«El baile de la vida»

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Edvard Munch – De Loten, Noruega, 1863 – y fallece en Ekely, cerca de Oslo, en 1944.

Fue uno de los máximos exponentes de la estética expresionista del Norte de Europa. En los años de su juventud, dejaría escrito el sentido de lo que querría hacer con su Arte:

«Pintaré seres vivos que respiran, sufren y aman. La gente comprenderá el carácter sagrado de mi pintura y se quitarán ante ella el sombrero como si estuvieran en una iglesia».

En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Paul Gaugin y Henri de Touluse-Lautrec. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como «pintor simbolista«.

En Noruega, pronto contó con buenas amistades e importantes personalidades políticas y literarias tuvo especial afinidad con el «Realismo Social» de Henrik Ibsen para quién realizó los escenarios y decorados de su obra: Peer Gynt

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Edvard Grieg por 1876 había realizado la «Música Incidental» homónima a pedido del autor.

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De 1892 a 1908 vivió en Alemania, especialmente en Berlín con frecuentes viajes a Noruega y París.

 

Em Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa

 

En 1908, Munch, después de una tormentosa relación sentimental y víctima del alcohol, sufrió una grave enfermedad nerviosa, por lo que tuvo que ser recluido en el psiquiátrico del doctor Jacobsen, en Copenhague, del que salió completamente restablecido.

obra en la universidad

En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde recibió algunos encargos oficiales como el paraninfo de la Universidad de Oslo.

Pasó sus últimos años en soledad…

Su «Danza de la vida»

Obra de Edvard Munch, 1900,- óleo de 125×191 cm- Museo Nacional de Arte de Oslo-Noruega.

La danza de la vida
La danza de la vida

La escena está situada en una playa noruega: Åsgårdstrand, lugar muy querido por el autor al anochecer, un grupo de personas bailan emparejadas, excepto dos, que ahora bailan solas.

En las figuras del fondo no se ven los rostros del todo, apenas se perciben en el cuadro- un rasgo pictórico propio del Expresionismo. Sus movimientos parecen más rítmicos, se mueven aparentemente alegres, acompasados por una música que les debe llegar de no se sabe dónde…

Vestido rojo

El autor centra la composición a partir de la pareja que aparece bailando en primer término.

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Nuestra vista, se dirige hacia el sol de medianoche del fantástico verano noruego. Aún hoy se sigue celebrando este evento en la localidad de Åsgårdstrand.

Un punto brillante amarillo que se destaca en el fondo-el sol. Hay un reflejo estilizado del sol, motivo recurrente en la obra de Munch, que supo aprovechar ese fenómeno nórdico como nadie, esto arroja magia sobre los asistentes al baile.

La pareja central con la dama vestida de rojo – Él parece mirarla fijamente, ella, sin embargo, parece no mirar. Ambos personajes absortos en su propio mundo, sin que importe el entorno. Recurre a las líneas onduladas del vestido y el cabello que se se arremolinan alrededor de él fundiendo a los amantes en una sola figura, transmitiendo esa tensión propia del artista.

En primer plano de la obra también están las dos mujeres solas, opuestas, en ambos extremos del lienzo.

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A la izquierda se sitúa una joven vestida con un alegre y floreado tisú blanco que realza su pureza, junto a una flores. Sonríe y destacan sus mejillas sonrosadas, tal vez enamorada, pero, a diferencia de la mujer de rojo, ella representa la ilusión y la inocencia del amor…

Edvard Munch, La danza de la vida (1899 - 1900) (4)

A la derecha está la otra mujer solitaria. Es una mujer de más edad, vestida de negro y con el rostro entristecido, tal vez de luto, el rostro serio y las manos entrelazadas, observa a los bailarines… pero resignada a su propia soledad, simbolizando quizás, lo transitorio de la vida y el amor.

Estos personajes principales están acompañados por otras figuras en el fondo, que parecen estar completamente entregados al disfrute del baile veraniego. De entra ellas destaca la figura del hombre que parece mirar al espectador con una mueca, casi caricaturesco.

Munch reconoció tiempo después de haber pintado el cuadro que la inspiración le llegó tras bailar un verano en Åsgårdstrand -Noruega con su primer amor.

El pintor, consigue otorgar ritmo a la obra plasmando dos planos narrativos. Las formas horizontales aparentan ser simples, pero están cargadas de una fuerza intensa que el pintor resuelve con líneas ondulantes, apenas sugeridas por el movimiento del pincel. El plano vertical está definido por los personajes y el reflejo de la luz.

Nos muestra su percepción del amor y de la mujer.

Cuadro pintado en pleno romance, aparecen tres mujeres, todas ellas representaciones de Tulla en la que se recogen varias caras, que mezcla su dolor por la muerte de su madre,que apenas guardaba recuerdos, y de su hermana que la vivió de manera terrible junto con la devoción que sintió por el amor de su vida, Tulla Larsen, una mujer liberada de clase alta, muy avanzada para su época pero… quería casarse con Edvard Munch.

Los primeros ascendientes intelectuales del pintor fueron: «Los intelectuales anarquistas noruegos«… no se veía ni sentía preparado para el matrimonio. Y tras idas, venidas y recaídas del pintor por el alcohol, Tulla Larsen terminó por casarse con un colega más joven, lo que sumió al artista en un estado de desesperación.

Esa era la vida para Munch: entrega y decepción y abandono irremediable por las mujeres de su vida: su madre, su hermana, su amada Tulla. Trató de expresar fue lo inexpresable de la vida… Lo que parece que es pero no lo es, lo que parece que será pero no terminará nunca de serlo. Así mismo, como la vida, todo eso o nada de eso. Al final, después de toda esta profusa confusión apasionada, tan solo podremos llegar a pensar, si acaso, que esta será la grandeza del cuadro y aquella la del pintor…

Obra en la que se basó…

LA mujer

«Las tres etapas de la mujer» 1894, que el pintor realizó como pieza central de la serie “El friso de la vida”, fue el primero el que finalmente estuvo en la exposición de 1903.

El tema central de Las tres etapas de la mujer se mantiene en «La danza de la vida», aunque con significados más explícitos que se refuerzan con su imaginario simbólico y el uso del color. Plasma tres etapas de la vida de la mujer, reafirmando una vez más la dualidad entre el terror y la pasión, que marcaron su vida sentimental y hacen que su obra trascienda más allá de lo autobiográfico.

En su diario «Un poeta loco», dejaría escrito:

«Del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, yo intentaba diseccionar almas».

«Arte degenerado»

Edvard Munch fue uno de los muchos grandes artistas modernos cuya obra fue declarada “degenerada” por los nazis. Es la traducción de la expresión alemana «Entartete Kunst«, adoptada por el régimen nazi, a partir de la exposición con el mismo nombre en Munich en julio de 1937.

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Hitler, fue un pintor fallido… tenía ideas muy conservadoras en materia de arte y alentaba las obras que promovían la superioridad de la raza aria. Cualquier estilo experimental o que ignorase los cánones figurativos tradicionales era sospechoso de corrupción moral y cultural.
En 1937 se organizó en Munich una enorme exposición titulada «Arte Degenerado«, que exhibía las obras de los artistas “corruptos” confiscadas en los museos alemanes. La exposición, se burlaba de los cuadros colocándolos junto a obras de pacientes de manicomios. Los artistas, eran en su mayoría alemanes, pero los había también foráneos como: Munch, Kandinsky, La Bahaus, Piet Mondrian o Picasso por mencionar algunos.

La exposición atrajo a un numeroso público: unos dos millones de personas sólo en Múnich!!! y muchas más cuando se llevó la exposición a otras ciudades de Alemania.

Munch… pintor «degenerado»
Estos artistas “degenerados” no sólo eran objeto de burla, sino también perseguidos, apartados de sus puestos en las academias de arte, e incluso hasta se les prohibió pintar.
Las obras confiscadas a los museos alemanes fueron dieciséis mil, incluyendo 82 cuadros de Edvard Munch.

En junio de 1938, mientras que la exposición de Entartete Kunst se estaba exhibiendo en Berlín, se hizo una gran subasta de «arte degenerado» a petición del mariscal Goering. La subasta se realizó en el Grand Hotel National de Lucerna y además de obras de los mejores artistas alemanes del momento, había obras de Van Gogh,  Paul Gauguin,  Picasso, Modigliani y de Marc Chagal. El responsable se subastar las obras de arte fue Theodor Fischer.

En total se recaudaron 115.000 dólares y algunas de las obras vendidas fueron un Autorretrato de Van Gogh o «El bebedor de absenta» de Picasso. La mayor parte de estas obras se «vendieron» o se las apropiaron los dirigentes nazis… las que no fueron quemadas.
En 1940 Noruega sufrió la invasión alemana y, a pesar de que la fama de Munch se cimentó en Alemania, los nazis, opositores al arte moderno, proscribieron su obra por considerarla “degenerada” y retiraron muchos de sus cuadros de los museos noruegos.

Matanza de los inocentes…


Pese a tratarse de un acontecimiento protagonizado por figuras anónimas, es decir, sin participación de personajes sagrados, el pasaje de la Matanza de los Inocentes es recordada por La Iglesia -hoy 28 de diciembre. Desde antiguo, la analogía entre los Santos inocentes y Cristo en virtud de su común inocencia, pureza y del valor sacrificial de su muerte.

Un rey Nefasto

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Herodes- el Grande reinó sobre el pueblo judío prácticamente las cuatro últimas décadas del siglo I a.C.

De eficaz gestión administrativa y de grandes obras como la reconstrucción del templo de Jerusalén, hasta tuvo gestos humanitarios como el reparto de grano en una terrible habruna que padecieron. Pero no supo, o no quiso, conquistar el corazón de su pueblo, fue siempre piedra de escándalo, motivo de rencor.

