Los caballos de San Marcos

 

 

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Las esculturas datan de finales de la Antigüedad Clásica y han sido atribuidas al escultor griego Lisipo del siglo IV a. C. aunque esta teoría no ha sido ampliamente aceptada.

Aunque sus orígenes exactos permanecen desconocidos, sí es cierto que los caballos, junto a su cuadriga, estuvieron expuestos durante siglos en el Hipódromo de Constantinopla. En 1204, fueron tomados por las fuerzas venecianas durante el saqueo de la capital bizantina en la Cuarta Cruzada. Lo que ocurrió con el auriga después de la Cuarta Cruzada es desconocido. El dogo de Venecia Enrico Dandolo envió los caballos a Venecia, donde se instalaron en la terraza de la cubierta de la fachada de la basílica de San Marcos en 1254.

Detalles de los caballos

 

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Un antiguo texto en griego datado hacia el siglo IX, el ‘Parastaseis syntomoi chronikai’ (‘Breves notas históricas’) menciona la presencia de unos caballos dorados en el hipódromo y asegura que “habían llegado desde la isla de Quíos en época de Teodosio II”. O lo que es lo mismo, en la primera mitad del siglo V. A pesar de ello, no se cuenta actualmente con certeza plena de que las estatuas ecuestres mencionadas en el texto sean las que hoy decoran Venecia.

Sobre su autoría, también faltan datos concretos. Desde el Renacimiento no han faltado propuestas y candidatos tales como Praxíteles, Lisipo, Mirón o Fidias, aunque la cuestión parece lejos de resolverse.

Además, hasta la fecha de su creación es inexacta, pues el amplísimo margen, entre los siglos IV a.C. y IV de nuestra era, sólo pueden aportar luz a la hora de analizar su composición y la técnica empleada, que parecen apuntar a un origen más bien romano y no griego.

En cualquier caso, suponiendo que los caballos de la fachada principal de la basílica de San Marcos hubieran sido trasladados desde Constantinopla, en su primer hogar las estatuas estaban consideradas como un poderoso símbolo del poder imperial. Por esta razón, no es de extrañar que cuando Napoleón se hizo con el control de Venecia en 1797, decidiera llevarse consigo a París la cuadriga dorada. Bonaparte decidió situarlos sobre el Arco de Triunfo del Carrusel, construido para conmemorar sus victorias, legitimando así su poder como emperador.

Antes de la construcción del arco, los caballos estuvieron expuestos al público, acompañados de una cartel en el que se podía leer lo siguiente: “Llevados desde Corinto a Roma, de Roma a Constantinopla, de Constantinopla a Venecia, de Venecia a Francia: ¡están al fin en un país libre!”.

 

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En 1815 los caballos fueron devueltos a la Basílica tras la derrota francesa. Permanecieron en la terraza hasta comienzos de la década de 1980, cuando, para evitar daños por la polución del aire y el efecto del excremento de las aves, fueron substituidos por réplicas. Desde entonces, la cuadriga original está expuesta en el museo dentro de la Basílica.

Marco Polo

 

 

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Nació el 15 de septiembre de 1254 en Venecia, República de Venecia.

Hijo y sobrino de mercaderes venecianos a los que acompañó en uno de sus viajes (1260) desde Bukhoro, en Uzbekistán, a China, donde permanecieron durante algunos años enKaifeng, capital oriental del emperador mongol Kublai Jan, y regresaron a Venecia en 1269.

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Esta pintura muestra el ambiente de una gran ciudad china del siglo XII durante el Qingming, fiesta en honor a los difuntos. Copia del siglo XVIII. Museo Guimet, París.

Dos años más tarde realizan su segundo viaje a China. Por tierra desde Acre (Israel) a Hormuz, en la entrada del golfo Pérsico. Desde allí, hacia el norte, a través de Irán hasta el río Oxus (Amu-Darya), en Asia central. Posteriormente ascendieron por el Oxus, cruzaron Pamir y llegaron a la región de Lob Nor, en la provincia de Sinkiang (Xinjiang Uygur), en China, y por último cruzaron el desierto de Gobi y llegaron a la corte de Kublai Jan, por aquel entonces en la ciudad de Shangdu (Shang-tu), China, en 1275.

