y pieza única que data del siglo XI. El relato comienza en 1064 cuando el anciano rey Eduardo el confesor – confesaba su fe- único rey inglés canonizado, sin heredero, envía a su cuñado Harold el Sajón, a Francia para que ofrezca la corona a su primo, Guillermo de Normandía. También aspiraba ese trono el rey Harald III Hardrada (el Severo)de Noruega. En dicho tapiz se cuenta los pormenores de la conquista de Inglaterra por parte de los normandos, encabezados por el duque Guillermo «el bastardo», único hijo varón del duque Roberto el Magnífico.

Las islas británicas, que habían desafiado siempre cualquier intento de conquista, recibieron sucesivas invasiones de anglos, sajones y daneses.

Guillermo de Normandía

A pesar de jurar fidelidad a Guillermo, tras el fallecimiento de Eduardo en enero de 1066, los nobles anglosajones – nombraron soberano a Harold. Como no podía ser de otra manera, los otros dos pretendientes a la corona llegaron pronto con sus tropas a la isla. El primero en hacerlo, en septiembre, fue el noruego.

Harold detuvo la conquista noruega en persona con la victoria en Stamford Bridge. Fue su momento de gloria, Harald III –Hardrada murió en ella.

Días después, Guillermo desembarca con su ejército normando en Sussex, se enfrentó, derrotando a Harold en la no menos famosa batalla de Hastings, que tuvo lugar el 14 de octubre 1066. Con su victoria, Guillermo, se convirtió en rey de Inglaterra, por la hazaña ha pasado a la Historia con un mote más heroico: «el Conquistador«. La sección final del tapiz, que mostraba la rendición de los sajones en Berkhamsted y la coronación del rey Guillermo en Westminster, se ha perdido.

Marcus Fischer Mellbin en su libro sobre el Tapiz nos dice que existe una canción llamada: Carmen-(poema) «Hastingae Proemio» de 1072, que relata lo narrado en el tapiz. Se ha comprobado que los textos orales han sido fijados por escrito bastantes años después de sus composiciones, tal vez la canción influenció la recreación de la historia.

Los vaivenes del tapiz

En 1804 Napoleón exponía en París el Tapiz de Bayeux, era la primera vez que la obra fue expuesta fuera de su residencia histórica, Bayeux.

Napoléon preparaba su invasión a Inglaterra. El 21 de octubre de 1805 la flota napoleónica era destrozada por la inglesa en la otra famosa Batalla de Trafalgar, olvidada por los franceses.

Nuevamente durante la Segunda Guerra Mundial el tapiz fue sacado por los alemanes del Tercer Reich que ocupaban Francia. La obra fue estudiada por un tal Herbert Jankuhn y expuesta en el Museo del Louvre, dónde había sido resguardada, en noviembre de 1944. Esas fueron las dos únicas veces que el tapiz de Bayeux, viajó fuera de su ciudad.

Se conserva y exhibe

El original

Desde 1980 en el Musée de la Tapisserie de Bayeux en la ciudad de Bayeux- Normandía-Francia. El gobierno francés había prometido su prestamo a Inglaterra casualmente para este año 2020.

Una réplica

Copia exacta del original terminada en 1886 en el Museo de Reading – Reading, Berkshire-Inglaterra.

El 2019-20 Se realizó un espectáculo en la hermosa Catedral de Bayeux, de luces y sonido donde se incluye el tapiz «La Catedral de Guillermo» espero que finalizada la pandemia se vuelva a realizar.

No solo es una Batalla…

Este bordado es un gran escaparate de la vida medieval, sus construcciones, herramientas, costumbres, arquitectura, el arte de la navegación, la agricultura, la sociedad normanda e inglesa de la Edad Media y hasta modas personales!! Se aprecia la inclinación de los ingleses a llevar bigote y de los normandos a raparse la mitad posterior del cráneo.

Quién y donde se hizo?

Según la tradición francesa, la pieza habría sido creada por la reina Matilda, esposa de Guillermo, en su corte, de ahí su denominación secundaria: Tapiz de la Reina Matilde…pero, por la homogeneidad del diseño, el conocimiento de la lengua latina, a pesar devocablos anglosajones, todo apunta que fue manufacturado en algunas de estas dos ciudades, Cantebury o Kent, ya que son las únicas poblaciones donde existían talleres de bordado.

Es altamente probable que fuese encargado por el obispo Odón de Bayeux a artesanos ingleses con el fin de servir de ornamento a la Catedral de Bayeux el día de su consagración que fue el 14 de julio de 1077 que contó con la presencia del rey Guillermo. Medía más de 70 mts de longitud -la medida de la nave mayor del templo.

