Timoty Schmalz nacido en 1969 en Elmira- Canadá- estudió escultura en Ontario College of Art & design University. Vive en la localidad canadiense de San Jacobs, Ontario, y es autor de un buen número de obras.
Entre las más conocidas encontramos la Última cena en la campiña del condado de Westmoreland, en Pennsylvania -Estados Unidos, o Yo te absuelvo, en la que retrata al Padre Pío confesando.
El autor cuenta su experiencia.. “El aborto en nuestra cultura es una seria preocupación para mí. Lo sé por propia experiencia, porque soy una víctima del aborto. Cuando tenía 20 años tenía una relación y la chica con la que estaba saliendo se quedó embarazada. Fuimos engañados por esta cultura para hacer lo supuestamente ‘responsable’. He experimentado lo que se siente al sentarse en una clínica esperando a que mi novia abortara y lo que era estar con ella después del aborto”. “Vi de primera mano la devastación que le hizo a mi corazón y a mi alma –también a mi novia-. Fue aplastante”, explica .
En el 2015 presentó en Orillia una estatua de 4 metros de altura para homenajear al cantante folk canadiense Gordon Lightfoot.
La estatua Golden Leaves presenta al Lightfoot tocando la guitarra, y rodeado de un anillo de hojas de arce. Cada hoja contiene una imagen inspirada en una canción. Schmalz planea esculpir cada hoja y colocarla a lo largo de un parque dedicado al popular cantante. Una hoja inspirada en la canción Black Day se presentó en julio de 2016 en Tudhope Park como la segunda entrega del Parque Gordon Lightfoot.
También es autor del Memorial de los Veteranos de Canadá, una escultura homenaje a los soldados canadienses en la que empleó uniformes de las Fuerzas Armadas de Canadá de todas las armas.
“Homeless Jesus”
La más conocida es «Jesús sin hogar» afuera de la Catedral de San Juan el Divino en Nueva York… para finales de 2020, más de 90 copias de esta convincente y literalmente accesible pieza del “Homeless Jesus” se habían instalado en todo el mundo.
En marzo de 2016, Schmalz presentaba a Jesús en tamaño natural, representado como un hombre sin hogar echado sobre un banco, tapado solo por una manta ligera y con los pies con las señales de la crucifixión, fue colocada –durante la Semana Santa del Año Jubilar– en el patio de Sant’Egidio en el Vaticano, a la entrada de las oficinas de la Limosnería Apostólica. También es autor de obras que reflejan el drama del aborto o la teología del cuerpo.
Tim Schmalz señala que al enfrentarse a este tipo de realidades, “me centro en el tema y trato de hacerlo lo más auténtico posible. Creo que una obra de arte es bella si muestra la verdad de algo”.
«La escultura es una de las mayores formas de comunicación porque ocupa un espacio tridimensional real. Es más poderosa que la pintura y que otras formas de arte visual, simplemente porque se destaca. La escultura tiene también la característica perfecta de poder colocarse en el exterior».
«A menudo, las personas se sienten intimidadas ante la idea de entrar en una iglesia o no quieren entrar porque tienen ideas negativas sobre la Iglesia. La escultura te permite acercar la Iglesia a la gente.»
Este artista figurativo canadiense se esfuerza por crear obras de arte monumentales que conecten con los espectadores a través del diseño y los detalles que no sólo son impactantes a nivel emocional, sino que también permiten a cualquiera sentirse de alguna manera «parte» de la pieza.
«No se olviden de practicar la hospitalidad, ya que gracias a ella, algunos, sin saberlo, hospedaron a los ángeles.» Hebreos 13,2
El título de su obra es Angels unaware«Esa parte del Evangelio llama a ser hospitalarios. Por eso hay unas alas de un ángel que emergen en medio de la escultura», reconoce el autor.
El artista canadiense revela que fue una idea del propio Papa: « La idea de Francisco era colocar e instalar la estatua para recordar a todos el reto evangélico de la acogida».
El número no es casual: «Son 140 porque alrededor de la plaza de San Pedro hay 140 figuras de santos; una por cada columna», explica el artista.
«Los rostros, prefiguran el sufrimiento de los africanos o los sirios, que arriesgan su vida para llegar a Europa, la persecución nazi de los judíos, la devastación de la Amazonía o la desolación del comunismo». Para su elaboración, el artista se basó en fotografías reales de inmigrantes y, en algunos casos, incluso algunos refugiados africanos posaron ante él.
«Quería reflejar los diferentes estados de ánimo y de emoción que implica el viaje de un migrante. Algunas de las figuras están absolutamente alegres de que se dirigen a un nuevo comienzo, otras lloran porque han dejado a sus seres queridos atrás».
El Papa Francisco frente a la escultura Timothy Schmaltz, en la Plaza de San Pedro del Vaticano, el 29 de septiembre de 2019 en el marco de la Jornada Mundial del Migrante y Refugiado 2019. Su autor lo ve como «un mensaje para dar la bienvenida a los desconocidos». La obra ‘muestra las caras del mundo’ ya que representa a los migrantes amontonados en una balsa o en un barco, y que se dirigen hacia un futuro incierto…
El Patrocinio de esta obra
La escultura “Angels Unawares” ha cobrado vida gracias a la contribución generosa de La Bratty Foundation – Rudolph PeterBratty y su esposa. El apoyo de la familia a la escultura, es un testimonio de su visión, compromiso y del espíritu de esperanza que encarna todos los nuevos comienzos…
Fue lo primero que se le ocurrió decir ante la proposición que le hicieron los franciscanos.
El Padre Pío -1887- 23 de septiembre1968- Era una sencillo sacerdote que portaba «los estigmas de Cristo» de la zona de Petrelcina al sur de Italia, pero vivió años en Giovanni Rotondo en Apulia -Italia-
Un Santuario?
Renzo Piano nació en Génova, Italia, en 1937, en el seno de una familia de constructores, frecuentó la Facultad de Arquitectura en Florencia (1959 a 1960) y en Milán, graduándose del Politécnico de Milán en 1964… repasó uno a uno los edificios de Le Corbusier.
Sus trabajos iniciales fueron estructuras experimentales ligeras, trabajó con su padre y su hermano en la sociedad familiar.
Luego, aprendió proyectos con Franco Albini y durante cinco años 1965-1970, con Louis Kahn y Z.S.Makowsky.
Nunca se ha desvinculado de su ciudad natal, Génova, en la que ha remodelado el metro y el puerto.
Los Capuchinos de San Giovanni Rotondo querían un Santuario para Peregrinos devotos del Padre Pío.
En un principio Renzo se negó…pero…
«La arquitectura es también el arte de construir emociones.«
«Un edificio imponente expresa potencia, grandilocuencia… algo diverso de lo que representó el padre Pío».
Fue una de sus escusas…
Al final accedió
El padre Gerardo, responsable de la edificación del santuario, me mandaba todas las mañanas sus bendiciones… al final me convenció para que visitara el lugar. Conozco bien la belleza de los paisajes de Apulia, pero este valle, salpicado de piedra blanca, es algo especial. Me sedujo definitivamente. Entonces comencé a imaginar cómo podría ser….
«Me he hecho también yo algo capuchino.»..
He observado la vida de los frailes. He dialogado atentamente con el liturgista Crispino Valenziano. He estudiado la historia de la liturgia y de la religión. Si hubiera proyectado una iglesia con nave, hubiera surgido una iglesia imponente, parecida en su tamaño a la Basílica de San Pedro del Vaticano. Opté por una estructura radial, centrada en el altar con la asamblea reunida en torno y dividida en sectores por grandes arcadas que se surgen del único centro. Además, he seleccionado materiales que expresan sencillez y solidez: la piedra local y la madera, así como el vidrio de las ventanas. La consecuencia ha sido un aula llena de vibraciones y de sonoridad ambiental, no sólo cuando se escucha el magnífico órgano, sino también por el efecto de la luz, que se filtra indirectamente en el ambiente y se sólo concentra directamente en el altar. Así están concebidas también las iglesias barrocas: un haz de luz penetra para indicar el centro de la celebración.
El diseño?
Me lo sugirió el lugar… pues los lugares también hablan, aunque los arquitectos en ocasiones no saben escucharlos.
El pequeño valle que está detrás de la antigua iglesia tiene un carácter claro, evidente. Al bajar, sugiere la idea de un gran atrio que concluye abajo con un espacio circular: de ahí surge la forma de la iglesia. Se debe también al hecho de que si se quiere acercar lo más posible la asamblea al altar esta forma circular es la mejor. Las grandes arcadas separan el aula en gajos o gallones de dimensiones semejantes a las de una iglesia de unos trescientos o cuatrocientos puestos. De este modo, cada gajo es como una pequeña iglesia.
Los arcos de piedra que sostienen la cobertura, son desiguales entre sí y de un tamaño creciente.