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Fueron los primeros europeos que visitaron la mayoría de los territorios que recorrieron durante su viaje. Formó parte del cuerpo diplomático de Kublai Jan, y durante tres años fue gobernador de la ciudad china de Yangzhou (Yangchow). Su padre y su tío fueron consejeros militares del emperador. Permanecieron en China hasta el año 1292, cuando partieron como escoltas de una princesa china en un viaje por mar hasta Irán, donde llegaron a través de Sumatra, el sur de la India, el océano Índico, y el golfo Pérsico. Continuaron después por tierra más allá de Tabriz, en el noroeste de Irán, por la costa este del mar Negro, y de Constantinopla. Llegaron finalmente a su ciudad, Venecia, en 1295.

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En el año 1298 fue capitán de una galera veneciana en la batalla que enfrentó a las flotas de Venecia y Génova. Fue apresado por los genoveses. Polo supuestamente dictó su obra a un amanuense, Rustichello de Pisa,quien fue su auténtico autor,

Su obra Los viajes de Marco Polo es probablemente el libro de viaje más famoso e influyente de toda la historia. Conocido también como El libro de las maravillas o El libro del millón, es el título con el que suele traducirse al español el libro de viajes del mercader veneciano Marco Polo, conocido en italiano como Il Milione (El millón). El libro relata los viajes de Marco Polo a China, a la que él llama Catay (norte de China) y Mangi (sur de China).  El libro se redactó originalmente en francés antiguo o en una variante conocida como francoitaliano, y el título del manuscrito más antiguo conservado es Le divisament dou monde.

Fue la primera toma de contacto con la realidad de China, además de las primeras noticias sobre otros países como Siam (Tailandia), Japón, Java, Cochinchina (en la actualidad una parte de Vietnam), Ceilán (Sri Lanka), Tibet, India y Birmania.

La obra se divide en cuatro libros: El primero describe las tierras de Oriente Medio y Asia Central que Marco Polo atravesó en su viaje hacia China. El libro segundo habla de China y la corte de Kublai Kan. En el tercero se describen varias regiones costeras de Oriente: Japón, India, Sri Lanka y el sudeste de Asia, así como la costa oriental de África. El cuarto libro trata de las guerras que mantuvieron poco antes entre sí los mongoles, y describe también algunas regiones bastante más al norte, como Rusia.

El libro alcanzó un éxito nada frecuente en la época anterior a la invención de la imprenta. Se tradujo a varias lenguas europeas ya en vida de su autor, pero los manuscritos originales se han perdido.Los investigadores e historiadores no se ponen de acuerdo sobre la veracidad de los relatos de Marco Polo, no dudan de su existencia pero si de maravillosas aventuras.

Sirvió de modelo para elaborar los primeros mapas fiables de Asia que se hicieron en Europa, y despertó en Cristóbal Colón el interés por el Oriente, que culminó con el descubrimiento de América en 1492, cuando pretendía llegar al Lejano Oriente que había descrito.

Marco Polo  en su libro, así dice: “Creo que fue la voluntad de Dios hacernos regresar [a Venecia] para que el hombre [europeo] pueda conocer las cosas que hay en el mundo, ya que, tal como hemos dicho en el primer capítulo de este libro, ningún otro hombre, ni cristiano ni sarraceno, ni mongol o pagano, ha explorado tanto el mundo como Messer Marco, hijo de Messer Niccolo Polo, gran ciudadano y noble de la ciudad de Venecia”.

Marco Polo falleció el 8 de enero de 1324 y lo enterraron en la iglesia de San Lorenzo de su ciudad.

François Auguste René Rodin

….y su pensamiento sobre el arte.

fotografía de E. Steichen

 

François-Auguste-René Rodin (París, 1840 Meudon, 1917) fue un escultor francés contemporáneo del Impresionismo.

