Románico – Gótico

El bello claustro de la Catedral de Tarragona

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Existe polémica cronológica del conjunto, pero sea cual fuera su datación, entrar en el excepcional claustro de Tarragona supone entrar en la fabulosa Edad Media.

El 21 de marzo de 1118 el Pontífice Calixto II †1124) nombró arzobispo de Tarragona a Oleguer †1137, obispo de Barcelona, imponiéndole la obligación de iniciar una cruzada junto con los nobles catalanes para restaurar la metrópolis tarraconense, en manos de los musulmanes.

Entonces… Ramon Berenguer III †1131 le donó el Camp de Tarragona, la ciudad y la ecclesiae sedis Tarrachonensis que había sido fundada in honore beate Tecle virginia conforme a la documentación.

En 1125 llegaron a la Ciudad Condal tropas procedentes del sur de Francia, Normandía, Provenza, Italia y Sicilia para participar en la recuperación de Tarragona.

Uno de sus caudillos, Robert Burdet o d’Aguiló †1155), fue proclamado princeps Tarraconensis el 14 de marzo de 1129, nombramiento que produjo multitud de conflictos políticos y sociales, fue 1131 Inocencio II cuando hizo un llamamiento a los ciudadanos para que contribuyesen a sufragar los gastos de la fábrica, según la primera referencia documental que nos habla del templo.

El obispo Bernat Tort †1163 quien, el 30 de octubre de 1154, instituyó en ella, una comunidad regular de agustinos según los usos y costumbres de San Rufo, la dotó de una fortaleza y concedió dinero ad opus ecclesiae incipiendum et ad oficinas canonicae faciendas. Apoyaron prelados, canónicos, reyes, nobles, barones y particulares con sus copiosas donaciones.

El claustro

Planta casi cuadrada, difiere profundamente de los claustros catedralicios y monásticos precedentes en la zona de Cataluña, se asemeja a construcciones cistercienses, o sea, en un arco apuntado abarcante de un orden inferior compuesto de tres de medio punto.

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Según Puig i Cadafalch, el plano de la catedral Tarragona responde a un tipo bastante extendido sobre todo en la Francia septentrional Normandía ligada a los monjes benedictinos, con características de grandes ábsides y un crucero de grandes dimensiones. El císter aportó además las soluciones tecnológicas para la sustentación de los edificios como el arco apuntado o la bóveda de crucería, aquí presentan la combinación de la arquitectura románica con elementos góticos.

La decoración escultórica constituye otro de los aspectos destacables de este claustro y significativos a la hora de definir el arte de su época.

Capiteles, cimacios, ménsulas y claves de bóveda con amplio desarrollo decorativo y algo más los óculos decorativos de diferentes calados y arquillos heptalobulados que recorren el muro bajo la cornisa, de clara influencia hispanomusulmán.

Algunos capiteles historiados

Relativos al Antiguo y Nuevo Testamentos y a los Evangelios apócrifos, las fuentes patrísticas, o la Leyenda Dorada.

A través de su lectura, contemplamos la Historia de salvación …y algo más

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Adán y Eva

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Cain y Abel-muerte de Abel

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 José y sus hnos.

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El sacrificio de Isaac-

Escenas de Adán y Eva, Caín y Abel, Abraham e Isaac, y José.

La Caída del hombre junto con sus consecuencias es acompañado por dos prefiguras de la vida de Cristo, en concreto de su muerte redentora. Dos pares de capiteles de la galería septentrional contienen representaciones de la infancia y vida pública de Jesús, resurrección de Jesucristo, en un claro juego de paralelismos tipológicos.

Claustre de la catedral de Tarragona
Los Pastores
Claustre de la catedral de Tarragona
La epifanía

Claustre de la catedral de Tarragona
presentación en el templo

Claustre de la catedral de Tarragona
Jesús entre los doctores

Y otro tipo de figuración como escenas de juglaría, de lucha, entre personajes, animales o monstruos, etc. los meses del año representando sus «trabajos»

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A destacar el cimacio que presenta los trabajos de los meses del año, sobrepuesto a dos de los capiteles de la vida de Cristo.

En el marco apaisado de los cimacios, los más originales del claustro: las fábulas, y que sirven sin duda como advertencia ante los peligros de las tentaciones y engaños preparados por el demonio…

Claustre de la catedral de Tarragona
La Procesión de las ratas llevando al gato debajo gallos y gallinas

El zorro y el gato éste en el célebre «Processió de les Rates» que ya llamó la atención al padre Villanueva en su «Viage literario a las iglesias de España», son algunos de los motivos más populares del claustro tarraconense.