El santuario del Padre Pío de la región de Apulia cubre un área de 6.000 con una capacidad 6000 personas sentadas y otras 10000 de pie. El material de construcción: la piedra de Apricena donde había vivido el santo. En la plaza del santuario hay 24 los 12 profetas y los 12 apóstoles de Cristo y una fuente con un sonido muy especial…
El campanario con ochos campanas diseñadas por la «Pontificia Fondería Marinelli» en Agone -Italia cada campana dedicada a un santo franciscano destacan ocho águilas del escultor Mario Rosello y la Cruz diseño del arquitecto Renzo Piano. La Iglesia principal del Santuario se divide en tres áreas:
La sala Litúrgica, la capilla de la Eucaristía y la Sacristía. Este espacio está bordeado por 22 arcos portadores que provienen del Pilar central.
Justo donde comienzan los arcos está el altar obra de Arnaldo Pomodoro. El Púlpito de Giuliano Vangi di Pietrasanta se formó de un solo bloque de piedra lisa y muestra La Resurrección La Capilla del Santísimo en el lado de la Sala Litúrgica. El tabernáculo diseñado por Floriano Bodino esculpida en un bloque de 40 quintales de roca de lava del volcán Etna de Sicilia. La capilla pintada al fresco por Sor Elisa Aletti con el tema de la resurrección también elementos de la Vida del Padre Pio y de la tradición franciscana.
Música y arquitectura se asemejan…
Como ya hice en el auditorio de Berlín, he trabajado con el experto de acústica alemán Helmut Müller. El primer paso fue escoger dónde colocar el órgano. Esta iglesia tiene un tiempo de reverberación -el tiempo que tarda un sonido en regresar a su origen después de haber sido «rebotado» por las paredes, n. d. r. más bien largo… entre cuatro y cinco segundos. Es algo propio de una gran aula eclesial, y se adapta a la música sagrada.
En un órgano mecánico de 5814 tubos de 10 mts. de alto construido por Pinchi di Foligno toda una tradición organera en la iglesia superior.
«Si bien una es evidentemente material y la otra aparentemente inmaterial. Ambas están hechas de «habitaciones».
Decía mi amigo, Luciano Berio, la música entra y sale, en sus movimientos, como por habitaciones sucesivas como lo hace quien atraviesa una arquitectura. En esta iglesia, el espacio también tiene un ritmo…
«Provengo de una familia de constructores y creo que llevo en la sangre las ganas de experimentar».
Lo hice en la Potsdamer Platz en Berlín así como en el centro cultural en Nuova Caledonia, con estructuras en forma de cabaña, con láminas de madera de hasta 28 metros de altura. Me gusta recuperar materiales antiguos y rejuvenecerlos con las tecnologías actuales, por eso he utilizado la piedra para el santuario. La técnica con la que hemos realizado los grandes arcos de San Giovanni Rotondo podría dar un nuevo empuje al uso de este material antiguo.
«Paso mi vida en diálogo continuo con los artistas».
En este sentido también ha sido precioso el consejo de monseñor Valenziano.Llamamos a Roy Lichtenstein (1923-1997) para la capilla eucarística. Por desgracia falleció y hemos preferido que no fuera otro quien completara su obra. Arnaldo Pomodoro ha realizado la gran cruz que caracteriza el lugar del altar. Giuliano Vangi ha realizado el ambón. Mimmo Paladino la puerta. También Robert Rauschenberg ha trabajado durante mucho tiempo en la representación del Apocalipsis de la gran vidriera, pero su obra todavía tiene que encontrar su adaptación litúrgica y por el momento ha quedado en la reserva.
El Santo Padre Pío de Petrelcina
Muere serenamente en su celda el 23 de septiembre de 1968, sus estigmas desaparecen una semana antes. Asisten al funeral más de 100.000 personas.
El 16 de junio de 2002 a las 14:02 fue canonizado en la Plaza de San Pedro en la considerada canonización más multitudinaria de la historia de la Iglesia, Juan Pablo II lo proclamó santo conocido como el fraile de los estigmas y venerado por millones de personas en todo el mundo.
El hoy santo Juan Pablo II – le visitó en 1947 en su convento de San Giovanni Rotondo, cuando era un simple cura polaco que estudiaba en Roma, oró ante su tumba en 1974 cuando era arzobispo de Cracovia y en 1987 ya como Papa.
El resaltó del Padre Pío: el orgullo que sentía por la Cruz, su espiritualidad, el estar siempre disponible para los demás y su vida de oración y penitencia.
Infinitas y geniales obras
Centre Georges Pompidou en París(1971-1977) Espacio multidisciplinar que alberga una biblioteca, un museo, un centro de diseño y un centro musical. Su estructura se compone principalemnte de cristal y acero, además de tubos de colores.
Museo de la Fundación Beyeler – Suiza 1992-1997
The Sharden Londres 2000-2012 El último es uno de los más importantes proyectos del arquitecto genovés. Su interior alberga oficinas, un hotel, restaurantes, un bar y una galería. Se puede decir que es muy similar a una ciudad vertical con ambientes comerciales, residenciales y públicos.
Reconocimientos
Praemium Imperiale en Tokio, Japón 1995
Premio Pritzker 1998
Leone d’Oro por trayectoria en Venecia 2000
Medalla de Oro AIA en Washington 2008 y el Premio Sonning en Copenhague 2008
Fue nombrado senador vitalicio por el presidente italiano Giorgio Napolitano
Título Honorífico de la Universidad de Columbia -2014
La Capilla Sixtina no fue concebida como una capilla normal, es decir, un lugar donde celebrar las sencillas devociones cotidianas…fue construida, por expreso deseo del papa Sixto IV, para ser «el gran santuario del ceremonial» del sucesor de Pedro.
Construida entre 1477 y 1480 a petición del papa Sixto IV y se encuentra en el extremo derecho de la Basílica de San Pedro. Tiene – 40,5 metros de largo, 13,2 de ancho y 20,7 de alto-las mismas medidas del templo del rey Salomón.
El primer cónclave celebrado en ella fue en 1492, en el que fue elegido papa Alejandro VI, el papa Borgia…tras largos años de dedicación y con la contribución de numerosos artistas hoy se puede afirmar que es Capilla de Capillas.
Hablar de «La Sixtina» es pensar inmediatamente en Miguel Ángel que le dio la justa fama que hoy posee. Pero fueron muchos los que colaboraron en ella realizando una obra fantástica de teología que la vemos desde al pavimento al techo detalles sutiles que nos aclaran los «porqué están ahí» lugar sacro e importantísimo en la Historia de la Iglesia Universal.
La capilla Sixtina, es para toda la comunidad católica, el lugar de la acción del Espíritu Santo… El es quién elige al que debe ser Obispo de Roma y Sucesor de Pedro.
El silencio es lo que se pide…
No es para menos… al entrar en ella, termina el bullicio…algo conmovedor para una contemplación embelesada…
Auque se la haya visitado mil veces, esto se repite siempre … siempre, emociona, conmueve… es el poder extraordinario que tienen la grandes obras de arte… dejarnos sin palabras.
Así era antes de la intervención de Miguel Ángel, el cambio sin duda !!!sorprendente!!!!… nada fue dejado al azar, nada fue improvisado… los teólogos trabajaron en ella para dejar este legado a la posteridad, y con certeza se puede decir:
Perfecta, del Piso al techo.
«Los tituli»
Todos los frescos concuerdan plenamente con sus «tituli»- actualmente recuperados. Estos «Tituli» los formuló un teólogo por encargo del Papa. Escogió pasajes del Antiguo y del Nuevo Testamento relacionados entre sí y destinados a expresar una sola idea, formulada luego en los dos «tituli» simétricamente dispuestos, uno frente al otro, encima de los frescos.
Cuando estos fueron apareciendo, poco a poco durante la restauración de las pinturas, se descubrió una transcripción de éstos en un texto concerniente a la distribución de los asientos durante el cónclave.
Todo esto nos dice… que las escenas pintadas en las paredes significan la «Naturaleza de la Iglesia» según la Revelación del Antiguo y del Nuevo Testamento.
Los pintores y teólogos de la época de Sixto IV poseían un lenguaje figurado que ha definido las pinturas murales de la capilla hasta en sus mínimos detalles partiendo del contenido y no de la forma; incluso los colores de las vestiduras tienen significado propio.
Los Frescos de Sixto IV:
Llevados a cabo durante la intervención del papa Sixto IV della Rovere.
Realizados por un grupo de artistas, del Primer Renacimiento, el llamado «Quatrocento», artistas procedentes de Florencia y Umbría, como Perugino, maestro de Rafael, Sandro Boticelli, Domenico Ghirlandaio, maestro de Miguelangel, y Cosimo Roselli, Biagio d’Antonio y Luca Signorelli.
Bajo la supervisión de dos teólogos papales realizaron una serie de frescos homogéneos que empezaban desde el altar, en narración cronológica, hacia la puerta de acceso principal.
El Antiguo Testamento pared sur y luego la pared Norte con el Nuevo Testamento.