Escultor muy  vapuleado en la Historia del Arte: criticado, menospreciado, acusado de tantas barbaridades que para  la mayoría del mundo  era un ser monstruoso, un loco de remate o bien  un artista mediocre  que con esas actitudes fuera de lo común quería destacarse, sobresalir para lograr fama que se supone todo aquel que se dedica al arte aspira.

Por varios años lo estuve estudiando despacio mirando sus obras, apreciando los comentarios  que generalmente ensalzaban la obra (a veces) pero nunca al ser humano que la hizo. Este siempre era motivo de menosprecio. Siempre salía a relucir la locura de su amante  o la sumisión de su  compañera de toda la vida, algún amigo que le ayudó o alguien que lo defendió.

Para mi siempre era todo muy confuso en la historia de la obra de este  gran artista.

Fue un genio!… como artista y un ser humano  excepcional.

Tenía valores éticos  muy profundos y no cabe la menor duda que amaba lo que hacía.

Amaba la naturaleza, el desnudo, el cuerpo humano al natural… obviamente  vivió en una sociedad que no entendía nada más que lo que quería entender rechazando  todo aquello que no era aceptado  por la moda del momento.

Solo se abrió paso en el mundo de la escultura  y lo hizo  según su pensamiento y «algo» que le subyugó de las obras que contempló de Miguel Ángel que lo animó  a crear sus obras maestras. Se olvidó que lo que le enseñaron, y se expresó con ideas propias copiando de la naturaleza.

Trabajó mucho …de una manera diferente a todos..! se animó!!

El legado de Rodin  es la moraleja de que no hay que haber estudiado en una escuela de Bellas Artes para poder destacar, sino que sólo es necesario tener un don y fe en si mismo y trabajar y trabajar para lograr la perfección.

Más se aprecia su genio cuando uno se entera de  cual era su pensamiento. Amaba el arte gótico que precisamente se basa en la sencillez de la naturaleza.

« Seamos sencillos como los antiguos…sencillez significa unidad en la verdad. »

« Las catedrales de Francia han nacido de la naturaleza francesa. El gótico es el estilo de la naturaleza y por ello ésta invade y permite comprender la sencillez de su belleza, la naturaleza le otorga lo esencial, y es lo esencial lo que basta a la belleza… una obra maestra es, necesariamente, una cosa muy simple que implica sólo, repitámoslo, lo esencial. »

Sobre la originalidad de los artistas, escultores en su caso, expresó:

« …instintivamente yo siempre me aproximo a la Tradición. Originalidad es una palabra vacía, una palabra de charlatán y de ignorante que ha echado a perder a muchos alumnos y artistas. Es imposible, para nosotros, los escultores, tener originalidad. Somos copistas. Si los góticos han tenido tal fecundidad es porque copiaban de la naturaleza. »

Los artistas en su mayoría se declaran ateos(claro,son mejores que el Creador)y rechazan la fe( algo de los mediocres).

« La fe ha civilizado a los bárbaros que éramos nosotros; al rechazarla, nos hemos vuelto nuevamente bárbaros. »

« Si alcanzásemos a comprender el arte gótico, seríamos irresistiblemente conducidos a la verdad. »

Cuantas personas hoy  rechazan el bellísimo sonido del bronce  de las campanas, pensar que animan al que sufre, les da: la esperanza de volverlas a escuchar.
« Desde el campanario de nuestras Catedrales resuena la esperanza. »

El amor a su tierra…

« La Catedral es la síntesis del país. Lo repito: rocas, selvas, jardines, sol del norte, todo lo reúne ese cuerpo gigantesco, toda nuestra Francia está en nuestras catedrales, como toda Grecia está recogida en el Partenón. »

« Los cielos relatan la gloria de Dios: Las Catedrales agregan a ello la gloria del hombre. Ofrecen a todos los hombres un espectáculo espléndido, reconfortante, exaltador;…la imagen eternizada de nuestra alma, de nuestra patria. »

…..una definición perfecta

« El arte no es más que un sentimiento. » 

Nos enseña  a observar, a vivir nuestras experiencias  con el arte.A amar lo bello y amar por ende las obras de arte.