Numéricamente, el repertorio vegetal predomina en los capiteles, palmas y otros motivos en clara intención por la variedad.

Diversas referencias documentales han hecho suponer que estaría realizado durante la época del arzobispo Aspáreg de la Barca 1215-1233.

Historias y leyendas

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El registro central está presidido por la figura de san Pablo, con la santa Tecla patrona de Tarragona a su derecha.

El llamado Mestre del frontal de Sant Pau y Santa Tecla

Composiciones abigarradas, ciertos esquemas geométricos y seres zoomórficos, los componentes que acercan frontal y parte sustancial del claustro.

Respeta al espíritu del 1200, comienza el sentido del movimiento, mayor verosimilitud en los gestos y actitudes de los personajes, así como el interés puesto en la expresión y rasgos faciales de algunas figuras destacadas, claras diferencias establecidas con respecto al románico pleno, e incluso de otras obras del primer tercio del siglo XIII.

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Los capiteles, con decoración vegetal, animal, fantástica e interesantes escenas narrativas centradas en el Génesis, la Vida y Pasión de Jesucristo, la Vida de san Nicolás de Bari, también temas legendarios, como luchas de guerreros o atlantes, y temas morales, como la representación de pecados como la lujuria, todas con un tratamiento más propio del románico a pesar de lo avanzado de la época.

Su localización parece ligada a los actos litúrgicos que tenían lugar en este ámbito.

Otro detalle para indagar las rejas

Son los pocos, quizás el único, claustro que tiene rejas.

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El enrejado se instaló a finales del siglo XVI, 400 años después de que empezara a construirse el claustro. Una decisión drástica debido a un desgraciado accidente: unos niños entraron al jardín para llevarse unas naranjas y un criado de la curia, al intentar frustrar el robo, tiró una piedra y un niño murió.

Estas se colocaron por el año 1572 culminando dos años después.

Aparte de la polémica histórica de la datación del «Claustro» se sumó el de Quitar o dejar las «Rejas»…

y comenzó la polémica…

Manuel Fuentes canónigo archivero de Archivo Diocesano sostiene

«Este hecho forma parte, como tantos otros, de la historia de la catedral, que es un monumento vivo»,

Para él, las rejas «son un elemento único de la catedral de Tarragona que permite explicar historias que humanizan el espacio y hablan de muchas más cosas».

«El claustro se hizo sin las rejas que lo encierra», mantiene Antonio Martínez Subías, responsable del Patrimonio artístico y documental de la catedral.

Sin lugar a dudas es un espacio neurálgico de la vida catedralicia, abierto hacia el cielo y con el jardín que reúne elementos fundamentales, agua y vegetación, mantenidos desde del siglo XIII.

El canónigo Martínez Subías es partidario de retirar las rejas para devolver a este espacio su estética original, para verlo de nuevo tal y como fue concebido.

Por la otra… el enrejado que forma parte de este espacio y de la historia de la catedral desde 1574. Los documentos que certifican el desgraciado accidente y la posterior reacción se conservan en el Archivo Diocesano.

El debate está abierto…

Pero ha surgido un grave inconveniente para el archivero Fuentes… fue denunciado por «abusos» cometidos hace dos décadas…el asunto …llegó al Vaticano.

Nobeles de letras… polémicos

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El premio Nobel de Literatura lo otorga cada año la Academia Sueca de Literatura a la mejor obra literaria en todo el mundo. Concretamente, el primer jueves de octubre.

Es el premio de literatura más antiguo de la historia, y uno de los más prestigiosos, también de los más polémicos, pues a lo largo de la historia, muchos de los mejores escritores de la historia se han quedado sin ganarlo, como es el caso de:  Rubén Darío, Marcel Proust, Vladímir Nabókov, Franz Kafka, Jorge Luis Borges, Augusto Roa Bastos, León Tolstói, Émile Zola, Henrik Ibsen, Paul Valéry y César Vallejo son algunos ejemplos.

Los candidatos al Premio Nobel de Literatura proceden de todas las partes del mundo, y son seleccionados por academias, sociedades literarias y presidentes de organizaciones de escritores. Un autor nunca puede presentarse a este premio por voluntad propia. En octubre, tras la votación, es escogido al ganador. El «Nobelado» recibe un diploma, una medalla y una recompensa económica que ha variado según el año de la entrega.

