«La panorámica» de Monet

 

Claude Monet nació en París en 1840, y a los cinco años se trasladó con su familia a Le Havre, la ciudad portuaria ubicada sobre la margen derecha del río Sena sobre el Canal de La Mancha. Entre las obras que pinta en su puerto...

Claude Monet Impression, soleil levant, 1872, pintado en el Puerto de El Havre.

esta es la más representativa debido a ella  reciben el titulo de «Impresionistas» todos los que siguieron esta corriente pictórica de fines del siglo XIX… que Monet tanto amó e inmortalizó y que jamás abandonó.

En los alrededores de Le Havre, está  el antiguo puerto pesquero de Sainte-Adresse, donde su tía Sophie tenía una casa. Se puso de moda como destino vacacional cuando Sarah Bernhardt compró una casa, eso atrajo cantidad de público en general, artistas, inversionistas, también  a pintores. Allí realizó numerosas obras  entre ellas:«Regatas en Sainte Adresse» y su célebre obra «Terraza en Sainte-Adresse».

 

Por allí pasaron todos los miembros de este movimiento pictórico, atraídos por su luz.La región es calificada con frecuencia como «cuna del impresionismo», ya que en ella nacieron y crecieron los más grandes maestros de esta corriente pictórica, como Eugène Boudin, Edgar Degas o Raoul Dufy. Monet pintó casi todos los rincones de su hermosa costa. Esta región actualmente ha organizado hasta doce rutas para seguir los pasos de los impresionistas y cada año celebra un Festival Impresionista en Normandía que se realiza entre abril a septiembre de cada año desde el 2010.

A lo largo de su carrera Monet pintó multitud de obras dentro de series (Catedral de Ruan) tratando de captar los efectos temporales de la luz y la naturaleza en sus motivos. Y a la serie de pinturas de nenúfares dedico los últimos treinta años de su vida, parte de estas obras, padeciendo cataratas.

En 1883 alquiló una casa en Giverny (Normandía), que acabó adquiriendo en 1890. Allí se instaló con su segunda mujer, Alice Hoschedé, y sus ocho hijos. Tres años después compró el terreno anexo a la vivienda para crear su paraíso particular: un idílico jardín de 15 hectáreas plagado de especies florales y árboles exóticos, con un puente japonés –amaba el arte oriental, tenía una colección de estampas de la que estaba orgulloso– y un estanque de nenúfares: su pasión.

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Decía: «Mi más bella obra maestra es mi jardín»

Los Nenúfares

Allí, en su delicioso jardín, Monet pintó sus amados Nymphéas (Nenúfares) por el resto de su vida. Su composición  resulta tan libre, que sus obras son cercanas a la abstracción. Los nenúfares serán la obra que inspire las composiciones de Cezanne y las formas de los artistas cubistas como Braque o Picasso.

Nymphéas (Nenúfares) no se refiere a un cuadro en concreto, sino a una serie completa de Monet. Durante su vida, este genio impresionista pintó cientos de obras protagonizadas por nenúfares. ¡Más de 250! que están dispersos en numerosos y famosos museos de todo el mundo!!!

Algunas desaparecieron, en 1958, el MOMA sufrió un terrible incendio, dañando piezas   irrecuperables, entre ellas obras de Monet.

A veces sus «nenufares» se convertía en una  violenta frustración, tal es así que en 1908, Monet destruyó 15 de ellas, justo antes de que fueran  exhibidos en la galería Durand-Ruel en París. El artista estaba tan descontento con las pinturas que decidió destruirlas.

La Casa Museo de Claude Monet en Giverny

Claude Monet residió en Giverny durante más de 40 años, hasta su muerte el 5 de diciembre de 1926.
Dentro de los muros de su propiedad, lo más preciado para Monet era, su jardín que se convirtió en su gran hobby.
El pintor importó nenúfares procedentes de Egipto y América del Sur, lo que enfadó a las autoridades locales, que le exigieron eliminar las plantas antes de que envenenaran el agua de la zona. Sus cuidados, llegaron a ser tan especiales, que hubo que aumentar la temperatura del agua del estanque, construir presas etc. provocando la indignación de los habitantes de la localidad.
Las obras de la serie Nenúfares no fueron bien valoradas por la crítica de la época.
Se consideraron desordenadas, caóticas,  fruto de la visión borrosa de Monet, más que de la visión propia y  creativa  de un gran artista.

“…crear un refugio de meditación”

En 1918, Monet completó una serie de 12 pinturas con las que él pretendía llenar las paredes de una habitación, creando “la ilusión de un todo sin fin”. En estas últimas obras, las formas están ya prácticamente disueltas en manchas de color. Muchos historiadores de arte y también oftalmólogos afirman que al sufrir Monet de cataratas, el artista veía tras un filtro borroso y amarillento. De hecho, tras ser operado, volvió una temporada a su estilo anterior.

Luego del armisticio del 11 de noviembre de 1918 y  como símbolo de paz, Claude Monet decide ofrecer sus Nenúfares a Francia para ser instalados de acuerdo a sus planes en el Museo de L’ Orangerie que inaugura la muestra en 1927.

El Musée de L’Orangerie

Este conjunto único, verdadera «Capilla Sixtina del Impresionismo», según la expresión de André Masson en 1952, ofrece un testimonio de la obra final de Monet, concebida como un verdadero ambiente, y que corona el ciclo de los Nymphéas  comenzado casi treinta años antes.

El conjunto es una de las más grandes realizaciones monumentales de la pintura de la primera mitad del siglo XX.

Monet realizó las pinturas en paneles alargados de 220 cm de alto y 600 cm de ancho,  el mismo formato que el utilizado por los publicistas para los carteles publicitarios. La idea del artista era colocar los paneles en una estancia circular de modo que el espectador pudiera observar la evolución de estas preciosas plantas acuáticas en diversos momentos del día y sobre todo los cambios producidos por el paso de las estaciones.

Es una muestra única, no tiene igual en el mundo los nenúfares donados al Estado  francés  por el artista. La dimensión y la superficie cubierta por su pintura rodean, envuelven al espectador durante más de cien metros lineales, en los cuales, se despliega un paisaje acuático, nenúfares, ramas de sauce, reflejos de agua, árboles y nubes que da la «ilusión de ser un todo sin fin, una onda sin horizonte y sin orilla» según las palabras del autor.
El edificio del Museo, originariamente el invernadero de naranjos en el Jardín de las Tullerías. Fue diseñado en su momento por el arquitecto Firmin Bourgeois quien comenzó su construcción y terminado por Ludovico Visconti en 1852. Este invernadero se encuentra en la esquina sudoeste del Jardín y sus paredes de vidrio de dan  al sur le permitían recibir todo el sol. Diseñado en un estilo clásico para que no desentonaba con la Place de la Concorde; en el lado noroeste se encuentra el Jeu de Paume,  estructura gemela al Invernadero que albergaba a dos pistas de tenis,  actualmente se utiliza para exposiciones de arte con la especialidad de video y fotografía.

Para adaptar el vivero a museo se convocó a la arquitecta y jefe del Louvre Camille Lefèvre.