Pared Sur– Antiguo Testamento La historia de Moisés Se iniciaba sobre el altar con el nacimiento y hallazgo de Moisés una obra de Perugino…. perdido para realizar el Juicio Final.
Empieza cuando Moisés va egipto y se ven episodios de su vida, el cruce del Mar Rojo, la entrega de las Tablas el último muerte de Moisés tras ver la Tierra prometida. La pared norte- Nuevo Testamento
Los Hechos de la vida de Cristo se inician con el Bautismo, Las tentaciones, Purificación de un leproso, la elección de los apóstoles, la entrega de llave a Pedro y última cena.
En ambas paredes, un cortinado ficticio, en esos espacios se colocan los famosos tapices de Rafael de inigualable colorido que fueron hechos hacer en Bruselas en el taller de Pieter van Aelst entre 1519 y 1521, ubicados allí solo en ceremonias o días especiales, se exponen de manera permanente en la Pinacoteca Vaticana .
La obra de un grande…
El fresco de la bóveda, con escenas del Génesis, fue realizado entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel apodado por entoces como «el divino» y por indicación del papa Julio II, el maestro era escultor, afrontó la tarea de pintar más de mil metros cuadrados de yeso.
Contó con asistentes pero solo para cuestiones técnicas de preparación de materiales y apoyo en las pinturas arquitectónicas. Miguel Ángel pintó los frescos de pie, no tumbado como alguna vez se ha teorizado.
Una veintena de años más tarde, el papa Clemente VII volvió a encargar a Miguel Ángel, «El Juicio Final«, que el pintor ejecutó, con sesenta años, entre 1536 y 1541, está situada detrás del altar y no en la pared opuesta. La intención era que, después de haber asistido a las ceremonias, los fieles, al salir, se encontraran frente a la escena y vieran los castigos previstos si violaban la ley divina.
En la Capilla Sixtina sucede lo contrario. El celebrante y los fieles se ven forzados a ver el Juicio Final mientras oran.
Tiene como punto central la figura de Cristo en el momento justo precedente a la emisión del juicio final. Debajo, Caronte embarca a los condenados rumbo al juez infernal Minos, cuyo cuerpo aparece rodeado por una serpiente, hace referencia al infierno de Dante.
Una anécdota… de tantas…
El maestro de ceremonias de Pablo III, Biagio Da Cesena, visitó la Capilla Sixtina mientras el artista pintaba…cometió la imprudencia de criticar al artista, le dijo: «que el fresco, parecía más idóneo para unos baños termales que para una capilla».
El artista, ofendido, se vengó… puso el rostro de Da Cesena al pintar la figura de Minos, con orejas de asno y una serpiente enroscada al cuerpo que le muerde los testículos. Da Cesena, al enterarse, protestó airadamente ante Pablo III. Este le preguntó:
-“¿Dónde os ha colocado?”.
–“En el infierno”, contestó el maestro de ceremonias.
–“Si os hubiese pintado en el purgatorio, habría algún remedio, pero en el infierno no hay redención posible”, repondió, Pablo III.
Más de 300 figuras diferentes, muchas de las cuales presentan efectos en dos dimensiones ya que se aprovecha la arquitectura de la propia sala en lo que constituye una obra de pericia artística sin igual. La iconografía representada es muy variada…
La obra, «conmocionó la historia del arte», generó clamor y escándalo, no solo por los cuerpos «desnudos» de Cristo y los santos, sino también por haber innovado el lenguaje pictórico del Arte del Renacimiento, introduciendo figuras paganas, ángeles sin alas, santos sin aureola es decir… una composición libre.
Tras la muerte de Miguel Ángel en plena Contrarreforma, se encomendó a Daniele da Volterra ocultar los desnudos considerados » obscenos», que serían borrados parcialmente durante restauraciones posteriores para devolver a la obra de Miguel Ángel su originalidad…
El piso de la Capilla
Conocido por los eruditos postmedievales como opus alexandrinum. Las piezas, llamadas teselas, suelen ser de mármol de colores, otros materiales similares pórfido, sílex, granito… o bien de cerámica esmaltada, vidriadas,etc.
El estilo cosmatesco, en sentido estricto, refiere a las decoraciones típicas hechas por artistas del mármol romano, tanto de la familia Cosmati, y de otras familias coetáneas, como la del Vassalletto, el Mellini, el magister Paulus o Rainerius.
Este incierto estilo.
En Montecasino, la célebre abadía benedictina, lo realizaron especialistas que se trajeron de Constantinopla y se cuenta también que fue introducido por un trabajador del mármol llamado Laurentius, nativo de Anagni. Laurentius aprendió de maestros griegos. Usó mármoles blancos o de colores claros como fondo de sus composiciones. A ellos les incrustó cuadrados, paralelogramos y círculos de mármol más oscuro, rodeándolos con lazos de mosaico compuesto de tesela coloreadas y vidrio dorado.
Más adelante por el año 1200 la familia de «maestros Cosmati«, siguieron con tan bella tarea. Estos artistas cubrieron las más importantes iglesias con estas maravillosas “alfombras de piedras”.
Encontramos este tipo de piso en muchos templos:
San Juan letrán- el palacio Lateralense- Basílica de san Marcos evangelista-Basílica de San Juan Crisógono-San Clemente de Letrán – Sta. María de aracoeli- San Pablo extramuro, tiene columnas- San Lorenzo extramuro el altar mayor, Santa María in Trastevere y san Benedetto in Piscinula... este último es el único que se conserva perfecto sin restauración alguna. Todos cercanos a Roma pero los tiene también la Capilla Palatina de Palermo -Sicilia, estos dan a entender que lo realizaron trabajadores árabes, mientras que la Abadía de Westminster- Londres, contrató a miembros de la familia Cosmati en 1268 y tienen su propio «Cosmatesco»… lugar de bodas y coronaciones como se pudo ver recientemente con la de Carlos III.
El arte en estos mosaicos no es fruto del azar. Se puede decir que tienen un lenguaje cargado de espiritualidad. Las diferentes piezas del suelo formaban laberintos geométricos muy populares durante la Edad Media.
Numerosos teólogos, históriadores, científicos y arquitectos han estudiado y escrito sobre «mosaicos cosmatescos» llegando a la conclusión de que, además de ser una obra magnífica de decoración, sus formas fueron creados como caminos de meditación, aparecen en obras famosas como «Los embajadores», una «vanidad»de Holbein donde además de mostrar una anamosfosis muy en boga por entonces el pintor destaca el tan mentado piso de la familia Cosmati.
La “rota porphyretica”
Estos laberintos medievales, querían simbolizar el calvario y el sufrimiento que los fieles sentían en su largo camino hacia Dios.
Así aparecen los laberintos que algunos pocos templos góticos aún mantienen. El suelo servía, por lo tanto, para la meditación, penitencia, acercamiento a la redención.
También podía servir para señalar donde se debían realizar ciertos rituales religiosos como en el caso de la Capilla Sixtina que indica… donde se arrodilla el Papa.
Dos fotos de la Película de Netflix- Los dos papas– Anthony Hopkins quien interpreta al papa Benedicto XVI y Jonathan Pryce a Jorge Bergoglio. Ambos fueron nominados a los Oscar como mejor actor y mejor papel secundario.
El piso indicaba el recorrido de la procesión. El pasaje está decorado con una doble espiral continua que contiene seis círculos, el más ancho de los cuales, muy cerca de la entrada, es de pórfido. Se trata de la rota porphyretica – o “ruota dell’incoronazione”, legendaria proveniente de la vieja Basílica Vaticana, es decir, de la mandada edificar por el Emperador Constantino. Un gran circulo de pórfido este material, famoso por su color y dureza, sobre ella se detenía «el elegido» para ser bendecido, coronado…
Constantino construyó la basílica original de San Pedro en el lugar de enterramiento del Santo alrededor del año 320.
Consistía en cinco naves precedidas por un gran atrio con un cuadriportico. Colocáron la Rota porphyretica como corresponde, a la entrada y cuando rehicieron San Pedro siglos después.
Sobre esta piedra circular de Pórfido, se ubicaban los, reyes, emperadores etc. cuando el pontífice le imponía su corona… !!toda una tradición milenaria!.
En muchas de las iglesias mayores romanas, las papales, se encuentra este detalle que señala el punto en el que el papa, el celebrante o el simple peregrino común, entrando al templo, se detiene para inclinarse ante el altar…
Con motivo de la restauración de los frescos de la Capillla, el ahora santo, Juan Pablo II dijo de este lugar:
» La capilla Sixtina es un lugar que, para todo Papa, encierra el recuerdo de un día particular de su vida. Para mí se trata del 16 de octubre de 1978. Precisamente aquí, en este lugar sagrado, se reúnen los cardenales, esperando la manifestación de la voluntad de Cristo con respecto a la persona del sucesor de san Pedro. Aquí escuché de labios de mi rector de otro tiempo, el cardenal Maximilien de Furstenberg, las significativas palabras: Magister adest et vocat te. En este lugar el cardenal primado de Polonia, Stefan Wyszynski, me dijo: Si te eligen, te suplico que no lo rechaces. Y aquí, por obediencia a Cristo y encomendándome a su Madre, acepté la elección hecha por el Cónclave, declarando al cardenal camarlengo, Jean Villot, que estaba dispuesto a servir a la Iglesia».