Se entrega todos los años en la Sala de Conciertos de Estocolmo, en Suecia.También es sede de la Real Orquesta Filarmónica de Estocolmo -Kungliga Filharmonikerna.

Tras esta ceremonia se procede a un banquete en el Ayuntamiento. Mientras que la fecha de la premiación ha sido fijada cada 10 de diciembre en conmemoración a la fecha del aniversario de la muerte de Alfred Nobel.

Este premio es entregado por el rey de Suecia. En sus inicios el entonces rey Óscar II se rehusaba a entregar el premio a extranjeros, pero fue la idea del «potencial publicitario del evento», lo que les hizo cambiar de opinión.

René Sully Prudhomme, -1901

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Poeta y ensayista francés, fue el primero en ganar el Premio Nobel de Literatura en 1901. Entonces recibió de recompensa de 150.782 coronas suecas.

Fue uno de los pocos artistas que se manifestó abiertamente a favor del proyecto de la Torre Eiffel en 1889 modificando su opinión inicial contraria la obra.
Sully Prudhomme ocupó el sillón 24 de la Academia Francesa, en el que también se han sentado personalidades destacadas como el escritor y ensayista Jean de la Fontaine y el matemático y físico Henri Poincaré.

Fundó la Sociedad de los Poetas Franceses, defendió al Capitán Dreyfus en el polémico caso en el que fue acusado de traición y ocupó el sillón 24 de la Academia Francesa, desde 1881. Obtuvo el primer Premio Nobel de Literatura, en 1901.

Su elección fue polémica: el candidato a quedarse con la distinción en realidad no era otro que el ruso León Tolstoi, autor de La guerra y la paz. Pero uno de los jurados opinó que «este escritor apoya el anarquismo, sostiene opiniones religiosas excéntricas y, para colmo, dice que los premios en dinero perjudican a los artistas». Ni Tolstoi, ni Émile Zola

Pese al desacuerdo general, entre ellos el de August Strindbger, la Academia eligió a Prudhomme.

Había publicado Stances y poemes; Les solitudes, Impresiones de la guerra (sobre sus experiencias en la guerra franco prusiana); Les destins y Les vains tendresses. La ceremonia fue el 10 de diciembre en la Real Academia Sueca de la Música, pero el escritor francés estaba enfermo y no pudo asistir. Pocos libros de él se ven por no decir ninguno.

En octubre, tras la votación, es escogido al ganador. El «Nobelado» recibe un diploma, una medalla y una recompensa económica que ha variado según el año de la entrega. recompensa de 150.782 coronas suecas, eso fue en 1901.

 Rubén Darío, Marcel Proust, Vladímir Nabókov, Franz Kafka, Jorge Luis Borges, Augusto Roa Bastos, León Tolstói, Émile Zola, Henrik Ibsen, Paul Valéry y César Vallejo son algunos de los tantos ejemplos.

Giosuè Carducci– 1835–1907

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Escritor italiano, fue un erudito, editor, orador, crítico y patriota que se desempeñó como profesor de literatura en la Universidad de Bolonia de 1860 a 1904. Recibió el Premio Nobel de Literatura de 1906 «no solo en consideración a su profundo aprendizaje e investigación crítica, pero sobre todo como un tributo a la energía creativa, la frescura del estilo y la fuerza lírica que caracterizan sus obras maestras poéticas «.

Opuesto al papado, a la monarquía y al sentimentalismo que dominaban la literatura italiana de su tiempo, fue el primer poeta que adaptó con éxito los metros clásicos latinos a la poesía italiana moderna, algo que también intentaría realizar en el ámbito hispanohablante Rubén Darío. En toda su obra son notorias la afirmación de su personalidad, su rebeldía e inconformismo.

Obra destacada: Intermezzo

Paul Johann Ludwig Heyse– 1830–1914

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Alemán, novelista, poeta y dramaturgo. Recibió el Premio Nobel de Literatura de 1910 «como un tributo al arte consumado, impregnado de idealismo, que ha demostrado durante su larga y productiva carrera como poeta lírico, dramaturgo, novelista y escritor de cuentos de renombre mundial».

Fue, asimismo, un poeta muy reconocido en su tiempo, aunque en la actualidad sus numerosas composiciones líricas no ofrezcan mayor interés que el resto de la producción estereotipada de los autores románticos alemanes carentes de inspiración original. Algo semejante ocurre con las sesenta obras teatrales que llegó a escribir este prolífico humanista.