El 31 de enero de 1927 la compañía Laurent-Fournier acordó instalar y montar los paneles, en un proceso que involucraba pegar el lienzo directamente a las paredes. Las pinturas estuvieron en su lugar el 26 de marzo de ese año. El 17 de mayo de 1927 las «Nymphéas» de Monet se abrieron al público, en el Museo de l’Orangerie… pero Monet no vivió para verlo, había muerto cinco meses antes.

Las salas ovales, un vestíbulo amplio, completamente vacío y pintado de color marfil, con sólo un tragaluz circular, libre de sonidos del exterior nos prepara para lo que vamos a ver en las salas. Experimentar con las sensaciones que despierta esta magnifica obra del gran impresionista francés.

En París hay más de 140 museos para todos los gustos y placer. Algunos son «visitas obligadas» para cualquier turista, como El Louvre o el Musée d’Orsay , el Musée de l’Orangerie que se encuentra en el Jardin des Tuileries, entró en esa categoría: alberga “Les Nymphéas”, los impresionantes murales pintados por Monet.

Desde 1950 el Musée de l’Orangerie incorporó cien nuevas obras de arte, añadiendo un segundo nivel sobre las salas ovales de “Les Nymphéas”, donde se exhiben pinturas de Picasso, Renoir, Matisse, Derain y muchos más.

La viuda de Paul Guillaume,  Jean Walter, donó su colección de arte moderno a los Museos Nacionales de Francia, en 1958. L’Orangerie ha albergado la colección Walter-Guillaume de pintura impresionista, de los siglos XIX y XX, desde 1965.

Un descubrimiento inesperado…

La refacción realizada a fines del siglo XX  contó con una sorpresa arqueológica: los restos de una muralla que rodeó París en el siglo XVII, construida por Luis XIII conocida como “Les Fossés Jaunes” por estar realizadas con bloques de piedra caliza de color amarillo.

Aquí, un excelente video de como pintaba este genio del impresionismo. Nos introduce en su arte y nos ayuda a comprender «los porques» de sus obsesiones y para valorar aun más la dimensión de su obra.

 

 

 

 

 

«…mi obra maestra»

La Capilla del Rosario de Vence…de Matisse

Henri Matisse afirmó: “esta obra ha supuesto cuatro años de trabajo continuado y es el resultado de toda mi vida activa. Pese a todas sus imperfecciones, la considero mi obra maestra”.

Esta realización es su testamento espiritual.

Completamente comprometido con el proyecto, Matisse vendió sus propias litografías para conseguir dinero para la obra. Su amigo Picasso estaba horrorizado “¡Una Iglesia!”, exclamó. “¿Por qué no un mercado? Así al menos podrías pintar frutas y verduras”.

La manera de trabajar de Matisse la define  una frase que dijo Picasso:» yo no busco, encuentro».

Refiriendose a los colores que utilizó:

«El azul de ultramar y el verde botella deben ser transparentes de un color sostenido».

«El amarillo limón crea el mayor problema por sus especificaciónes requiere tratamieno especial».

«los colores simples atienden al espíritu».

«El azul con sus complementarios afecta los sentimientos». 

 Matisse…un exquisito

Henri Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis el 31 de diciembre de 1869, una pequeña localidad al norte de Francia, en el seno de una familia dedicada al comercio, específicamente de droguería y semillas.
Comenzó a pintar en 1889, cuando convaleciente de una apendicitis su madre le lleva elementos para pintar. Según dijo de este momento de su vida que descubrió una especie de paraíso.Y a partir de entonces decide convertirse en artista plástico, su pintor más admirado fue Chardin, realizando copias de las cuatro piezas del Louvre.
En 1896 expuso cuatro lienzos en la Société Nationale des Beaux Arts con notable éxito.

Hacia 1917 se instaló en Niza, conoció a Renoir, y su estilo se hizo más sutil. Niza  posee una luz y colorido especial que muchos pintores  como Chagal, Dubuffet, Soutine, Dufy y Matisse quedaron enamorados de ella.

En 1941, después de una difícil operación de cáncer, Matisse quedó postrado. Su brillante mundo chocó con la realidad del sufrimiento.

En este difícil tiempo, una jovencita Monique Bourgouis lo cuidó, su caridad y bondad afectaron profundamente al artista. En 1946, Monique decidió convertirse en religiosa y se unió al convento dominico de Vence, tomando el nombre de hermana Jacques Marie.

Saint Paul de Vence es una pequeña localidad francesa situada en la Costa Azul a los pies de los Alpes y a pocos km de Niza. Conserva un fantástico casco antiguo medieval cuyas fachadas son un fiel reflejo de su rica historia, con mercados  famosos por la variedad de sus frutas, especias y verduras.
La idea de construir una nueva capilla para el convento dominico de Vence, dedicado al Rosario surgió de la amistad entre la hermana Jacques Marie y Matisse. Colaboraron la hermana Agnes de Jesús, superiora del convento, no muy convencida al principio, un hermano dominico, Rayssiguier y el padre dominico Marie-Alain Couturier de gran influencia en el Templo de Nuestra Señora de Gracia en Assy (Francia). Juntos comenzaron a trabajar para transformar el sueño en capilla.

La Capilla del Rosario de Vence es sumamente sencilla,  recatada, modesta si se quiere pero tiene la dedicación y belleza infinita de un grande del arte…

!!Todo fue diseñado por Matisse el pintor «fauvista» !! El no dejó nada sin supervisar… a pesar que estaba muy enfermo con su físico muy deteriorado. Buena parte de la obra de Matisse en Niza se realiza desde la cama. Pinta con una pértiga sobre las paredes de la habitación de su estudio. Tanto los papeles recortados como los trabajos para la capilla los realizó un Matisse enfermo. La intensidad de estas  últimas obras no desmerece, sin embargo, las de  su juventud, animadas por las mismas inquietudes que perfilan una de las trayectorias artísticas más homogéneas y coherentes del siglo XX.

El había afirmado: «Yo sueño un arte equilibrado, puro, tranquilo, sin sujeto inquietante o preocupante, que sea para cualquier trabajador intelectual, para el hombre de negocios o para el literato, por ejemplo, un lenitivo, un calmante cerebral, algo análogo a una buena poltrona donde reposar de sus fatigas físicas», en definitiva, una morada, y Matisse la construyó de verdad.

La Capilla del Rosario, «su obra maestra» concebida por Henri Matisse, es un monumento de Arte Sacro único en el mundo. Entre 1948 y 1951, Matisse elaboró los planos del edificio con todos los detalles de su decoración: vidrieras, cerámicas, sillas de coro, pilas, objetos de culto, ornamentos sacerdotales… Por primera vez, un pintor realizó un monumento en su totalida!!.

La primera piedra de la capilla fue colocada en 1949. Nuestra Señora del Rosario fue inaugurada y consagrada en 1951.

Tiene una longitud de 15 metros por 6 metros de ancho, el extremo más largo destinado a los fieles y el extremo más corto a las monjas dominicas. Ambas partes están orientadas hacia el altar.

