San Agustín

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Su nombre completo era Aurelio Agustín 354-430. Nació en Tagaste y llegó a ser obispo de Hipona. Vivió en la actual Túnez, en una época de crisis, cuando Alarico invadió Roma.

La Iglesia católica lo considera Padre de la Iglesia latina. El 20 de septiembre de 1295 el papa Bonifacio VIII lo proclamó Doctor de la Iglesia por sus aportes a la doctrina católica, junto con Gregorio Magno, Ambrosio de Milán y Jerónimo de Estridón. Su fiesta litúrgica se celebra el 28 de agosto.

San Agustín de Hipona fue el primer filósofo importante de la era Cristiana, reconocido especialmente por su insaciable curiosidad y la constante búsqueda de la verdad.
Fue bautizado en la Pascua del año 387 por el Santo Obispo Ambrosio, en Milán.

San Agustín de Hipona fue «el faro de Occidente»en el primer milenio, el arquetipo del converso, del infatigable buscador de la verdad, de la persona escindida entre la llamada de lo terreno y la llamada de lo divino. De él se ha dicho que fue el más santo de los humanos, y el más humano de los santos.

Dios con su «Gracia»hace que el hombre le busque

En Agustín, la búsqueda de Dios es una búsqueda amorosa, que se da en la fe. Los Neoplatónicos buscaban a Dios en la naturaleza.

El lema era: “Noli foras ire”No busques fuera de ti. Esto será el principio del subjetivismo y antecede al subjetivismo moderno. La verdad se busca dentro del hombre porque es ahí donde está. El ser humano se compone de cuerpo y alma, el lugar donde se puede hallar a Dios. Más adelante se buscará en la mente con Descartes.

Agustín defenderá un iluminismo. El alma humana es la imagen, el reflejo más perfecto de Dios, doctrina que constituye la aportación más profunda del santo.

Verdadera joya del gótico

Su sepulcro, se conserva en la iglesia de San Pietro in Ciel d’Oro, en Pavía, al norte de Italia.

Aunque murió en Hipona, actual Annaba -Argelia en el 430, sus restos peregrinaron por distintos lugares a lo largo de los siglos.

A comienzos del siglo VI los obispos africanos fueron expulsados de sus sedes por el rey vándalo Trasamundo. Salieron llevándose consigo el tesoro más valioso de la iglesia africana, los restos de Agustín. Los depositaron en la isla de Cerdeña -Italia, en la iglesia de San Saturnino de Cagliari, donde permanecerán más de dos largos siglos siglos.

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Alrededor del 722 hubo que trasladar de nuevo las venerables reliquias. El motivo fue el avance de los musulmanes, que amenazaban la isla. El rey longobardo Luitprando consiguió rescatarlas pagando por ellas una gran suma de dinero.

Los restos fueron solemnemente transportados hasta la capital de su reino, Pavía, y allí depositados en San Pietro in Ciel d’Oro dentro de un cofre de plata que todavía se conserva.

En la cripta de esta iglesia, junto a los restos del filósofo cristiano Severino Boecio, descansaron los restos del santo hasta mediados del siglo XIV. Los agustinos hicieron un mausoleo de extraordinaria belleza que tardó unos 20 años en concluirse de 1360-1380 aprox.

Conocida como “el arca de san Agustín”, Tiene 3,95 metros de alto, 3,07 de ancho y 1,68 de profundidad, en mármol blanco de Carrara. Esta está labrada en un total de 50 bajorrelieves, 95 estatuas -sin contar los animales- y 420 cabezas de ángeles y santos.

La ciudad de Pavía está en la ruta que comunicaba antiguamente Roma con la Europa central y nórdica. Por eso, ha sido durante siglos meta de peregrinación hasta hoy.

Entre los peregrinos famosos, los últimos papas: San Pablo VI oró ante los restos del Santo en 1960, San Juan Pablo II visitó la tumba en 1984 y Benedicto XVI hizo lo propio en su primer viaje italiano, el año 2007.

Algunas de sus famosos escritos

Actualmente se conservan más de 100 obras y unas 350 cartas del santo.

Obra de Louis Comfort Tiffany vitral -en el Museo de San Agustín -Florida USA.

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Al referirse a las obras de San Agustín, se suele reducir a las más conocidas y valoradas: Las Confesiones y La Ciudad de Dios.

  1. Enarrationes in Psalmos (Comentarios a los salmos)

San Agustín acaba diciendo: «Los salmos son mi gozo».

  1. Expositio epistulae ad Galatas (Exposición de la carta a los Gálatas)

La única carta de san Pablo que san Agustín comenta completa. En este comentarios está la frase: «Ama y di lo que quieras».

  1. Epistulae ad Romanos inchoata expositio (Exposición comenzada de la carta a los Romanos)

Comentario incompleto, san Agustín aborda temas esenciales de su teología como la justificación y la gracia.

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  1. In Iohannis euangelium tractatus (Tratado sobre el evangelio de san Juan)

Es el único comentario completo de san Agustín a un evangelio. Aquí se encuentra la famosa frase: «Si bautiza Pedro, es Cristo quien bautiza, si bautiza Judas, es Cristo quien bautiza».

  1. In epistulam Iohannis ad Parthos tractatus (tratado sobre la carta de san Juan)

En ella tenemos reflexiones profundas sobre el amor y la famosa frase: «Ama y haz lo que quieras».

  1. Contra Academicos (Contra los académicos)

Es la primera obra escrita por san Agustín en el año 386 en Casiciaco. Aparece la primera cita paulina de san Agustín, la cita de 1 Cor 1, 24: «Cristo es fuerza de Dios y Sabiduría de Dios».