Odón, era medio hermano de Guillermo y tiene protagonismo en la tela apareciendo en varias escenas como personaje destacado haciendo las veces de sacerdote y guerrero, un ejemplo de obispo de los llamados «de báculo y ballesta».

El investigador George Garnett, profesor de la Historia Medieval de la Universidad de Oxford, cree que la elaboración del tapiz pudo correr a cargo de las monjas.

Según Howard B. Clarke – historiador que sostiene, que el diseño del tapiz se debe a Scolland, abad del monasterio de San Agustín de Canterbury y que fue elaborado alrededor de 1075, por orden del propio Odón, tras el análisis de aspectos diversos derivados de la escena de Mont San Michel, de donde fue abad el propio Scolland durante unos años

El cometa Halley

Contiene una de las primeras representaciones del cometa Halley, visible claramente en el cielo de Inglaterra entre el 24 y el 30 de abril de 1066 y que fue interpretado como un mal augurio en la coronación del rey Harold II de Inglaterra

Fue elemento honorífico y propagandístico, hoy «Memoria de la humanidad» de la UNESCO. Prácticamente una película de la época narrando los hechos bélicos y otras anécdotas que sucedieron entonces, tal como lo fue la Columna de Trajano en Roma donde cuentan los hechos de una campaña militar victoriosa.

El mal llamado «Tapiz»

No es un tapiz propiamente dicho, sino un bordado de lanas de ocho colores sobre tela de lino crudo -70,4 m de largo x 0,50, de ancho- y pesa unos 350kg.aproximadamente en él se han “dibujado” escenas y textos.

Presenta 58 escenas de forma cronológica y textos explicativos en latín. Son nueve trozos cosidos que cuentan los acontecimientos que culminaron con la conquista normanda de Inglaterra. Tiene: animales y plantas, escenas de caza y bélicas e ilustración de fábulas. Intervienen bordadas más de 600 figuras, 190 caballos y mulas, 35 perros, 500 animales de diverso tipo y más de cien árboles, edificios y barcos…

Es bordado con aguja

Con dos técnicas: «punto tallo» para los contornos lineales de los motivos y a «punto de couchage» para su relleno. Se empleó principalmente hilo de lana en 4 colores de base (rojo, amarillo, verde y azul) y 8 tonalidades a partir de tintes vegetales de la época como la gualda, la purpurina o el índigo, que se mezclaron con hilo más fino de lino para dar relieve a ciertas figuras como flechas y lanzas.

El texto en latín: narrativo y los verbos se restringen a la tercera persona formando frases cortas y sencillas con escasa subordinación, algunas características del latín medieval como la evolución de ae – e .

Una «Obra de arte románica»

EL principal objetivo de esta obra era representar la realidad, sin buscar un canon de belleza, de ahí, que las figuras carezcan de proporción y volumen: son planas. Buscaron la expresividad de los personajes para que llamasen la atención. Se interesaron por transmitir un mensaje, a una población analfabeta.

Y bien que lo consiguieron!!! en los frisos superior e inferior, está la clave.

Los bestiarios

Por esos años los bestiarios eran muy respetados y las personas apreciaban su conocimiento porque en ellos veían un anuncio de lo que posiblemente podría ocurrir, una especie de carta del futuro.

Es legítimo pensar en la aplicación de un bestiario, y en especial el Physiologus para el punto de vista interpretativo. Este era un manuscrito redactado en griego de autor anónimo escrito en Alejandría entre los siglos II al IV siglos después traducido al latín con fines moralizantes.

En las miniaturas de numerosos códices, en pinturas y esculturas de todo el arte románico se puede observar que se basaron en bestiarios incluso en los pórticos y capiteles que vemos en los templos de esa época.

El Tapiz de Bayeux no sería la excepción.

Son tres bandas: Superior, Media, donde están las escenas e inferior

La banda superior presenta una estructura repetitiva de animales enfrentados, más o menos similares, separados por barras, desde el principio hasta la escena 17-hasta la escena 42, momento en el que Guillermo inicia su viaje a Inglaterra para su invasión, comienza un caos de figuras simétricas y no simétricas, separadas con barras o sin ellas.

La banda inferior comienza con animales simétricos enfrentados, sin barras de por medio, hasta que esta estructura se rompe por la introducción de las fábulas en la escena. Tal y como sucediera con la banda superior, desde la escena 42, comienza el desorden, pero en este caso los animales siempre están separados por barras. Al final, desde la escena 62, los arqueros llenan la banda, junto con guerreros, cadáveres siendo despojados de sus posesiones y cuerpos descuartizados.