 El plano

Las fachadas son de color blanco. Para blanquear se utiliza la cal, al más puro estilo mediterráneo. La cubierta es inclinada a dos aguas y combina el color azul marino con el blanco usando un patrón en zigzag.
Sobre la cubierta de la capilla, Matisse diseñó una cruz realizada en hierro forjado que contiene una pequeña campana.

Mural de Santo Domingo de Guzmán, fundador de la orden de los predicadores dominicos en el sigo XII

Este mural esta situado detrás del altar y representan al santo español con unas trazas muy sencillas pero a la vez muy poderosas.

El altar es de piedra de color marrón claro, elegido especialmente por Matisse por su parecido con el color del pan eucarístico. El artista también diseñó el pequeño crucifijo de bronce situado sobre el altar, los candelabros de bronce, y el pequeño tabernáculo. Las lámparas que cuelgan del techo  de hierro forjado y fueron realizadas por artesanos locales de gran tradición en esta disciplina, según los diseños del autor.

 

Mural de la Virgen con el niño: Se encuentra en una de las paredes laterales.

Es significativo que el niño Jesús en lugar de aparecer en brazos de su madre como es lo habitual haya sido representado por Matisse como si María estuviera ofreciendo a su hijo, con los brazos en cruz, al mundo entero.

Los dibujos de los frescos realizados sobre cerámica se trazaron muy rápidamente, en algunas horas cada uno, pero después de largas sesiones de estudios y meditación «como un rezo que se repite cada vez mejor».

Mural del Vía crucis:

Es la obra central de la capilla del Rosario. En él aparecen las catorce estaciones pintadas formando una composición coherente en tres hileras, sobre azulejos que forman un único panel de 3.96 por 1.98 metros.
Debido a que cada estación representa un momento crítico de las últimas horas de Jesús, Matisse trabajó separadamente en ellas, por momentos buscando inspiración para sus bosquejos en pinturas de maestros como Mantegna y Rubens.

La composición del Via Cucis comienza en la parte inferior izquierda con la escena de Jesús llevado ante Pilato y siendo condenado. Continua con las estaciones de Jesús portando la cruz hasta el monte Calvario. En la parte superior central encontramos las tres imágenes más poderosas como es la elevación de la cruz con el cuerpo de Jesús clavado en ella, Jesús crucificado luego el desprendimiento del Señor. El panel central tiene una composición vertical y horizontal en la parte inferior, mientras que las dos estaciones contiguas tienen fuertes líneas diagonales que conducen a la cabeza de Jesús en la cruz.

Vidrieras

El árbol de la vida  y detalle

Se inspira en el Apocalipsis de San Juan: “En medio de la calle y a un lado y otro del río había un árbol de la vida que daba doce frutos , cada fruto en su mes, y las hojas del árbol eran saludables para las naciones “. Según por sus propias palabras, el árbol de la vida es una alegoría de la edad de oro del hombre. Comenzó a esbozar sus diseños colocando múltiples recortes de papel de colores sobre una superficie hasta conseguir la composición que él deseaba. El tema, no ocupa la totalidad de la superficie, ya que desaparece en la parte superior como si fuera un paño colgado únicamente por los cantos. Matisse quiso en esta vidriera producir el efecto de una tela tensada sobre la ventana y lo consiguió.  Los colores se reducen finalmente a un amarillo translúcido, un azul ultramar y un verde botella transparente. La simplicidad buscada, destinada «a dar, a una superficie muy limitada, la idea de inmensidad», responde al sentimiento religioso y suscita «la disminución de espíritu» que Matisse deseaba encontrar para favorecer a los visitantes de la capilla.

Vestiduras sacerdotales:

Henri Matisse diseñó las vestiduras de los sacerdotes de la capilla siguiendo los colores tradicionales según el calendario litúrgico: morado, negro, rosa, verde y rojo. Las monjas dominicas tejieron posteriormente el conjunto de las vestiduras litúrgicas, incluidos casulla, manípulo y estola.

 El cristo del altar y el confesionario

La capilla fue bendecida el 25 de junio de 1951, tres años antes de la muerte del pintor, que en aquella ocasión escribió al obispo de Niza:

“Excelencia, le presento con toda humildad la capilla del Rosario de las dominicas de Vence. Le pido que me disculpe por no haber podido presentarle yo mismo este trabajo a causa de mi edad y de mi salud. La obra ha requerido cuatro años de un trabajo exclusivo y asiduo, y es el resultado de toda mi vida activa. La considero, a pesar de todas sus imperfecciones, mi obra maestra. Ojalá el porvenir pueda dar la razón a este juicio mediante un creciente interés, incluso más allá del significado más alto de este monumento. Cuento, Excelencia, con vuestra vasta experiencia de los hombres y con vuestra profunda sabiduría para que juzguéis un esfuerzo que es el resultado de una vida consagrada a la búsqueda de la verdad”.

Matisse  murió en Niza el 3 de noviembre de 1954. fue sepultado en el cementerio de Niza, donde Jacques-Marie le llevó siempre flores.

 

Medio siglo después de la muerte de su amigo, Jacques-Marie falleció a los 84 años y reposa sepultada en el viejo cementerio de Vence, muy cerca de la capilla que ayudó a levantar.

«Selfis»y algo más de…

Este año 2019 se cumplen los 350 años de la desaparición del más grande de los pintores barrocos holandeses su país y el mundo está dispuesto a homenajearlo.

Rijksmuseum

El Rijksmuseum de Ámsterdam,  atesora la mayor colección Rembrandt en el mundo,  los reunió con  el título «Todos los Rembrandt», se muestran sus 22 lienzos, 60 dibujos y 300 de los 1.300 grabados que conserva, reunidos por temas: sus primeros logros, su entorno más íntimo, sus retratos de mendigos y vagabundos, sus obras basadas en el Antiguo Testamento… Hay autorretratos en minúsculos grabados dos soberbios autorretratos sobre lienzo: uno, muy audaz, de 1628, un ejercicio sobre el claroscuro si se quiere el otro, ya anciano, en el que se pintó como el Apóstol Pablo, de 1661.

Su director actual, Taco Dibbits, dice de Rembrandt: «fue el primer artista que nos pintó tal como somos, en nuestra belleza y nuestra fealdad, en nuestra felicidad y nuestra tristeza. Fue un rebelde que no siguió las leyes del arte».

Una nueva biografía

Escrita por Jonathan Bikker, conservador de la pinacoteca holandesa.

Lleva por título «Rembrandt: biografía de un rebelde». Cree que el pintor «fue el primer hereje del arte. No retrató a jóvenes hermosas, sino a viejas feas, con sus arrugas y sus cicatrices»,era  un artista muy ambicioso que quería ser el mejor del mundo, siempre innovador sin dejar nunca de experimentar.

Charles Falco, profesor de la Facultad de Ciencias Ópticas de la Universidad de Arizona, y el artista británico David Hockney, aseguraron que él y otros pintores neerlandeses como Johannes Vermeer utilizaron la» cámara oscura» digamos una antecesora de la cámara fotográfica para realizar sus obras. Entre 1620 y su muerte, en 1669, Rembrandt se autorretrató un centenar de veces, y al día de hoy se conservan la mitad de esos cuadros.