Sandro Botticelli

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7 De beata uita (Sobre la vida feliz)

Es una de las obras escritas en Casiciaco donde el santo retoma uno de los tema del Hortensio de Cicerón… la cuestión de que todos los hombres queremos ser felices.

  1. De ordine (Sobre el orden)

Señala san Agustín que todo en el mundo sigue un orden establecido por Dios. Propone el ejemplo del mosaico. Si se ve de muy cerca parece no tener figura ni proporción, pero cuando nos alejamos podemos ver el orden y belleza que tiene. Necesitamos la perspectiva de Dios para ver su sentido.

Juan de Juanes

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  1. Soliloquia (Soliloquios)

Es uno de los diálogos de Casiciaco dondeel santo conversa con su propia Razón y se busca ante todo demostrar la inmortalidad del alma. Después, dedicará otra obra con el mismo argumento como segunda parte. Es el De immortalitate animae (Sobre la inmortalidad del alma). El Papa Pablo VI tomó unas palabras de esta obra para concluir la última sesión pública del Vaticano II en 1965.

  1. De bono coniugali (Del bien del matrimonio)

Es una obra sobre el matrimonio como un camino de santidad. Para san Agustín es algo bueno y santo. Presenta los tres bienes del matrimonio, la fidelidad, la prole y el sacramento.

Francisco Zurbarán

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  1. De sancta Virginitate (Sobre la santa Virginidad)

Es una obra sobre la vida consagrada femenina y masculina, como complemento de la obra sobre el matrimonio para presentar que la vocación cristiana es solo una, seguir a Cristo, pero los caminos son diversos, como son la vida matrimonial o la vida consagrada.

  1. De catechizandis rudibus (Sobre la catequesis de los principiantes)

Es la única obra patrística donde se nos señala cómo se hacía la catequesis de los que se acercan a la Iglesia católica por primera vez. De alto contenido pedagógico.

  1. De magistro (Sobre el Maestro)

San Agustín presenta su teoría de los símbolos y esboza su pensamiento sobre el Maestro interior, que es Cristo.

Se considera el primer retrato de San Agustín Letrán

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  1. De agone christiano (Sobre la lucha cristiana)

La vida cristiana como una lucha. La obra tiene un fuerte contenido cristológico.

  1. De correptione et gratia (Sobre la corrección y la gracia)

La importancia de la corrección fraterna dentro de la comunidades cristianas como una forma en la que se ayuda.

  1. De disciplina christiana (Sobre la enseñanza cristiana)

Es un sermón que ha sido catalogado como obra para poder vivir según los mandamientos de Dios, vivir bien y para siempre.

  1. De excidio urbis Romae (Sobre la devastación de la ciudad de Roma)

También catalogado como una obra, habla sobre el saqueo de Roma por Alarico en el 410 la fugacidad de las cosas terrenas, invitando a poner la confianza solo en Dios.

Bartolomé Esteban Murillo

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  1. Contra Faustum (Contra Fausto)

Respuesta a las ideas del obispo maniqueo Fausto, en donde se exponen algunos de los mitos y creencias maniqueas.

  1. De fide et símbolo (Sobre la fe y el símbolo de la fe)

Explicación del credo o símbolo de la fe ante los obispos del norte de África en el 393, siendo todavía presbítero. La escribió a petición de los mismos obispos, quienes querían tenerla para poder explicarlo a sus fieles.

  1. Contra Fortunatum (Contra Fortunato)

Discusión con el maniqueo Fortunato cuando el santo era presbítero de la Iglesia de Hipona. Fortunato al final de la obra se declara vencido.

Gaspar Crayer

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  1. Contra Gaudentium (Contra Gaudencio)

Discusión con el obispo donatista Gaudencio, quien, después de la derrota de los donatistas, se iba a encerrar en su basílica con sus fieles y le iba a prender fuego. No cumplió su amenaza pero refleja el espíritu violento de los donatistas.

  1. De Genesi ad litteram (Comentario literal al Génesis)

Es un comentario sobre el Génesis…los días de la creación. Es una obra que actualmente está siendo redescubierta y estudiada.

  1. De Genesi aduersus Manichaeos (Sobre el Génesis contra los maniqueos)

Los maniqueos negaban la validez de todo el Antiguo Testamento, el santo, ofrece una interpretación católica de la creación, resaltando el sentido espiritual del texto.

Philippe de Champaigne

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  1. De haeresibus (Sobre las herejías)

Respuesta a los deseos del diácono Deogratias de Cartago quien quería tener una obra sobre las herejías. Incluye 88 herejías, para ayudar a combatirlas con la ortodoxia de la fe.

  1. De immortalitate animae (Sobre la inmortalidad del alma)

Segunda parte de la obra de los Soliloquios con este mismo argumento.

  1. Aduersus Iudaeos (Contra los judíos)

No es una obra antisemita. Es un libro en la misma línea de san Pablo en donde se invita a los judíos a la conversión demostrando que el Mesías que esperaba el pueblo de Israel es Jesús.

Visión de san Agustín por Vittore Carpaccio

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  1. Contra Iulianum (Contra Juliano de Eclana)

Juliano de Eclana era obispo católico de Eclana, cerca de Nápoles en Italia, y se había negado a firmar la carta de condena de los pelagianos, acusando al santo de sostener ideas maniqueas no católicas.

  1. De libero arbitrio (Sobre el libre albedrío)

El ser humano ha sido creado por Dios con un libre albedrío que le permite orientar sus acciones libremente, pero en realidad necesita ser liberado por la gracia de Cristo para poder distinguir dónde esta el bien mayor.

  1. Contra Litteras Petiliani (Contra las cartas de Petiliano)

Petiliano era el obispo donatista de Cirta quien en sus escritos había presentado diversas doctrinas equivocadas o falsas sobre los católicos, y sobre el mismo Agustín cuando era presbítero.