Obra destacada: L’Arrabbiata-«La furia», 1853, publicado en 1855

Knut Hamsun, 1920

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Nacido en Noruega en 1859, junto a August Strindberg, Henrik Ibsen y Sigrid Undset formó parte de un cuarteto de escritores escandinavos que logró reconocimiento mundial durante la primera mitad del siglo XX. Sin embargo y aunque su obra está considerada una de las más influyentes del siglo pasado en las letras nórdicas, su popularidad se vio diezmada por su abierto apoyo al régimen nazi y a Adolf Hitler.

Vivió en Estados Unidos y escribió La vida espiritual de la Norteamérica moderna -1889, donde dejó polémicas frases como “los negros son y seguirán siendo negros, una incipiente forma humana de los trópicos, órganos rudimentarios en el cuerpo de la sociedad blanca. En vez de fundar una élite intelectual, Estados Unidos ha establecido un criadero de mulatos”.

Su novela más conocida es Hambre -1888, una narración con tintes autobiográficos sobre el hambre, la pobreza y la locura de un periodista atormentado.

Obtuvo el Premio Nobel en 1920 “por su monumental trabajo, La bendición de la tierra”.

En 1929, con motivo del 70.º aniversario de Hamsun, se editó una miscelánea en la que varios de los escritores más reputados de la época, como Thomas Mann ,quien le describió como «descendiente de Fiódor Dostoievski y Friedrich Nietzsche» y dijo que nunca se había concedido el premio Nobel a una persona más merecidamente. Maxim Gorki, André Gide, John Galsworthy y H. G. Wells lo homenajearon como a un maestro.

Isaac Bashevis Singer, en el prefacio de una edición estadounidense de Hambre, dice que Hamsun «es en todos los sentidos el padre de la literatura moderna —con su subjetividad, su impresionismo, su uso de la retrospectividad, su lírica […] toda la literatura moderna de nuestro siglo se puede remontar hasta Hamsun».

Hamsun también fue una importante influencia para escritores como Franz Kafka, Stefan Zweig, Hermann Hesse y los estadounidenses Ernest Hemingway, quien afirmaba que «Hamsun me enseñó a escribir»; Henry MillerPaul Auster, John Fante y Charles Bukowski, quien le consideraba «el mayor escritor que ha vivido jamás».

Hamsun fue castigado en su país: se quemaron sus libros y una multa económica que lo dejó en la miseria. Murió en 1952.

La bendición de la tierra, Por senderos que la maleza oculta, Trilogía del vagabundo y El círculo se ha cerrado son algunos de sus libros que pueden conseguirse en la actualidad.

Frans Eemil Sillanpää, 1939

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Finlandés 1888-1964 Su estilo narrativo simple, naturalista y poético –influido entre otros por Knut Hamsun y Maurice Maeterlinck le valieron el Nobel en 1939 “por su profundo conocimiento de los campesinos de su país y el arte exquisito con el que ha retratado su forma de vida y su relación con la naturaleza”.

fue el primer escritor finlandés galardonado con el Premio Nobel.

Hijo de granjeros, los padres lo enviaron a estudiar a Tampere, donde subsistió gracias a la ayuda económica de un benefactor. Cursó luego estudios de ciencias naturales en la Universidad de Helsinki, pero en 1913 regresó a su región natal, contrajo matrimonio y decidió dedicarse exclusivamente a la literatura; un cuento enviado a un periódico de la capital significó el comienzo de su carrera literaria.

Los temas de sus obras se enfocan en los campesinos finlandeses y el hombre como ser natural e instintivo. Escribió desde HämeenKyrö, el pequeño pueblo finlandés en el que nació en 1888. Su obra maestra es Santa miseria 1919 y sobre la Guerra Civil finlandesa de 1918.

Entre sus obras, figuran El destino del hombre -1932, Hombres en la noche estival 1934 y su libro de memorias El hijo ha vivido su vida. Casi no se consiguen libros suyos.

Halldór Laxness, 1955

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Escritor, ensayista y poeta nacido en Islandia en 1902 es considerado como el más importante de los autores contemporáneos de su país. El gran tejedor de Cachemira 1927 es su novela más importante y fue escrita a partir de su conversión al catolicismo, seguida por su decepción con la Iglesia.

Al terminar la Primera Guerra Mundial, viajó por Europa interesado en diversos movimientos artísticos e intelectuales, que terminaron influyendo en su obra.

En 1955 se quedó con el Premio Nobel de Literatura, «por su vívido poder épico con el que ha renovado el gran arte narrativo de Islandia».