Este detalle de la creación de Adán se considera el más popular…
James Jacques-Joseph Tissot nació en Nantes, Países del Loira 15 de octubre de 1836-Chenecey-Buillon, Franco Condado el 8 de agosto de 1902 fue un artista, pintor y grabador francés de excepción.
Estudió en la École des Beaux-Arts de París, bajo maestros de la talla de Ingres, Flandrin y Lamothe.
Fue a finales de la década de 1850 cuando Tissot debutó en París…
Innovador… pero no revolucionario, sofisticado… pero preocupado por la plasmación de una cierta grandeza. Tanto su personalidad como su trabajo cautivaron a clientes adinerados, aristocráticos y a las clases medias y altas que le encargaron retratos y escenas de género.
Sus pinturas también se difundieron a través de fotografías que se vendían en París, Londres exportándose a Estados Unidos, convirtiendo a su autor, en uno de los creadores más destacados de su tiempo.
Como Baudelaire entendía
La capital francesa era por entonces, todo un crisol creativo, Whistler, Manet y Degas formulaban las imágenes de la modernidad… Tissot, casi un dandi, alcanzó pronto popularidad motivado por las ideas sobre el realismo artístico del autor del Pintor de la vida moderna, Baudelaire y se decantó por el «costumbrismo modernista».
Primera vez en el Salón de París en 1859 cinco pinturas de escenas de la Edad Media, algunas de las cuales representaban escenas del Fausto de Goethe, que no fue muy bien recibido por los críticos… pero sin embargo, despertó el interés del público por su estilo original, la precisión de su dibujo, el color contrastado, su agudo sentido de la composición y sus esmerados detalles.
En esas obras muestra la influencia del pintor belga Henri Leys, a quién Tissot había conocido, en Amberes, ese mismo año.
Su Reunión de Fausto y Margarita, fue adquirido por el Estado para la galería de Luxemburgo.
Tras este primer período «historicista»….da un vuelco a su obra que reside en la búsqueda de nuevos enfoques y técnicas, su intuición o perspicacia y su gran habilidad… para producirlas.
Luchó en la guerra franco-prusiana, sospechoso de ser un Comunero, salió de París y se instaló en Londres. Allí se adaptó las convenciones de la pintura narrativa británica a la hora de retratar los instantes ociosos de la sociedad victoriana en lienzos poco inocentes que solían albergar varias capas de significado.
Allí estudió grabado con sir Seymour Haden.
Retrato que le hace su amigo Degas…
También formó parte del grupo de artistas franceses que se dejaron inspirar por Japón, después de que este país entablara relaciones con Occidente en 1853 e incluso antes de la Exposición Universal de 1867, a la que los nipones enviaron una delegación, se convirtió, en entusiasta coleccionista de objetos asiáticos y fue maestro de dibujo de Tokugawa Akitake, hermano del último Shogun.
Su pasión por esa cultura quedó en Mujer japonesa en el baño -1864, obra en la que ofreció una visión de un Oriente imaginado, mostrando a una mujer europea portando un reluciente kimono.
Edmond de Goncourt el escritor francés se refirió a él como “este ser complejo” su obra es cautivadora y ambigua a partes iguales. Sabe despertar la curiosidad del observador sin satisfacerla por completo, permitiéndole extraer sus propias conclusiones…
Pintor “fotográfico”
Se le puede atribuir esta cualidad a Tissot, por la cuidadosa descripción de las escenas, que resultan casi tan minuciosas como las mismas fotografías que el artista solía realizar a modo preparatorio y el interesante tratamiento del color que aplica en algunas obras, como en este “El Concierto”, en el que parece perseguir el efecto visual de las fotografías coloreadas a mano.
El escenario rococó de El Concierto tiende al monocromatismo, en tonos sepias y ocres, la ilustre concertista,pacientemente, parece formar parte de ese decorado, fundiéndose con la pared tras ella, mientras que las figuras “galantes”, los bulliciosos y maleducados asistentes, son figuras discordantes cromáticamente.
El arte decimonónico vivió agitados giros estilísticos, a los que Tissot no fue extraño. El artista fue evolucionando desde el gusto por el neoclasicismo victoriano de sus inicios en los que se vio influenciado por academicistas como Leys o Gérôme, hasta el realismo siguiendo la estela de Courbet.
Caricaturas para la revista Vanity Fair…
Bellas pinturas de género y retratos…
En la década de 1870, en Londres, conoció a una irlandesa divorciada, él tenía 41 años y ella 23 y pronto comenzaron a convivir, convirtiéndose en una gran fuente de inspiración…
Para Tissot, ella era el ideal de feminidad, de belleza joven y radiante… pero frágil.
El romance terminó mal. Kathleen Newton muere en 1882, a los 28 años.
Tissot, profundamente afectado, sufrió un cambio radical en lo personal y lo artístico, comenzó a interesarse por el espiritismo y la comunicación con los muertos, de moda entonces en Europa.
Creyó contactar con Katy Newton en una sesión celebrada en 1885 en la capital inglesa, de la mano del medium Eglington.
Ese supuesto encuentro lo plasmó en una obra llamada «La aparición«, en la que conjugó alusiones a escenas fantasmales románticas con otras tomadas de fotografías.
Regresó a París.
Una gran exposición de su obra tuvo lugar en 1885 en la Galerie Sedelmeyer, donde mostró 15 pinturas de gran formato en una serie llamada La Femme à Paris.
La serie Mujeres de París, que presentó en sendas muestras individuales en París y Londres en 1885 y 1886. Presentó a sus modelos como epítomes de belleza y sofisticación, también seductoras, a medio camino entre muñecas y esfinges.
Prestó atención al intercambio de miradas entre mujeres y hombres, y entre estos con el espectador, a los escenarios, su nueva obra serían los propios del naturalismo: bulevares, tiendas, lugares para el ocio y la esfera social artística.
Tissot, que había reestablecido sus lazos con los círculos literarios galos antes de su regreso a París, especialmente con sus amigos Edmond de Goncourt y Alphonse Daudet, esperaba adaptar esta serie para su publicación y produjo grabados que quería acompañar con relatos de Ludovic Halévy, Théodore de Banville, Alphonse Daudet, François Coppée, Albert Wolff y Guy de Maupassant, pero el proyecto no se concretó.
El cambio de hábito…
La crítica, acusó a estas » mujeres parisinas» y al propio artista, de ser “demasiado británicos” y ese fracaso llevó al pintor a embarcarse en el mencionado proyecto de ilustrar la Biblia, que ocupó los últimos quince años de su vida.
Al interés del artista por «el ocultismo» se le unió el » redescubrimiento de su fe católica».
Unos meses después de la supuesta aparición de Kathleen Newton, experimentó otra visión, esta vez del mismo Cristo, en la iglesia de Saint-Sulpice en París y este acontecimiento le llevó a darle definitivamente la espalda a los asuntos mundanos para volcarse en los Evangelios. Su objetivo fue nada menos que reestablecer la verdad de la historia bíblica, distorsionada, en su opinión, por las «fantasías de los pintores.»
Levantó críticas por sus ocasionales desvíos hacia el pastiche, pero también fue alabado por moverse siempre guiado por sus propias inclinaciones, abandonó prácticamente sus géneros habituales y se dedicó a ilustrar la Biblia, ofreciendo una iconografía renovada de las Sagradas Escrituras que incidiría en la estética de cineastas posteriores.
Para lograrlo, viajó a Tierra Santa buscando los espacios donde redescubrir el verdadero mensaje de las Escrituras. Su afán de autenticidad se fundó en su propia fe y las imágenes que pintó tradujeron sus “visiones”.
Fantásticas acuarelas fruto de aquellos esfuerzos fueron muy populares. Publicadas por la editorial Mame con el título de La vida de Nuestro Señor Jesucristo, fueron todo un éxito de ventas.
Su objetivo era la precisión, y sus figuras con un realismo vivo que estaba muy lejos del tratamiento convencional de los temas sagrados.
El arca de la Alianza cruzando el Jordán– The Jewish Museum, New York,
Muchos son los méritos de sus ilustraciones bíblicas que se centran en el cuidado con que estudia los detalles.
La última etapa del pintor fue un verdadero éxito. Sus cuadros religiosos se vendían muy bien.
Su visión sobre»Las cruces de Cristo»
La visión de Cristo ya crucificado… que era lo veía en esos angustiosos momentos… un pueblo… su pueblo que se le burlaba y divertía…
Lo que Cristo vio de la cruz, ilustración para La vida de Cristo, c.1886-96 gouache en cartulina Brooklyn Museum of Art, New York, USA
La Cruz, no muestra a Cristo, sino a María, Juan y María Magdalena abrazada al madero…
Durante julio de 1894, fue galardonado con la Legión de Honor , la más prestigiosa medalla de Francia.