  1. De musica (Sobre la música)

No trata de lo que hoy nosotros llamamos música, sino de los ritmos y cadencias de la poesía latina. Importante por sus ideas filosóficas y teológicas.

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Algo diferente…

El Renacimiento Inglés

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Digamos …que se presentó «desplazado» con el resto de Europa y marcado fuertemente por los Tudor. Las artes visuales en Inglaterra fueron mucho menos importantes que en el Renacimiento italiano.

Las formas de arte dominantes de este período fueron la literatura y la música y no estuvo para nada mal…

Florecieron las artes del teatro, literatura y el trabajo creativo cuando los italianos, ya se estaban moviendo hacia el manierismo y el barroco…década de 1550 o antes.

Literatura y Teatro

El drama y el teatro inglés es la época isabelina fue la «Edad de oro» en la historia de Inglaterra.

De los primeros exponentes de la literatura en lengua vernácula fue Roger Ascham, tutor de la princesa Isabel durante su adolescencia, se le llama el «padre de la prosa inglesa».
La creciente riqueza de su gente y su afición por el espectáculo produjeron una literatura dramática de notable variedad, calidad y extensión.

Los géneros incluían la obra de historia con A Larum for London, que dramatiza el saqueo de Amberes en 1576, Shakespeare con sus obras de teatro sobre la vida de reyes, como Ricardo III y Enrique V pertenecen a esta categoría, al igual que Christopher Marlowe ‘con Edward II y George Peele famosa crónica del rey Eduardo I y también Ben Jonson.

La tragedia era un género muy popular.

Las de Marlowe fueron excepcionalmente exitosas, como la del Dr. Faustus y El judío de Malta .

Las cuatro tragedias consideradas como las más grandes de William Shakespeare, considerado «el mejor dramaturgo de todos los tiempos». Hamlet , Othello , King Lear y Macbeth fueron compuestas durante este período.

Los filósofos e intelectuales

Thomas More, pensador, teólogo, político, humanista y escritor inglés, además poeta, traductor, lord canciller de Enrique VIII, profesor de leyes, juez de negocios civiles y abogado y Francis Bacon: filósofo, político, abogado y escritor inglés, padre del empirismo filosófico y científico. Thomas Hobbes uno de los fundadores de la filosofía política moderna. 

Francis Bacon y Thomas Hobbes escribieron sobre el empirismo y el materialismo , incluido el método científico y el contrato social . Se considera que las obras de Bacon desarrollan el método científico y siguieron siendo muy influyentes durante la Revolución Científica.

El pensamiento inglés avanzó hacia la ciencia moderna con el Método Baconiano.

Se publicaron: el libro de oración común por primera vez en 1549, y al final de este período, la Biblia, que tuvo un impacto profundo y duradero en la conciencia inglesa.

Robert Filmer escribió sobre el Derecho Divino de los reyes.

La bella música inglesa

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Thomas Tallis 1505-1585, maestro de William Byrd 1543-1623 “el Palestrina Inglés”, cuyas obras tienen como principal característica su riqueza armónica. Thomas Morley 1558-1602 y John Dowland 1563-1626 Dos importantes compositores ingleses.

Los monarcas Tudor del siglo XVI tenían un alto nivel educativo al igual que gran parte de la nobleza, la literatura italiana tenía un número considerable de seguidores, lo que proporcionó las fuentes de muchas de las obras de Shakespeare.

Algo de su Arquitectura

Bajo Elizabeth I, se fomentó la agricultura, lo que resultó en una recuperación que puso gran cantidad de riquezas en manos de un gran número de personas. Elizabeth no construyó palacios nuevos, sino que alentó a sus cortesanos que construyeron gran cantidad de pequeñas casas y mansiones de campo. Las mansiones medievales anteriores fueron remodeladas y modernizadas durante su reinado.

Hubo algunos edificios en un estilo parcialmente renacentista en el reinado de Enrique VIII -1491-1547, en particular el Palacio de Hampton Court comenzado en 1515, Sutton Place casas tradicionales inglesas y Layer Marney Tower, no fue hasta la arquitectura isabelina de Al final del siglo surgió un verdadero estilo renacentista.

Los edificios más famosos, del tipo llamado «casa prodigio», grandes casas de exhibición construidas para cortesanos y caracterizadas por el uso lujoso del vidrio

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En » Hardwick Hall , más vidrio que pared», Wollaton Hall, Hatfield House y Burghley House esto continúa hasta principios del siglo XVII antes de convertirse en arquitectura jacobea .

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Casas más pequeñas , pero aún grandes como Little Moreton Hall continuaron construyéndose y ampliándose en estilos de entramado de madera esencialmente medievales hasta finales del siglo XVI.

La arquitectura de los templos continuó en el estilo gótico perpendicular de finales de la Edad Media hasta la Reforma, y ​​luego se detuvo casi por completo.

En este momento surge la galería larga tan popular en casas señoriales inglesas, exhibiendo colecciones de pintura.

Los artistas de la corte Tudor fueron principalmente extranjeros… importados.

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Hans Holbein 1467-1523 la figura destacada.

La Reforma inglesa, destruyó casi todo el arte religioso medieval y casi acabó con la habilidad de la pintura en Inglaterra. El arte inglés iba a estar dominado por el retrato y luego el paisaje en los siglos venideros.

El invento inglés significativo fue el retrato en miniatura, que esencialmente tomó las técnicas del arte del manuscrito iluminado y las transfirió a pequeños retratos usados ​​en medallones.

La forma fue desarrollada en Inglaterra por artistas en su mayoría flamencos como Lucas Horenbout 1490 – 1544, el fundador, que se mudó a Inglaterra por 1520 y trabajó allí como «pintor del rey» y miniaturista en la corte de Enrique VIII desde 1525 hasta su muerte, continuando a finales del siglo XVI artistas locales.