Algunos ejemplos

«Una aventura» de Harold en tierras Normandas

En la escena 13- observamos dos centauros encima de un edificio que separa la comitiva que Guillermo envía pidiendo la liberación de Harold. Son «centauras»respecto a estos el Physiologus dice:

Los centauros -las sirenas- del pecho para arriba, tienen aspecto de hombre de asno o pez.

«Semejante es el hombre mentiroso de corazón, inconstante en todos sus caminos» –

Esto nos conduce a la futura traición de Harold.

En la escena 14– El momento en el que Guillermo decide sobre el «caso Harold«, aparecen dos corzos o gacelas.

El famoso Physiologus dice:

Un animal que vive en las montañas, los griegos llaman dorkón-cabra. Su visión es aguda.«Que el Señor ve todo lo que se hace» 

Si Guillermo ve todo, posee la clarividencia… tal vez supiera que Harold le iba a traicionar y necesitará «la excusa» para la invasión a Inglaterra.

Algo relevante por su posición son dos pavos reales, justo encima de la recepción entre Guillermo y Harold. Uno se encuentra relajado y otro, el de la derecha, en actitud majestuosa e incluso intimidatorio. También observamos que está inclinándose sobre su homólogo. Debajo, en la banda central, Guillermo está sentado y Harold en pie inclinándose sobre Guillermo. Aristóteles decía de estas aves: los pavos reales “son envidiosos y presumidos ”. La actitud de Harold ante Guillermo: la envidia por el poder del francés, y la presunción, porque como indican sus manos, le está contando un relato, y posiblemente le esté contando y exagerando sus aventuras.

Escena principal del tapiz- número 29

El Juramento de Harold es un juramento sagrado, se observan dos palomas, dos aves pequeñas y blancas comiendo de un fruto de dos árboles que se unen en uno. En clara referencia al árbol ambidextro de India donde las palomas que comen su fruto. También del Physiologus:

Existe en la India un árbol que se llama «ambidextro«. Su fruto es dulce y delicioso. «Las palomas, que gustan de él«.

El árbol es el Padre de todos nosotros y su sombra simboliza al Hijo del Padre, su fruto representa la sabiduría celestial, y las palomas al Espíritu Santo. El dragón – el mal-no puede acercarse al árbol, ni a su sombra ni a su fruto. Esto hace alusión a lo sagrado del momento, a las reliquias sobre las que jura Harold.

Justo después, en la siguiente escena, aparecen dos fieras o hienas, de las cuales el Physiologus explica sobre la hiena: «Es un animal impuro, pues tiene dos naturalezas».

«Así, todo hombre en cuyo corazón habita el doblez… se parece a la hiena»

Es necesario suponer que las dos fieras se refieren a la doble carta que jugó Harold, jurando y rompiendo un juramento de lealtad.

En la escena 31– Eduardo está muriendo y hay un caradrio justo debajo de él en la banda inferior. Según el Physiologus es…

«Un pájaro completamente blanco, sin mancha alguna«. Si alguien está enfermo, el caradrio sabe si su enfermedad es mortal o no. Si lo es, el caradrio aparta la mirada del enfermo. Sería un augurio de la muerte del rey inglés.

Cuando Eduardo murió  dejó para la posteridad la famosa abadía de Westminster, pero no descendencia.

El traslado del féretro a Westminster

En la escena, hay un lobo aullando bajo el ataúd de Eduardo que portan sus vasallos hasta la abadía.

Según Aristóteles, los lobos son animales “de buena raza, salvajes y pérfidos”, tres adjetivos que caracterizan a Harold: noble, duro en la guerra y pérfido. Tal vez aúlle en muestra de dolor ante los demás… o de alegría para sí mismo.
La batalla de Hasting

El 14 de octubre de 1066 en la colina de Senlacl a 11 km al norte de Hastings, al sur de Londres fue esta célebre contienda.

Comienza la Batalla- escena 55

En el friso superior vemos dos leones enfrentados, el león es símbolo por excelencia de la realeza y debajo arqueros preparados para el combate.

Escena de la muerte de Harold (izquierda) alcanzado por una flecha en un ojo.

Guillermo ordenó fundar la abadía de Battle donde tuvo lugar la batalla en el que resultó vencedor. El altar mayor de la iglesia se colocó en el lugar exacto en el que cayó muerto Harold.

Cada cinco o seis años se recrea la Batalla de Hastings con la participación de miles de voluntarios y espectadores en el lugar del campo de batalla.