Roma, había hecho de la antigua Judea un reino vasallo desde el año 63 a.C y adoraba a Herodes. Pocos monarcas se mostraron tan complacientes con el Imperio romano como él. Esto se hizo patente cuando Octavio Augusto, tras vencer a Marco Antonio y Cleopatra en la batalla de Actium -31 a.C. llamó a Herodes. Cuenta Josefo que el nuevo mandatario del Imperio supo apreciar la fidelidad del rey de Judea a su enemigo como prueba de su lealtad sin fisuras a Roma. No sólo lo dejó con vida, sino que le declaró su profundo aprecio. Augusto mantuvo excelentes relaciones con Herodes, pues éste se comportaba como «el subordinado ideal».

Su reinado había sido impuesto con derramamiento de sangre y con armas romanas. El monarca no tenía orígenes judíos: su padre descendía de una familia de Edom, enemiga tradicional de los judíos, y su madre era árabe. Herodes no mostraba respeto por costumbres y leyes de la religión judía, para indignación de los judíos piadosos y observantes. Hacía ostentación de ser un príncipe de cultura grecorromana. Los aposentos para invitados de la corte real estaban siempre ocupados por nobles extranjeros –filósofos, historia­do­res, poetas y hombres de teatro– desfilaban in­cesantemente por la corte se comportaba como Mecenas el fiel colaborador de Augusto, protector de artistas y poetas.

De la mano de su consejero Nicolás de Damasco, el monarca descuidaba los deberes de Estado y se había entregado al aprendizaje de la filosofía, la retórica y la historia griega y romana. Pero no a la Ley de La Torá, la única fuente de sabiduría. La administración de los asuntos de Estado recaía en gentes de educación griega, situadas en puestos clave.
Otro motivo de escándalo fue la expoliación de la tumba del rey David, en Belén. Como la presión de los impuestos y tributos era ya considerable, al rey se le ocurrió que podría conseguir dinero fácil. El hecho era terrible y Herodes lo sabía; no sólo significaba la profanación de un símbolo venerado, sino que la religión judía prohibía terminantemente: el contacto con cadáveres, que con llevaba impureza que impedía acercarse al Templo.
La construcción de templos paganos en especial el dedicado a la diosa Roma y al genio de Augusto en Cesarea, era un insulto público a la Ley Judía.

Herodes organizó luchas de gladiadores y otros juegos durante la dedicación del templo. Para los judíos, las luchas de gladiadores eran profundamente inmorales, pues consideraban que el único dueño de la vida humana era el Altísimo.

Además, por la noche se multiplicaban los festines, las orgías y el desenfreno. La vida y acciones escandalosas del monarca continuaron hasta su muerte. Herodes jamás se arrepintió de su gobierno absoluto.

Josefo -el historiador,cuenta que cuando ya se sabía mortalmente enfermo ordenó a su hermana Salomé, que tras su muerte se liquidara unos trescientos nobles, previamente encerrados en el anfiteatro de Jericó. La orden no se cumplió, pero la fama de su crueldad y libertinaje, fue la responsable de la matanza de inocentes de Belén narrada en el capítulo 2 del Evangelista Mateo.

La Matanza de los inocentes

Una maravilla que solo nos lo puede ofrecer la famosa Catedral Sienesa…

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Esta es la representación en mármol en el pavimento de la Catedral de Siena, una obra única, un gran panel en el crucero: La matanza de los inocentes -Strage degli Innocenties probablemente obra de Matteo di Giovanni de 1481.

En 1480 Alberto Aringhieri fue nombrado superintendente de obras. A partir de entonces, el esquema del piso de mosaico comenzó a progresar seriamente.

La Prestigiosa obra…

El piso de mármol con incrustaciones es uno de los más ornamentados en Italia. Los paneles cubren todo el piso de la catedral. Esta empresa titánica se prolongó entre el siglo XIV al XVI, y unos de cuarenta artistas hicieron su aportación.

Cuenta con 59 paneles de diferentes tamaños. La mayoría tiene forma rectangular, pero los últimos en el crucero son hexágonos o rombos. La mayoría se encuentran en su estado original.

Las primeras escenas se hicieron mediante una técnica de grafito: perforar pequeños agujeros y rayar líneas en el mármol y rellenarlos con betún o brea mineral. En una etapa posterior se utilizaron «Intarsia» de mármol negro, blanco, verde, rojo y azul. Esta técnica de incrustaciones de mármol también evolucionó a lo largo de los años, resultando finalmente en un vigoroso contraste de luz y oscuridad, dándole aspecto decomposición impresionista.

El piso descubierto solo se puede ver durante un corto período anual, generalmente en el mes de septiembre. El resto del año se cubren las escenas para protegerlas y solo se pueden ver algunas de la entrada.

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La Loba de Siena y los emblemas de las ciudades confederadas – Lupa senese e simboli delle città alleate -data probablemente de 1373 restaurada en 1864.

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El panel más antiguo fue probablemente la Rueda de la FortunaRuota della Fortuna , colocada en 1372 restaurada en 1864.

Las Cuatro Virtudes: Temperanza, Prudenza, Giustizia y Fortezza y la Misericordia datan de 1406, según lo establecido por un pago realizado al Marqués de Damo y sus compañeros de trabajo.

El primer artista conocido que trabajó en los paneles fue Domenico di Niccolò dei Cori , quien estuvo a cargo de la catedral entre 1413 y 1423. Podemos atribuirle varios paneles como la Historia del Rey David, David el Salmista y David y Goliat. Su sucesor como superintendente, Paolo di Martino , completó entre 1424 y 1426 la Victoria de Josué y la Victoria de Sansón sobre los filisteos .

En 1434, el renombrado pintor Domenico di Bartolo continuó con El emperador Segismundo entronizado (Imperatore Sigismundo in trono). El emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Segismundo era popular en Siena, porque residió allí durante diez meses en su camino a Roma para su coronación. Junto a este panel, está la composición en 1447,probablemente de Pietro di Tommaso del Minella de la Muerte de Absolom -Morte di Assalonne. El siguiente panel data de 1473: Historias de la vida de Judith y la liberación de Betulia -Liberazione di Betulia probablemente de Urbano da Cortona.

Entre 1481 y 1483 se elaboraron los diez paneles de las Sibilas. Las sibilas cumeas, délficas, persas y frigias son de la mano del oscuro artista alemán Vito di Marco . La Sibila Erythraean fue originalmente de Antonio Federighi , la Sibila libia del pintor Guidoccio Cozzarelli , pero ambas han sido renovadas extensamente. Algunos se atribuyen a artistas eminentes, como Matteo di Giovanni -La sibila de Samian, Neroccio di Bartolomeo de ‘Landi Hellespontine Sibyl y Benvenuto di Giovanni Albunenan Sibyl.

El gran panel La Expulsión de Herodes -Cacciata di Erode, fue diseñado por Benvenuto di Giovanni en 1484 –1485.

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Domenico Beccafumi , el artista sienés más conocido de su tiempo, trabajó en dibujos durante treinta años 1518-1547.

Realizó: trece Escenas de la vida de Elías, en el crucero de la catedral. Un friso de ocho metros de largo, Moisés Sacando agua de la Roca de 1525 y el panel de Moisés en el monte Sinaí, colocado en 1531.

La Planta de la Catedral de Siena con su magnífico piso

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«Joyas»… de Leonardo

 

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Leonardo da Vinci es considerado uno de los más grandes pintores de todos los tiempos.

Es la persona con el mayor número de talentos y en múltiples disciplinas que jamás ha existido. Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Lamentándolo mucho, pocos de sus proyectos llegaron a construirse puesto que la mayoría eran irealizables durante su época. Como científico, contribuyó al conocimiento en las áreas de: anatomía, ingeniería civil,  óptica y la hidrodinámica.

Pero fue gracias a la pintura, su faceta más conocida, que logró su inigualable fama. Sus obras terminadas o no, engalanaron museos y Galerías que por cinco siglos, siendo motivo de atracción initerrumpida y modelo para generaciones de artistas.

Sus retratos femeninos… minuciosos, extremadamente calculados, sencillos, bellos…verdaderas «Joyas» del arte universal.

Ginebra de Benci la primera…

Obra del año 1476 pintada en temple y óleo sobre tabla de álamo, mide 38.8 cm x 36.7 cm. Discutida por siglos y atribuida finalmente a Leonardo por Waag y Bode a finales del s. XIX y posteriormente confirmada su autoría en el s. XX. Actualmente, en la Galería Nacional de Washington desde 1967 pagando por ella una fortuna… record en su tiempo, a Franz Josef II de Liechteintein y única obra del autor en América.

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Ginebra, fue una dama aristocrática del siglo XV en Florencia, muy admirada no solo por su belleza sino por su excepcional inteligencia. Lorenzo de Medici el magnífico, elogió su talento. Posiblemente fue un retrato de mayor tamaño.

La pose marca un modelo que Leonardo utilizará en la mayoría de sus retratos femeninos, de tres cuartos y vista de medio plano. Posee una expresividad poco frecuente. Se tardó algún tiempo en identificar a la joven, fueron los árboles del decorado de fondo los que dieron la clave, son enebros, cuyo nombre en italiano, ginepro, precisamente se usa para el famoso  “destilado alcohólico aromatizado con los frutos del enebro» el Gin o Ginebra. En alusión al nombre de la retratada: Ginebra.

Ginebra, en 1474 se casó con Luigi Bernardini di Lapo Nicolini, ella contaba con 17 años. Su matrimonio fue desgraciado por los problemas financieros de su marido y el deterioro de su salud a partir de 1480.

Tuvo una relación de carácter platónico – muy común por entonces, con el Embajador de Venecia en Florencia, Bernardo Bembo, padre del cardenal Pietro Bembo y amigo personal del pintor, posiblemente influyó para que hiciese esta obra. La misma se destaca por su extraña luminosidad, y la atención prestada al detalle y los toques de luz en el cabello, al modo de la pintura flamenca. Es un clásico modelo renacentista, la mirada de Ginebra muestra la seriedad de una belleza única.

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Existe un emblema al dorso de la tabla del retrato: dos ramas, de laurel y palmera. Ambas encierran un lema en latín: «Virtutem Forma Decorat«, La Belleza es el ornamento de la Virtud.  Se ha descubierto la inscripción oculta bajo la capa de pintura que vemos ahora, da la casualidad que era el eslogan que utilizaba Bembo en su emblema: “Virtus et honor”

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Las manos tendrían que estar en la posición emblemática de los retratos de Leonardo, hay un «estudio de manos» en la Biblioteca Real del Castillo de Windsor.