Nicolas Hilliard 1547-1619 e Isaac Oliver 1565 – 1617 produjeron el mejor trabajo, incluso como los mejores productores de grandes obras. El retrato en miniatura gustó mucho para el siglo XVIII se había extendido por toda Europa.

El retrato de Isabel I

Se controló cuidadosamente convirtiéndose en un estilo icónico, muy elaborado, totalmente irreal, que ha logrado crear imágenes duraderas.

Los primeros retratos de la reina contienen objetos simbólicos como rosas y libros de oraciones que habrían tenido un significado para los espectadores de su época. Retratos posteriores, superponen la iconografía del imperio – globos , coronas , espadas y columnas – y representaciones de virginidad y pureza – como lunas y perlas – alusiones clásicas para presentar una «historia» compleja que transmitió a los espectadores de la era isabelina la majestad y significado de su Reina Virgen.

Un detalle renacentista …

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En la hermosa Catedral de Salisbury.

El arte matemático del Renacimiento Italiano se expande por Europa… en Inglaterra: la tumba de Sir Thomas Gorges, noble pariente de Ana Bolena, está rematada con un dodecaedro …la quintaesencia de los cielos además tiene pináculos con poliedros.

Los ejemplos conocidos de estas esculturas poliédricas se originan en un período de aproximadamente 30 años, durante el cual Inglaterra y el resto de Europa vieron un resurgimiento del interés por el simbolismo geométrico cuasi místico.

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El monumento, con efigies yacentes de él y su esposa, erigido en 1635 por su hijo Edward Gorges. 1st Baron Gorges.

Sobre ambas efigies y sostenido por cuatro columnas salomónicas nos muestran poliedros renacentistas esculpidos: dos cuboctaedros y un icosaedro coronado por un globo celeste y sobre este un dodecaedro.

Posiblemente este monumento se hizocon la referencia de los dibujos de Leonardo da Vinci para Luca Pacioli Divina Proportione-Venecia, 1509-que se basan en Platón.

Desde hace mas de 3.000 años, las personas se ocupan de estos cinco sólidos platónicos

Forma y fuerza energética de los 4 elementos – tierra, agua, aire, fuego – es decir: la mente ordenada.

Los poliedros son figuras óptimas por su significado platónico… y para demostrar la maestría de los nuevos artistas del Renacimiento: Leonardo, Durero, Piero Della Francesca, Ucello que son imitados. Los tratados de perspectiva los incluyen.

Los sólidos platónicos son: el tetraedro, el cubo (o hexaedro regular), el octaedro o bipirámide cuadrada  ,el dodecaedro y el icosaedro o bipirámide pentagonal giroelongada si se incluyera en la nomenclatura de sólidos de Johnson.

Menciones especiales dentro de la Catedral

Un reloj que data aproximadamente de 1386, supuestamente el reloj moderno en funcionamiento más antiguo del mundo.

El reloj no tiene cara… todos los relojes de esa fecha marcaban las horas con una campana. Originalmente, ubicado en un campanario que fue demolido en 1792. Después, el reloj se trasladó a la Torre de la Catedral, donde estuvo en funcionamiento hasta 1884. El reloj se guardó y se olvidó hasta que se descubrió en un ático en 1928. Fue reparado y restaurado para su funcionamiento en 1956. En 2007, se llevaron a cabo trabajos de rehabilitación y reparaciones.

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Pila Bautismal de piedra Purbeck, una caliza fosilífera que se encuentra en la isla de Purbeck, al sureste de Dorset, Inglaterra. Se la ha extraído, desde los tiempos romanos como roca ornamental para edificios, aunque esta industria ya no está activa.

Por cierto, hermosa y original. El diseño de William Pye «escultor de agua» como le llaman que se lleva todos los aplausos.

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Algo de Tiziano…

El retablo monumental de Santa Maria dei Frari en venecia obra de 1517.

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Cuando el Retablo de la Asunción fue expuesto por primera vez en esta Basílica, los venecianos estaban desconcertados, tanto fue así, que el prior del convento, Germano Casale, quien lo había encargado, estuvo a punto de rechazarlo, afirmando que los apóstoles se parecían a los pescadores de Chioggia, localidad cercana a Venecia.

Óleo sobre lienzo de 7m por 3`60 m. Iglesia de Santa María Gloriosa dei Frari -Venecia.

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Se trata del óleo más grande que hay en la ciudad de Venecia hasta el día de hoy, permanece en el mismo lugar original donde fue pintado. Esta obra, fue responsable de catapultar a la fama a su autor, aunque no sin polémica, ya que no pocos tenían serias dudas sobre calidad de la pintura.

La Asunción de la Virgen María, es el momento en que fue llevada por Dios al cielo, tal como describe la tradición cristiana. La novedad compositiva desconcertó a los franciscanos… María «vuela» con sus brazos abiertos hacia el padre Eterno mientras los apóstoles gesticulan admirados. Posteriormente y gracias a esta obra en 1518 fue nombrado Pintor oficial al servicio del Duque de Ferrara.

Tres partes

En la inferior, los apóstoles simbolizando a quienes aún viven en el mundo y claman al cielo la intercesión de Ella. La figura central de la Virgen, caminando sobre las nubes, aparece totalmente rodeada de angelitos y querubines. En la parte superior aparece Dios Padre, iluminado y mirando hacia abajo, junto a dos ángeles.

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En el momento, fue sorprendente y revolucionario el tratamiento de la luz y del color rojo, también el hecho de fundir en tres planos una sola escena. Muy criticado por el tratadista Ludovico Dolce no entendía por qué la gente se agolpaba frente al retablo … lo llamaba «vulgo necio» a los que miraban embelesados la novedad.