« Observar las Catedrales a horas diferentes, porque cambian de belleza a medida que pasa el tiempo…La tarde nos revelará lo que la mañana no nos había dejado ver. »

Cada vez que la leo la siguiente reflexión que hizo  pienso en nuestra actualidad…

« Donde todos piensan igual, nadie piensa mucho. »

El increíble Julio Verne

 

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Dijo “Todo lo que fui capaz de imaginar, otros serán capaces de realizarlo…”. Y, es cierto que nos describió el mundo futuro. Su literatura juvenil fue denostada por los críticos de la época, incluso por los científicos de la época. Julio Verne, en una de sus últimas entrevistas afirmo que “Yo no visione nada…, simplemente me limité a documentarme muy bien, y lo único que supe hacer es recoger esas intuiciones e invenciones y plasmarlas en relatos….”

Se anticipó a muchos, algunos le consideraron el Nostradamus de su época. Nació en Nantes,  el 8 de febrero de 1828  hijo de un abogado provinciano, bien acomodado, era el mayor de 5 hermanos. Como datos, recordemos que en 1830, dos años después del nacimiento de Verne, corría el primer ferrocarril (entre Liverpool y Manchester), y Francia ocupaba Argelia, de la que solo se iría (expulsada) en l962. Libros de historia del siglo XIX (por ejemplo, los de Eric J. Hobsbawm o el de Robert Schnerb) consignan que en los tiempos de la juventud de Verne «la sociedad burguesa […] está confiada y orgullosa de sus éxitos. En ningún otro campo de la vida humana esto es más evidente que en el avance del conocimiento, de la `ciencia´. Los hombres cultos de este período no estaban solo orgullosos de sus ciencias, sino preparados para subordinar todas las otras formas de actividad intelectual a ellas.» Es un período «de masivo avance de la economía del capitalismo industrial en escala mundial, del orden social que lo representa, de las ideas y creencias que parecían legitimarlo y ratificarlo: la razón, la ciencia, el progreso y el liberalismo.»

Fueron contemporáneos suyos :

Lord Kelvin (William Thompson, 1824-1907), quien perfeccionó muchos aparatos eléctricos (desarrolló el telégrafo), dirigió la inmersión del primer. cable transatlántico, introdujo el sistema cegesimal. de medida y la escala absoluta de temperatura;

Hermann L. F. Helmholtz (1821-1894), fisiólogo en Könisberg, Bonn, Heidelberg y físico en Berlín, que es el primero en plantear el significado de la energía potencial, el principio de conservación de la energía, y que la electricidad está formada por partículas eléctricas;

 James Clerk Maxwell (1831-1879), quien unifica la teoría de las interacciones eléctricas y magnéticas, matematiza su estudio, postula la naturaleza electromagnética de la luz, aplica la estadística a la teoría cinética de los gases;

P.E. Marcellin Berthelot (1827-1907), el «rey de la química», quien realiza las síntesis orgánicas del alcohol etílico, del metano, del ácido fórmico (luego, otros sintetizarán la bencina, el acetileno, la naftalina), y estudia el calor de las reacciones;

Dmitrij Ivanovich Mendeleiev (1834-1907), introductor del sistema métrico decimal en la Rusia de los zares y elaborador de la famosa tabla que ordena los elementos por su peso atómico;

Ludwig Boltzman (1844-1906) y Henri Poincaré (1854-1912), que marcarán la física y la matemática del fin del siglo, especialmente en la teoría de los gases el primero y en mecánica celeste, teoría de la relatividad, y en casi todas las ramas de la matemática el segundo (quizás la figura central de la ciencia de su época).

Son también los años de Charles Robert Darwin (1809-1882), Johann Gregor Mendel (1822-1884) y Karl Marx (1818-1883), por más que en El pueblo aéreo (1901), ya en el ocaso de su producción, Verne escriba sobre el eslabón perdido entre el hombre y el mono. Tampoco se verá reflejada la obra de los grandes investigadores en bacilos y vacunas, Louis Pasteur (1822 – 1895) y Robert Koch (1843 – 1910).