Ginebra, usa un vestido cerrado por cordones y una camisa blanca. Del cuello cuelga una angosta banda negra que enmarca el pecho y hombros. El peinado, es típico del último cuarto del s.XV el pelo recogido en la nuca dejando algunos rizos libres para enmarcar la frente.

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El mismo peinado, de Giovanna Tornabuoni de Ghirlandaio por la misma época.

Algo inusual la falta de joyas, posiblemente ella  pidió ser retratada de esa manera, rompiendo la tradición de los retratos de la alta burguesía.

La sombra del enebro realza el rostro expresivo y los delicados matices se obtuvieron con el característico toque directo de las yemas de los dedos. El peinado, el vestido y el fondo del paisaje, atestiguan la habilidad del pintor en el uso de los tonos marrónes. A lo lejos, un paisaje, lagos, campanarios, torres, árboles y montañas, tratados con diversos tonos de azul, según las reglas de la perspectiva aérea. La configuración al aire libre era inusual, especialmente para un retrato.

La segunda- La dama con l’ermellino

Cecilia Gallerani, retratada cuando era la amante de Ludovico Sforza, duque de Milán. Leonardo estaba a su servicio y lo realizó hacia 1490.​ El cuadro pasó al del rey de Francia, admirador de Leonardo y conquistador de Milán. Durante la Revolución Francesa, el príncipe Adam Jerzy Czartoryski, que se lo regaló a su mujer, Isabel, quien era coleccionista y a ella se le atribuye el «error» de la leyenda en el extremo superior del cuadro. Tenía sus obras en una especie de museo llamado “la Casa gótica”, en el castillo de Pulawy, ha permanecido en posesión de esa familia, que desde 1876 lo exponía el Museo Czartoryski de Cracovia – Polonia. Desde diciembre de 2016 la obra es propiedad del gobierno polaco, tras su adquisición a los herederos de la familia Czartoryski.

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Cecilia fue una de las pocas mujeres con las que Leonardo estableció una amistad cercana. Le caía muy bien Cecilia, con 16 años, era inteligente y muy bella. Entendía de literatura y música, dos disciplinas valoradas por el artista, la consideraba una Musa, una  “Donna docta”, comparable a grandes mujeres de la antigüedad y por sus dotes de poeta, en la corte la tenían por: “gran lume de la lingua italiana”.

Cecilia, era hija de Fazio Gallerani, un noble milanés y poderoso terrateniente y huérfana. Cecilia se casó con el conde Bergamini de Cremona y marchó a vivir al palacio del Broletto, en Milán.

La composición muestra movimiento e imperturbabilidad solemne. Típico del pintor: la sonrisa en los labios de Cecilia. Leonardo prefería sugerir las emociones más que presentarlas de forma explícita. Destaca la desproporción existente entre la mano y el rostro.

El armiño que sostiene en brazos tiene un significado alegórico: la pureza. Alude a Ludovico Sforza, apodado Ermellino (armiño en italiano) por ser miembro de la orden del Armiño, nombramiento que obtuvo de Fernando I de Nápoles. El poeta Bellincioni le cantó en un poema:» al itálico moro armiño blanco, quien del armiño lo tiene todo, aunque su nombre sea negro». Incluso, puede referirse al apellido Galleani, ya que galé en griego es armiño.

La terceraLa Belle ferronière

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Leonardo pinta a Lucrecia Crivelli entre 1490/95- también en óleo sobre tabla y pertenece al Museo del Louvre. Era otra amante de Ludovico Sforzael Moro. En el cuadro, la mujer se asoma a una ventana en posición de tres cuartos, ve algo que le provoca una leve sonrisa escéptica. El pelo partido en dos sectores simétricos, remarca el rostro inteligente, con facciones perfectas. El fondo es oscuro.

Leonardo aún no experimenta su famoso sfumato. Por entonces estudiaba sobre óptica y se nota en el trabajo perfecto del vestido rojo tornasolado. Sobre la frente, Lucrecia lleva un «ferronière«, una gema atada con una cinta que rodea la cabeza sujetando el cabello, y que da el nombre al cuadro.

La cuarta es la muy afamada- GiocondaLisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo. También llamada Mona – del italiano antiguo señora- Lisa. Joya indiscutible del Museo de Louvre.

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Oleo sobre madera de 1503 a 1507 -Desde siempre fue una obra supervalorada: el tema del Sfumato la sonrisalas manos… en fin, todo lo que se puede ver se exageró hasta lo infinito. Comenzó con la historia Vasari que amaba a Leonardo y todo lo relacionado con él.

La Gioconda fue comprada legalmente por Francisco I , junto a otras piezas de Da Vinci. Perteneció al estado francés y en 1797 se integró al recién creado Museo del Louvre, si bien en 1800, Napoléon ordenó que la obra se instalara en sus aposentos en el Palacio de las Tullerías, donde permaneció hasta su regreso a la pinacoteca en 1804.

El 21 de agosto de 1911 fue protagonista del «Robo del siglo»como en su tiempo se lo llamó. El cuadro tenía una caja de cristal de protección pero carecía de alarmas. El ladrón desmontó la caja con un simple destornillador y liberó la pintura del marco.

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Por increíble que parezca, durante más de 24 horas nadie se dio cuenta de nada. El suceso no se descubrió hasta bien entrada la mañana del 22 de agosto. La prensa se hacía eco de los hechos con gran revuelo, se perdió por completo la pista del “cuadro más célebre de la historia”

El regreso

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En diciembre de 1913, es decir, 28 meses después, el autor de semejante hecho se puso en contacto por correo con varios anticuarios de Florencia-Italia. En las cartas, firmaba como “Leonardo V.”, decía que: «estaba dispuesto a devolver la pieza a sus legítimos propietarios, los italianos». Sólo uno de los intermediarios contestó. El resto creyó que las misivas eran obra de un perturbado. El anticuario que siguió la corriente lo tomó como una broma hasta que descubrió que la cosa iba en serio.

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Asesorado por un amigo de la Galería de los Uffizi, el anticuario alertó a las autoridades y concertó una cita con su corresponsal para poder ver la obra en persona. Las intenciones presuntamente altruistas y patrióticas de Vincenzo Peruggia el autor del hecho desaparecieron. Puso precio para la restitución de la pieza: 500.000 francos. El 12 de diciembre de 1913 la Policía irrumpió en el hotel donde esperaba cerrar el trato y lo detuvo.
La Gioconda se quedó unos días en Italia. Primero en Florencia, en la Galería de los Uffizi. Y luego en Roma, en el Palacio Farnesio.

El 31 de diciembre de 1913, la obra de Da Vinci regresaba a la estación de Lyon, siendo recibida con honores de Estado y ocupando el lugar que dejó en el Louvre los primeros días de enero de 1914.

Y… Vicenzo Peruggia…? Un tribunal italiano le impuso una pena leve en junio de 1914 reducida luego a siete meses y ocho días.

El robo y su posterior recuperación, disparó la locura por esta obra…es la más visitada, admirada y fotografiada del mundo!!!! Una locura que no ha parado de crecer con el tiempo.

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Visitantes fotografían a la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci en el Museo del Louvre, en París, el lunes 6 de julio del 2020. El museo reabrió el lunes tras pasar cerrado cuatro meses debido a la pandemia del coronavirus. 

» Vísperas de Navidad»

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La Virgen del Parto…


Esta es una obra maestra del Renacimiento italiano de Piero della Francesca 1415 – 1492 oriundo de Sansepolcro– en la provincia de Arezzo-Italia.

Un verdadero «Monumento a las madres» en la figura de María a punto de dar a luz. Pintura del siglo XV que representa a la Virgen embarazada. Un «fresco» de 260 cm de alto y 203 cm de ancho destinado a la pared del fondo del altar mayor de la antigua iglesia de Santa María de Momentana, en las laderas de la colina de Monterchi– pueblo vecino a Sansepolcro.

En la actualidad, Piero Della Francesca está considerado como uno de los mejores «fresquistas» del renacimiento, un pintor humanista, que dió gran importancia al estudio de las matemáticas, la simetría y la perspectiva dentro de su producción. También autor de curiosas iconografías como esta de la «Virgen del Parto» que hicieron historia o sus distintivos»halos» de santidad que parecen platos sobre las cabezas de ángeles y santos.

El origen…

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Podría ser un homenaje a su madre nacida en Monterchi, pequeño pueblo toscano, muy cerca de Sansepolcro tierra natal del pintor.

Esta es una vista de la colina de Monterchi– localidad italiana en la provincia de Arezzo en La Toscana.

La pintura celebra la futura maternidad

Lo hace a través de la figura de María -la madre de Cristo– pero va más allá… que las pinturas del mismo género y de la misma época. Ha pintado una mujer embarazada real con un gesto común en ellas, lleva la mano izquierda al costado, a las lumbares, y con la mano derecha, acaricia amorosamente su vientre.

No se sabe el origen de la obra, si fue un encargo o iniciativa del propio artista. Su madre era de Monterchi, el pequeño pueblo y en ese lugar había un antiguo “culto a la fertilidad” de origen pagano que de alguna forma “se renueva” con esta imagen impresionante de la Madonna embarazada. Efectivamente, se convirtió en un lugar de peregrinación para las mujeres a punto de dar a luz que oraban por tener un buen parto.

Otras Madonnas del siglo XV

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Otra  curiosas imágenes de María embarazada, como siloviéramos a través de una ecografía, el artista ha pintado un pequeño niño Jesús sobre el vestido. Museu Nacional d’Art de Catalunya.

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 El Thyssen de Madrid tiene una «Visitación», la Virgen visita a Isabel, su prima, ambas embarazadas y sobre sus vestidos, dos niños en miniatura, obra de Hans Strüb.