Su serie de 365 aguada -acuarela opaca, son ilustraciones que muestran la vida de Cristo, se mostró a un público entusiasta y con la aclamación de los críticos en París -1894/5 y en Londres 1896, en Nueva York 1898/9, antes de ser comprada por el Brooklyn Museo en 1900 donde están actualmente.
A pesar de que nunca terminó la serie, se exhibieron 80 de estas pinturas en París en 1901 y sus grabados publicados en 1904.
Tissot murió repentinamente en Doubs , Francia el 8 de agosto de 1902, mientras vivía en el castillo de Buillon, una ex abadía que había heredado de su padre en 1888.
Su tumba se encuentra en la capilla situada en el recinto del castillo.
En la primera mitad del siglo XX, hubo un verdadero interés en sus retratos de «Señoras a la moda» y unos cincuenta años más tarde, éstos fueron alcanzando precios récord.
Sus imágenes han proporcionado bases para las películas contemporáneas como En busca del arca perdida y La edad de la inocencia.
Canten hoy, pues nacéis vos, los ángeles, gran Señora, y ensáyense, desde ahora, para cuando nazca Dios.
Canten hoy, pues a ver vienen nacida su Reina bella, que el fruto que esperan de ella es por quien la gracia tienen.
Digan, Señora, de vos, que habéis de ser su Señora, y ensáyense, desde ahora, para cuando nazca Dios.
Pues de aquí a catorce años, que en buena hora cumpláis, verán el bien que nos dais, remedio de tantos daños.
Canten y digan, por vos, que desde hoy tienen Señora, y ensáyense, desde ahora, para cuando nazca Dios.
Y nosotros, que esperamos que llegue pronto Belén, preparemos también, el corazón y las manos.
Vete sembrando, Señora, de paz nuestro corazón, y ensayemos, desde ahora, para cuando nazca Dios. Amén.
Poesía dedicada a la Natividad de María del escritor español Lope de Vega–
«Natividad de María»- 1520
Óleo sobre madera de140.7 cm × 130 cms AlbrechtAltdofer. esta obra pertenece a la Colección de pinturas del Estado de Baviera hoy en la vieja Pinacoteca de Munich.
Altdorfer fue uno de los artistas más brillantes del Renacimiento del Norte de Europa. La belleza de lugares donde vivió lo marcó profundamente y se convirtió en uno de los primeros pintores en representar paisajes con emoción y expresividad.
El primer documento que de él se conserva de este autor es de 1505, año en el que obtiene la ciudadanía en Ratisbona.
No se conocen datos relativos a su aprendizaje, aunque la minuciosidad y detallismo de su pintura sugieren una posible formación como miniaturista.
Durante su primera etapa Altdorfer utilizó para firmar un monograma que consistía en una doble A.
Uno de los primeros pintores europeos que situó el paisaje como tema autónomo en el centro de su trabajo. Mezclando planos, figuras humanas y el decorado minucioso.
Altdorfer da a sus obras una perspectiva cósmica, nueva, única en su momento.
Miembro de la Escuela del Danubio,denominada «Donauschule» que aunará el trabajo de varios artistas en Baviera y Austria en el primer tercio del siglo XVI inscribiéndose, por tanto, en el Renacimiento Clásico.
Altdorfer representa ese otro renacimiento que nada tiene que ver con el practicado en Italia. Los germanos no pretendían renacer el mundo greco-romano, sino que el arte tenía sus propias características…
En esta obra del Nacimiento de María, se adelanta al barroco unos ochenta años!!! con toda esa teatralidad espectacular y bellos detalles.
Un cuadro deslumbrante
Un círculo de ángeles celebrando con gozo el nacimiento de María dentro de un templo mientras un ángel joven en el centro de la composición esparce incienso sobre la pequeña recién nacida.
El cuadro está organizado de una manera complicada pero original donde muestra su maestría como pintor: el ambulatorio y las columnas de la galería son de estilo románico, la ventanas con arcos de estilo gótico, hornacinas renacentistas y la impronta escénica, Barroca.
Los protagonistas
Santa Ana y San Joaquín, padres de María y mujeres que acompañan tan importante momento.
San Joaquin subiendo al estrado con el Pan bajo el brazo…el antiguo pero oportuno adagio …
El artista realizó esta obra en un momento difícil, plena Reforma Protestante!!!
Para esta escena no hay cita bíblica alguna, porque los Evangelios canónicos no mencionan este momento, pero sí los Evangelios apócrifos como: el Protoevangelio de Santiago, el Evangelio de la Natividad de la Virgen y el del Seudo-Mateo etc, que se encargan de contar con todo detalle mil y una historias.
Estos relatos, siempre fueron la solución a la frustrante falta de datos para pintores y escultores que necesitan saber más para enriquecer sus representaciones: cuándo, cómo, a qué edad, con quién y dónde…
Por estos apócrifos, conocemos la historia de Joaquín y Ana, siendo estériles y ancianos, tras veinte años de matrimonio son bendecidos con una hija que pondrán por nombre María.
La fecha del Nacimiento de María quedó fijada por los teólogos el 8 de septiembre porque según los astrónomos el sol, en este día, entra en el signo de Virgo.
En la iconografía bizantina y medieval en miniaturas y mosaicos empezó a representarse esta escena con dos momentos principales: santa Ana acostada en la cama asistida por algunas mujeres y en el primer plano el baño de la niña en una pila, jofaina etc.
El agua que se vertía bien visible, permitía asociar este nacimiento con el principio de la historia de la salvación, la entrega de un Redentorde cuyo pecho brotarán ríos de agua viva.
El baño de la Virgen, la “Tota Pulcra sine macula” -se convertía en algo importantísimo.
A la habitación, no debía faltarle detalles: la cama con terciopelo carmesí sobre el tradicional estrado, cortina con dosel recogida en un nudo, como era costumbre en las casas de las clases altas.
Las sillas talladas con motivos góticos, semejantes a las cátedras de los obispos, lámparas de bronce… alguna vela encendida signo del misterio, alfombras de nudos coloreadas, bodegones con naranjas, símbolo de fertilidad, espejos convexos en los que hacer alardes pictóricos…sin olvidar el atributo mariano de la letanía “Speculum sine macula” vidrieras emplomadas asociadas a la virginidad de María, puesto que, al igual que pasa la luz por el cristal sin romperlo, así penetrará el Espíritu Santo en el seno de María sin romper el sello de su virginidad…
Altdorfer en su óleo de 1520 situa la escena decididamente en el interior de una iglesia y allí, en plena nave central, adaptó la habitación. La cama de Santa Ana y la cuna bajo una ronda de ángeles revoloteando sobre la escena.
Porque la tradición popular cantaba: que ese día los ángeles habían descendido para ser testigos del nacimiento de su futura Reina y celebrarlo entre loas y alabanzas en su honor.
El cisma protestante iniciado por Lutero en 1517, era fiel solamente a lo narrado en la Biblia, provocó que la Iglesia católica comenzase a desechar los relatos apócrifos recogidos, muchos de ellos, en la “Leyenda dorada” del dominico del siglo XIII Jacopo della Voragine.
Todos los detalles superfluos fueron desapareciendo, pero la escena perduró dada su importancia y su presencia en la vida de la Iglesia.
María había nacido había sido bañada y envuelta en pañales, secillamente… nos quedaron las obras de una época que pasó…
Albrecht Altdorfer residió hasta el final de sus días en 1538 siendo miembro vitalicio del Consejo municipal y arquitecto oficial en la ciudad Ratisbona-Alemania, donde además de trabajar como pintor, grabador, diseñador de vidrieras y arquitecto municipal, ejerció un destacado papel dentro de la política local, llegando a ser elegido alcalde en 1528.
Admiró y estudió cuidadosamente la obra de los grandes maestros alemanes del momento, entre ellos la de Durero y Cranach y junto con Lucas Cranach el Viejo, Wolf Huber y Jörg Breu, es el creador de un arte original basado en un tratamiento del paisaje muy particular.
Recibió importantes comisiones de figuras prominentes de la corte de Maximiliano I.
Para muchos su obra cumbre es:
La Batalla de Issos
La batalla de Alejandro, en Issos -1529 conservada en Múnich en la Alte Pinakothek, fue encargo del conde Guillermo IV de Baviera considerada como una de sus obras maestras junto con esta Natividad de María.