La forma en que fue descubierto Neptuno presenta un símil científico que poco después sería el estilo de trabajo de Verne. La existencia del planeta, sospechada desde unos decenios antes en virtud de las perturbaciones de la órbita del más cercano Urano, es determinada con precisión en 1846. «Le Verrier, como dice Aragó, vio el nuevo astro sin dirigir una mirada al cielo; lo descubrió en el retiro y la soledad de su gabinete de estudio, sin más guía que su genio superior ni más instrumento que su pluma; la poderosa palanca del cálculo fue bastante para remover los mundos y descubrir en los confines de nuestro sistema solar un nuevo astro.» (Diccionario Enciclopédico Hispano – Americano) Menos de un mes después de publicada la monografía, un astrónomo de Berlín confirma visualmente la predicción.

Se discute sobre la naturaleza de la corteza terrestre, las grandes corrientes aéreas, la climatología; por 1860 se realizan los primeros mapas de las corrientes marinas. Todo esto atraerá obsesivamente a Verne: su descripción de las rocas de todos los lugares por donde andan sus personajes las transforma en actores no humanos de sus novelas; el profesor Lidenbrock, personaje principal de Viaje al centro de la tierra era profesor de geología; las corrientes ocupan un lugar primordial en sus libros con temas marinos; el clima es estudiado en detalle en todas sus novelas.

En 1850, por no querer  vivir de su recién adquirida profesión de abogado»vive»con la lectura en la Biblioteca Nacional. Descubre a Edgar Allan Poe (1809–1849), que aún no había sido traducido al francés; estudia geometría, física, química, revistas de geografía como Le Tour du Monde, comienza a concebir «la novela de la ciencia». El gran Alejandro Dumas (padre) dará el espaldarazo a esta idea: califica de «fantástico» al propósito de Verne de novelar la ciencia con toques románticos. En 1852, con 24 años, es admitido en la revista Musée des Familles como redactor de la nueva sección científica. Se hace socio del Club de la Prensa Científica, donde entabla relaciones con exploradores y científicos, entre ellos el matemático Henri Garcet, cuyos Elementos de mecánica estudia cuidadosamente. Éste, que era maestro en la Sorbona, lo introduce en el mundo del observatorio astronómico y el jardín botánico, y en los gabinetes de física y química. Mientras tanto, escribe obras dramáticas y algunas se representan; se casa con la hermana de un hombre rico que le financia algunos viajes.

Conoce los astilleros de Glasgow, donde se construía el Great Eastern, pionero de los transatlánticos modernos, que tendería el primer cable a través del Atlántico. Verne ya tiene 34 años cuando funda la Sociedad de la investigación aérea con Nadar, alias de un célebre fotógrafo (retrató a las máximas figuras francesas de la época) adelantado de los viajes en globo. Con él y sus amigos aprende todo sobre la aeronáutica de la época y decide tomar el tema de un viaje en globo para su primera novela de la ciencia. Pierre Jules Hetzel, famoso editor de la época, recibe el manuscrito, lo obliga a modificarlo radicalmente, y finalmente lo acepta, tras lo cual lo publica en enero de 1863. Verne tenía ya 35 años y con Cinco semanas en globo comienza su deslumbrante carrera.  La novela llega a todo el mundo. Quiere ser creador de la Literatura científica (que más tarde se la llamaría ciencia-ficción) y de la Literatura juvenil.

Hetzel se da cuenta inmediatamente del potencial del joven, y rápidamente le ofrece un contrato a razón de 20.000 francos cada año, y la obligación de Julio Verne de entregar 3 novelas cada año.