Los expertos no logran ponerse de acuerdo en torno a la datación de la pieza de Piero. Estan de acuerdo, en el que fresco debió de realizarse en torno a la década de los sesenta del siglo XV, algunos optan por adelantar la fecha hasta 1450 y otros por retrasarla hasta 1459 fecha en la que falleció la madre del artista y en la que se supone que Piero estaría por la zona.

La Obra

La escena se desarrolla en un espacio ideal entre la realidad y una visión paradisíaca.

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Muestra relación con otra obra suya de 1460 el «Sueño de Constantino» uno de los frescos más conocidos de este artista pintada para la iglesia de San Francisco en Arezzo, donde situa la escena también en una tienda de campaña.

Uno de las principales obsesiones del pintor era: la simetría, y lo demostrará en gran parte de sus obras, aquí dos ángeles y la Virgen embarazada.

La figura de María aparece ligeramente girada en tres cuartos lo que supone en el pintor toda una novedad en la presentación de las figuras. Sus retratos eran generalmente de perfil.

piero-francesca-urbinoLos Duques de Urbino 250px-Piero,_ritratto_di_sigismondo_malatestaS. Malatesta

Esta manera de retratar…«la tomarían todos» los pintores posteriores.

Piero utilizó el mismo dibujo invertido para realizar los ángeles y traspasarlos al fresco girando el papel. Los pintó de verde y rojo, dos colores complementarios intercambiándolos.

  • El de la izquierda va vestido de verde con los calcetines rojos y sus alas son rojas.
  • El de la derecha, en cambio, va vestido de rojo con los calcetines verdes y sus alas son verdes.

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El artista utiliza mucho este recurso visual, que crea una composición “ordenada”, con un eje principal: la Virgen. Al intercambiar los colores, le da dinamismo a la escena. Solemne, estática, pero con cierto movimiento.

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Piero “sacraliza” la imagen de una mujer embarazada y la convierte en la Virgen Madre de Cristo, ofrece una Madonna cercana, natural, “real”. Tanto es así, que está abriendo los botones del vestido justo en la parte del vientre, para que le fuera más holgado, un gesto nada usual por entonces…debajo de esta abertura el blanco de la camisa…

Este gesto, nos remite a otro similar: al de los ángeles que «abren la tienda». Nos anuncia, el Milagro del nacimiento de Cristo y el dibujo con flores de granada del cortinado nos evoca la futura Pasión de Cristo.

La iluminación clara destaca el volumen de las figuras, acentuando su aspecto monumental y apagando las tonalidades.

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El rostro, pensativo, dulce y de facciones hermosas de María tratado con tonos delicadísimos, completan la sencilla escena de tan magnífica obra.

Piero della Francesca pinta como si iluminara el rostro por dentro… irradia luz, como una lámpara…

El cuello abultado de María, nos habla del grado de observación que tenía este artista. Recordamos, que durante el embarazo se puede producir un agrandamiento de la glándula tiroides, debido al efecto de la hormona gonadotropina coriónica humana (GCH). No es la primera Virgen que encontramos con el efecto» bocio».

Piero no escatimó recursos en la realización del fresco. Abundan los azules hechos con el famoso lapislázuli triturado, un material de muy alto precio ya que solía venir de las lejanas minas de Afganistán.

El mensaje iconográfico

«La Virgen del Parto», era entendida en el siglo XV como una personificación de la Iglesia contenedora del Cuerpo de Cristo, o bien, como la representación del Tabernáculo que contiene la Eucaristía al presentar a María como «Tabernáculo viviente» – «Arca de la Nueva Alianza«. Estas representaciones cayeron en deshuso tras el importante la Concilio de Trento

Destino de la obra y recuperación de su devoción …

Ocurrió que en el siglo XVIII -1785, el pequeño templo, morada de tantos siglos de esta obra, sufrió los efectos de un gravísimo terremoto que lo destruyó por completo a excepción del muro que contenía el fresco de Piero della Francesca. Este hecho fue interpretado como una señal divina que convirtió a Monterchi en un renovado centro de peregrinación de mujeres embazaradas. A finales del siglo siguiente, en 1889, la obra se atribuyó definitivamente al pintor de Sansepolcro y a principios del siglo XX se decidió trasladarlo por motivos de conservación,con gran sensatez… porque de nuevo, en 1910, la zona soportó otro destructivo sismo.

Durante el pasado siglo cambió de lugar en varias oportunidades perdiendo por consiguiente «la iluminación» y «orientación original».

En 1992, y para preservar la obra de Piero della Francesca, el fresco fue trasladado al Museo que lleva el nombre de la obra. Expuesta en una «sala especial», un “Mini-museo” para una única obra- «El museo de la Madonna del Parto«como bien se lo merece esta espectacular muestra renacentista «Anunciadora de la Navidad».

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Un regalo de Navidad!!!

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                 …y muy bienvenido sea!!!!

Scriptorium

La fecha del nacimiento de Cristo fue establecida, históricamente, en el siglo VI por un monje: Dionisio el Exiguo, canonista y escritor eclesiástico. A partir de una serie de cálculos complejos e imprecisos, Dionisio estableció que: «Jesús vino al mundo exactamente el día 25 de diciembre del año 753 de Roma«.

Esta fecha, no mejoraba las establecidas por Ireneo -s. II, Tertuliano -s. II-III: año 41 de Augusto o 751 de la fundación de Roma.

Tampoco la señalada por Clemente de Alejandría -s. II-III-, Julio Africano -s. II-III, Eusebio de Cesarea s. III-IV, Epifanio de Salamina -s. IV- y Paulo Orosio -s. IV-V: año 752 de Roma.

La fecha de Dionisio, partía de su propuesta de establecer el inicio de la era actual «ab incarnatione Domini«, es decir, “el día de la encarnación del Señor”, a contar desde el 25 de marzo del año 753 de la fundación de Roma. Por tanto, el nacimiento se habría producido nueve meses después, el 25 de diciembre, cálculo que ya se venía realizando desde los tiempos de Julio Africano.

La primera alusión concreta se le atribuye a Hipólito de Roma a principios del siglo III, aunque hubo que esperar hasta el siglo siguiente para conseguir una referencia histórica acerca de la misma en la Depositio Martyrum – año 336, primer calendario litúrgico que comienza señalando que “VIII días de las calendas de enero, es decir, 25 de diciembre, nació Cristo en Belén de Judea”, aunque lo que seguramente hace es recoger lo que ya había establecido el Concilio de Nicea año 325, en el que se proclamó la Naturaleza divina de Jesús y se condenó de forma expresa las doctrinas que negaban que Dios se hubiera hecho hombre naciendo en Belén. Los evangelios de Mateo y Lucas y, apoyados en datos facilitados por otras fuentes históricas, trata de recomponer los acontecimientos a partir de un hecho absolutamente cierto: Jesús nació durante el reinado de Herodes el Grande, poco antes de la muerte del rey, que, según datan las fuentes históricas el año 750 de Roma.

La ciencia aporta lo suyo

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La era cristiana acabó por imponerse universalmente como medida cronológica a partir del siglo XV, sobre todo después de las modificaciones realizadas en el calendario por Gregorio XIII a finales del siglo XVI.

La discutida Estrella de Belén

Colin Humphreys, físico británico de la Universidad de Cambridge -Reino Unido-, confirmó que la estrella que guiaba a los Reyes Magos existió gracias a que encontró unos registros chinos de la misma época, el año 5 antes de la Era Común, mencionaban que «un astro iluminó las noches durante 70 días».

El papa Benedicto XVI menciona esta teoría en su libro sobre La infancia de Jesús.
La cuestión se complica porque no todos los historiadores están de acuerdo con la fecha señalada por Schürer para la muerte de Herodes. Algunos creen que dicha fecha debería retrasarse hasta el año 753 A.U.C. el año 1 antes de Cristo. En tal caso, Jesús habría podido nacer algunos años después de lo que se pensaba, pero siempre antes del año 1 de la era cristiana.

Otra mirada interesante…

Apoyándose en el Apocalipsis 12,1-5, Joseph Dumond– astrónomo, ha propuesto que Jesús pudo nacer el día 11 de septiembre del año 3 antes de Cristo 751 A.U.C.
«Y apareció en el cielo un gran signo: una Mujer revestida del sol, con la luna bajo sus pies y una corona de doce estrellas en su cabeza. Estaba embarazada y gritaba de dolor porque iba a dar a luz. Y apareció en el cielo otro signo: un enorme Dragón rojo como el fuego, con siete cabezas y diez cuernos, y en cada cabeza tenía una diadema. Su cola arrastraba una tercera parte de las estrellas del cielo, y las precipitó sobre la tierra. El Dragón se puso delante de la Mujer que iba a dar a luz, para devorar a su hijo en cuanto naciera. La Mujer tuvo un hijo varón que debía regir a todas las naciones con un cetro de hierro. Pero el hijo fue elevado hasta Dios y hasta su trono»

Aspecto del cielo el 11 de septiembre del año 3 a.C.

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Esta configuración no se repitió en los días sucesivos ni en los anteriores. Se ve claramente al sol en el centro de la constelación de Virgo -una virgen vestida del sol- y a la luna, justo bajo los pies de la constelación. La imagen resalta las ocho estrellas más brillantes de las doce que rodean la cabeza de Virgo, que pertenecen a las constelaciones de Virgo y Leo: nu, beta y omicron de Virgo; sigma, iota, theta, delta y beta de Leo. Las otras cuatro, menos brillantes, podrían ser pi, chi, ypsilon y fi de Virgo.
En el extremo superior derecho de la imagen se ve la conjunción de Júpiter-el planeta rey, con la estrella Régulo -el pequeño rey, que es la estrella más brillante – alfa de la constelación de Leo -la constelación de Judá. Esta conjunción podría ser una nueva candidata para la Estrella de Belén.

A partir de este dato y teniendo en consideración el relato de Mateo acerca de la “Matanza de los inocentes” ordenada por Herodes Mt 2, 16: “…Al verse engañado por los magos, Herodes se enfureció y mandó matar, en Belén y sus alrededores, a todos los niños menores de dos años, de acuerdo con la fecha que los magos le habían indicado.”