Según los expertos, Rembrandt se habría valido del claroscuro, el  contraste entre la luz y las sombras, técnica que el holandés dominaba a la perfección para esconder las partes que el espejo no le permitía ver de forma detallada. Los grandes artistas de la historia mantuvieron sus técnicas en secreto, muchas de ellas se han conocido siglos después al estudiar sus lienzos, recientemente se ha descubierto un misterioso ingrediente «secreto» en su  admirada pintura: la plumbonacrita con el que acababa sus obras.

 «Rembrandt y el Siglo de Oro holandés»

Cuenta con obras maestras como «La novia judía», «Marten Soolmans» y «Oopjen Coppit» especialmente, «La Ronda de Noche» (1639-1642 ), única obra que permanece en su sala habitual.

«Ronda de noche»

Este monumental lienzo, cuyo título original fue «La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh», según consta en un boceto preparatorio. Pero fue rebautizado en el siglo XIX como «Patrouille de Nuit» por la crítica francesa, y «Night Watch» por Sir Joshua Reynolds, de donde viene su nombre popular «Ronda de noche».

Después de varios siglos, la pintura estaba muy  ennegrecida y confundió a estos especialistas,  se trata de una escena de las llamadas «Retratos colectivos» es diurna y de un gran movimiento.

Encargada por la Corporación de Arcabuceros de Ámsterdam para decorar el Groote Zaal, ‘Gran Salón’, del Kloveniersdoelen, sede de la milicia.

Es el momento en que  su Capitán Frans Banninck Cocq da la orden al Teniente Willem van Ruytenburgh de poner en marcha la patrulla… y comienzan a «moverse».

La niña: es el personaje clave  del cuadro,  única mujer y  foco de luz  (muchos críticos ven el rostro de su esposa Saskia en ella, que murió el año que comenzó esta obra). Viste un traje amarillo limón y en la cintura le cuelga un gallo blanco con pinceladas azules, el emblema de la compañía, que Rembrandt representó de esta manera por demás singular.

Merecida restauración

La obra, ha sufrido varios ataques en su vida: en 1715, se trasladó al Ayuntamiento de Ámsterdam. Sus grandes dimensiones hicieron que fuese mutilado, le fue cortada una franja en el lateral izquierdo (desaparecido) eliminando a tres de los personajes de la escena. Conocemos su aspecto original debido a  copias anteriores a 1715, entre las que destaca esta réplica de Gerrit Lundens conservada en la National Gallery de Londres.

El 13 de septiembre de 1975, un desequilibrado asestaba varias puñaladas al cuadro de Rembrandt, quince años después, fue rociado con  ácido por otro perturbado… este año para conmemorar los 350 aniversario de la muerte de su autor será restaurada a partir del 8 de julio en público.

Se hará  encerrado en un recinto de cristal, al igual que hicieron con «La joven de la perla» en el Museo Mauritshuis. Los trabajos también se podrán seguir on line. Antes de su restauración se ha sometido a un exhaustivo examen. Hay zonas, como la inferior derecha, donde hay un perro, en las que es preciso intervenir.

También en julio (el día 15) arranca el proyecto «Larga vida a Rembrandt»: el Rijksmuseum invita a crear obras inspiradas en el maestro. Las seleccionadas por un jurado colgarán en el museo durante el verano.

En Ámsterdam…

La Casa-Museo Rembrandt ha preparado tres exposiciones a lo largo del año.

Lidewij de Koekkek, directora de este proyecto, advierte que Rembrandt «es inmortal. Cada generación ve algo de sí misma reflejada en él. Sigue siendo hoy muy popular».

La primera exposición  la red social y familiar que rodeaba al pintor. No le gustaba rodearse de las élites, sino de su círculo más íntimo  de familiares, amigos, colegas, coleccionistas… Muchos de ellos aparecen en esta exposición. Su esposa Saskia, su hijo Titus (el único de los cuatro hijos que tuvo con ella que llegó a la mayoría de edad)… El retrato de éste, préstamo del Museo de Baltimore, es la joya de la muestra.

También su amante, Hendrickje, con quien tendría una hija, Cornelia. Se exhibe en la exposición una de las siete cartas conocidas de Rembrandt y preciosos cuadernos de amistades, en los que se dejaban mensajes y dibujos.

Amigos de la infancia como Jan Lievens, que retrata a Rembrandt de manera íntima e informal, o Abraham Francen, su mejor amigo; colegas y poderosos coleccionistas, como Jan Six o Arnold Tholinx, que le ayudaron cuando pasaba serios apuros económicos, prestándole dinero o encargándole obras.

Rembrandt Harmensz van Rijn nació en 1606 en Leiden, en el seno de una familia de molineros asentados en la urbe. Fue allí donde pasó su niñez y juventud, donde acudió a la escuela, se formó como pintor, y donde realizó alguna de sus primeras obras maestras, produjo en ella más de 40 cuadros.

El Museo De Lakenhal de Leiden

Reunirá las primeras obras de Rembrandt Bajo el título ‘El Joven Rembrandt’, entre ellas, la pintura más antigua conocida del artista: Brillenverkoper (‘El vendedor de gafas’, 1624).

La Universidad de Leiden, la primera de Holanda, se convirtió en un centro intelectual, atrayendo a una extensa lista de académicos, pensadores y teólogos. El Discurso del Método de René Descartes, el tratado que dio luz a la famosa frase «pienso, luego existo», fue publicado en Leiden en 1637.

La ciudad, también recuerda a los Padres Peregrinos que viajaron a los EE.UU., estos  huyeron de Inglaterra hacia la más tolerante y estable Holanda.  Se hicieron a la mar con el Mayflower,  firmando el Pacto de Mayflower y fundando la Colonia de Plymouth en EEUU.

El museo Mauritshuis de La Haya

Se sumará a las celebraciones por el año del artista con dos exposiciones:
La primera de ellas, ‘Rembrandt y el Mauritshuis’ -del 31 de enero al 15 de septiembre 2019- exhibirá por primera vez en su historia, toda la colección de ‘Rembrandts’ del museo en una sola exposición, como la archiconocida ‘Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp’, `Saul y David’ y el último autorretrato del maestro en 1669.  La segunda será en otoño- estará dedicada a Nicolaes Maes, uno de los alumnos de Rembrandt con más talento.

Pero, más allá de Ámsterdam y La Haya, toda Holanda se ha volcado en la celebración de la efemérides el 15 de julio, día de su cumpleaños, más de 2.000 personas formarán su autorretrato, que será filmado desde el cielo.

Desde la National Gallery de Londres hasta el Metropolitan de Nueva York, el Louvre de París, los más prestigiosos museos del mundo han prestado obras para que pudieran explorar todas las facetas del pintor en su patria.
El Año Rembrandt es el gran acontecimiento europeo reúne de manera inédita la producción casi completa del maestro del claroscuro, repartida entre los principales museos y colecciones privadas del mundo.