La Reina Isabel II es la Monarca número 40 de la dinastía comenzada por Guillermo el Conquistador.

Una Americana en París…

«He intentado emocionar a la gente con mi arte, en mis cuadros he intentado mostrar el amor y la vida. No hay nada que pueda compararse a la alegría de un artista al pintar».

                                     

Mary Stevenson Cassatt  – Allegheny City, Pensilvania-Estados Unidos-1844 era parte de una familia numerosa de clase media alta-su padre, un exitoso agente de bolsa mientras que su madre provenía de una familia de banqueros.

Mary con grandes aptitudes para el dibujo, pero con una familia se opuso a que se convirtiera en una artista profesional. Le permitieron estudiar pintura en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts recién a los 15 años.

La familia Cassatt consideraba que los viajes eran importantes en la educación de sus hijos. Mary, va a pasará cinco años en Europa, visitando Londres, París y Berlín, entre otros lugares. Gracias a esta estancia en el extranjero, va a aprender alemán y francés, y tendrá sus primeros contactos con los pintores franceses en la Exposición Universal de París de 1855.

Continúa con sus estudios en su país hasta 1865, que decide estudiar por su cuenta. Superando las objeciones de su padre, en 1966 se traslada a vivir a París con su madre y amigos de la familia en calidad de acompañantes.

Mary intentó entrar como estudiante en la prestigiosa École des Beaux-Arts, pero las mujeres no tenían permitida la entrada… solicitó recibir clases particulares y fue aceptada por Jean-León Gérôme, de técnica realista y tratamiento de temas exóticos. Obtuvo el permiso del Louvre para hacer copias en el museo, lugar que también le sirvió para socializar con estudiantes franceses y clases con: Charles Joshua Chaplin, y Thomas Couture.

Aceptada por el jurado

En 1868, una de sus pinturas, A Mandoline Player, fue aceptada para el Salón de París. Cassatt junto con Elixabeth Jane Gardner, fueron las primeras mujeres estadounidenses en exponer en el famoso Salón.  La guerra Franco -prusiana 1870-1871 la regresa a su patria y allí intenta seguir con su carrera… sin éxito. En Nueva York expone, pero a nadie le interesa su obra, después en Chicago, con el incendio de 1871, perdió parte de su colección.

El arzobispo de Pittsburg fue su «tabla salvadora«, le pidió dos copias de las obras Corregio que estaban en la ciudad de Parma -Italia. Esto permitió a Mary viajar con todos los gastos pagados a la ciudad italiana para realizar su encargo-en compañía de Emily Sartain, otra artista norteamericana puesto que «no se veía bien que una mujer viajase sola».

Comenzó a cambiar su suerte

En Parma consiguió atraer la atención del público a su pintura y obtuvo un gran éxito. Pero no sólo eso. Su lienzo Two Women Throwing Flowers During Carnival– fue comprada en el Salón de París de 1872.

Después de terminar su encargo en Italia, viajó a Madrid y Sevilla donde pintó algunas obras en diferentes temáticas españolas, y decidió radicarse en París con su hermana mayor Lidia, abriendo un estudio en 1874.

Cassatt decidió centrarse en temas de moda, con el fin de atraer encargos de retratos de personajes de la sociedad estadounidense en el extranjero.

Con los «Impresionistas«

En 1877 las dos pinturas que presentó para el Salón fueron rechazadas y por primera vez en siete años, no tenía obras expuestas en él. Conoce en persona a Edgar Degas. Mary admiraba a Degas desde que vió algunas de sus obras en una Galería de 1875, él la invitó a exhibir sus obras en las exposiciones independientes de los «impresionistas” quienes habían comenzado a exponer libremente en 1874. Contaban con un miembro femenino, la pintora Berthe Morisot, quien se convertiría en su amiga.

Gustave Geffroy periodista, crítico de arte, historiador y novelista francés describió a Mary como una de «les trois grandes dames» del impresionismo junto a Marie Bracquemond y Berthe Morisot.

Aceptó la invitación de Degas con entusiasmo, esta tuvo lugar el 10 de abril de 1879. Se sentía parte del grupo de los impresionistas y se unió a su causa con firmeza y convicción.

Edgar Degas, fue su amigo durante toda su vida. Ambos eran excelentes dibujantes, el le enseña la técnica del pastel y también la introdujo en el grabado, del que era un maestro reconocido. Ella, lo conectó con compradores de arte de su país. El decía al observar su obra: “Es auténtica , dibuja como yo «! 

En mujer leyendo «Le Figaro» – la modelo: su madre.