Algunos autores flexibilizan la posible fecha del nacimiento de Jesús y consideran lo más verosímil que se produjera entre los años 748 y 750 de la fundación de Roma, es decir, 6-4 años antes de la era cristiana.

La afirmación del evangelista Lucas -Lc 3, 1; 3, 23-, de que “El año decimoquinto del reinado del emperador Tiberio, cuando Poncio Pilato gobernaba la Judea, siendo Herodes tetrarca de Galilea, su hermano Felipe tetrarca de Iturea y Traconítide, y Lisanias tetrarca de Abilene» año 27-28 de la era cristiana cuando Cristo comienza su prédica. Esta cronología es la que más consenso suscita entre los expertos en la actualidad.

Y de actualidad sin duda es la noticia siguiente:

«Después de 800 años podrá volver a verse en el cielo la Estrella de Belén»

Si, este 21 de diciembre 2020 un regalo muy preciado, después de un año tan duro.

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Una enorme luz apareció en el cielo guiándo a los Reyes Magos hasta Belén para poder adorar al Mesías. La Estrella de Belén, un fenómeno astronómico misterioso del que no se sabe demasiado, solo se tienen referencias en los textos bíblicos. Este, habría sido «el anuncio para el mundo del nacimiento de Jesús«.

Según astrónomos especialistas, esta potente luz en el cielo vuelve repetirse. El fenómeno se producirá en los próximos días cuando los planetas Saturno -Jupiter se alineen.

No se les había podido observar tan, relativamente, cerca de la Tierra desde la Edad Media.

Patrick Hartigan, astrónomo de la Universidad Rice, en una entrevista con la revista Forbes señaló: «Las alineaciones entre estos dos planetas son bastante raras, ocurren una vez cada 20 años aproximadamente, pero esta conjunción es «excepcionalmente rara» debido a lo cerca que parecerán estar los planetas entre sí». La última que se pudo observar fue:«Justo antes del amanecer del 4 de marzo de 1226, y fue la alineación más cercana visible en el cielo nocturno», comentó.

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El astrónomo Johannes Kepler que vivió entre 1571 y 1630, llegó a la conclusión de que el fenómeno que la Biblia hace referencia no fue realmente una estrella, sino una de las múltiples conjunciones entre Júpiter y Saturno sucedidas en el siglo VII.

«La conjunción planetaria de Júpiter y Saturno del próximo 21 de diciembre de 2020 mostrará un resplandor en todo el mundo parecido al que según la tradición, guió a los Reyes Magos al lugar de Nacimiento de Jesús». Esto se extenderá aproximadamente 45 minutos después de la puesta del sol.

… allí estaré mirando este fenómeno con renovada esperanza.

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Por su parte, Hartigan, dijo que para ver estos planetas juntos en lo más alto del cielo otra vez, se tendrá que esperar hasta el 15 de marzo de 2080 …falta bastante…no es cuestión, después de esto, no volverá a ocurrir otra, sino hasta después del año 2400…ol-vi-dé-mos-lo!!!

También hay investigadores

Que ponen énfasis en la circunstancia apuntada por Lucas y obviada por Mateo: “En aquella época apareció un decreto del emperador Augusto, ordenando que se realizara un censo en todo el mundo. Este primer censo tuvo lugar cuando Quirino gobernaba la Siria. Y cada uno iba a inscribirse a su ciudad de origen. José, que pertenecía a la familia de David, salió de Nazaret, ciudad de Galilea, y se dirigió a Belén de Judea, la ciudad de David, para inscribirse con María, su esposa, que estaba embarazada. Mientras se encontraban en Belén, le llegó el tiempo de ser madre” Lc 2, 1-6.

La fijación del lugar

El establo-refugio-gruta de Belén quedó definitivamente asimilado por el cristianismo en el siglo IV, cuando el emperador Constantino, a instancias de su madre, Elena, mandó levantar un templo en el lugar donde se había producido el nacimiento de Jesús, una gruta citada por Justino -s. II y Orígenes -s. III. De acuerdo con Lc 2, 6-7: “Mientras se encontraban en Belén, le llegó el tiempo de ser madre y María dio a luz a su Hijo primogénito, lo envolvió en pañales y lo acostó en un pesebre, porque no había lugar para ellos en el albergue».

En Mt 2, 1, se puede leer: “ Cuando nació Jesús, en Belén de Judea, bajo el reinado de Herodes, unos magos de Oriente se presentaron en Jerusalén y preguntaron: ¿Dónde está el rey de los judíos que acaba de nacer? ”. Y Herodes, desconcertado, pregunta acerca del lugar dónde había de nacer el Mesías, los príncipes, los sacerdotes y los escribas del pueblo respondieron que en Belén de Judá, pues así estaba escrito por el profeta Miqueas 5,1-2: “ Y tú, Belén Efratá, tan pequeña entre los clanes de Judá, de ti me nacerá el que debe gobernar a Israel: sus orígenes se remontan al pasado, a un tiempo inmemorial. Por eso, el Señor los abandonará hasta el momento en que dé a luz la que debe ser madre; entonces el resto de sus hermanos volverá junto a los israelitas”. La expansión del cristianismo por el Imperio Romano, primero, como religión permitida por el Edicto de Milán, Constantino año 313 y después, como religión oficial del Estado Edicto de Tesalónica, Teodosio, año 380, popularizó la imagen del “Portal de Belén”.

… y la celebración de la Navidad?

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No parece que existiera como fiesta en los primeros siglos del cristianismo, sino que sería a partir de la fijación en el calendario litúrgico de la fecha del 25 de diciembre como día de la Natividad cuando comenzó a festejarse y esto ocurrió durante el papado de Julio I -s. IV. Luego, sería ratificada por León Magno -s. V papa reconocido por su magisterio eclesiástico y dotes diplomáticas, y sancionada oficialmente como festividad por el emperador Justiniano s. VI.

Incorporada al calendario litúrgico, la nueva festividad se propagó progresivamente por todo el mundo cristiano, a pesar de las reticencias iniciales de las Iglesias orientales a reemplazar la antigua fiesta del 6 de enero, fecha que se consagró en Occidente a la Epifanía de Jesús con los Reyes Magos.

La escena que representa a Cristo en el pesebre, se fue completando con el paso del tiempo. En Europa, se popularizó a partir del siglo XIII con San Francisco de Asís y sus “pesebres vivientes”, costumbre arraigada en Oriente desde mucho tiempo atrás. La presencia de dos personajes infaltables:«el asno y el buey» dando calor con su aliento al recién nacido, fue aceptada por la Iglesia a partir del relato del Pseudo Mateo, uno de los evangelios apócrifos.

A lo largo de todos estos siglos, la iglesia, continuó asimilando costumbres y leyendas que se fueron añadiendo hasta hacer de la Navidad una fiesta entrañable y de enorme relevancia no solo desde el punto de vista religioso, sino también social y cultural.

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Feliz Aniversario Maestro!!!

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Retrato de Beethoven -intervención de Andy Warholl

Hoy, es el 250 aniversario del natalicio de «LA MAYOR LEYENDA DE LA MÚSICA« y nadie, después de más de dos siglos, nadie ha logrado hacerle «sombra» ni superar su fama. Ludovicus van Beethoven, el segundo hijo del tenor de la corte de Bonn, Johann van Beethoven, y de la joven Maria Magdalena Keverich nace un 16 de diciembre de 1770. Llevaba el nombre de su abuelo abuelo paterno, llamado también Ludwig… de Malinas, 1712-1773, descendiente de una familia de campesinos y granjeros originarios de Brabante, en la región de Flandes -Bélgica- que se trasladaron a Bonn en el siglo XVIII.

Su increíble trayectoria

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Cuando Beethoven era un adolescente Kant publicó la «Crítica de la razón pura», Mozart, estrenó su ópera «La flauta mágica«, y Joseph Haydn, cuando presentó sus «Cuartetos de cuerda rusos«. En ese ambiente ilustrado, Beethoven inició sus estudios con Christian Gottlob Neefe, un músico de treinta años cautivado por las obras literarias de Goethe, Schiller y por la extraordinaria música barroca de Bach.

Todas esas influencias, impregnaron el proceso educativo del joven Beethoven.

Su pensamiento era:«Hacer el bien allí donde podamos, amar la libertad sobre todas las cosas, y nunca negar la verdad, aunque sea frente al trono».

En 1798, Beethoven había completado su primer nivel de instrucción musical, triunfando en Viena, Dresde, Praga y Berlín y se preguntaba: ¿Cómo podría elevar su propio arte? ¿Qué debía hacer para dar un salto hacia delante y entrar triunfante en la historia de la música orquestal?

Pronto tuvo la respuesta

En 1799 cuando publicó la sonata n.º 8 op. 13, llamada Patética, encontró la dirección que lo llevaría a su plena madurez. Ese fue el camino que le abriría las puertas de la inmortalidad. «Aquella sonata causó una inmediata y duradera sensación. Interpretada en salones y auditorios privados, contribuyó a llevar el nombre del compositor por toda Europa», explica Jan Swafford en la nueva biografía sobre el genio alemán.

En abril de 1804, Beethoven finalizó la «Sinfonía Bonaparte«, una obra repleta de fuerza y originalidad que dedicó al hombre que encarnaba el espíritu de la Revolución: Napoleón Bonaparte. Su autor seguía pensando que la llama revolucionaria bonapartista y el poder de las artes llevarían al mundo hacia un nivel más elevado. La gran sorpresa fue a finales de mayo, cuando el compositor supo que Napoleón se había coronado soberano absoluto de Francia, noticia que lo afectó profundamente.

Y con razón exclamó: «¡Así que es un hombre vulgar! Ahora pisoteará todos los derechos humanos, y se ocupará de su propia ambición» y en un arrebato de furia arrancó la portada de la sinfonía, la rompió y la arrojó al suelo.

«La Revolución ha muerto«, pensó el compositor y por suerte no renegó de su sinfonía. Se limitó a borrar el nombre de Napoleón y añadir un nuevo título: «Sinfonía heroica«. La obra pasó a describir la muerte de un ideal.