Camille…

Máscara de Camille por Rodin

Los críticos del arte coinciden en que Camille Claudel fue un genio excepcional, comenzando por su riqueza creativa, su voluntad de hierro, su belleza natural y el futuro brillante que se perfilaba ante ella, incluso antes de conocer a Rodin.

Louis Vauxcelles, uno de los críticos más influyentes del s.XX declara que Camille fue la única escultora bien conocida del siglo, y su estilo era más viril y potente que muchos de los escultores masculinos.
John Walker crítico e historiador de arte dice que lo que realmente derrotó a Camille, que estaba reconocida como una gran escultora, eran las grandes dificultades del medio y del mercado. En esos tiempos, la escultura era un arte caro, y no recibió muchos encargos porque su estilo era altamente inusual para los gustos conservadores contemporáneos del momento por el fuerte componente sexual que impregna su obra.

 Gael Le Cornec  actriz y dramaturga franco- Brasileña y  Geiselda Pollock  en su libro, creen que ella cambió la historia de las arte. El espiral de drama y tragedia que giraba como torbellino en la vida de Claudel se caracterizó por continuas y ascendentes crisis nerviosas que terminaron en eventos traumáticos durante los que la escultora francesa destruyó sus propias creaciones.

El crítico y periodista Mathias Morhardt y  Angelo Caranfa, escritor y crítico coinciden diciendo que los estilos de Camille y de  Rodin son muy diferentes, siendo la obra de Rodin más suave y delicada y la de Camille más vehemente y con vigorosos contrastes. Esta diferencia de gustos pudo haber sido una de las razones que los llevaron a la ruptura, convirtiéndose finalmente en su rival.

Los críticos del arte Flemming y Jansen Estrup consideran que no solamente fue Rodin quien tenía celos de Camille sino su propio hermano Paul y su madre nunca le perdonaron por su supuesta inmoralidad. Jansen Strup dice de Paul Claudel “¡Soy el único genio de esta familia!»

Muchos critican a Rodin por no darle a Camille el reconocimiento y el apoyo que se merecía. Pero…la mayoría de los historiadores de arte creen que Rodin hizo todo lo que pudo para ayudarla después de su separación. La destrucción de la obra de Camille se debió a la negligencia que el  arte mostró hacia ella por el solo hecho de ser mujer.

Camille Claudel…Escultora

Nacida en 1864 en Fère-en-Tardenois, pasó su primera infancia en Villeneuve-sur-Fère, un pueblo al que siempre regresó en sus vacaciones y con el que mantuvo fuertes lazos emocionales. Más tarde se traslada a Bar-le-Duc, Wassy-sur-Blaise y en Nogent llamó la atención de Alfred Boucher, que sería luego su mentor, muy  impresionado por su talento cuando aún no había recibido clases de modelado o dibujo, mostró un David y Goliat suyo a Paul Dubois también escultor,que, según Morhardt,  primer biógrafo de Camille, afirmó que el autor de esa aquella obra había recibido clases de Rodin.

Algunas obras…

Mármol blanco para este busto, su modelo  Madeleine Boyer, hija de los propietarios del Castillo de l Islette de Touraine, donde pasó un tiempo de descanso con Rodin. Esta niña de rostro anhelante ejemplifica el virtuosismo del artista en la talla del mármol y su alejamiento de Rodin en la melena por la que circula la luz y en el vaciado profundo de la cabeza.Ojos elevados al cielo,mirada fija en la esperanza.  Claude Debussy  comentó en voz baja: ” una de las más graciosas evocaciones que han inspirado a un poeta del mármol: la llamada con la cual un niño interroga a lo desconocido”.

Desde 1886, Camille trabaja en Shakountala, que le valió una Mención de Honor en el Salón de 1888. Shakountala influyó decisivamente en una de las últimas esculturas de Claudel,  la artista lo donó al Musée Bertrand de Châteauroux en 1895,con bastante polémica; se consideró una obra inmoral.

La obra “Shakountala” de las que hay siete versiones, basada en un drama hindú, es de gran sencillez plástica pero transmite sensualidad. Está descrita por Angelo Caranfa como la expresión del deseo de ella de alcanzar lo sagrado, el fruto de la continua búsqueda de su identidad artística, libre ya de las limitaciones que le imponía Rodin. Caranfa analiza los engaños y la explotación que Rodin ejerce sobre Camille, que no podía ser obediente como él quería que fuera. Esta obra “Shakountala” representa su existencia solitaria, la búsqueda interna, el viaje interior.

La belleza y el talento de la obra artística de Camille Claudel se vio siempre ensombrecida por la tormentosa relación que mantuvo con su mentor y amante Auguste Rodin. Un amor enfermizo en el que el escultor, no supo entender  los profundos sentimientos de una mujer que habría dado su existencia por él. Promesas incumplidas de amor eterno, Rodin mantuvo a su joven alumna a su lado a pesar de no querer nunca abandonar a su verdadera pareja, Rose Beuret.

«La Ola»

La escultura “La ola” está basada en un hecho real. Representa a un grupo de mujeres que se bañan en el mar sin temor de la ola gigante que se les viene encima. Se nota la influencia japonesa en este trabajo,  Este trabajo de Camille se parece al grabado del artista japonés Hokusai.

En el plano artístico, Camille se situó a la altura del maestro y creó esculturas de alto valor, pero siempre se la creyó de menos capacidad que Rodin. Si Camille Claudel hubiera nacido hombre, su reconocimiento artístico hubiera sido muy superior al que siempre se le dio.
Camille también mantuvo una relación con Claude Debussy. Ambos admiraban a Degas y al japonés Hokusai, también compartieron interés por los temas de la infancia y la muerte. Cuando la relación termina, Claude Debussy dice: “Lloro por la desaparición del Sueño de este Sueño”. Debussy la admiraba como una gran artista y mantuvo una copia de «La Valse» en su estudio hasta su muerte y  un grabado de la «Gran ola»de Hokusai.

«La Valse» de 1895 en bronce, es impresionante parece que los bailarines quieran romper sus ligaduras y cobrar vida propia.

También La valse y Clotho (1889-1893) señalan la ruptura con el estilo rodiniano de sus primeros años y se alejan de la obra del escultor.

Cosechó éxitos. LouisVauxcelles dijo de La valse que «es un poema de embriaguez entregada en el que los dos cuerpos no componen sino uno solo y las telas hacen remolinos, la danzarina muere de voluptuosidad.»

En Clotho, la artista llevó lo más lejos que pudo el estudio realista, esculpiendo con esmero los senos lacios o los tendones  de la parca. 

Antoinette Le Normand-Romain  Dra.en Historia del Arte y curadora dijo que Camille se  volvió contra Rodin… no hizo nada de lo que le había enseñado.

El distanciamiento entre Camille y Rodin terminó en ruptura en 1898 cuando ella  del todo consciente, que las promesas de amor de Rodin eran palabras vacías. Él nunca dejaría a su amada Rose, con la que terminaría casándose al final de sus días. En enero de 1899, Camille se instala en soledad en el 19 del Quai Bourbon. Su última obra de importancia es Persée et la Gorgone, que realizó para la residencia particular de la condesa de Maigret.  El hecho de que la cabeza de la Medusa sea su autorretrato acentúa la calidad dramática del conjunto.