Participó en las exposiciones impresionistas de 1880 y 1881 y continuó siendo un miembro activo del círculo impresionista hasta 1886. Ese año, Cassatt presentó dos cuadros para la primera exposición impresionista en los EE.UU, organizado por Paul Durand-Ruel.

Su primera exposición individual

En la galería de Durand-Ruel de París en 1891.

Su arte es una certera combinación del gusto por el dibujo y las formas y los hermosos colores que tomó del impresionismo. Lentamente se fue alejando de este estilo en busca de un enfoque más sencillo. Adquirió espontaneidad, adoptó la costumbre de llevar siempre con ella un cuaderno de dibujo en el que esbozaba las escenas que veía. Se negó a tener que acabar pintando obras mediocres pero de fácil venta, se aplicó en la creación de obras de gran calidad. Se negó a identificarse con movimientos de artes y experimentó con variedad de técnicas. Comenzó a exponer sus obras en galerías de Nueva York.

La década de 1890 fue la época más creativa, expuso regularmente en las galerías neoyorquinas e incluso se convirtió en ejemplo para jóvenes artistas norteamericanas a las que asesoraba en sus carreras; entre éstas destaca Lucy A. Bacon, que fue presentada por Mary a Camille Pissarro. Al iniciarse el nuevo siglo trabajó como consejera para varios coleccionistas de arte, a los que recomendaba que eventualmente donaran sus compras a los museos de arte norteamericanos. Sin embargo, el reconocimiento de su arte en su país fue tardío.

En 1904 Francia le concedió la Legión de Honor. Ella fue una pieza decisiva para la difusión de la obra impresionista entre los coleccionistas estadounidenses.

Siempre estudió…fue incansable

Su obra, sin lugar a dudas, fue influida por Degas, puesto ambos se admiraban, respetaban con un amplio sentido de colaboración y sincera amistad. Ambos muy francos, tuvieron diferencias muy fuertes como en el caso Dreyfus, ella había pintado un retrato a un pariente del capitán. En los últimos días de Degas, ella fue la única que le acompañó y ayudó, cuando ya era un individuo intratable para cualquiera que se le acercase. El muere en 1917.

Utilizaba espejos,un efecto “espejo total” como cuando pinta las escenas dentro de los palcos del teatro, que incluyen un gran espejo en su pared posterior. El espejo permite no solo mostrarnos a la modelo, su hermana Lidia en este caso, sino describir el ambiente de la sala, esto aumenta la profundidad del motivo. Esto lo aprendió en Italia admirada de la obra de los renacentistas.

No hacía retratos por encargo sino que pintaba a miembros de su propia familia, de amigos y vecinos.

Sus retratos de niños absolutamente !!hermosos!

El retrato intimista de Madres con sus hijos que hacen las delicias de todos.

Mary y Lydia nunca se casaron. La pintora había decidido que el matrimonio entorpecería su carrera. Su querida hermana Lidia fallece en 1882,era su modelo favorita que pintaba con frecuencia. Esto la dejó sumida en una profunda depresión que la inhabilitó a seguir pintando por un tiempo. Aquí dos retratos de Lidia.

Lydia Crocheting in the Garden– pintada en 1880.-

y la última pintura poco antes de morir 1882

Mary Cassatt a la vanguardia  con las técnicas gráficas.

El crítico de arte Arthur Hoebner escribió en 1899 que «ha producido una serie de aguafuertes y de puntas secas de una calidad envidiable, de las que un cierto número, impresas en color, pueden ser consideradas entre las mejores de nuestro tiempo. Ha llevado el método…a un grado de perfección tan alto que resultaría temerario disputarle la preeminencia»

Cassatt y Vollard tuvieron una larga amistad, tras la venta de una pintura de Cézanne por parte del marchand en 1896. Diez años después de aquella venta, Vollard fue a visitar a Cassatt y le compró un gran número de dibujos, pasteles, estampas y pinturas aun inacabadas.  Esta colección de Vollard fue adquirida a su muerte, en 1939, por Henri Petiet, uno de los más importantes coleccionistas y marchands mundiales de estampas de los siglos XIX y XX. De modo que, afortunadamente, la colección permaneció unida y así ha llegado hasta nuestros días.

                       

No realizaba ningún dibujo preparatorio para las puntas secas, como tampoco los hacía para sus pasteles. Empezó a trabajar en el estudio de Degas, dónde realizó una magnífica obra: À l’opéra, en la que utilizó el barniz blando, el aguafuerte y la aguatinta. Allí aprendió todas las técnicas, que después experimentó con entusiasmo hasta el punto, que acabó comprando una prensa para su propio estudio.