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Con 34 años. L.Van Beethoven- Pintura al óleo de W. J. Mähler. En su mano izquierda tiene una Órfica Lira– de Cinco Cuerdas y de fondo, un Templo de Apolo- Época de la Sonata Appassionata y de Fidelio.

Decidido a destacarse en el mundo de la música, compuso febrilmente entre 1802 a 1812 una serie de obras brillantes y enérgicas, características del llamado «estilo heroico» .

A pesar de su persistente sordera, da un giro y se convierte en un «genio de la orquestación» y todas sus frustraciones las vuelca en obras inmortales.

La situación para él es terrible. No quiere quedar sumido en el silencio. No lo soporta! Empieza a componer con más furia. Pide a Dios ayuda diciendo: “¡Oh, Providencia, permite que brille sobre mí la alegría, aunque sea por un solo día… Hace tanto que soy ajeno a ella!”

Y he aquí su genialidad…
Toda su fuerza expresiva transmitida a través de sus obras, frecuentemente alternada con pasajes líricos, melódicos, en una mezcla de caracteres que Beethoven ha manejado como nadie. Los diversos timbres de la orquesta vienen en su ayuda y los sabe aprovechar como pocos.

Da protagonismo de los vigorosos timbales, la aportación fundamental de viento-metal, el destacado papel reservado al viento-madera, también enaltece la cuerda frotada con momentos magníficos y deliciosos pasajes del arpa, flautín, clarinete, trompa y violonchelo como protagonistas principales…o presenta hermosos y apropiados fragmentos «cantabiles» para la danza que preceden a un vital y majestuoso final.

Toma algunos rasgos totalmente clásicos, que nos recuerdan a Haydn, con momentos de intensidad sublime… cambios dinámicos, sorpresivos, detalles efectistas. Sus desarrollos son preciosos y sus motivos melódicos, inconfundibles!!!

Es: la personalidad del genial Beethoven!!!! Su temperamento «romántico» magnífico… del principio al fin.

Como pudo hacelo con su discapacidad?

Era un «fenómeno» componiendo… además un profundo conocedor de los timbres y límites de cada instrumento que usaba, dádole a cada uno un lugar destacado dentro de la composición. Era extremadamente audaz y con ello lograba conjunciones sublimes imposible de superar …sus mejores obras las compuso prácticamente «sordo»…para el público que lo admiraba… difícil de creer y para él… difícil de soportar.

Una carta…

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En 1802, Beethoven se refugió para descansar en el pueblo de Heiligenstadt, ahora en Austria, donde escribió una carta angustiada a sus hermanos.

El documento, se encontró tras su muerte y se le conoce como El «testamento de Heiligenstadt«, refleja el terrible padecimiento y la depresión del músico. «Oh, hombres que me juzgáis malevolente, testarudo o misántropo. ¡Cuán equivocados estáis!», escribe Beethoven. Ha tenido que apartarse para disimular su sordera. «Es imposible para mí decirle a los hombres habla más fuerte, grita porque estoy sordo». No puede confesar la falta de un sentido «que en mí debiera ser más perfecto que en otros». Está desesperado. «Un poco más y hubiera puesto fin a mi vida», confiesa. La música su amada música le frenó: «Imposible dejar el mundo hasta haber producido todo lo que yo sentía que estaba llamado a producir»

«Su legado inmortal» incluye todos los géneros

Pianístico– treinta y dos sonatas para piano.

Música de cámara incluyendo numerosas obras para conjuntos instrumentales de entre ocho y dos miembros Concertante-conciertos para piano, para violín y triple concierto-

Música Sacra -dos misas, un oratorio, lieders, música incidental -la ópera Fidelio, un ballet, músicas para obras teatrales y en su repertorio orquestal, las que ocupan un lugar preponderante en la historia de la música: sus Nueve sinfonías.

Gratitud eterna para tan basta obra MAESTRO!!! …

Una serie de homenajes en este pandémico año fueron planeados para este aniversario, muchos de ellos lamentablemente suspendidos… así y todo, diversas personalidades, instituciones y empresas, le homenajean en este día entre ellas el Carnegie Hall, el sello discográfico Deutsche-Grammophon, la Karajan-Akademie, la Biblioteca Estatal de Berlín y la Secesión de Viena etc.

Hoy 16 de diciembre tendrá lugar la llamada ‘Noche Beethoven’ impulsada por Telekom, con la Orquesta Beethoven de Bonn. El violinista Daniel Hope, a la sazón presidente de la Beethoven-Haus, ejercerá de maestro de ceremonias a lo largo de la velada. Mañana día 17, Daniel Barenboim y su West-Eastern Divan Orchestra interpretarán el Concierto para piano nº 3 y la Sinfonía nº 5 de Beethoven desde la localidad natal de Beethoven. El presidente de la República Federal Alemana, Frank-Walter Steinmeier, pronunciará un discurso oficial en conmemoración del aniversario Beethoven.

Gracias !!!

El friso de Beethoven de Gustav Klimt en La SecesiónViena

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Tepeyac…y el toldo de Dios

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El milagro en Tepeyac ocurrió un 12 de diciembre de 1531- La Virgen de Guadalupe envió con Juan Diego un ayate o lienzo con su imagen misteriosamente grabada de 1.43.mts lleno de rosas a Monseñor Zumarraga a cargo de la Iglesia Mexicana por entonces y este mandó a construir en el lugar señalado por el emisario, una modesta Ermita.

Antigua Basílica de Guadalupe

La construcción de la antigua Basílica de Guadalupe, hoy Templo Expiatorio a Cristo Rey se inició el 25 de marzo de 1695 y se concluyó en abril de 1709.

Desde el siglo XVII se pretendió explícitamente, que el santuario fuera una reproducción del Templo de Salomón. De hecho, desde el año 1648, Miguel Sánchez – sacerdote novohispano y teólogo de la Universidad de México -estableció un vínculo directo entre el Cerro del Tepeyac y el Monte Sión de Jerusalén en su obra titulada: Imagen de la Virgen María Madre de Dios de Guadalupe, en la que escribió Miguel Sánchez hace alusión directa al “milagro de las rosas”, que le sirve para completar la sacralización del Tepeyac.

Desde el inicio, la idea fue precisamente erigir una reconstrucción hipotética del Templo de Salomón. Así lo deja ver un documento del año de 1694, procedente del Archivo Histórico de la Basílica, en el que se afirma que ese Santuario de Guadalupe “será, según la devoción de todos, un segundo Templo de Salomón, en la fábrica, lucimiento y riqueza. Será el más decente palacio de estas dos Majestades, de María en su Inmaculada Imagen y de Cristo Sacramentado”

Esa idea se encuentra específicamente explicada en la homilía:»La Maravilla y milagro continuado de María Santíssima Señora Nuestra, en su prodigiosa imagen de Guadalupe de México, que escribió el padre jesuita Juan de Goycoechea, que se llevó a cabo para la dedicación del Santuario de Nuestra Señora de Guadalupe, “extramuros” de la ciudad de México, el año de 1709.

Se refiere al Templo como imagen del cosmos; de acuerdo con sus propias palabras, “el Soberano Artífice” hizo los cielos y “fabricó para su adoración un Templo”, “el Templo de el Mundo” nos remite a la relación entre éste, el cosmos y el cielo.

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El arquitecto Pedro de Arrieta fue el diseñador de este templo para la virgen, el edificio cuenta con cuatro torres octagonales en cada una de sus esquinas, quince bóvedas y una cúpula octogonal con linternilla recubierta en talavera amarilla y azul.
A principios del siglo XIX, y con motivo de la construcción del convento de Capuchinas al costado oriente, el templo sufrió graves daños, por lo que tuvo que ser reparado.

El 14 de noviembre de 1921 en tiempos de la guerra cristera una bomba estalló en el altar mayor, había llegado oculta dentro de un arreglo floral con la intención de dañar la venerada imagen, dejando como testigo de este atentado un Cristo de bronce doblado por el estallido. Por la magnitud del siniestro el templo pudo quedar destruido en un 95%, pero el cuadro de la Virgen de Guadalupe quedó intacto, el templo sufrió ligeros daños y no se registraron víctimas. En 1979, el Instituto Nacional de Antropología e Historia, y la Conferencia del Episcopado Mexicano inician un proyecto de restauración para evitar la pérdida del edificio.

El Nuevo Santuario

La inestabilidad del antiguo templo lo había vuelto peligroso para su uso. Para mediados del siglo XX, el edificio sufría de gran deterioro estructural y hundimiento desproporcionado, a lo que se sumaba el espacio ya insuficiente para albergar las grandes peregrinaciones que acudían a la basílica cada 12 de diciembre día de La Virgen de Guadalupe. Esto obligó a su cierre y la construcción de un templo de mayor capacidad.

El nuevo edificio se construyó entre 1974 -1976 diseñado por los arquitectos: José Luis Benlliure, Pedro Ramírez Vázquez, Alejandro Schoenhofer, fray Gabriel Chávez de la Mora y Javier García Lascuráin.

La nueva Basílica de Santa María Guadalupe, ocupa un área de 10 mil metros cuadrados y es el más grande recinto de la devoción católica en México.

De planta circular, esta obra fue construida con hormigón armado y para la estructura de la cubierta, y con láminas de cobre, las que al estar oxidadas le otorgan el característico y hermoso color verde.

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Y continuaron con la idea…

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Cuando el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez estaba en la construcción de la “nueva Basílica” de Guadalupe, recibió muchas críticas, básicamente se centraban en el hecho de que “no parece iglesia, sino carpa o un estadio”…

El arquitecto preguntó a los que tanto malestar ocacionaban: “¿Cuál fue el primer espacio religioso?

¿En qué peregrinó Moisés con las Tablas de la Ley de un lado a otro?” y se respondió: “En una carpa”.