En torno a 1900 Camille encontró  fieles apoyos en la señora de Maigret, Octave Mirbeau, Berthelot, Geffroy, Morhardt… y los Rothschild la introdujeron en las colecciones públicas francesas, ese reconocimiento no bastó para restañar las heridas morales y físicas de su ruptura con Rodin

Obra más representativa

Mientras muchas de sus obras continuaban alcanzando cierto éxito y apareciendo con frecuencia en artículos sobre su trabajo en las revistas más reconocidas de arte, Camille se encerraba en su taller en medio de una crisis emocional que la alejó por completo del mundo, hasta que en diciembre de 1905 decidió realizar su última gran exposición.

«La edad madura» (1902)

En ella , aparece una figura femenina arrodillada agarrando a un hombre que se lo lleva una mujer adulta con rostro siniestro. Toda una alegoría de su existencia.

Encerrada en su casa, Camille terminó enloqueciendo. Hacia el año1905 sus miedos empezaron a aflorar, haciendo de ella una mujer demente que destruía todas sus creaciones sistemáticamente, entre ellas una serie de bustos infantiles en los que parece ser que habría enterrado su frustración por no haber podido ser madre. Años atrás había perdido un bebé cuyo padre, Rodin, habría obligado a abortar.

Hay informes que dicen que si bien tenía arrebatos mentales, pero su mente permanecía clara mientras trabaja en sus obras.

Camille acusó a Rodin de robar sus ideas y de liderar una conspiración para matarla. En la correspondencia de la época decía que él se aprovechaba de ella, que las obras que presentaba como propias eran producto de su talento menospreciado.

Fallece su padre en el año 1913

 Camille dependía de Rodin económicamente desde la muerte de su padre de la que no fue  informada. Se sentía completamente sola, su hermano,  en  China ejerciendo de diplomático.  Su propia madre, quizo ingresarla en el sanatorio de Ville-Evrad el diez de marzo de 1913.

Fue diagnosticada de “delirio sistemático de persecución basado principalmente en interpretaciones e imaginaciones falsas”.

Las cartas descubiertas años después nos dejaron ver a una mujer en su sano juicio que fue manipulada y maltratada por su entorno. Su admisión en el psiquiátrico fue firmada también por su hermano Paul y un médico.

Las autoridades del psiquiatrico siempre solicitaron a sus familiares que la intentaran reintegrar en el entorno familiar, tanto su madre como su hermano el afamado Paul Claudel se negaron.»Todos esos maravillosos dones que la naturaleza le había otorgado no han servido más que para traerle la desgracia», decía su hermano.
En el año 1914, ante el avance de las tropas alemanas en la I Guerra Mundial, los pacientes de Ville Évrard fueron trasladados a Enghien. El siete de septiembre de 1914 fue trasladada al asilo de Montdevergues en Montfavet cerca de Avignon.

Treinta años en el psiquiátrico.

Camille Claudel muere el 19 de octubre de 1943 en el sanatorio de Montdevergues, sola, aislada y olvidada por todos. Su hermano Paul no hizo nada para que tuviera un entierro digno.

Camille fue sepultada en el cementerio de Montfavent y posteriormente sus huesos fueron enterrados en una tumba común del manicomio. sin nombre, sólo con los números 1943 -n392.

Abandonada por todos,, muriendo en la soledad… en la pobreza y la oscuridad, terminaba su larga penitencia, como ella misma lo calificó: » treinta años de reclusión injusta».

Fue una adelantada a su época, por haber burlado su destino viviendo su oficio de escultora en oposición a su familia y amar en contra de las reglas de una sociedad burguesa.

                      Montfavet cimetery, Avignon,

Algo para aclarar tanto dolor…

En una carta dirigida al médico del centro su madre escribe: “tiene todos los vicios, no la quiero ver, nos ha hecho demasiado mal”. Ella y su hermana Louise no fueron a visitarla nunca, ni permitieron que recibiera visitas ni cartas de sus amigos. Su hermano Paul, que de joven estuvo muy unido a ella y que le profesaba gran admiración, tras una  fuerte impresión mística se había convertido en un fanático religioso, consideraba que Camille debía expiar sus pecados.

A finales del siglo XIX y a principios del XX, aquellas que se desviaban de su rol de hija-madre-esposa, rápidamente eran etiquetadas como histéricas (histeria del griego hystear que significa útero) o locas. Era algo asumido por la sociedad: la mujer, debido a sus órganos sexuales, no era un ser estable mentalmente. Los médicos usaban los cuerpos de las mujeres para legitimar su discriminación. Camille cumplía todos los requisitos: vivía sola, rechazaba la tutela de un hombre y desarrollaba un oficio reservado al ámbito masculino.

 El olvido del Arte

La Historia del Arte que siempre estuvo en la negación de lo femenino, solo la reconoció dentro del ámbito de su relación con Rodin. Su obra pareció no existir mas allá de esos años.

En 1951 se presentó, sin demasiado eco, su obra en el Musée Rodin y en 1983 se realiza un primer intento de catalogación completa de su producción, Al  año siguiente  la primera muestra retrospectiva en la que se da a conocer su obra a un público amplio, en el propio Musée Rodin y en el Musée Sainte-Croix de Poitiers.

Hoy la Historia del Arte colabora reivindicando a las mujeres artistas, como creadoras, sin permitir que tintes románticos o dramáticos empañen sus obras.

!Por fin!!! Camille perdurará en el tiempo por su importancia creadora, demostró que es posible esculpir la emoción y brillará eternamente con luz propia.

2-M145-A3-1885-7 (833367) ‘Femme accroupie’ Claudel, Camille 1864-1943. ‘Femme accroupie’ (Hockende), um 1884/1885. Gießerstempel: La Plaine. Bronze, 37 x 37 x 24 cm. Privatsammlung. F: C.Claudel, Femme accroupie Claudel, Camille 1864-1943. ‘Femme accroupie’, v. 1884/1885. Estampillé : La Plaine. Bronze, 37 x 37 x 24 cm. Collection particulière.

Nogent-sur-Seine abre el Musée Camille Claudel…

Abrió el 26  marzo del 2017

Más de 70 años después de su muerte, Nogent-sur-Seine, la ciudad donde nació la vocación artística de Camille  le rinde homenaje

La ciudad de Nogent-sur-Seine adquirió la casa en la isla de Saint-Epoing, donde vivió la familia Claudel entre 1876 y 1879.

En julio del 2008, las obras de Camille Claudel fueron adquiridas por Reine-Marie París, sobrina nieta de la artista y por Philippe Cressent. De los 250 trabajos que pueden verse en el Museo, 200 son esculturas y 43 fueron realizadas por Claudel. El resto  corresponden a treinta y siete fotografías y grabados, once pinturas y dos dibujos,  se completan con la proyección de ocho documentales.  Son casi 1000 metros cuadrados los dedicados a la exposición permanente y unos 300 los destinados a muestras temporales.