Consiguió, como pocos artistas,  armonías cromáticas sutiles y unos vibrantes efectos  en todas sus obras y utilizando cualquier técnica. Las puntas secas y las aguatintas sobre el tema – La madre y el niño de  1899-1890  acabaron formando una serie de 10 estampas coloreadas de 1891, están entre las más buscadas hoy en día. Cassatt había quedado fascinada por una exposición de estampas japonesas de Ukiyo-e en la Escuela de Bellas Artes de París y se inspiró en ellas para realizar esta serie, que se expuso por primera vez en su primera exposición temporal en la galería Durand-Ruel, con gran éxito.

La obra Verano– 1894- En el Crystal Bridges Museum of American Art, Arizona, EE.UU.

En 1910 fue nombrada miembro de la National Academy of Design de Nueva York y cuatro años más tarde recibió la Medalla de Oro de la Pennsylvania Academy of Art.

Un viaje realizado a Egipto en 1910 dejó a Mary impresionada, tuvo una crisis de salud y de creatividad, considerando que sus manos eran incapaces de reproducir lo que era seguramente el mejor arte de la Antigüedad.

En 1911 fue diagnosticada de: diabetes, reumatismo, neuralgia y cataratas, y en 1914 dejó de pintar, era muy exigente a la hora de dibujar y de elegir los colores de sus obras pero continuó haciendo algo al pastel, técnica para la que no requiere de tanta agudeza visual como para el óleo. En 1915 contribuyó  con 18 pinturas en apoyo al movimiento sufragista. 

Murió en 1926 con 84 años en su residencia del Castillo de Beaufresne y fue enterrada en la Picardía francesa.

“Muchos historiadores del arte han interpretado que sus escenas domésticas eran una forma de apoyar las vidas confinadas de las mujeres en el siglo XIX. En realidad, el tema de la madre y el hijo no era un símbolo de las restricciones de la mujer, sino de su papel central respecto a la inmortalidad. La de Cassatt no pasó por tener hijos, sino por colgar sus cuadros en museos junto a Botticelli y Rafael”, dijo Nancy Mowll Matthews, curadora de una retrospectiva realizada en el Museo Jacquemart-André de París.

Consulta médica…

En estos momentos de pandemia las consultas médicas on-line no nos sorprenden para nada… es más, estamos obligados a ello, pero, al parecer, cinco siglos atrás… utilizaban métodos similares. 

Aquí una evidencia de la época de Durero...

El propio pintor envió este  dibujo a su médico, diciéndole :

«Tengo un bulto aquí y me duele. ¿Que tengo?»

Hoy, médicos expertos de cinco siglos después han llegado a la conclusión que tenía el bazo inflamado –esplenomegalia– a consecuencias de unas fiebres palúdicas que había padecido.

Dibujo de Alberto Durero –Museo de Arte de Bremen.

En la obra de Marinus Van Reymerswale-1541 «San Gerónimo en su Estudio»  tema religioso de este autor, donde se aprecia en su composición, una clara influencia de la pintura sobre el mismo tema de Alberto Durero que admiraba a este santo por sus altísimos conocimientos.

Pero hay algo que sorprende…

El artista realiza este retrato como pintura de género, una «Vanity» como las llamaban, estas eran alegorías de la vanidad que todos tenemos. Marinus, representa a san Jerónimo muy enfermo. Con problemas de piel y deformaciones en sus manos:Esclerodermia.

Posiblemente sabía de esta enfermedad y quizás le impactó tanto para que pinte un santo con ella.

La esclerodermia – es una de las enfermedades del colágeno –principal contribuyente orgánico de la sustancia de los huesos y cartílagos-y la esclerodatilia o endurecimiento o atrofia de la piel de los dedos, y la cara afilada con la boca pequeña y los labios delgados.  Involucra cambios en la piel, los vasos sanguíneos, los músculos y los órganos internos.

Cupido durmiendo Caravaggio 1608 – el célebre pintor italiano lider del «Tenebrismo»

Esta obra posiblemente fue realizada como agradecimiento al apoyo de Angelico Dell’Antella, secretario del Gran Maestre de la Orden de Malta, para el ingreso del pintor en la Orden.

Caravaggio, era un artista que disfrutaba pintando la gente común del pueblo y que no pocos problemas le trajo esa dedicación. Utilizaba todo cuanto había para «atrapar el momento» dificultosos escorsos y hasta cámara oscura!!! llevando el»tenebrismo» hasta su máxima expresión. Era un mago!!! En el siglo XX sus obras ganaron gran popularidad y fueron analizadas no solo por los expertos en arte, se agregaron psicologos y también médicos.