Con lo que concluyó que “…si de tradiciones religiosas se trata, la carpa tiene mayor arraigo y un origen más legítimo que la bóveda”

Ramírez Vázquez tenía razón. Para la tradición judía, el cielo era concebido como una tienda, para mostrar la omnipotencia creadora de Dios, Isaías afirmó: “Él tiende los cielos como un toldo / y los despliega como una tienda de morada” Isaías 40,22.

Aunque en el Nuevo Testamento esta concepción está ausente, en la iconografía cristiana fue adoptada, seguramente por influencia de la tradición judía, pero también de la romana, en la cual el Dios Coelus tenía la función de extender el manto curvo del cielo: “el manto a veces significa el firmamento, otras la cúpula que es su símbolo arquitectónico; otras la separación tierra-cielo, en relación con el velo del santuario, otras el mundo celeste. En este último caso, el velo está con frecuencia curvado hacia abajo y es transportado al cielo por ángeles que llevan al personaje que se halla en su interior” Guillermo de Champeaux- teólogo y filósofo francés.

Es así como el cielo es concebido: «Como una tienda que Dios extiende como cubierta de la Tierra«.

Por otro lado, como bien afirmó Pedro Ramírez Vázquez, según la tradición judeo-cristiana, la primera revelación del Templo —o sea, la casa de Dios en el cielo­— la hizo Yahvé a Moisés en el Monte Sinaí hacia el año 1200 a. C. Flavio 1961: 187-190; Armstrong 1966: 48. En ese tiempo, el pueblo de Israel estaba en camino hacia la Tierra prometida, el Templo que le mandó levantar era propiamente una tienda desmontable y transportable, construida a base de pieles y telas multicolores – Éxodo 25, 10-22; 26, 1-37; 36, 8-38.

Para erigir el Templo, Moisés formó un atrio que delimitaba el recinto sagrado por medio de columnas de bronce con capiteles de plata; el ingreso estaba constituido por cuatro columnas, semejantes a las demás Éxodo 27, 9-19; 38, 9-20.  «Los utensilios para el servicio litúrgico de la Morada, lo mismo que sus estacas y las del atrio serán también de bronce«. Al centro de ese atrio, Moisés levantó la “tienda o Tabernáculo”, el cual medía treinta codos de largo por doce codos de ancho. Sus muros y puertas estaban realizados a base de cortinas apoyadas en columnas de madera que tenían anillos de oro. La cubierta del Tabernáculo se hizo con “pieles de carnero, almagradas; y sobre ésta, otra cubierta de pieles moradas”.

En el interior, dividió a la nave en tres partes: el ulam o vestíbulo, el hekal o sala de oración y el debir o Sanctasanctorum, donde colocó el Arca de la Alianza, flanqueada por dos querubines “extendiendo las alas sobre el propiciatorio, mirándose uno a otro con las caras vueltas hacia el propiciatorio”. Para separar el Santo de los Santos hizo levantar cuatro columnas de madera con capiteles cubiertos de oro y colocó un velo “de color jacinto, de púrpura, y grana, de un lino fino retorcido, tejido todo con variedad de colores y diversos recamos” Éxodo 26,1-37; 36, 8-38. Finalmente, Moisés mandó fabricar un candelabro de siete brazos para la iluminación, un altar para los perfumes, otro para los holocaustos y un recipiente de bronce elevado sobre su basa, que servía para la purificación de los sacerdotes Éxodo 20, 24-25.

Buen enfoque…

El hecho que el interior sea circular y libre de apoyos, es decir, auto-portante, hace posible que la imagen sagrada de la Virgen de Guadalupe se pueda apreciar desde todos los puntos interiores de la basílica.

retablo del santuario de Guadalupe05

La imagen se encuentra detrás del altar a modo de retablo, bajo una cruz de grandes dimensiones, en un muro con acabado similar al plafón. Para una mejor visibilidad de la imagen, se construyó una pasarela por debajo del altar con bandas transportadoras, que permite que los visitantes la puedan apreciar de la mejor forma posible. El altar tiene un acabado diferente, realizado en mármol y está a varios niveles sobre la asamblea, con el objetivo de resaltar ese sector de la planta.

Ha recibido la visita de jefes de estado, deportistas, políticos, artistas etc. en 4 ocasiones a su santidad el papa San Juan Pablo II en los años 1979, 1990 con motivo de la beatificación de Juan Diego, 1999 al cierre del sínodo de los obispos de América y 2002 por la canonización de San Juan Diego.

En febrero de 2016 recibió también a Su Santidad el Papa Francisco, oficiando una misa en el altar mayor de la Basílica de Guadalupe.

basílica de guadalupe

En este año de Pandemia 2020 – la Iglesia cerrará el templo del 10 al 13 de diciembre para evitar aglomeraciones ante la pandemia de covid-19 será algo inédito, una peregrinación virtual.

Día de la Inmaculada…

Las inmaculadas de Murillo

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Bartolomé Esteban Murillo sevillano- 1617-1682, Autorretrato del pintor del barroco español, es conocido sobre todo por sus famosas «Inmaculadas» que realizó a lo largo de su carrera artística, unos 20 lienzos con esta temática.

Murillo modificó la iconografía existente de María Inmaculada. Iconografía que Francisco Pacheco, además de ser suegro de Velázquez era quién determinaba las iconografía de las obras religiosas por esos tiempos, al menos en España. Su tratado: El Arte de la Pintura, publicado en 1649 da «consejos» para «la pintura de Inmaculadas» dice: que «no debe aparecer con el Niño en los brazos…»- «ha de estar coronada de estrellas con la luna a sus pies». «debe tener entre doce a trece años»… «y con las puntas de la media luna hacia abajo.» «ha de estar adornada con serafines y ángeles», «con túnica blanca y manto azul». y todos los pintores se atenían a sus reglas, Velázquez, Herrera el Viejo, Zurbarán etc.

Murillo rompió en parte el estatismo anterior y dotó a sus Inmaculadas de un vigoroso dinamismo y sentido ascensional, un movimiento sorprendente y de belleza sin par.

Murillo, siguiendo la descripción de Santa Beatriz de Silva -1437-1492 – que tuvo una aparición de la Virgen, la cual vestía túnica blanca y manto azul, hábito que vistieron las monjas concepcionistas, orden fundada por Beatriz.

Representa a la Virgen según el relato que hace el Apocalipsis… pero toma solo algunas ideas: la luna a los pies de María, y para representar que iba “vestida de sol” coloca una luz anaranjada tras la imagen, suprime las estrellas que a modo de corona utilizaban los pintores anteriores.

Por lo general son Lienzos de gran tamaño pintado al óleo para ser colocadas a modo de Retablo.

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«La Colosal» Inmaculada de Murillo que realizó para el convento grande de San Francisco de Sevilla, cuenta la historia que los monjes no estaban contentos con la imagen y el propio autor se empeñó que fuese colocada en alto, sobre el arco de la capilla mayor; una vez en esa posición la perspectiva cambió y los monjes quedaron encantados con el lienzo. Curiosamente su gran tamaño evitó que el ejercito francés la expoliada, siempre ha permanecido en Sevilla, primero en el convento y posteriormente en el Museo de Bellas Artes.

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Otra Inmaculada también tiene que ver con los franciscanos, es el lienzo que se conserva en el Palacio Arzobispal de Sevilla encargado por la Hermandad de la Vera Cruz con sede en el convento de San Francisco.

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La «de Soult» hacia 1678.

Expoliada y rescatada hoy se conserva en el Museo del Prado- Madrid, una de las obras más importantes de la última etapa del maestro.

Posiblemente la más popular…

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La de Esquilache  en el Museo del Hermitage…

Los querubines que conforman su peana portan algunos de los atributos marianos.

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«La de los Venerables«- Los ángeles aportan mayor dinamismo a la composición, creando una serie de diagonales paralelas con el manto de la Virgen. La sensación atmosférica que Murillo consigue y la rápida pincelada indican la ejecución entre 1660-65, pero debemos indicar que gracias al dibujo la figura no pierde monumentalidad, definiendo claramente los contornos. El colorido vaporoso está tomado de Herrera el Mozo, quien lo acercó a los conocimientos de la pintura flamenca -con Van Dyck y Rubens

de aranjuezEl rostro adolescente destaca por su belleza y los grandes ojos que dirigen su mirada hacia arriba. La figura muestra una línea ondulante que se remarca con las manos juntas a la altura del pecho pero desplazadas hacia su izquierda.

Debe su nombre a haber estado registrada en la Casita del Príncipe de El Escorial en 1788, entre los cuadros del príncipe Carlos IV, desde donde pasó a Aranjuez y de allí al Prado en 1819. Durante mucho tiempo se la denominó Inmaculada de la Granja por considerar que procedía de aquel palacio.

la Niña «La niña» o la Inmaculada del Coro

 Aquí una lista de todas sus famosas e impecables «Inmaculadas» a cual mejor…

Inmaculada Concepción “La Colosal” – 1652 – Museo BBAA Sevilla – 436×297 cm
Inmaculada Concepción -1655/1675 – Museo del Prado – 96×64 cm
Inmaculada Concepción del Escorial – 1660-1665 – Museo del Prado – 206×144 cm

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Inmaculada Concepción – 1665 – Museo del Prado – 91×70 cm de menor tamaño
Inmaculada Concepción de Aranjuez – 1675-1680 – Museo del Prado – 222×118
Inmaculada del Coro “La Niña” – 1668-1669 – Museo BBAA Sevilla – 190×160 cm


Inmaculada de los Venerables – 1660-1665 – Museo del Prado – 274×190 cm
Inmaculada Concepcion – 1668 – Catedral de Sevilla – 134×110 cm
Inmaculada del Espejo – 1660-1678 – Museo Arte Puerto Rico – 192,5×145 cm
Inmaculada Concepción con 6 figuras – 1665 – Museo Louvre – 172×298 cm
Inmaculada Concepción – 1650-1665 – Museo Louvre – 37×26 cm
Inmaculada Concepcion National Gallery – National Gallery – 211×126 cm
Inmaculada Concepción de Baltimore – 1660 – Walters Art Gallery (Baltimore) – 250×178,5 cm
Inmaculada Concepción de Walpole – 1680 – Museo del Hermitage – 195×145 cm
Inmaculada Concepción de Esquilache – 1645-1655 – Museo del Hermitage – 235×196 cm

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Inmaculada Concepción – – Dulwich Gallery – 37,5×29,8 cm en menor tamaño

con el Padre eterno


Inmaculada Con el Padre Eterno – 1665-1669 – Museo BBAA Sevilla 283×188 cm


Inmaculada Concepción – 1680-1681 – Oratorio San Felipe Nery -Cádiz – 277×186 cm

Lady Butler

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Elizabeth Southerden Thompson, fue pintora y escritora.​ Nació en Lausana- Suiza 1846-Irlanda-1933.