Cielo, mar y tierra juegan aquí el mismo papel, y sólo una placa en el cielo indica que se trata de la batalla en la que Alejandro Magno derrotó a los persas en el río Issa en el año 333 a.C. mi. Por las armaduras de los guerreros y la arquitectura de una ciudad lejana al fondo, esta escena se ubica en el siglo XVI. Dotó a esta obra de preciosos detalles de arquitectura y paisajismo…
Altdorfer pintó la batalla «a vista de pájaro«. Un remolino de pequeñas figuras de soldados que se fusionan en una sola masa se abre ante el espectador con el telón de fondo de un paisaje montañoso, donde un sol fantásticio atraviesa las nubes…
Alejandro lucha en medio de la batalla, persiguiendo al rey persa Darío en su carro.
Alejandro mostró nobleza y generosidad hacia el derrotado Darío y su familia, respetó a su madre, su esposa y las dos hijas del rey.
Alejandro descubrió que el rey persa moría a causa de una herida mortal traicionado por sus propios súbditos. Cuando Darío murió, honró a su enemigo cubriendo su cuerpo con su propio manto.
Alejandro, no en vano era apodado Magno, estaba convencido de que era mejor gobernar con la buena voluntad que con la violencia. Se casó con Roxana, cuya belleza era legendaria en toda Asia.
Otra obra buenísima de este autor con un colorido espectacular, es la historia narrada en el Libro de Daniel:
Susana y los viejos de 1526-y el retablo con La vida de San Florian -151
Se destaca dentro de sus obras el retablo del monasterio de San Florián en Enns -Austria-de 1518, en el que utiliza varias escenas nocturnas, algo inusual en aquella época.
“La despedida de San Florián al monasterio” El tamaño de la imagen es de 81.4 x 67 cm, óleo sobre madera de tendencia gótica.
En las pinturas de este ciclo, las figuras dominan. El paisaje completamente ausente o reducido a la posición de fondo.
Usa tonos como: azul ultramar, cinabrio, carmín, verde esmeralda y amarillo dorado, dotados de poder luminoso y los aplica densamente, que brillan a través de la capa interna, como si se derritieran, a veces aplicadas con pinceladas rápidas y abiertas.
Como fantasmagoría del fabuloso e irreal elemento de la luz, aparece la Resurrección de Cristo, donde la radiación que brilla alrededor de la cabeza de Cristo, se convierte en nubes de lava ardiente y oro rojo, las nubes que cubren el cielo… muy interesante trabajo debido a la época de su realización.
Son grupos de capillas, templos y elementos arquitectónicos realizados entre finales del siglo XV y finales del siglo XVII, los promovió el Concilio de Trento y tuvo al hoy santo Carlos Borromeo -Arzobispo de Milán como entusiasta propagador y mecenas de varios de ellos.
El escritor Amilcare Barbero los define como: «Un complejo religioso situado en la pendiente de una montaña, a una altura elevada, en una posición apartada respecto al centro urbano y en medio de un ambiente natural. El santuario debe estar dedicado a la vida de Cristo, Maria o un santo en particular; y ser una reproducción o evocar alguno de los lugares santos del cristianismo».
Comenzaron a construirse en Italia a finales del siglo XV, con el objetivo de ofrecer a los peregrinos una alternativa más cercana, económica y segura respecto al viaje a la siempre convulsionada Tierra Santa.
En las regiones dePiamonte en Italia hay 7 de ellos y en 2 la Lombardia…
Los nueve Sacri Monti fueron incluidos en la lista de Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO en 2003 ellos son:
1-Sacro Monte o Nueva Jerusalén de Varallo-Sesia desde1486-
Es el más antiguo de los «Sacri Monti» italianos y extranjeros. Su fundación se remonta a 1491 y se debe al hermano Bernardino Caimi de la Orden de los Menores Observantesde san Francisco que decide hacerlo después de un viaje realizado a Tierra Santa.
Bernardino Caimi fue el inspirador y Gaudenzio Ferrari el creador artístico del Sacromonte de Varallo, mientras que Carlos Borromeo, el arzobispo de Milán de 1560 a 1584, fue el protagonista y mecenas que lo animó después que lo visitó en 1578 quedó admirado y se prodigó para que sus contemporáneos lo conocieran mejor.
El área del Monte Sacro se divide en dos zonas bien delimitadas. Una en pendiente, densa de plantas y verde, está organizada como un jardín, las capillas, situadas en los puntos estratégicos de los recorridos, narran, en la primera zona, desde “Adán y Eva” o el “Pecado Original” y siguen describiendo los hechos de la vida de Cristo, desde la Anunciación hasta la entrada de Cristo en Jerusalén.
La segunda zona, situada en la cima y precedida por la “Puerta Áurea”, formada por palacios enriquecidos con pórticos, en torno a las dos plazas de los Tribunales (plaza civil) y del Templo (plaza religiosa), con la idea de proponer la ciudad de Jerusalén, con una estructura urbana; en ellas las capillas describen los hechos de Cristo que tuvieron lugar dentro y cerca de las murallas de Jerusalén, desde la “Última Cena”, los “Sepulcros”, la “Resurrección de Cristo” a la “Asunción de la Virgen”, a la que está dedicada la Basílica. Este carácter de ciudad distingue al Monte Sacro de Varallo de cualquier otro Monte Sacro.
2-Sacro Monte – Di «Santa Maria Assunta» di Serralunga di Crea -1589
Provincia de Alessandria, en el Piamonte.
Empezaron las obras en 1589 bajo la iniciativa del prior de Crea, quién proyectó la ampliación del santuario mariano preexistente, disponiendo la construcción de una serie de capillas dedicadas a los misterios de la vida y al triunfo de la Virgen.
Hacia finales del 1600 el Monte tenía 18 capillas y 17 ermitas, que en 1657 sufrieron el ataque de soldados franceses y sabaudos en lucha contra el Monferrato.
El corazón del Santuario es la iglesia-basílica de Santa María. El interior de la iglesia, de tres naves, conserva importantes obras pictóricas, entre ellas sobresale el ciclo de los frescos de la « Historias de Santa Margarita de Antioquía » del siglo XV, uno de los testigos más importantes del Piamonte. En 1980 el Monte fue cedido a la Región Piamonte que lo transformó en parque natural.
Múltiples son las obras de gran interés artístico conservadas en ella, pero la más importante es la famosa estatua de madera de la Virgen y el Niño, traída por San Eusebio, dañada por el paso del tiempo, pero siempre adornada con preciosos vestidos, como el que le regaló en 1931 la princesa María José de Saboya, de visita al santuario. El parque natural tiene 34 hectáreas de terreno.
3-Sacro Monte – Di «San Francesco» di Orta San Giulio -1590
Ubicado en Orta San Giulio, Provincia de Novara, en el Piamonte.
Por iniciativa de la Comunidad de Orta y del abad novarés Amico Canobio. Surge junto a la ya preexistente iglesia de SanNicolao, antiguo lugar de culto donde se veneraba una estatua del siglo xv de la Virgen de la Piedad.
Este monte sacro se encuentra en la cima de un monte junto al lago, a unos 400 metros sobre el nivel del mar. La colina se eligió probablemente por su maravillosa posición paesajística y su espléndida vista panorámica del lago y de Orta. El Monte se construyó, emulando el cercano Monte Sacro de Varallo.
Las veinte capillas, que se subsiguen en un itinerario en espiral, narran la vida de San Francisco como imitador de Cristo, desde su nacimiento hasta su canonización. En cada capilla, cubiertas con placas de piedra, gneis, está representado un momento significativo de la vida del santo, con bellísimos frescos y esculturas de terracota. El recorrido artístico está acompañado de una rica vegetación, cuidadosamente colocada, que tenía que guiar al peregrino en el itinerario sagrado y consentirle momentos de descanso y recogimiento a la sombra de una planta. Toda la zona donde surge el Monte Sacro está cubierta de bosques de gran follaje que, en parte, han ocupado las antiguas terrazas en desnivel hacia el lago y que en otro tiempo estaban cultivadas con prados y frutales.
En 1980 la Región Piamonte, reconoció la inestimable relación que une a las capillas, el recorrido devoto y el ambiente natural y decidió protegerlo conservarlo y valorizar el patrimonio histórico, religioso y forestal del Monte Sacro de Orta.
4-Sacro Monte -Del Santo Rosario di Varese 1598
Muy popular a partir de la Batalla de Lepanto (1571).
Lugar de peregrinación desde la Edad Media por la iglesia de Santa Maria del Monte y luego por el monasterio de los miembros de la Orden local milanesa de los Ambrosiani o Ambrosini, fundado en el año 1474, este Sacro Monte di Varese fue construido después del Concilio de TrentoLos trabajos se iniciaron en el año 1604, s.
El camino recorre 14 capillas distintas hasta la cima de la colina, en un empinado itinerario diseñado en un suelo de adoquines imitando una antigua calzada romana de más de dos kilómetros. En cada templo se representan imágenes del Misterio del Rosario. Cada capilla es diferente a la anterior, parecen pequeñas maquetas a escala de alguna iglesia enorme. Todas preciosas, y aunque no siguen ningún patrón, tienen en común el estilo manierista. Al final del viaje se encuentra propiamente el Santuario dedicado a la Virgen y un pequeño pueblo que poco a poco fue construido en torno a este para que habitasen clérigos y trabajadores, además de servir de albergue para los peregrinos que hoy día conforman una bonita aldea.