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La unidad compositiva es piramidal y va de un mundo terrenal al celestial y hace a la Virgen partícipe de ambos como intercesora de la humanidad.

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El brazo levantado del apóstol,  las miradas gestos contorsionados, logran una doble perspectiva de gran originalidad, llamada perspectiva cónica -de abajo a arriba y viceversa.

Si, sobre la tierra oscura, los apóstoles: San Pedro, Santo Tomás y San Andrés etc…  atónitos por el milagroso suceso, pero también angustiados por perder a la madre de Cristo. 

 María bellísima, serena, natural

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La zona celestial está impregnada de luz dorada, homenaje a la tradición veneciana por el arte mosaico. Dios la espera…pintura en estilo impresionista!!!!… mira a sus hijos terrenales…

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Su efecto sobre la Pintura del alto Renacimiento fue inmediato. Los contemporáneos quedaron inmediatamente impresionados por la dinámica ascendente, la dramática expresividad de la escena y la agitación de las figuras.

Tal vez sea coincidencia, la calidad , el aire y el movimiento ascendente de la pintura fueron emulados por Rafael -1483-1520 en su famosa Transfiguración c.1518-20, Pinacoteca Apostólica, Roma.

Tiziano fue famoso por su rico y sensual de color y su radical técnica de la pintura. Su manejo virtuoso del color es evidente en la Asunción : vea cómo los dos discípulos en rojo forman una pirámide con la Virgen, levantando nuestros ojos hacia la túnica roja de Dios.

Sus fuentes de inspiración serían Mantegna y Giovanni Bellini, que el maestro perfecciona para otorgar la sobrenaturalidad necesaria.

Tiziano ha conseguido unir las tres zonas de manera espectacular a través de diferentes elementos como son: el color rojo que afecta a las tres zonas, la luz, al iluminar de igual manera la zona terrenal y la celestial, sin hacer variaciones entre ambas y los gestos de las figuras la mirada hacia arriba de la Virgen o Dios Padre mirando hacia abajo, una pirámide para la zona terrenal y un círculo en la celestial, participando la Virgen en ambos mundos lo que indica su calidad de intercesora para el ser humano en su salvación.

Las figuras empleadas son de gran tamaño, destacando las diversas posturas que otorgan mayor veracidad.

Recurre a una doble perspectiva de gran originalidad al mirar de arriba a abajo en los apóstoles y de abajo a arriba en la Virgen y Dios Padre.

La intensidad del colorido y el brillo de la luz dorada forman parte de la cuidadosa puesta en escena seguida por Tiziano, quien había calculado hasta los más mínimos detalles de emplazamiento. De esta manera se pone de manifiesto el deseo del maestro por agradar a sus clientes.

Utilizaba el color “ROJO TIZIANO”, llamado así en su honor, pigmento que a menudo usaba en sus pinturas.

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En la década de 1960 salió al mercado un modelo de la muñeca Barbie que tenía el cabello pelirrojo y que fue popularmente conocida como “Barbie Tiziano”

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Tiziano Vecellio di Gregorio, conocido tradicionalmente como Tiziano o Ticiano -Nacido en Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, hacia 1488/1490-Venecia, 27 de agosto de 1576, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.

Reconocido por sus contemporáneos nada menos que: «el sol entre las estrellas«, en homenaje a la línea final del Paraíso de La Divina Comedia de Dante Alighieri, Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, dos de los temas que le lanzaron a la fama, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. De larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.

En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.

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No mucho después de terminar la Asunción , Tiziano pintó un segundo gran retablo en el Frari, conocido como La Virgen de la Familia Pesaro -1519-26, que es una muestra aún mejor de su exquisita representación de las lujosas sedas y terciopelos por los que Venecia era famosa.

Puso la imagen de la Virgen y el Niño fuera del centro, demostró nuevamente la inquieta innovación del artista.

La larga carrera de Tiziano coincidió en gran medida con la Edad de Oro de Venecia, que llegó a un final abrupto, en 1575, con una plaga virulenta, que diezmó la población de la ciudad.

Tiziano murió de él al año siguiente y fue enterrado en la misma iglesia que alberga su Asunción de la Virgen .

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«Sol Ardiente de junio»


Es obra del pintor inglés Frederic Leighton 1830-1896 óleo sobre lienzo de 120 cm x 120 cm.

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Es obra tardía de Leighton la realizó en una etapa en la que solía pintar mujeres solitarias para representar estados reflexivos o de inconsciencia…actualmente en el Museo Ponce de Puerto Rico.

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La Obra

Llama poderosamente la atención la peculiar postura de la protagonista, que utiliza como almohada uno de sus propios brazos, apoyado a su vez sobre el fémur. Al parecer, Leighton se habría inspirado en la estatua de la Noche, uno de los componentes del conjunto escultórico que realizó Miguel Ángel para la tumba de Juliano II de Médicis, la disposición de sus miembros es muy similar.

 Lo interesante de este cuadro es que cayó en el olvido por cuestiones de «moda» y que todavía ocurre. La pintura victoriana fue rotundamente despreciada durante prácticamente todo el siglo XX   tanto es así que se la encontró arrumbada en un negocio de Ámsterdam  hoy se la reconoce que la obra maestra de su autor.

«Sol radiante de junio» es una obra atípica en la carrera de Leighton empezando por su título, no presenta connotaciones literarias o mitológicas sino que alude a una estación y un clima concreto, como si hubiera querido enfatizar una sensación general de luz y color.