Es una época eufórica para Julio Verne. Confía mucho en la Tecnología y la Ciencia, piensa que el progreso es la única solución posible. . En 1875, llega la que se considera como su obra cumbre, La Isla Misteriosa, y dicen que aquí es donde alcanzó el cenit, la mejor escrita por él. En 1876, llega Miguel Strogoff, el homenaje a la aventura, a la lealtad, y a la solidaridad. En 1878, Un Capitán de 15 años… Pero poco a poco empieza a caer en un excesivo pesimismo, empieza a comprobar que a lo mejor la Tecnología no es tan buena, que el hombre no la utiliza como él pensaba, y esa negrura empieza a invadir su obra. La década de los 80 no es muy afortunada para él, aunque sus obras siguen triunfando, su vida personal no va por el mejor camino. 1886 es el peor año en la vida de Julio Verne, así lo confesó. Muere su madre, muere su mujer, y muere su padre literario, Hetzel, y por si fuera poco, Gastón, su sobrino favorito, en un momento de enajenación mental le pega un tiro a su tío en la pierna derecha que le invalida. Todo esto se suma a la suerte de enfermedades que ya venía acumulando, porque debido al excesivo trabajo se había originado en él una parálisis facial que le había deformado el rostro, y también la diabetes.

Su producción literaria: más o menos 65 novelas, además de 20 relatos cortos, 30 obras de teatro, y también 2 relatos geográficos. La UNESCO hizo un estudio y nos dice que sus novelas han sido traducidas a 112 idiomas. Solo le supera Karl Marx, con su obra El Capital, que fue traducido a 133 idiomas. Y así llega al siglo XX, aquel que él había soñado, y el siglo XX no le ofrece nada. Julio Verne ve desesperanzado como la Humanidad camina a la guerra, como la Tecnología solo ha servido para matar y para acabar con el Planeta. Está desconsolado. Las últimas entrevistas que ofrece solo se ve en ellas pesimismo, pesadumbre… está agotado, mermado por la enfermedad. El 24 de marzo de 1905 muere rodeado por sus familiares. Sus últimas palabras “Sed buenos…”. Cuando murió estaba acabando una obra apocalíptica, La Invasión del Mar, y en ese libro contaba que Europa sería cubierta por las aguas, y estas aguas llegarían de los Polos, que se descongelarían por el cambio climático generado por los hombres. Esto lo estaba escribiendo en 1905.

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En el año 1863, Julio Verne escribió una novela titulada “París en el siglo XX”, se trataba de un joven que vivía en una ciudad con rascacielos de cristal, trenes de alta velocidad, coches que funcionaban a gas y una impresionante red mundial de comunicaciones, ¡lo que hoy vivimos!!!! En esa historia supo expresar una de las cosas que caracteriza a las sociedades modernas: ese joven, pese a tener millones de posibilidades, no puede alcanzar la felicidad y  su fin es trágico. Dicha obra no fue publicada sino hasta 1994,  fue encontrada por uno de sus biznietos en 1989.

Vaya mi sincero y humilde homenaje a una mente brillante que supo crear un mundo lleno de maravillosas  aventuras para los lectores ávidos  de momentos fantásticos, que con el correr de los años se convirtieron asombrosas realidades.

«Los Amantes» de Magritte

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René Magritte – “Los amantes” (1928, óleo sobre lienzo, 54 x 73 cm, MOMA, Nueva York)

‘Los Amantes’ es el título de dos obras diferentes pintadas por Magritte en el que aparecen los mismos dos protagonistas y en similares condiciones pero con la diferencia del fondo y la acción, en un cuadro las personas se están besando y en otro simplemente  los rostros, uno al lado del  otro.
Esta obra, ha sido relacionada con el suicidio de la madre del autor, ocurrido dieciséis años antes de pintada la obra.
La madre de Magritte se suicidó arrojándose al río Sambre y  es la hipótesis más acertada, según la crítica,  se basa en el hecho de que cuando sacaron a la madre de Magritte del río tenía una camisa húmeda cubriéndole el rostro.Por esas fechas tenía tan solo 13 años, contempló la recuperación del cuerpo quedando esa imagen grabada en su mente aunque, esta, es una afirmación que algunos estudiosos han descartado y que el propio Magritte nunca quiso comentar.

Michael Lloyd & Michael Desmond en su libro «European and American Paintings and Sculptures 1870-1970 in the Australian National Gallery» indican que el origen de estas imágenes puede ser atribuida a diversas fuentes en la imaginación de Magritte y una de ellas podría ser la fascinación que Magritte sentía por el misterioso personaje de la novela de Pierre Souvestre y Marcel Allain, «Fantomas», novela que el director del cine mudo francés, Louis Feuillade había llevado posteriormente al cine en forma de serie entre 1913 y 1914. «Fantomas», según Itzia Fernández Escareño «se apoya en motivos románticos que muchos juzgan fantásticos que fascinaron a los surrealistas».