5-Sacro Monte della Beata Vergine di Oropa 1617-Piamonte
Santuario mariano – dedicado a la Virgen Negra – situado a pocos kilómetros al norte de la ciudad de Biella, a cuyo municipio y provincia pertenece.
Dedicado a la Virgen Negra – situado a una docena de kilómetros al norte de la ciudad de Biella, a cuyo municipio y provincia pertenece, en el Piamonte, norte de Italia. Este complejo, constituido por 19 capillas, se encuentra situado extramuros del santuario. Está a cerca de 1200 metros de altitud, en un anfiteatro natural de montañas que circundan la anteriormente mencionada ciudad y forman parte de los Alpes Bielleses.
Las obras del Sacro Monte de Oropa comenzaron en 1617-1620 gracias al monje Fedele da San Germano. Su construcción coincidió con la gran reforma que la familia Savoia hizo de este gran complejo dedicado a la madonna negra.
Presenta 19 capillas, de las cuales 12 de las más imponentes, hacen alusión a la Virgen María mediante los frescos y pintados que se encuentran allí. Todas las capillas poseen techo realizado con material de laja de piedra, considerado una tradición alpina.
6-Sacro Monte della Beata Vergine del Soccorso di Ossuccio 1635
El itinerario devocional avanza por un camino ascendente bordeado por 14 ermitas y termina en el Santuario de la Beata Vergine del Soccorso, cuyo altar sirve de decimoquinta y última estación. con vistas impresionantes del lago de Como.
Las catorce capillas, construidas entre 1635 y 1710 en el típico estilo barroco reflejan las aspiraciones de la Contrarreforma del movimiento de montes sagrados y se unen por un camino o sendero que lleva a un santuario preexistente de 1532 colocado en la cumbre y que está dedicado a La Beata Vergine del Soccorso.
A finales de la época romana este lugar era un centro de culto dedicado a Ceres que atraía gran flujo de gente sobre todo en los idus de septiembre, como relata Plinio el Joven, cónsul en el año 100 y amigo del emperador Trajano que sobre el Lario poseía dos villas. Recientes excavaciones bajo el santuario han puesto de manifiesto trazas de planta polivolumétrica típica de los santuarios paganos romanos.
Las capillas están decoradas con 230 estatuas de estuco y terracota, a tamaño natural, realizadas por diversos artistas: Agostino Silva, Carlo Gaffuri e Innocente Torriani. Los trajes de las estatuas reproducen fielmente la vestimenta señorial y popular de los habitantes de la zona en el año 1700.
7-Sacro Monte- Della SS. Trinità di Ghiffa 1591
Situado en la orilla piamontesa del Lago Maggiore a 360 m.sobre el nivel del mar en la localidad de Ronco, provincia de Verbano Cusio Ossola- Piamonte.
La idea de realizar un monte sacro cerca de este oratorio surgió entre finales del siglo xvi y mediados del siglo xvii. Se encuentra en las laderas del monte Cargiago, sobre la localidad de Ronco, a 360 m s. n. m., con una estupenda vista sobre el lago Mayor. La vista panorámica sobre la ribera piamontesa del lago Mayor muestra un alto nivel de investigación paisajística y de arquitectura compositiva.
Hacia mitad del siglo xvii se comenzó el Monte Sacro alrededor de la iglesia, representando algunos de los episodios del antiguo y nuevo testamento, inspirándose en el modelo del ya realizado cerca de Varese.
En esta primera fase, sin embargo, sólo se construyeron tres capillas actualmente reserva natural creada en el año 1987, tutela el núcleo monumental así como una amplia zona boscosa que sube a lo largo de las laderas del Monte Cargiago, junto al lago Mayor.
Gracias a la creación de la reserva natural especial se ha podido restaurar todo el Monte Sacro, volviendo a las formas antiguas originales.
8-Sacro Monte – Calvario di Domodossola 1657
Con la consagración del Santuario, en 1690, se concluyó la primera fase, pero nuevos artistas prosiguieron la obra hasta 1710. Tras distintos avateres en las obras se llevó a cabo la tercera fase, en la que se experimentaron nuevas tipologías y se introdujeron algunas variantes, gracias al arquitecto Perini. El conjunto alcanzó su máximo desarrollo en la segunda mitad del siglo XVIII.
Los años posteriores fueron difíciles… ausencia arquitectos, de fondos y la supresión de las órdenes religiosas como consecuencia de las leyes napoleónicas, el área fue abandonada y se convirtió en zona militar. El convento de los capuchinos fue cuartel de los alpinos; el Arco de Pilatos destruido por el Municipio y la primera capilla saltó por los aires al ser convertida en depósito de pólvora para minas, pero fue reconstruida en 1900.
Antonio Rosmini fundó el Instituto de la Caridad en 1828 y le dio al Calvario una nueva vida. Los padres rosminianos han continuado los trabajos de manutención y construcción.
9-Sacro Monte di Belmonte
Valperga 1712 ubicado en Castellamonte, provincia de Turín, en el Piamonte.
El conjunto monumental está formado por un santuario, en torno al cual, se desarrolla un recorrido circular de devoción, salpicado por trece capillas dedicadas a los «Misterios del Rosario».
La zona donde se encuentra el santuario con sus capillas del Vía Crucis forma parte de una gran reserva de interés natural, histórico y arqueológico, ya que se han encontrado vestigios de un asentamiento longobardo. Desde el centro de la ciudad, en dirección a Pertusio, hay una carretera secundaria que permite llegar a los dos pequeños lagos Azzurri, muy pintorescos, sobre todo en invierno cuando se hielan.
Históricamente relevante es el castillo de Valperga,que data del siglo X y se caracteriza por las torres que rodean varios edificios añadidos a lo largo del tiempo.
A una docena de kilómetros, el castillo de Agliè, una fortaleza defensiva medieval.
Destaca una estatua de la Virgen entronizada, tallada en un solo bloque de madera, ubicada en un nicho de la cornisa dorada. Una obra de artista desconocido con anterioridad al año 1600.
En el tímpano de la fachada, el fresco del pintor Giacomo Grosso, uno de los más significativos artistas turineses entre finales del siglo XIX y principios del XX. Realiza en escayola la Virgen de Belmonte, San Francisco entre otras obras.
Nació en Marsella, 1808 y murió en Valmondois en 1879- Dibujante, pintor, litógrafo y escultor francés, prácticamente autodidacta. Artista polifacético y uno de los representantes más destacados y populares del realismo francés.
Gran caricaturista, en el que primó: el sarcasmo, la crítica y la mordacidad mostrando la realidad desde una óptica de denuncia de la sociedad y la actualidad.
Daumier, tuvo siempre una gran afinidad con la clase obrera y los movimientos sociales que denunciaban la hipocresía de la burguesía, defendiendo la emancipación de la mujer.
Con 14 años en1822 comienza a aprender litografía.1825 entra a trabajar como aprendiz en el taller del grabador Zephirin Belliard.
En 1828 confecciona sus primeras litografías para el diario La Silhouette.
La década de 1830 fue la época dorada de la caricatura francesa. Además de Daumier, destacaron nombres como Gavarni, Grandville y Monnier.
Comenzaron a realizarse mediante el grabado en madera a contrafibra. Más tarde, con el invento por parte de Alois Senelfer de la litografía, se convirtió en el procedimiento técnico predilecto por ser más económico y rápido. Daumier destacó por su maestría en la litografía, con sutiles gradaciones del gris al negro.
En 1832 trabaja en Le Caricature periódico humorístico-político dirigido por Charles Philipon y en Le Charivari donde tiene luchar con la censura.
Además de litografías, realizó esculturas entre las que destacan bustos de terracota policromada que retratan de forma caricaturesca a políticos de su tiempo. Caracterizados por un modelado vigoroso de las formas, son obras que muestran gran potencia expresiva con variaciones de gris…
Toda una galería de estereotipos
Los vicios, la hipocresía, el cinismo y las costumbres sociales de la clase media-alta.
Destaca, la exageración de los rasgos fisionómicos originales de los retratados, de tal manera que rozan incluso lo monstruoso y lo grotesco. Este último fue un concepto estético sobre el que se teorizó en el siglo XIX y Baudelaire lo abordó en su ensayo De la esencia de la risa y en general de lo cómico en las artes plásticas (1855). Lo grotesco, denominado por el literato como “cómico absoluto”, sería el causante de una risa repentina.
Realizó más de 4000 trabajos gráficos, 300 pinturas, 800 dibujos, y esculturas pero no consiguió resolver su vida. Murió en la casa que le había sido regalada por su gran amigo Corot. Este, compró una casa para Daumier , y le escribió,«mi viejo camarada – tengo una pequeña casa para la cual no tenía ningún uso en Valmondois cerca del Isla-Ada’n. Pienso que podría ofrecersela a usted y, como pienso es una buena idea, ya la he inscrito a su nombre en el notario. No es por usted que hago esto, sino simplemente para molestar a su propietario. » Gesto simple y generoso que dió a Daumier serenidad en sus últimos años.