Museo Camille Claudel. 10, rue Gustave-Flaubert, Nogent-sur-Seine, Francia.

http://www.museecamilleclaudel.fr/

 

 

Santa Croce…“Tempio dell’Itale glorie”

 

Definición dada por el poeta Ugo Foscolo, que aunque falleció en Inglaterra en 1827 está sepultado en Santa Croce, cumpliendo con su deseo, expresado en su poema máximo editado en 1807  «Dei sepolcri « de reposar para siempre… junto a los grandes de Italia.

Se la considera un auténtico panteón

Si, es una de las características más destacadas del antiguo monasterio franciscano de Santa Croce en Florencia- Italia, abierto a la gran plaza a la que da nombre y símbolo del prestigio de la ciudad, con su iglesia, conformada como una de las máximas expresiones de la arquitectura gótica italiana. Como otros muchos templos, desde su fundación fue acogiendo múltiples enterramientos de personajes de la sociedad florentina; teólogos, humanistas, artistas, escritores o políticos desde sus inicios hasta mediados del siglo XX.

Incluso es conocida por ser el lugar donde Stendhal-Henri-Marie Beyle (cuyo pseudónimo era Stendhal)  en 1817 padeció los síntomas (vértigo, palpitaciones, confusión, etc.) de lo que se conoce como «síndrome de Stendhal». El conocido escritor francés lo narró asi: “Había llegado a ese punto de emoción en el que se encuentran las sensaciones celestes dadas por las Bellas Artes y los sentimientos apasionados. Saliendo de Santa Croce, me latía el corazón, la vida estaba agotada en mí, andaba con miedo a caerme”.

 Algo de su historia

Su fundación data de comienzos del siglo XIII cuando, el propio Francisco de Asís cuyo amor por la  Cruz  fue infinito hasta soportar sus estigmas, y fra Silvestro con  un grupo de seguidores, decidieron establecerse en Florencia en una pequeña capilla dedicada  precisamente a la Santa Cruz.  Ubicada en lo que en ese momento era una isla formada por dos ramales del río Arno,  a extramuros de la ciudad, una zona de inundaciones y habitada por una población desprotegida.

La historia oficial comienza el 14 de septiembre de 1228, fecha de una bula de Gregorio IX  toma bajo su protección a los franciscanos que ofician en esa iglesia de Santa Croce de Florencia. La comunidad fue creciendo gracias a su mensaje evangélico y  en 1294, tras la gran expansión de Florencia que incorpora intramuros esa zona, se tomó la decisión de erigir templo nuevo, con trazas tradicionalmente atribuidas a Arnolfo di Cambio, dada la similitud con otras de sus obras, aunque no se hayan localizado documentos que lo confirmen. De planta de cruz egipcia o Tau (símbolo de San Francisco) de 115 metros de largo, con una nave central y dos laterales separadas por hileras de columnas octogonales. A la muerte del arquitecto en 1302 las obras estaban avanzadas y en 1320  se hacía uso de la iglesia, pero las crisis económicas, frecuentes inundaciones, pestes etc. no quedaría terminada hasta la década de 1380, teniéndose constancia de su consagración en la Epifanía de 1443 según el calendario florentino; 1444, según el actual por el cardenal Bessarrione ante el papa Eugenio IV y los venerables padres y teólogos del Concilio Ecuménico de Florencia.
Las desamortizaciones durante la invasión francesa  (aprox. 1797-hasta 1814) obligaron a la comunidad a abandonar el convento y la iglesia se convirtió en parroquia de San José en Santa Cruz, regida por un sacerdote diocesano. Aunque cuatro años después fue devuelto el convento a la comunidad franciscana.

Con la formación del Estado Italiano una nueva desamortización obligó a otro triste abandono y casi todos sus bienes pasaron a titularidad pública y fueron vendidos, sobre todo, valiosos códigos, manuscritos y libros de la rica biblioteca de Santa Croce.

En 1900  devuelta a la Orden Franciscana parte del complejo, inician una recuperación de la vida monástica. En 1933 Pío XI concede a la iglesia el rango de Basílica Menor y en 1946 se inaugura un Estudio Teológico para Laicos. También comenzó a funcionar como museo, que en 1959 adoptó el nombre de Museo dell’Opera di Santa Croce, abarcando dos claustros y el refectorio principal.

La gran inundación que asoló Florencia en 1966 causó terribles  daños y obligó al cierre hasta 1975.

 Fachada

La fachada principal estuvo inacabada, con la pietraforte a la vista, durante siglos. Por donación del gentilhombre británico Sir Francis Sloane-Stanley, quien residió en Florencia durante largo tiempo y vivió enamorado de esa ciudad. Lo que vemos actualmente se realizó entre 1863 -1865, decorada en el tradicional estilo de la época: Gótico toscano o Gótico florentino, con revestimiento en mármol blanco de Seravezza combinado con mármol verde claro de Prato, verde oscuro (serpentino) de Pisa, rosa de Cintoia y Bolgheri, negro de Asciano y rojo de Egipto, obra  del maestro Niccoló Matas, quien presentó un dibujo inspirado en el trabajo perdido de Simone del Pollaiolo, llamado il Cronaca.

La estrella de David en el frontón  sería un homenaje al arquitecto Matas, de origen judío y en su interior  el monograma de Cristo.

 

Rosetón

 

 

El rosetón de casi seis metros de diámetro con una vidriera con la «Deposición de Cristo» cuyo diseño tradicionalmente se atribuía a Lorenzo Ghiberti pero que ahora se considera de Giovanni dal Ponte.

Los tímpanos de las tres portadas

Los altorelieves de los tímpanos de las tres portadas relatan la Leyenda de la Vera Cruz, con el Hallazgo de la Vera Cruz de Tito Sarrocchi, el Triunfo de la Vera Cruz de Giovanni Duprè en el centro y la Visión de Constantino de Emilio Zocchi. Las puertas de bronce del portal central proceden del Duomo de Florencia colocadas en 1903.

 

A la izquierda de la Plaza y frente al templo, el monumento a Dante obra de Enrico Pazzi.

 

 

El «Calcio stórico Fiorentino»

En la Plaza se juegan los torneos de “calcio storico fiorentino”, una especie de fútbol tradicional, mucho más agresivo que el actual, nacido en Florencia en el siglo XVI y que todavía se practica.  fue aquí,  donde se jugó el partido más famoso, el del 17 de febrero de 1530. Los florentinos jugaron para demostrar su espíritu combativo y su falta de miedo durante el asedio del emperador Carlos V. Los florentinos, aunque estaban pasando hambre, como desafío a los asediadores, que estaban en las colinas que rodean la ciudad, organizaron la fiesta de Carnaval y el “calcio” histórico. Para ridiculizar más a los asediadores, algunos músicos se pusieron a tocar en lo alto de la iglesia de Santa Croce para que los enemigos los vieran bien. Los soldados del emperador, para responder a esta provocación, dispararon un cañonazo, que tuvo una dirección equivocada y no provocó ningún daño a los florentinos, que siguieron con su fiesta.