Algunos autores han querido interpretarlo como un beso furtivo de dos amantes cuya relación es prohibida a ojos ajenos a la misma, buscando el anonimato. También se ha interpretado el paño como una limitación de sus sentidos, privándoles del olor y la calidez del otro en el acto de besarse.  También nos hace reflexionar sobre las relaciones del ser humano. ¿Es el amor ciego? ¿Hasta qué punto podemos llegar a conocer a la persona amada? Para Magritte, cada persona es un ente aislado y la unión absoluta con la pareja es una vulgar utopía. Podemos fingir que lo conseguimos, pero siempre habrá alguna parcela de nuestra personalidad que quede oculta.

También el estudioso de la obra de Magritte, David Sylvester opina que este era un gran aficionado a las novelas de detectives y que pudo haber tomado ideas de una revista tipo cómic en que el personaje era un detective llamado Nick Carter, acerca del cual llegó a escribir hasta un artículo.

Magritte dejó escrito: «La realidad es tan equívoca, incoherente y abstracta como cualquier pintura» o «Mi pintura son imágenes visibles que no tienen nada que ocultar, que evocan el misterio y, de hecho, cuando alguien ve uno de mis cuadros se hace esta simple pregunta: ¿Qué quiere decir ? No quieren decir nada, porque el misterio no significa nada o es incognoscible».

Los detalles de la obra
La relativa sencillez de la composición se aprecia hasta en la ubicación de la pareja dentro de un espacio tridimensional logrado por tres simples líneas que aportan  profundidad. La elección de los colores no es para nada casual, los colores cálidos producen sensación de cercanía y los fríos de lejanía, por eso la pared más cercana es roja  y el vestido de la mujer, color relacionado con la pasión y el fondo es azul, la eternidad, el infinito.El rojo sirve para romper la frialdad de los tonos, y el azul para dar una atmósfera más sobria y alejada del espectador, casi paisajística. Los tonos del fondo dan más profundidad al cuadro, y hacen que la luz se vea como un elemento  importante. No están dentro de una habitación, sino en un pórtico con el cielo de fondo.

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La elección del color blanco para los paños logra resaltar y llamar inmediatamente la atención del espectador sobre el beso de los amantes. A pesar de tener sus rostros tapados, los paños parecen húmedos, se pegan a la piel y nos permiten distinguir los rasgos principales, la pareja se besa y parece hacerlo con pasión pero la sensación que genera en el espectador es más bien trágica y melancólica.

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Es un cuadro surrealista, al no tener un significado entendible a primera vista para nuestra razón.Es un tema aislado, sin importancia, pero provocador, rebelde, imaginativo, una visión nueva de un tema amoroso. Se ve perfección técnica, algo que no era muy abundante en las vanguardias anteriores. Magritte invita así a sus seguidores a realizar una lectura más profunda de su obra, a pararse ante el cuadro para que el espectador se dé cuenta de su significado.

Hay influencias del Dadaísmo, pero Magritte lo interpreta a la inversa, queriendo recuperar el arte destruido, más positivo.

Llama también la atención que en este caso se trate de una pintura más realista que de costumbre, pero que deja en el espectador un desconcierto que es la raíz de su surrealismo, una especie de contradicción subconsciente. Sí, se trata de un cuadro de amor, pero absolutamente imposible.

 

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En ambas obras los personajes aparecen con los rostros cubiertos con paños húmedos que nos impide adivinar quién está bajo las telas. Esta es la otra versión los amantes aparecen uno junto a otro,  y en un paisaje natural.

 

 Algo sobre el autor

El pintor belga René Magritte (1898-1967) autor  de dos versiones de los amantes y en otras obras usa el recurso de los paños cubriendo rostros.