Honoré Daumier, «Uno de los pocos artistas románticos que no se sustrajeron de la realidad», permaneció en su vida prácticamente desconocido como pintor, no encontrando público para su trabajo. Solamente algunos amigos lo animaron y, un año antes de su muerte, arreglaron su primera exposición en solitario.
Aquí, fotografía realizada por el famoso Nadar. No había en París persona alguna que no quisiera fotografiarse con él… le dedica una litografía.
Charles Baudelaire sería uno de los pocos que se percataría del talento que poseía Honoré Daumier, decía: «que sólo existían dos personas a la par con Delacroix: una de ellas era Ingres, la otra Daumier, catalogándolo como uno de los hombres más importantes para el arte moderno».
Amigo de E. Lami; de otro gran caricaturista y magnífico litógrafo e ilustrador, P. Gavarni, y de Baudelaire, intimó también con Millet, Rousseau, Daubigny, Corot y el escultor Geoffroy Dechaume a partir de 1848 alterna su actividad de dibujante con la pintura.
Los suyos son pequeños lienzos, pero de grandioso contenido, esbozados con enorme potencia y con un magistral manejo del claroscuro que le sitúa, en la misma línea de un Rembrandt o un Goya nada menos.
Sus cuadros parecen inacabados y sorprendente expresividad que podemos ver como precedentes de algunas corrientes expresionistas.
Pero el secreto de su talento de pintor reside en su aguda expresividad.
Se dedicó al llamado Realismo. Movimiento que se opone la idealización con la que el romanticismo trata los temas, y muestra la realidad de manera cruda. Una realidad que es poco equitativa, que es injusta, que es brutal con gran parte de la población.
Es un momento en que «El arte empieza al ponerse al servicio del hombre” esto, lo diría Courbet, el iniciador del movimiento. El arte asume compromiso social. Intenta cambiar la realidad, denunciándola…
A partir de los últimos años de la década del 20 del siglo XIX, Daumier se empieza a volver famoso por sus escandalosas, pero excelentes litografías que hacen las delicias de la sociedad parisina.
Lo interesante de este artista es que el público común lo amaba. Desde unas décadas antes, escandalizaba con sus caricaturas satíricas con las que hace crítica social y denuncia la corrupción del gobierno y de la justicia de turno.
En la caricatura, se resalta groseramente determinadas características que definen a las persona o a una determinada sociedad… Ridiculización!!! …que era bien recibido por el pueblo llano.
Quizás influenciado por Goya en su serie de Caprichos… pero no se queda sólo en la crítica de humor agudo de los comportamientos de la sociedad, sino, pone énfasis en la sátira política…
Se enfrenta al poder gobernante…
Y le costó lo suyo…
Caricatura que ridiculiza el Capítulo VI de los Derechos y Deberes de los Cónyuges en el Código Civil Francés, promulgado por Napoleón en 1804, c.1840-50.
El gigante Gargantúa
Esta litografía, de 1831, muestra al gigante Gargantúa… parodiando en realidad al rey Luis Felipe de Orleans, opulento y ávido de lujo, que devora insaciable los impuestos de su pueblo hambreado.
Acusado de incitar al odio y menosprecio del gobierno del rey, Daumier termina recibiendo una fuerte multa y se hace acreedor de una temporada de 6 meses en prisión.
Personajes de la actualidad de entonces… Un burgués, Victor Hugo – Balzac con bastón-1841 este último tinta sobre papel…
El Vientre Legislativo -Le Ventre législatif) enero de 1834 litografía en papel de tejido grueso.
Teatro francés-
La vida del teatro fue otro de los ejes temáticos de la pintura realista de este artista, quien no sólo trató la acción de los actores, sino también las actitudes del público. Juega con maestría con los altos contrastes de luz, claroscuros y penumbras que rodean a los espectadores para recrear el estado anímico a través de los gestos y las expresiones, muchas veces distorsionadas y caricaturescas, de los rostros…
«Ratapoil» de 1851 en bronce- en Museo D´Orsay de París
Republicano convencido, Daumier ataca de este modo la poderosa propaganda vinculada por algunos agentes electorales en favor de Luís Napoleón Bonaparte. Elegido a la cabeza de la República por cuatro años no renovables en 1848, el príncipe-presidente organiza en efecto en esta época una campaña de opinión en su favor, amenaza con una restauración imperial. El mote de «Ratapoil» aparece el 12 de agosto, también en Le Charivari y en1875, aparece en el Gran Diccionario Universal del siglo XIX:»de rat (rata), de à (de), et de poil (pelo), eran «Partidario del militarismo, y en particular del cesarismo napoleónico». Daumier moldea su estatuilla en marzo de 1851. Los volúmenes están exacerbados, desequilibrio, frágiles y potentes, lo que otorga a la obra una violencia subversiva a la medida del reto político. A la exageración del arqueado, de los pliegues arrugados del pantalón y de la levita, se añade, como culminación, la expresión satánica del rostro. Aunque los rasgos de Ratapoil no caricaturan directamente el príncipe-presidente, el bigote a la imperial sigue siendo el emblema inmediatamente reconocible del enemigo. Tremendamente moderno, Ratapoil rompe con las categorías de la escultura en 1850 aparece el expresionismo. Daumier hace un balance pesimista de las bajas obras de la política.
Abogados y justicia en general …
Podría decirse: su tema favorito
El Quijote
Don Quijote y Sancho Panza comenzó a partir de 1867, se inspiró con relativa frecuencia en la famosa pareja. Hizo numerosas pinturas y dibujos con Don Quijote, solo o con Sancho Panza, unos 25 óleos, acuarelas y una serie al carboncillo. Consideraba el personaje de Don Quijote un marginado idealista en el que el propio pintor se veía reflejado.
Quizás su mejor obra…
El vagon de tercera que la repitió.
Hizo en acuarela y carboncillo: primera, segunda y tercera en el Museo Walters en Baltimore-EEUU repitiendo este último cambiado técnica y materiales…
El vagón de tercera clase
Como muchas otras de sus obras, evidencia el interés de Daumier por las clases más humildes. Durante el siglo XIX y primeros años del XX, los vagones de tercera clase eran compartimentos austeros, sin la menor comodidad, con bancos de madera duros, donde viajaban hacinados los que no podían pagar algo más.
Las versiones de Nueva York y Ottawa son ambas óleos sobre tela similares, y miden 65,4 cm x 90,2 cm. La representación de una clase social humilde y poco tomada en cuenta por el estado, trasluciendo cansancio pero también fortaleza.
La principal…
En el banco de madera frente al espectador está sentada, a la izquierda, una mujer amamantando a su bebé, seguida del verdadero centro compositivo y visual de la obra, una anciana con una capa con capucha, con sus manos huesudas sujetando el asa de una cesta sobre su regazo, cuya expresión cansada es el principal signo de su pobreza material, incluso el niño dormido por el traqueteo a la derecha, parece ya agotado por un trabajo duro. No busca gracia y armonía, si no subrayar la pobreza y resignación de las personas que viajan en el compartimento abarrotado lejos del estilo refinado e idealizado que se enseñaba en las academias de arte.
Su firma en la caja de madera representa la humildad e interés de Daumier por la amplia clase social más desfavorecida.
A diferencia de las versiones de Nueva York y Ottawa, la versión de San Francisco es un óleo sobre tabla, y un poco más pequeña, midiendo 26 x 33,9 cm. el Museo de Bellas Artes de San Francisco lo data c. 1856-1858.
Las tres figuras principales son diferentes a las otras versiones: una anciana con los ojos cerrados y las manos entrelazadas sobre el regazo a la izquierda; un hombre barbudo con traje que sujeta su sombrero en el regazo en el centro; y a la derecha una joven mirando a su pequeño hijo de pie frente a ella.
Algunos reconocimientos
Pintor de las clases populares, y como sostuvo Henri Focillon, le llamó el: “cronista de París”. Nada escapaba a su agudeza observadora. Contó con la estima de Baudelaire quien, en Quelques caricaturistes français (1857), le señaló como artista destacado no sólo de la caricatura sino del arte moderno en general.
Champfleury publicó Histoire de la caricature moderne (1865), obra en la que se le incluyó como artista.
En el siglo XX, el historiador del arte y crítico Lionello Venturi le llegó a definir como el “Miguel Ángel de la caricatura”.
Hacia 1870, Daumier con su ceguera a cuestas, tuvo que abandonar sus trabajos. Fue totalmente romántico en sus concepciones, pero sus temas y el fino diseño ha sido la base de gran parte del Arte Moderno, sus increíbles creaciones han ejercido influencia directa e indiscutida en la Pintura Expresionista.
Ana Maria Brandolini 