Gente independiente -1934, sobre un pastor que tarda tres décadas en convertirse en propietario de una granja, es su mejor novela, la que lo consagraría con el Nobel casi dos décadas más tarde. Es también la obra que lo puso en la mira del FBI-como el libro fue un suceso editorial tanto en Islandia como en Estados Unidos, temerosos de que las ganancias financiaran acciones comunistas. Por su apoyo al comunismo durante la guerra fría, fue un personaje controvertido en su país. Murió en 1998, a los 95 años. Su casa en Gljúfrasteinn es ahora un museo estatal.

Paraíso reclamado 1960, El concierto de los peces 1957 y Campanas de Islandia son algunos de sus títulos salientes, difíciles de conseguir por estas tierras.

Boris Pasternak. 1890-1960

Recibió el famoso galardón en 1958

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Ya en 1933, Boris sin ser un hombre político, se atrevía a condenar las similitudes entre nazismo y comunismo decía: ‘Estos dos movimientos actúan como un tándem y tienen las mismas características….’ . 

En 1955 Pasternak, conocido por el lector ruso por su poesía, finaliza su única novela. prohibida por la extinta URSS que la tacha de trabajo antisoviético, el autor no se resigna. Se afirma que el manuscrito de Doctor Zhivago fue escondido por la poetisa uruguaya Susana Soca, amiga de Pasternak, hasta poco antes de su publicación en Occidente.  La editorial italiana Feltrinelli llevan el manuscrito de contrabando a Milán, donde el editor anuncia su inminente aparición.

Uno de los Nobel más tristes en la historia de la Academia Sueca.

En principio el autor ruso aceptó el premio, pero ante las presiones de carácter político y amenaza de expulsión por parte del gobierno comunista, el escritor terminó rechazando el galardón sueco.

La publicación de la controvertida novela, Doctor Zhivago, provoca la expulsión del autor de la Unión de Escritores Soviéticos al año siguiente.

Traducida a 18 idiomas, David Lean la adaptó al cine en 1965.

La novela Doctor Zhivago tuvo que esperar hasta 1988 para ser publicada en la Unión Soviética, gracias a la llegada de la Perestroika de Gorbachov. En 1989, su hijo Yevgueni fue autorizado para recibir el Premio en nombre de su padre.

Yorgos Seferis 1900 -2971

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Poeta, ensayista y diplomático griego que consiguió el Premio Nobel de Literatura en 1963, el primero de su nacionalidad en lograrlo. «por su eminente escritura lírica, inspirada en un profundo sentimiento por el mundo de la cultura helénica».

Seferis estuvo muy influido por Constantino Cavafis, T. S. Eliot y Ezra Pound.

En 1967 se pronunció en contra de la dictadura establecida por el general Papadopoulos, llegando a ser popular entre los jóvenes griegos.

Seferis, considerado el poeta griego más importante de la generación de la preguerra de los años treinta. En su obra destaca su amor y nostalgia por el Mediterráneo y su ciudad natal, Esmirna.

Obra destacada: El zorzal

Jean-Paul Sartre 195-1980

Premio Nobel 1964

El 14 de octubre de 1964 Jean-Paul Sartre escritor y filósofo francés, contactó con la Academia Sueca pidiendo que no se le concediera el premio. A pesar de su petición, se le otorgó el Premio ‘por su estilo imaginativo y espíritu de independencia y libertad en la lucha por alcanzar la verdad’

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Jean Paul-Sartre, después de rehusar el Premio, publicó en el periódico francés un anuncio donde manifestaba que el Nobel de Literatura es un galardón político y que se niega a ser institucionalizado por el Oeste o Este. “Un escritor que adopte posiciones políticas, sociales o literarias debe actuar solo con sus propios medios, esto es, el mundo escrito. Todos los honores que pueda recibir exponen a sus lectores a una presión que no considero deseable. Si firmo Jean-Paul Sartre no es lo mismo que si firmo Jean-Paul Sartre, ganador del Premio Nobel de Literatura”.

Esto desató una polémica de aquellas, donde el escritor recibió los más duros insultos.

William Golding- 1911–1993

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Si bien la obra más conocida del escritor británico es el cuento de «El señor de las moscas « considerado un clásico, debido a la naturaleza problemática de su contenido, sin embargo, se ha prohibido el libro en numerosas ocasiones.

El estilo del autor se sustentó en la revelación de la parte más oscura del ser humano y en el análisis de la civilización occidental, descubriendo el manto de hipocresía o, peor aún, la inevitable naturaleza del Mal.