En la brillantez del color pudieron influirle los viajes por el Mediterráneo que realizó, y especialmente su visita al norte de África en 1895. Realzan, además, esos tonos deslumbrantes los ritmos lineales de la composición, que marcan una tensión entre la explosión de naranja que irradia desde el centro y la estructura casi cúbica de la durmiente. Podría tener connotaciones simbólicas y sugerir la perturbación de ese paraíso en calma, lo que la muerte y el sueño tienen de intercambiables o la ambigüedad de las profundidades del subconsciente.

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A la derecha, una rama de adelfa, flor venenosa cuyo nombre deriva de Dafne, la ninfa que según la mitología griega se convirtió en laurel para huir de la persecución de Apolo.

Las religiones paganas, sobre todo el culto a Apolo, siempre fascinaron a Leighton, y referencias al mismo pueden apreciarse en varios de sus trabajos. «Sol ardiente«, podría interpretarse como una figura metamorfoseada por el sol, con sus pliegues fluidos desplegándose desde un centro que transmite quietud.

El renovado interés en la pintura victoriana, generó que la obra sea cedida a importantes exposiciones en todo el mundo. Pero la obra hoy es de los portorriqueños, quienes sienten que la rescataron del olvido.

También ilustra la portada del álbum de 1989 “Waltz Darling” de Malcolm McLaren… fue honrada en una canción de Paul Weller en su album Stanley Road…por el cantante mexicano Luis Miguel, quien nació en Puerto Rico, en su video musical para la canción “Amarte es un placer“.

Leighton, la realizó en una etapa en la que solía pintar mujeres solitarias para representar estados reflexivos o de inconsciencia.

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Es el caso de «Lachrymae,» en el Metropolitan de Nueva York del mismo año presenta tonos densos y melancólicos, en contraste con la atmósfera cálida de «Sol ardiente de junio».

El asunto de la somnolencia expresado a través de figuras femeninas dormidas fue un «leitmotiv» bastante frecuente en la pintura británica del final del siglo XIX, alineada con el esteticismo, contenía numerosas alusiones a la muerte, al inconsciente y a la pérdida del sentido del tiempo.

Otras obras contemporáneas como «Soñadores» 1879-1882 y «Solsticio de verano»1887 de Albert Moore.

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» El sueño del Rey Arturo en Avalón» de Burne-Jones

En todas ellas, el mundo interior de los durmientes, impenetrable para el espectador, resulta un impedimento, una muralla frente a su mirada curiosa.

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Leighton murió a los pocos meses de pintar «Sol ardiente de junio» y un día después de haber sido nombrado Par por la Corona Británica. De camino a la catedral de San Pablo, la comitiva funeraria pasó frente a las oficinas de la revista The Graphic, que había comprado el lienzo «Sol ardiente de Junio» y lo exhibía en su escaparate como homenaje al difunto.

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El autor

Su autoretrato de 1880

Frederic Leighton, primer Barón Leighton Scarborough, Yorkshire— 1830-en una familia dedicada a los negocios de importación y exportación y falleció en Londres, Inglaterra, el 25 de enero de 1896, fue pintor y escultor inglés. Sus trabajos se centraban en temáticas históricas, bíblicas y clásicas.

Estudió en la University College School, Londres. Recibió su educación artística en el continente europeo, primero de la mano de Eduard Von Steinle y después de Giovanni Costa. A la edad de 24 años, viajó a Florencia, donde asistió a la Academia de Florencia y pintó el monumental lienzo Procesión a través de las calles de Florencia de la Madonna de Cimabue, ahora en la National Gallery de Londres.

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Vivió de 1855 a 1859 en París, conoció a Jean Auguste Dominique Ingres, a Eugène Delacroix, a Jean-Baptiste Camille Corot y a Millet.
Su carrera estuvo respaldada por la riqueza de su familia. Durante toda su vida, su padre le siguió pagando una mensualidad. Leighton mencionó en una de sus cartas que sus padres le brindaron todas las facilidades para el dibujo, pero al mismo tiempo lo rechazaron rotundamente como artista. Pero finalmente lo logró: en 1855, la Reina Victoria compró su primer cuadro.
En 1860, se trasladó a Londres, donde se asoció a los Prerrafaelitas.

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Diseñó la tumba de Elizabeth Barrett Browning la escritora y poetisa por encargo de Robert Browning, para el English Cemetery de Florencia -Italia en 1861.

En 1864, se convirtió en socio de la Royal Academy, y en 1878 pasó a ser su presidente 1878-1896.

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La escultura que realizó en 1877, «Atleta luchando con una pitón«, fue considerada en su momento el renacimiento de la escultura británica contemporánea, y se consagró como el origen y mayor exponente del movimiento de la New Sculpture. Sus cuadros representaron a Inglaterra en la Exposición Universal de París, en 1900.

Leighton fue ordenado Caballero Bachelor en el castillo de Windsor, en 1878, y se le concedió el título de baronet, ocho años más tarde. Fue el primer pintor al que se le otorgó el Par, en la Lista de Honores de Año Nuevo de 1896. Se lo convirtió en Barón Leighton de Stretton en el Condado de Shropshire, se hizo pública el 24 de enero de 1896… Leighton murió al día siguiente, de una angina de pecho.
Después de su muerte, su casa, como su contenido, quedó en manos de sus dos hermanas, Alexandra y Augusta, con el consentimiento del difunto Frederic.

Las hermanas vendieron todas sus colecciones y se vieron obligadas a hacerlo para cumplir con las instrucciones financieras que se mencionaban en el testamento de Frederic Leighton. La venta se llevó a cabo durante nueve días, desde el 8 de julio de 1896 hasta el 16 de julio de 1896 en Christie.

Como no estaba casado ni tenía sucesor, tras su muerte su Baronía desapareció con un solo día de existencia!!! este es el récord de un Par, «título de alta dignidad en algunos estados«, como lo es en Inglaterra. La dignidad de Par es un título de la corona y no un título de nobleza. 