El endocrinólogo italiano Paolo Pozzilli, de la Universidad Campus Biomédico de Roma, tras una investigación con un grupo de médicos llegó a esta conclusión tras analizar esta obra: que el niño retratado sufría hipotiroidismo. La realidad es: un pequeño aquejado por la disminución de la producción de alguna o todas las hormonas de la hipófisis, es decir, carece de los niveles adecuados de la hormona del crecimiento, de ahí la explicación sobre su tamaño.

Carlos II «El hechizado» -1675)-
Juan Carreño de Miranda

La mirada melancólica y vacía del monarca de apenas 15 años le dan a la pintura cierto dramatismo que acentúa su poca prestancia. Sin duda, se trata de una obra de perfecta ejecución técnica y de un gran valor documental.

Se sabe que Carlos II padecía el síndrome de Klinefelter, enfermedad genética, que consiste en una alteración cromosómica expresado en el cariotipo 47/XXY, es decir, que tienen un cromosoma X supernumerario.

Dicho síndrome se caracteriza por: infertilidad, por niveles inadecuados de testosterona, disfunción testicular, hipogenitalismo -genitales pequeños, trastornos conductuales y aspecto eunucoide, con talla alta, extremidades largas, escaso vello facial y distribución de vello de tipo femenino.   

Durante la Regencia de Mariana de Austria, su madre, y después en su reinado, se reconstruye buena parte del monasterio de El Escorial, que había sufrido un gran incendio el 7 de junio de 1671. Mariana de Neoburgo su segunda esposa intentó expoliar el patrimonio pictórico de la Corona para regalárselas a su hermano el elector Juan Guillermo del Palatinado, coleccionista compulsivo. Carlos II defendió las pinturas de la corona española y consiguió que no se moviera una sola obra de España.

«Gilles» (1721)
Jean-Antoine Watteau pintor francés perteneciente al período Rococó. Es óleo sobre lienzo. Mide 184 x 149 cm de ancho. El tamaño de esta obra es excepcional dentro de la producción de este pintor. Fue realizada en 1721, año de su muerte. Se expone actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, con el título de Pierrot. Está considerada la obra maestra del autor gracias a la fluidez de su pincelada, sus colores brillantes y su notable punto de vista, desde abajo.

Vemos…

Los personajes típicos de la Comedia del arte. A la izquierda, Casandro, el doctor, sobre un asno que parece prestar atención al protagonista. A la derecha están, en primer lugar, el enamorado Leandro con un extraño y llamativo gorro en forma de cresta y expresión de sorpresa. Los otros dos personajes serían la joven Isabel y el elegante capitán.​ Esos personajes permanecen indiferentes al Pierrot del primer plano.

La pintura, pese al destacado y bello colorido, provoca cierto pesar debido al gesto triste y perdido de Gilles que padece gigantismo, enfermedad hormonal causada por la excesiva secreción de la hormona del crecimiento –somatotropina– antes de que cierre la epífisis del hueso. El gigantismo es el crecimiento desmesurado, en especial de brazos y piernas, causado por un mal funcionamiento de la glándula hipófisis.

“Adoración del Niño Jesús»  –

Jan Joest of Kalkar 1515 pintura flamenca del siglo XVI.
Aquí el pintor  muestra -el Síndrome de Down–  un trastorno genético en el cual una persona tiene 47 cromosomas en lugar de los 46 usuales.
En el cuadro aparecen con este trastorno ángeles y un pastor.

Otro pintor francés…

 

Théodore Géricault -1791-1824.

«Los locos» -Se cree, pero no demostrado de manera fehaciente, que estos retratos respondieron a un encargo formulado al pintor por su amigo el doctor Etienne- Jean Georget quien, ocupaba el puesto de médico-jefe del antiguo hospital parisino de la Salpêtrière, dedicado a albergar a todos los de ese mundo de enfermedades que antes se agrupaban en las instituciones denominadas «manicomios», en los que se recluía, desde verdaderos enfermos mentales, discapacitados de todo tipo, hasta prostitutas.

–Georges de La Tour. El tañedor de zanfonía

Pintor«Tenebrista» francés y gran admirador de Caravaggio de un asombroso lirismo, sobre todo en sus escenas nocturnas. Esta es una de sus pinturas más famosas, también conocida como: «El tocador de la mosca«, ya que hay un insecto cerca del lazo rosa del instrumento. Está realizada al óleo sobre lienzo y es de la época su juventud calculándose su realización en la primera mitad de la década de 1630. Se exhibe actualmente en el Museo de Bellas Artes de Nantes -Francia.