Su fama se duplicó con las versiones cinematográficas, entre ellas la de Peter Brook en 1963.

Puede ser leída como una reflexión metafísica del ser humano o como una evaluación del fascismo contemporáneo.

Recibió el Premio Nobel de Literatura de 1983 «por sus novelas que, con la perspicacia del arte narrativo realista y la diversidad y universalidad del mito, iluminan la condición humana en el mundo de hoy».

Obra destacada: El señor de las moscas

Orhan Pamuk- 1952–

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El novelista, guionista y profesor de literatura y escritura comparada de la Universidad de Columbia, recibió el Premio Nobel de literatura en 2006: «quien en la búsqueda del alma melancólica de su ciudad natal ha descubierto nuevos símbolos para el choque y el entrelazado de culturas». Sus controvertidas obras han sido prohibidas en su Turquía natal.

Tuvo un gran problema con su país luego de que en el año 2005 asegurara que el gobierno de su país fue responsable de masacrar un millón de armenios y 30.000 kurdos en el año de 1915. El caso provocó tanto estupor internacional que escritores de gran peso firmaron una declaración de apoyo a Pamuk acusando al Gobierno turco de no violar los derechos humanos.

El juicio fue aplazado y en enero de 2006 el Ministerio de Justicia turco promovió el archivo definitivo de la causa. Estuvo amenazado de muerte por integristas islámicos, por ello volvió a Estados Unidos temporalmente.

Obra destacada: Estambul

Bob Dylan- 1941

Una de las figuras más prolíficas e influyentes en la música popular del siglo XX y de comienzos del siglo XXI. ​ ​

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Ganador del Premio Nobel de Literatura el 2016.El 13 de octubre de 2016, por «haber creado una nueva expresión poética dentro de la gran tradición de la canción estadounidense».

El cantante americano Bob Dylan recibió el Nobel de Literatura algo parecido pasó con Churchill, decisión que fue criticada apelando y con razón, que la literatura y la política no deben mezclarse

Nobel de Literatura 2018

Otro hecho que motivó polémica fue que en 2018 no hubo premio Nobel de Literatura.

Debido a problemas serios con miembros de los Jurados se suspendió la elección del Novel de Literatura…

2018 año suspendido pero… entregado el premio el año siguiente.

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«Teresa Dieç me fecit»

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El nombre de Teresa Díez aparece inscrito en unas pinturas murales «al fresco seco» procedentes del coro del Real Monasterio de Santa Clara de Toro -Zamora- España.

La reconstrucción de este monasterio fue impulsada por la reina Doña María de Molina, esposa del Rey Sancho IV, y Señora de Toro concluida alrededor de 1316.

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«Mujeres iluminadoras«

La historia del arte ha silenciado a muchas figuras femeninas… se admite que en el siglo VIII abadesas de ilustradas familias nobles dirigían escritorios donde se iluminaban y copiaban manuscritos.
Esta certeza la podemos corroborar con Ende, quien colaboro en las miniaturas del Beato de la Catedral de Gerona donde se cita “Ende Pintrix at Dei autrix” –Ende pintora y sierva del Señor– considerando la época que fuera era reconocida.

El “Beato de Gerona” es uno de los libros manuscritos más valiosos que se conservan del siglo X y el único ilustrado por una mujer: Ende, pintora y sierva de Dios en colaboración con el monje Emeterio.

Copia ilustrada con imágenes de los “Comentarios al Apocalipsis” del Beato de Liébana. Terminado en el 975 y desde 1078 se guarda en la Catedral de Santa María de Gerona.

Teresa Díez

En general se tiende, aún hoy, a restarle importancia a la labor de las mujeres en la Edad Media.

Teresa Díez, activa por 1316 en Toro, no sólo realiza un oficio de varones, sino que además dejó su impronta en los muros del templo del recién restaurado Monasterio.

Joaquín Yarza Luaces 1936-2016- historiador del arte español en su obra dice:

«…para la mentalidad medieval es más importante el cliente que el artista. Esto se debía a un problema de condición social pues en incontables ocasiones no firmaban su obra mientras el promotor correspondiente se congratulaba en hacerlo debido a que este último pertenecerá al estamento privilegiado mientras que el
realizador pertenecerá al estamento de los que trabajaban con sus manos, o sea, esto es como tantas veces se ha dicho, eran artesanos que no artistas. Utilizamos este último término pero no tendría sentido para la gente medieval pues nada los distinguía de un zapatero, sastre o curtidor de pieles”.