Su casa en Holland Park, Londres, se ha transformado en el Leighton House Museum. Contiene un número significativo de sus dibujos y pinturas, así como algunas de sus esculturas incluido el Atleta luchando con una pitón. En la casa, también se muestran muchas de sus inspiraciones, como su colección de azulejos nicenos. En la parte central se aprecia el magnífico salón árabe.

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El gran decorador!!!

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Giovanni Battista o bien Gianbattista Tiépolo nació en la bella Venecia- 1696-Madrid- 1770

Fue famoso en toda Europa como fresquista sin rival y espléndido dibujante. Tuvo por primer maestro a Gregorio Lazzarini, que alentaba a sus discípulos a estudiar el arte veneciano del siglo XVI, y también se dejó influir por el tenebrismo de ­Federico Bencovich y el realismo y la monumentalidad de su gran contemporáneo Giovanni Battista Piazzetta.

Su primera clientela: la nobleza veneciana.

Fue apoyado por el dux de Venecia, familias nobles del Véneto y diversas ciudades del norte de Italia. El arte de Tiépolo se centró principalmente en la creación de grandes frescos y pinturas al óleo diseñados en armonía y consonancia con el ornato y decoración de la arquitectura rococó imperante en aquel momento.

En 1719 contrajo matrimonio con ­Cecilia Guardi, hermana de Francesco el célebre vedutista que le daría nueve hijos.

Maduró especialmente como fresquista en el arzobispado de Udine 1725-1727 y los palacios Archinto y Dugnani de ­Milán – 1729-1731.

Era ya famoso cuando en 1736 el embajador de Suecia le invitó a decorar el Palacio Real de Estocolmo, pero no fue posible llegar a un acuerdo sobre la remuneración.

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En el grandioso «Salone del Palacio Labia», escenas de la historia de Marco Antonio y Cleopatra 1746-1747.

A comienzos de la década de 1740 entabló ­estrecha amistad con ­Francesco ­Algarotti, que le pediría pinturas y asesoría artística, ambos eran ­admi­radores del arte de Veronés.

La luminosidad y plasticidad de su estilo, junto con el agradable colorido de tonos pastel que utiliza en sus obras, siguieron siendo populares incluso después de que los arquitectos comenzaran a levantar edificios en un estilo mucho más austero y severo como fue el neoclasicismo. Sus composiciones son etéreas, llenas de gracia, sus techos pintados de efecto ilusionista, engañan a la vista parecen abiertos al cielo.

Pintó también tablas al óleo, sobre todo retablos, en las que muestra el mismo gusto por las formas elegantes y el colorido suave y delicado de sus obras murales.

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Entre sus primeros frescos destacan los techos de la iglesia de las Descalzas de Venecia, con El milagro de la santa casa de Loreto 1743-1744 una obra maestra de la pintura religiosa de esta época destruida durante la I Guerra Mundial.

Por las mismas fechas Tiépolo trabajó en dos series de aguafuertes,»los ­Capricci» y los «Scherzi di fantasia», por las que sus contemporáneos le compararon con Rembrandt.

Tiépolo creó sus grabados sin las ataduras de los encargos, dando rienda suelta a caprichos o invenciones con personajes pintorescos y exóticos, ruinas y alusiones al ocultismo y lo decadente.

Su producción de grabados ha quedado eclipsada por la obra pictórica y es mínima: 33 imágenes al aguafuerte, agrupadas en dos series. Hacia 1743 vio la luz un primer grupo de diez planchas, Vari Capricci, que sería nuevamente publicado por su hijo Giandomenico en 1785.

Hacia 1743-53 se sitúan las restantes 23 imágenes, que se publicaron con el título de Scherzi di Fantasia. Influido por grabadores del siglo anterior como Giovanni Benedetto Castiglione y Salvator Rosa. Sus hijos Giovanni ­Domenico y Lorenzo practicaron el aguafuerte, y el primero en particular fue prolífico grabador.

Una obra con mayúsculas

A finales de 1750 Tiépolo fue llamado de Alemania, para ir al principado de Wurzburgo, hermosa ciudad construida sobre el Meno, por Carlos Felipe, príncipe obispo de la Franconia oriental, con un ofrecimiento de 3.000 florines para el viaje, 21.000 por sus servicios y otros 3.000 como gratificación. Se trasladó con Domenico y Lorenzo. Allí permanecieron tres años, trabajando en lienzos de altar, cuadros de gabinete y sobre todo en el vasto programa de decoración al fresco de su escalera monumental, es el fresco más grande del mundo donde la imaginación heroica del artista alcanzó cotas deslumbrantes.

Por aquellos días, todo príncipe del sur de Alemania deseaba tener «su propio Versalles» con una diferencia: en el Imperio Germánico el estilo Rococó llegaría a ser francamente popular.

Esta fue la obra cumbre también de Johann Balthasar Neumann 1687-1753- Arquitecto alemán, que proyectaba edificios más bien severos, aunque colosales, era auténtico maestro del Rococó, realizaba unos interiores con lujosos ornamentos.
Uno de sus trabajos más renombrados fue esta Residencia del príncipe-obispo de Würzburg en Baviera, considerada como: el «Prototipo de palacio germánico».

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El exterior de fuerte severidad, pero en el interior nos encontramos con un gran espectáculo escenográfico. La espectacular escalera de tipo imperial, con una rampa inicial que se bifurca en dos, elevadas sobre una arquería. Quién la asciende va de sorpresa en sorpresa…

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A Giovanni Battista Tiépolo se encargó de la decoración pictórica de la bóveda, creando una de las mayores obras al fresco del mundo. El príncipe obispo, Carlos Felipe de Greiffenklau, tuvo corto mandato, desde 1749 hasta su muerte en 1754. A pesar de su riqueza, fue una figura de importancia histórica menor, solo Tiépolo, lo inmortalizó en esta obra. Las figuras que representan los cuatro continentes por aquel entonces, están dispuestos alrededor de los bordes del techo, y todas ellas rinden homenaje a Carlos Felipe, cuyo retrato preside sobre Europa.