Es una escena de género en el que se retrata a un viejo músico con brutal realismo, pero exquisita luz, tonos delicados, pero apagados, con la sola excepción del rojo intenso del sombrero en la parte inferior. La escena está iluminada con luz natural.

El retratado sufre el síndrome de Meige. Una rara alteración neurológica de los movimientos caracterizado por contracciones involuntarias y a menudo fuertes de los músculos de la mandíbula y lengua y espasmos de los músculos voluntarios y contracciones de los músculos de alrededor de los ojos. Los investigadores opinan que las distonías resultan de una anormalidad en un área del cerebro llamada ganglio basal, donde se procesan algunos de los mensajes que inician las contracciones musculares. y sospechan un defecto en la capacidad del cuerpo de procesar un grupo de sustancias químicas llamadas neurotransmisores que ayudan a las células del cerebro a comunicarse entre sí.

En cuanto a la zanfonía: este había sido un instrumento muy popular en la Edad Media, pero en época de La Tour estaba pasado de moda, solo lo tocaban los músicos ambulantes o los que pedían limosna. El autor tiene otro cuadro también con músicos callejeros donde aparecen: la gaita y la chirrimía considerados instrumentos pastoriles de poco prestigiojunto con el violín por entonces un instrumento vulgar, aún no había adquirido la notoriedad que empezó a tener más adelante y de la que goza hasta hoy en día.

«La duquesa fea» del pintor flamenco Quentin Massys,
La dama del retrato sufría una deformación facial: La enfermedad de Paget, también conocida como osteítis deformante y nombrada en honor al cirujano británico James Paget que la describió por primera vez en 1876. Este trastorno, consiste en la destrucción y la regeneración anormal del hueso, lo cual causa deformidad.
Normalmente afecta a la parte inferior del cuerpo, pero, en el caso de la retratada por Massys, la dolencia le agrandó los huesos de la mandíbula, extendió su labio superior y empujó hacia arriba su nariz, además de afectar su frente y las cuencas de sus ojos.
El pintor no imitó para nada a Leonardo da Vinci , que tiene dibujos parecidos considerados por muchos uno de los primeros caricaturistas modernos, ambos pintores, estaban interesados en la fealdad.

Detalle de Cuadro de «las Meninas» de que está en el Museo del Prado – Madrid.

Diego Velázquez, pintó muchos cuadros con hombres y mujeres con estas enfermedades genéticas. No sólo en «Las Meninas» los vemos, formaban parte de lo cotidiano en la Corte española del siglo XVII. 

El enanismo es una anomalía por la que un individuo tiene una estatura inferior al común de su especie, afectan aproximadamente a una de cada 15 mil personas, los brazos y las piernas se ven cortas en comparación con la cabeza y el tronco, y la estatura de la persona es de menos de un 1.25 metros.

Por cierto en esto de «las consultas»… no puede faltar la Gioconda de Leonardo da Vinci– Cuadro «estrella» del Museo del Louvre – París-

Con la Mona Lisa se esmeraron los médicos de todas las especialidades y le encontraron por cierto innumerables patologías.

Nuevo enfoque

El Dr. Mandeep Mehra, del Brigham and Women’s Hospital y Harvard Medical School en Boston y la Dra. Hilary Campbell, de la Universidad de California en Santa Bárbara, sugieren que la mujer retratada padecía de hipotiroidismo, que es la incapacidad de la tiroides de producir la cantidad de hormonas tiroideas.

Obsevaron que

La pintura sugiere una decoloración amarillenta de la piel, que se sabe que ocurre en el hipotiroidismo debido a una alteración de la conversión hepática de caroteno en vitamina A.
El vello negro de lo que parece ser una gran frente, indica una línea de pelo que retrocede. La falta de cejas y toda la piel pálida, respalda aún más este diagnóstico.
Cerca al cuello,se insinúa la posible presencia de una ampliación difusa, como bocio, que podría representar una hiperlipidemia secundaria.
La hinchazón en el dorso de la mano derecha puede ser un xantoma o un lipoma, producto de una dislipidemia metabólica sistemática, que a menudo se presenta en etapas avanzadas del hipotiroidismo.
Si, al parecer, Lisa Gherardini sufría de hipotiroidismo severo con todas sus consecuencias, la maravillosa sonrisa misteriosa puede ser, en cierto modo, representativa de algún retraso psicomotor y debilidad muscular que lleva a una sonrisa menos intensa.