Ocultas tras la sillería del coro y bajo la cal, las pinturas fueron descubiertas casualmente… Una religiosa del convento en 1952 limpiando vio caer parte del encalado del muro. La sorpresa fue mayor cuando vio aparecer, unas pinturas hermosas que resultaron del ciclo pictórico dedicado a Santa Catalina de Alejandría.

Siempre hubo constancia de la existencia de pinturas murales, partes de ellas nunca se ocultaron. Estas fueron compradas a las religiosas por la Dirección General de Arquitectura, pasadas a lienzo en 1962 y depositadas en 1977 en la iglesia de San Sebastián de los Caballeros de Toro.

La obra

De estilo gótico-lineal o franco-gótico y enmarcados en cenefas al modo de tapices, comprenden:

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Un ciclo evangélico -del que solo están íntegras las escenas correspondientes a la Epifanía, el Bautismo de Cristo y la Aparición de Cristo a la Magdalena –‘Noli me tangere’.

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La historia de santa Catalina de Alejandría en veintiún compartimentos conservados​

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Un ciclo dedicado a Juan el Bautista, formado por die compartimentos, y algunos otros pequeños fragmentos.

Notable

Teresa Díez, sigue siendo un enigma porque no se ha encontrado ninguna noticia documental.

Estos frescos estaban en un lugar de acceso restringido, no a la vista pública, pertenecían a la comunidad religiosa de Teresa Díez posible monja de clausura de alto rango no teniendo por ello que renunciar a los vínculo de la nobleza como lo atestigua su escudo.

La controversia

Tomando como punto de partida lo que llamamos «firma» o inscripción en latín localizada en las pinturas murales del monasterio, ha sido tenida por «pintora activa» en la provincia de Zamora en la primera mitad del siglo XIV influida por la escuela salmantina.

La otra «posición» se basa en «la mentalidad medieval» y la importancia de los promotores de las obras artísticas, la firma pudiera corresponder a quien financió los murales y no a su autor.

Pinturas de su autoría se encuentran en el testero de la iglesia de Santa María de La Hiniesta– Zamora -Comunidad de Castilla León, ocultas por el retablo mayor.

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La iglesia de San Sebastián de los Caballeros se encuentra en la Plaza de la Paja de la ciudad de Toro-Zamora. Fue parroquia desde principios del siglo XII hasta 1896.

Su primera edificación era de ladrillo, de estilo románico-mudéjar. En el siglo XVI fue reconstruida a expensas del famoso Cardenal Fray Diego de Deza, profesor de Salamanca, precepto del príncipe don Juan, hijo de los Reyes Católicos, Inquisidor General, Arzobispo de Sevilla y protector de Colón para más datos.

En la actualidad, Museo sacro, albergan los frescos que fueron hallados en el Real Monasterio de Santa Clara firmados por Teresa Díez. Hecho que provocó que se la catalogara como: «las primeras obras pictóricas de arte español firmadas por una mujer o la promotora avalándolo su escudo de armas«.

Artísticamente el análisis de las obras, corresponden cronológicamente a la fase del llamado gótico-lineal o franco-gótico.

En la aparición de Cristo a Magdalena, escogió el momento crucial en el que «es a una mujer» a la que primero se le aparece Jesús resucitado.

Desconoce la perspectiva, las figuras se mueven en dos dimensiones, cuando se tiene que representar muchas figuras la dificultad de insertarlas en un marco reducido se resuelve recurriendo a la isocefalia y perspectiva escalonada, como en la época románica, predomina el naturalismo, cierta ternura y proximidad a la vida cotidiana histórica del momento.


Se aprecia un claro predominio de mujeres, y a ellas les dedica su obra.

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Detrás de «Noli me tangere» … quien mata al dragón -el diablo- es Santa Marta, y no San Jorge, el santo caballero medieval.

El «tarascón» o la «tarasca» el famoso dragón de santa Marta fue un personaje muy popular en la antigüedad… presente en muchas representaciones artísticas como símbolo del mal, siendo parte integrante de muchas procesiones -especialmente el día del Corpus Christi y fiestas populares españolas.

Teresa Díez ofreció sencillamente a su comunidad, un legado pictórico de gran valor tanto artístico -moral representando las virtudes cristianas concretadas en Santa Catalina como modelo de intercesión entre la comunidad y Dios.

Santa Catalina pudo ser una suerte de Palas a la que sin duda en algún momento los cristianos asimilaron con la no menos celebre filosofa alejandrina Hypatia.