Los dioses del Olimpo se unen a esa fiesta.
Los muros laterales se cubren con formas neoclásicas en un discreto blanco, para evitar la sensación de sobrecarga, mostrando el muro toda su belleza.
La influencia francesa e italiana es clara. Esta dualidad era una constante en las arquitecturas alemanas del siglo XVIII. De hecho, en ningún lugar de Europa, las escaleras fueron más suntuosas que en Alemania. Columnas, esculturas, pinturas, todo, para introducir al visitante en un mundo encantado.

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El fresco se aprecia a medida que se asciende por la escalera…..!!!!Gran desafío!!!!

La composición del fresco del techo tiene en cuenta varios puntos de vista disponibles para el visitante, que cambia varias veces de dirección durante su ascenso por las escaleras, y que no pueden tomar el fresco de una mirada.

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Algunos personajes

La parte superior del fresco está destinado a ser visto desde el ángulo opuesto y muestra a Mercurio y, un poco por debajo de él, los dioses Diana, Júpiter y Saturno.

Apolo con el sol tras él, un joven bello y elegante representa las virtudes de la civilización y el pensamiento racional. Aquí, simboliza la fuerza vital del sol sobre todos los continentes , así como el gobierno del príncipe -obispo bajo el que florecen las artes. Le acompañan las Horas, personificación de las estaciones-

Marte y Venus Reclinados sobre una nube se hallan Marte , dios de la guerra y Venus , diosa del amor . Marte era un personaje brutal , pero su espíritu agresivo se amansó cuando se enamoró de Venus, así, su relación sirvió a menudo en el arte como alegoría del amor sobre la guerra.

Mercurio Cerca del retrato del príncipe -obispo, fácilmente reconocible por sus sandalias y por su casco alado y su caduceo, la vara de heraldo que le identificaba como el mensajero de los dioses .

Mercurio personificaba la elocuencia y la razón y se solía considerar portador de buena suerte.

Los cuatro continentes

Europa.– La figura que representa el continente europeo llama menos la atención que sus homólogas , más exóticas , pero tiene una gran dignidad. Recuerda a la imagen tradicional de Juno, reina de los dioses, y su mano reposa sobre un magnífico toro blanco, en referencia a Europa, el personaje mitológico del que procede el nombre del continente. Europa era una hermosa princesa de la que enamoró Júpiter, rey de los dioses y esposo de Juno, que se transformó en un toro blanco y la raptó.

Asia La personificación de Asia lleva un hermoso turbante enjoyado y aparece a lomos de un elefante lujosamente ataviado. El gesto de su mano izquierda es autoritario y manifiesta la extraordinaria habilidad del autor como dibujante, realizando muchos dibujos preparatorios para este techo.

América. Con un espectacular tocado de plumas , América es una de las figuras más llamativas del fresco. En aquella época, en Europa las Américas se consideraban apenas civilizadas y Tiépolo representa a un noble salvaje con un arco al hombro. Varias de las figuras que le acompañan están cazando o tienen un aspecto de guerreros.

África .-La personificación lleva el pecho al descubierto como América , pero su vestimenta es mucho más refinada. La piel oscura contrasta llamativamente con la ropa blanca y los grandes pendientes de oro que luce. Monta sobre un camello y le acompañan figuras y motivos que hablan de la gran riqueza del continente. Los europeos solo conocían las zonas costeras de África, con las que tenían una gran actividad comercial, sobre todo de esclavos…

TÉCNICA

El artista era célebre por la velocidad que trabajaba y además poseía una inventiva extraordinaria: le sobraban las ideas.

El techo está repleto de detalles imaginarios vívidamente caracterizados en figuras humanas como en el de los animales: el cocodrilo sobre el que monta la figura de América. El techo es enorme y pintarlo tuvo que requerir meses de trabajo agotador, pero Tiépolo consiguió que el enorme fresco parezca tan ligero y espontáneo como un esbozo…

Era muy organizado para llevar a cabo su inmensa carga de trabajo y preparaba sus frescos con dibujos y esbozos al óleo. Planteaba lo esencial del diseño, pero introducía cambios en la obra definitiva. Contaba con ayudantes, pero orquestaba tan bien a su equipo que resulta difícil detectar otra mano que no sea la suya. Se supone, que los ayudantes se encargaban de partes como el cielo o el fondo arquitectónico, que no requería el toque personal del maestro.

Tras su regreso a Venecia, anotó nuevos triunfos: la iglesia veneciana de la Piedad en 1754, la Villa Valmarana, donde representó temas de la poesía épica, mientras Domenico pintaba escenas de género. La enorme y espléndida Santa Tecla de la catedral de Este en 1759.

Invitado a Madrid en 1761 para decorar el salón del trono del Palacio Nuevo, ­quiso excusarse alegando su edad avanzada y sus numerosos compromisos, pero Carlos III no quería otro artista, y la presión de sus ministros sobre las autoridades venecianas fue mucha. Con el auxilio eficaz de Domenico y Lorenzo, Tiépolo decoró las estancias del citado palacio entre el verano de 1762 y el invierno de 1766. Aceptó otros encargos reales, cuando murió estaba diseñando frescos para la cúpula de la colegiata de San Ildefonso en La Granja, proyecto que terminó Francisco Bayeu.

Su obra inspiró a Goya y a pintores muy posteriores, como Jules Chéret -1836-1933, el primero de los grandes cartelistas que produjo sistemáticamente grandes carteles litográficos en color.