La infancia y la adolescencia de Magritte estuvieron marcadas por la inestabilidad de constantes mudanzas, un opresivo ambiente familiar y el trágico suicidio de su madre, cuando él tenía 13 años. Fue su padre quien lo motivó a cultivar la pasión por el dibujo y la pintura que ya mostraba desde temprana edad. Siendo alumno en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, surge en él una inquietud innovadora que caracterizó su producción.
Magritte empezó a ganarse la vida dibujando carteles y anuncios publicitarios, así como ilustraciones para portadas de partituras. A lo largo de su vida, cuando las pinturas no se vendían bien, retomaba esta actividad. Durante la década de 1920 inició la definición de un estilo propio. Por un lado, el futurismo le produjo un gran impacto y, por otro, el músico Édouard Léopold Mesens le contagió su interés por el Dadá, especialmente por Eric Satie y Tristan Tzara, cuyos métodos anárquicos consistían en ridiculizar lo absurdo del mundo moderno. En 1922, junto con Victor Sevranckx, primer pintor abstracto belga, Magritte escribió un manifiesto sobre arquitectura y escultura: “Arte puro: en defensa de la estética”, el que nunca fue publicado, pero que lo perfilaba como artista de vanguardia.

 

El amor por una mujer

Magritte vio por primera vez a la que sería su mujer, Georgette, cuando ella tenía 12 años y desde entonces se enamoró de ella. Se prometió a sí mismo que la conseguiría y casi 10 años después, en 1922, Rene y Georgette se casaron.
En el año 1927 la joven pareja Magritte decidió mudarse y probar suerte en París. Llenos de ilusión, se instalaron en una población cercana a la ciudad, tranquila y con una preciosa vista al río, y ahí fue donde gozaron de una apacible vida en pareja. En ese momento la fiebre del surrealismo azotaba a los parisinos. La profunda relación sentimental del matrimonio Magritte y la honesta lealtad de René hacia su mujer no estaban de moda en el libertino París de la primera mitad del siglo XX. Contradecían con las convenciones que se agitaban entre los artistas de que sólo el sufrimiento podía producir el verdadero arte.

Los artistas, liderados por las asfixiantes autoridades de los surrealistas, en especial de André Breton, se procuraban numerosas amantes, visitaban burdeles y entablaban aventuras con las estrellas del cabaret. Picasso, el dictador de arte, dirigía el ambiente artístico de los cafés y protagonizaba todas las tendencias parisinas, mientras que los Magritte apenas salían de casa. La estable relación de Magritte era acusada e ironizada  en los círculos bohemios de la ciudad.
Casi toda la sociedad del arte se encontraba prácticamente esclavizada por las invitaciones y compromisos celebrados por André Breton.
El pintor prefería dedicar todo su tiempo a crear y pasaba días enteros en su estudio, instalado en el comedor. Más de 200 obras creadas en menos de tres años a menudo eran violentas y sombrías y desvelaban la capacidad del artista de evadirse del mundo real para inventar uno propio, lleno de misticismo y simbolismo.

Durante una cena organizada por Breton, Georgette Magritte fue objeto de burla por una cruz que llevaba colgada en el cuello, René salió en defensa de su esposa y la pareja se marchó furiosa.
Magritte era un marido muy implicado, procuraba ofrecerle bienestar y seguridad a Georgette y sufrió mucho durante el periodo parisino en el que su joven esposa tuvo que trabajar para salir adelante.
Georgette lo era todo para el; musa, amiga, dama, amante, confidente. En la obra de Magritte las imágenes femeninas representan las mil caras de su compañera de vida.
Su arte no sería posible sin Georgette, porque ella le regaló el arte de la vida y la paz para su creación.
Después de estos tres turbios años en París la pareja regresó a su tierra. El motivo fue la tristeza de Georgette, que jamás habría encontrado la felicidad con aquel estilo de vida y Magritte no estaba dispuesto a sacrificar su tiempo  y la vida de su familia en cumplimiento del protocolo impuesto por los surrealistas  donde su amada Georgette jamás encajaría.En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.

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Georgette Magritte y su famoso esposo

Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de inteligente  debate.