Cada equipo contaba con 27 jugadores – 5 en el arco. El objetivo era llevar el balón a campo contrario e introducirlo en un estructura similar a una portería o arco.  podían valerse de pies y manos,  el equipo que más puntos sumaba en el tiempo de 50 minutos era el ganador. Para controlar se contaba con 8 árbitros dispersados en diferentes posiciones por el campo. Al principio solo lo practicaban aristócratas, siendo jugado por algunos Papas como Clemente VII, Leo IX y Urbano VIII,  con el tiempo se popularizó su práctica. Actualmente se juega respetando la tradición y los equipos representan cada uno a su ciudad llevando una vestimenta de de época, de color distinto para poder ser diferenciados.

Panteón de la Toscana y de Glorias Italianas

Tumba de:

Dante Alighieri, no contiene los restos del poeta, sus restos nunca han salido de Rávena donde murió y seguro que no saldrán. El sepulcro fue construido por Stefano Ricci en 1829.

Nicolás Maquiavelo,político y filósofo autor de El Príncipe. Falleció en 1527 el sepulcro  realizado por Innocenzo Spinazzi en 1787.

Galileo Galilei- Hasta sus últimos días, Galileo siguió inmerso en sus estudios científicos y murió en Arcetri, cerca de Florencia, el 8 de enero de 1642.Casi un siglo después Battista Foggini  le erigiría un mausoleo en la Basílica de la Santa Croce de Florencia, lugar donde fue enterrado.

Miguel Ángel,Fallecido en 1564, el sepulcro funerario realizado por Vasari (que lo admiraba realmente) en el año 1578. Tres musas  que representan: la pintura,  arquitectura y escultura, los tres terrenos  del genio renacentista.

Gioacchino Rossini,  falleció en París en 1868  fue enterrado allí y luego trasladados sus restos en 1887 a Florencia.

Vasari, Lorenzo Ghiberti, Guillermo Marconi, Vittorio Alfieri y Ugo Foscolo, el dramaturgo Vittorio Alfieri.  Leonardo Bruni, que alcanzó el cargo de canciller de la República de Florencia y falleció en 1444 obra del artista Rossellino.

 Además, en el piso hay 276 tumbas… también la de Niccoló Matas a la entrada del templo.

 Algunas de ellas…

 

Otras obras de arte

Como el crucifijo de Cimabue, del siglo XIII sumamente dañado después de la inundación, la estatua en mármol“Libertad de la poesía” de Pio Fedi, parte del monumento funerario a Giovan Battista Niccolini, de finales del siglo XIX,  esta obra habría inspirado a Frederic Bartholdi, autor de la famosa Libertad  regalada por los franceses a la ciudad Nueva York. Un nicho con una escultura de bronce dorado de San Luis de Toulouse de Donatello.

Un Cenáculo

Es el único cenáculo del trecento y parece que fue el primero en pintarse en la ciudad de Florencia y pintado por Taddeo Gaddi en 1333. Además de la Última cena, el fresco incluye un majestuoso árbol de la vida y a los lados cuatro escenas de la vida de Jesús y de San Francisco.

 Las Capillas y algo más…

 

La Capilla Medici fue diseñada por Michelozzo di Bartolomeo a pedido de Cosme el Viejo. Algo para destacar en esta capilla son el retablo de Andrea Della Robbia y el bajorrelieve de Donatello.

La Cappella dei Bardi di Vernio incluye un Crucifijo hecho por Donatello y con frescos de Giotto.

La Cappella dei Rinuccini tiene un fabuloso retablo con frescos hechos por Giovanni del Biondo y Giovanni da Milano y que representan eventos en la vida de María Magdalena y la Virgen.

La Cappella dei Baroncelli tiene tumbas de estilo gótico de miembros de la propia familia. Con frescos de Taddeo Gaddi y La Coronación de la Virgen de Giotto.

La Cappella dei Castellani alberga frescos y un vitral de Agnolo Gaddi.

La Cappella dei Peruzzi también tiene algunos frescos de Giotto.

En el exterior se encuentra la Capilla Pazzi, construida por el arquitecto Brunelleschi (que no está sepultado acá sino en el Domo florentino), también es el autor del diseño del claustro con  la hermosa decoración en cerámica de Della Robbia.

En el exterior se encuentra la Capilla Pazzi, construida por el arquitecto Brunelleschi (que no está sepultado acá sino en el Domo florentino), también es el autor del diseño del claustro con  la hermosa decoración en cerámica de Della Robbia.

El campanario

Comenzado en el s. XV y destruido por un rayo que provocó un pavoroso incendio.

Lo realiza entre 1847-1865  Gaetano Baccani de 78,45m.

 

El Crucificado

Que pende en la capilla mayor es del Maestro di Figline,  el realizado para esta capilla fue el de Cimabue que hoy está en la sacristía.

El políptico

Fruto de una recomposición hecha con una Madonna central de Niccolò Gerini rodeada de los Doctores de la iglesia de Giovanni del Biondo y de otro pintor desconocido, pues el políptico original, obra de Ugolino di Nerio, se perdió!!!

La Sacristía de Santa Croce.

Los Frescos de La pasión y la Resurrección de  Taddeo Gaddi-

El relieve de la Anunciación (1435) de Donatello en piedra arenisca encargado por Cavalcanti,  bellisima obra en la nave derecha y de Benedetto da Maiano  un púlpito de mármol del siglo XV que figura entre sus máximas creaciones.

Una maravilla de artistas todos ellos!!!

Giotto (sus frescos en la capilla Bardi y en la capilla Peruzzi (1320-1325)), Taddeo Gaddi, Bernardo Daddi, Maso di Banco (que pintaron las capillas Baroncelli, Pulci-Berardi y Bardi di Vernio). En la capilla del Noviciado, construida en 1445 por Michelozzo, es un retablo que representa a la Virgen con el Niño y los santos de Andrea della Robbia (1495).

Algunas celebridades más…

 Lorenzo Ghiberti, Luca Della Robbia,  Bronzino, Michelozzo, Domenico Veneziano, , Giuliano da Sangallo,  Antonio Canova.

Trabajaron para las decoraciones de Santa Croce: Andrea Orcagna, Giovanni da Milano, Niccolò di Pietro Gerini y Agnolo Gaddi (capilla mayor de los Alberti), y incluso artistas modernos como: Libero Andreotti escultor y ceramista 1875-1933, Antonio Berti- 1904-1990-escultor (hizo el monumento a Foscolo), Pietro Parigi – Xilógrafo -1892-1990…

Como convento, ofreció hospitalidad a los personajes más célebres de la historia de la iglesia los ahora santos:  Buenaventura,  Antonio de Padua, Bernardino de Siena,  Luis de Anjou, obispo de Toulouse. También, como lugar de retiro y reposo para varios papas: Sixto IV, Eugenio IV, León X, Clemente XIV.

 Santa Croce, con su arquitectura gótica imponente, sus maravillosos frescos, retablos, preciosos vitrales y sus numerosas esculturas,  representa una de las páginas más importantes  y gloriosas de la Historia del Arte florentino desde el siglo XIII.