Es el grabado «estrella»del pintor holandés Rembrandt Harmenzoon van Rijn quién poseyó una magnífica colección de estampas de otros artistas grabadores como Andrea Mantegna, Hercules Pieterszoon Seghers, Giovanni Benedetto Castiglione, y del español José de Ribera, quienes pudieron ejercer quizás cierta influencia sobre su obra gráfica.
Para Rembrandt, el grabado no era un mero producto derivado de sus pinturas, sino un género dotado de un valor propio en si mismo, seguía los pasos de sus más célebres predecesores, como Lucas van Leyden o Alberto Durero, lo cual le reportó una considerable fama ya en su momento.
El título de la obra, «La estampa de los cien florines«, tiene su explicación por la dificultad de interpretar con exactitud la iconografía de esta estampa, que no corresponde a ninguna escena concreta de los Evangelios y a todas.
Esta estampa no presenta ni fecha ni firma. Rembrandt debió de trabajar en ella muchos años. Una de las técnicas recurrentes de Rembrandt es el «congelado», el artista plasmaría en sus obras el momento de máxima intensidad narrativa, expresiva y emotiva de la escena abordada. Las fechas propuestas para su inicio de esta obra son controvertidas; se han admitido las de 1647-1649 para su finalización.
Parece que Rembrandt trabajó en el grabado durante varias etapas a lo largo de la década de 1640, y probablemente lo terminó en 1649. De hecho, sobreviven dos estados de la impresión, que pone en evidencia la mucha reelaboración hasta la impresión final. Al principio era un estilo basado en el dibujo, pero pronto comenzó a desarrollar una estética más próxima a la de su pintura, combinando masas de líneas y mordidas de ácido sucesivas para alcanzar distintos niveles de profundidad.
La maestría de Rembrandt, que dominó el aguafuerte y la punta seca se revela en el hecho de que creaba sus grabados trabajando con el estilete sobre el barniz protector que cubría las planchas de cobre antes de ser sumergida en ácido, esto acaso explique la cantidad de obras que dejó (más de trescientos grabados)con una calidad que no se resiente con el paso del tiempo.
Además; una serie de impresiones se realizaron utilizando algo insólito y poco habitual por aquellas fechas, un papel japonés de mucho gramaje y poca absorción por lo que la tinta de impresión no se absorbía en las fibras del papel sino que permanecía sobre la superficie, de modo que cada línea del grabado era clara y muy precisa. Esto sumado al tono cálido del papel contribuía a crear el característico efecto atmosférico del pintor.
Otro acierto era no delegar a terceras personas el proceso de estampación lo hacía personalmente, al menos los primeros años, lo que explica la altísima calidad de sus obras.
Los antecedentes…
En 1634, Rembrandt había realizado un boceto al óleo, La predicación de san Juan Bautista, cuya composición y temática recuerdan las del grabado en cuestión. Otro tanto sucede con el cuadro Jesús y la mujer adúltera de 1644, conservado en Londres. Las sombras, modeladas por líneas finas y breves, de los personajes de la derecha son características de las obras de la segunda mitad de la década de 1640.
El grabado
Jesús, es el eje de la composición levemente descentrado, inmaterial, es decir, sin contornos precisos, sobre un fondo de muralla tratado de manera pictórica, con un juego muy sutil de luces y sombras.
Tres grupos convergen hacia él. A la derecha: el cortejo de los afligidos, paralíticos, enfermos, indigentes, forman una larga procesión. A la izquierda: los fariseos cuestionan su palabra e intentan confundirle, mientras –cerca de ellos– san Pedro, interroga a Jesús sobre la recompensa de los discípulos. Delante, las madres que le presentan a sus hijos pese a que Pedro trata de apartarlos Jesús les invita a cercarse, ilustrando este versículo: «Dejan a los niños y no les impidan que vengan a mí, porque el Reino de los Cielos pertenece a los que son como ellos.» (Mateo 19, 14) El joven rico, pensativo, sopesa el abandono de sus bienes, y un notable del lugar contempla la escena de espaldas. No falta la parábola del camello, esta echado bajo el arco, insólito en semejante composición: «Es más fácil que un camello pase por el ojo de una aguja, que un rico entre en el Reino de los Cielos.» (Mateo, 19, 24).
Holfstede de Groot, historiador de arte holandés, hace notar que san Pedro tiene las facciones de Sócrates y el discípulo que hay detrás las de Erasmo,que aún ejercía gran influencia. Rembrandt ha reunido ante Jesús la sabiduría clásica y la del Renacimiento.
Los planos de sombra y claridad marcan el ritmo de un espacio intemporal, abstracto. La luz procede de la izquierda y atraviesa la escena, cada vez más tamizada, proyectando destellos en Jesús, el ciego y el paralítico, una mujer ora con sus manos juntas y su sombra se proyecta sobre la túnica de Jesús. Rembrandt recrea en esta obra todas las actitudes de la humanidad frente a lo divino, en un ambiente sobrenatural, impregnado de un halo sagrado.
Esta estampa «prodigio· con un precio por demás prodigioso que no paró de aumentar.
Rembrandt, como siempre genial, buscaba crear algo nuevo. Y lo consiguió. Su grabado es pura innovación artística. También buscaba despertar los sentimiento a través de la obra, a través de un rostro. de una mirada, de un gesto…y lo logró. Buscaba encontrar al Jesús verdadero, acercarse todo lo posible a la verdad histórica. Sus modelos eran judíos auténticos, descendientes en línea directa de Jesús.
Otros grabados
Las tres cruces- grabado de 1653- El retrato del farmacéutico Abraham Francken de 1657
Rembrandt, mostraba cierta predilección por los autorretratos, gusto que mantuvo a lo largo de su toda vida. Este autorretrato es de 1638.
Unos pocos años antes de que se terminara la obra se llamó a un concurso para determinar cómo se decoraría su interior, que dio lugar a un debate acerca que cuál sería el pavimento más apropiado. Finalmente, se realizó un ‘proyecto general’ revisado del arquitecto August von Essenwein, en 1887. Planeó por razones de durabilidad y resistencia al desgaste en vez de taraceas un pavimento de mosaico de teselas cerámicas de la empresa Villeroy & Boch en el coro y el crucero, y de sencillas losas de arenisca en las naves central y transverses.
Ana Maria Brandolini 