Hija de Thomas James Thompson y su segunda esposa Christiana Weller. El padre de Elisabeth fue el heredero de una notable fortuna, pues, su abuelo, Thomas Pepper Thompson, fue un afamado comerciante del azúcar de Jamaica.

Tanto Elisabeth como su hermana Alice Christiana Gertrude Thompson, notable ensayista y poeta conocida como Alice Meynell, nunca fueron la escuela y no tuvieron otros profesores que sus padres. Elisabeth comenzó a recibir su formación artística en 1862 mientras vivía en Italia y Francia. Se afincó en Inglaterra y comenzó a dedicarse plenamente a la pintura especilizándose en cuadros de batallas, temática por la que llegó a ser admirada por artistas e intelectuales de la época.

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En una autobiografía publicada en 1923 dijo:

«Nunca pinté para la gloria de la guerra, sino para retratar su patetismo y heroísmo»

En Londres en 1866, estudió en la Female School of Art. tomando más tarde clases de pintura al óleo, asistió a clases privadas, dibujando desnudos femeninos. En la isla de Wight, donde se había trasladado la familia a vivir, recibió durante tres años clases de acuarela y paisajismo. Conoció, entre otros, al crítico John Ruskin y al pintor Sir John Everett Millais. Ruskin admiraba su trabajo, ella lo había obligado a admitir que las mujeres también podían pintar. Tres años más tarde se trasladó a Florencia para aprender del maestro Giusseppe Bellucci en la Academia de Belle Arti.

En la década de 1870, Elizabeth su hermana Alice y su madre abrazaron el catolicismo. En aquella época, pintó un hermoso Magníficat que fue expuesto en la Exhibición Internacional de Roma en 1870 con Mención honorífica obra que en la actualidad se encuentra en la iglesia de St. Wilfred, en la isla de Wigth, utilizando a su madre como modelo para la Virgen María. En 1873, las hermanas Thompson hicieron un viaje de peregrinación a la localidad francesa de Paray-le-Monial, donde tuvo lugar la aparición del Sagrado Corazón y se veneraban allí las reliquias de Sor Margarita Maria Alacoque.

Al comienzo de su carrera

Elizabeth pintó principalmente motivos religiosos. Cuando se mudó a París, conoció las obras de los artistas militares de Jean Louis Ernest Meissonier y Édouard Detaille y luego visitó el sitio de la Batalla de Waterloo, donde se sintió verdaderamente impresionada. Decicidamente eligió el tema «Batallas» para su temática artística.

A diferencia de otros artistas, no se centró en representar escenas de combate o actos heroicos de oficiales individuales. Sus obras eran sobre simples soldados, su coraje, su agotamiento y desesperación.

«Their Last Reveille. Trumpeters of Ney’s cuirassiers on the morning of Waterloo» -1914

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Los hombres fueron vistos, antes o al final de una batalla. Evitó las escenas de combate directo en sus pinturas, al igual que la representación de los soldados enemigos. Esto golpeó los nervios de la época y el gusto del floreciente patriotismo en el Imperio Británico. El hecho de que ella fuera una joven muy atractiva también jugó un papel importante. No correspondía a la imagen típica de un pintor militar en ese momento.

Elizabeth Thompson fue una de las pocas mujeres que se dedicaron a la pintura de forma profesional en el siglo XIX, fue capaz de ganarse la vida pintando obras de gran formato y nada menos de tema bélico.

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Entre sus obras destaca la magnífica carga de caballería  escocesa en la Batalla de Waterloo en 1815, en este oleo de 1881 titulado «Scotland Forever» capta el momento previo al choque de la carga contra las líneas francesas. Una apreciación sin igual hasta entonces del movimiento de la furia, tanto de hombres y monturas, ante una muerte cierta que les lleva a exhalar un último grito  “Scotland Forever”. Escribió mas tarde: ¨Vi dos veces una carga de los Grises antes de pintar ¡Escocia para siempre!, y me pare en frente para verlos venir. Por supuesto, uno no puede pararse demasiado tiempo para verlos cerca¨.

Esta imagen es una muestra del poder de su pintura en la época. Se usó, modificando los uniformes y transformándolos en caballería prusiana, como tarjeta de felicitación de año nuevo enviada por las tropas alemanas en 1915.

Remnants of an Army

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En 1879 crea una obra única que muestra la gran derrota sufrida por el ejército británico contra los afganos 1842, en vez de mostrar la batalla o la muerte de los 16,500 hombres masacrados tras abandonar Kabul, la artista prefiere jugar con el simbolismo mostrando a un único superviviente llegando exhausto a las puertas de Jalalabad: «los restos del gran ejercito» dirían los hombres desde los lejanos muros que se observan cercanos… pero lejanos… para el soldado y su caballo.

En Remmants of an Army  muestra la cara oculta de la guerra: la derrota

The Roll Call 

Roll Call (1874) por Elizabeth Southerden Thompson (Lady Butler)

Tras esta obra recibió un pedido de la Royal Academy para reflejar al 3º Batallón de Granaderos de la Guardia en la Batalla de Inkerman 1854.

Obra respaldada por los veteranos de la Guerra de Crimea, gracias a la precisión de los detalles más minuciosos de la pintura.
Recibió multitud de solicitudes para recomprar la obra, siendo todas rechazadas, hasta que la reina Victoria expresó su deseo de comprar la pintura. The Roll Call muestra el pase de revista de los vencedores huyendo de toda idealización mostrando la crudeza de la guerra: muerte y frío, es la recompensa de los valientes granaderos.

The Roll Call ha sido exhibidas en la Royal Academy. Con ella obtuvo fama recorriendo Europa con sus obras, los espectadores no podían creer que una bella y joven pintora pudiese reflejar la guerra, el barro, suciedad y confusión propia de las batallas del s. XIX. 

«Balaklava” -1875-1876-

Butler, Elizabeth Southerden Thompson, 1846-1933; Balaclava

«Return from Inkerman» -1876-1877-

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A los 31 años se casó con el respetado teniente irlandés, general Sir William Francis Butler, por esas épocas Irlanda pertenecía al Imperio Británico . La boda fue en junio de 1877 en la Iglesia de los Padres Servitas en Londres. William nacido en 1836 en la nobleza católica irlandesa había servido en 1877 en Birmania, Madras, Canadá, la campaña de Ashanti y en Natal. La posterior carrera militar de Butler lo llevó a Zululand, Egipto, Sudán y Sudáfrica, justo antes del estallido de la Guerra Boer. 

El matrimonio tuvo seis hijos. Uno de ellos, Richard, abrazó el sacerdocio en 1911 en la Orden Benedictina y durante la Gran Guerra ejerció como capellán.

Elizabeth, viajó con su marido a las en campañas militares, eso le ayudó a plasmar lo que veía, en Egipto, Palestina, Sudáfrica pintando y escribiendo.

En la decada de los ’80, Elisabeth contribuyó con ilustraciones en Merry England, un periódico mensual perteneciente a su hermana Alice y a su esposo Wilfred Meynell, editor. En 1886 William Butler fue nombrado caballero y Elisabeth se convirtió en Lady Butler.

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Su obra, el “28th Regimiento en Quatre Bras” (1875), atrajo a una enorme multitud de espectadores, y fue elogiada por los críticos con gran entusiasmo. 

El caballo caído de esta obra representado con tanta veracidad fue dibujado a partir de un caballo ruso perteneciente al Circo de Hengler, el único en Inglaterra en el que se podía confiar para que permaneciera durante el tiempo necesario en la posición requerida. Fur un proceso de paciencia para la artista, para Hengler, que sostuvo el animal y para el padre de la artista, que estuvo presente como espectador. 

Lady Butler estudió siempre cada detalle de su trabajo, como lo demuestra el libro ¨El trabajo y el valor de la mujer¨ W.H. Davenport Adams.

                                                                            «Steady the drums and fifes» (1897)

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Cuando su esposo se retiró de la vida militar, la familia se mudó a Irlanda. Lady Butler continuó pintando escenas militares hasta el final de su vida.

Años después de su viaje a Tierra Santa, en 1906, Lady Butler viajó con su hermana Alice a Roma donde fue recibida en audiencia semiprivada por el papa Pío X.

La defensa de Rorke’s Drift -1880web-elizabeth-thompson-lady-butler-lady_butler_defense_rorkes_drift

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Publicaría tres libros:

“Cartas desde Tierra Santa” (1903), un libro de viajes que consiste principalmente en cartas escritas a su madre durante su viaje a Palestina con su esposo en 1891.

“De Sketch-Book and Diary” (1909), sus impresiones de sus viajes por Irlanda, Egipto, Sudáfrica e Italia.

“An Autobiography”, publicado en 1923.

Lady Butler quedó viuda en 1910, pero continuó viviendo en Bansha- Irlanda donde se había retirado con su esposo hasta el año 1922. Luego se instaló con la menor de sus seis hijos, Eileen, la vizcondesa Gormanston, en el castillo de Gormanston, en el condado de Meath. Murió en 1933, y fue enterrada en el cercano cementerio de Stamullen.

Fue injustamente desprestigiada, ya mayor, acusándola de propaganda para el Imperio Británico, esto le causó tremenda decepción. Muchas de sus obras (cuadros, bocetos, acuarelas y dibujos) actualmente perdidas debido a los incendios provocados por los bombardeos en la Segunda guerra.

Seminaristas Franceses y Alemanes en una reunión en Roma.

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