Es posible que Teresa fuese una mujer noble con alto grado de educación dejando en sus pinturas un: “exemplum virtutis” para la comunidad.
El tema del ciclo es Santa Catalina de Alejandría, siguiendo a Louis Réau -1881 – 1961 Historiador e iconógrafo del arte francés, quién contó por primera vez en el Menologio de San Basilio esta historia de Santa Marta y fue popularizada en Occidente por la Leyenda Dorada de Jacobo de la Vorangine.

El libro de la historia del gótico en Castilla y León dice de esta época:

“…como una mezcla ecléctica, amanerada, de formas de maestros florentinos y sieneses y de los pintores góticos franceses, que dio como resultado unas pinturas de figuras elegantes, de movimientos suaves, rostros de rasgos menudos y paños movidos en líneas curvas muy rebuscadas y en cuya formación no hay que olvidar la influencia de los miniaturistas”. Características que cumple a la perfección los trabajos de Teresa Díez.


Todo esto lo pudo poner en práctica solo una persona de profundos conocimientos y formación de forma plausible salvando los posibles problemas de la clausura… quizás hasta tuvo un taller, explicando así su vinculación estilística con otras pinturas de la zonas zamoranas y salmantinas, como por ejemplo la iglesia de la Virgen de la Hiniesta o en el semi destruido San Pedro del Olmo

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El perfeccionismo del «Emperador»

Reconocido como «Tenno«, «El Emperador«, por su estilo para lograr el efecto visual deseado.

Un innovador …un genio total… y poco vista es su obra.

Akira Kurosawa -Tokio 1910-1998

“Llevo tanto tiempo trabajando porque siempre pienso: la próxima vez haré algo muy bueno”.

Akira Kurosawa

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Descendiente de auténticos samuráis, Kurosawa empezó su relación profesional con el cine en 1938, cuando se interesó por un programa de aprendiz de director organizado por el mítico Toho, de donde sale Godzilla.

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Tras trabajar como asistente de su compatriota Kajiro Yamamoto, en 1943 tiene su primera gran oportunidad dirigiendo ‘La leyenda del gran judo’ Sugata Sanshiro’, que obtuvo un gran éxito de público.

Nada gloriosos sus inicios marcados por la segunda guerra mundial y el control del gobierno japonés de entonces.

Akira Kurosawa

Se convirtió en el maestro estudioso, minucioso más grande de todos los tiempos, en un referente cultural mundial, dejando su huella con su muy estilo particular de filmar la grandes multitudes, con el excelente uso de los elementos naturales: como el agua, el viento, el fuego, humo en sus escenas que lo colocaron entre los grandes del cine.

Es el que no olvida detalle, el que se compenetra con su obra. En 1965, tras el estreno de «Barbarroja», se le preguntó qué proyecto tenía y respondió: «Quitarme de la cabeza el de «Barbarroja», que me llevó años pensarlo, escribirlo y realizarlo, y que quizá me ocupe otro par de años para disiparlo de mi cabeza».

Kurosawa decía que no importa en la historia a contar ni el ropaje ni la época sino destellos de humanidad de la obra: la aventura de «Kagemusha», en el medievo nipón, el dolor ennnoblecido por el placer, en la maravillosa «Vivir» («Ikuru»), recordable drama sobre el enfermo terminal.

“Durante el rodaje pueden ocurrir cosas inesperadas que produzcan un efecto sorprendente. Cuando pueden ser incorporadas en la película sin romper el equilibrio, el conjunto resulta mucho más interesante”

Akira Kurosawa

No le fue fácil porque era un exquisito con la perfección…

En Rashōmon, Kurosawa empieza a ser conocido y venerado internacionalmente. Aquí tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. Fue ganadora del León de Oro en la Mostra de Venecia y de un Oscar honorífico dicen… que fue la razón de crear la categoría de “mejor película de habla no inglesa”.

En Kimonosu joTrono de sangre, en la que Toshirō Mifune es alcanzado por las flechas, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a unos centímetros del cuerpo del actor.

En Ran, Caos -hizo construir todo un castillo en las laderas del monte Fuji para quemarlo en la escena clímax de la película.

El perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o eliminar el tejado de una casa para tener que reponerlo después porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren.

“Comienzo haciendo los ensayos en los camerinos de los actores, cuando ya llegan el vestuario y el maquillaje. Primero repetimos las frases, y luego introducimos los movimientos. Luego se repite en el plató, y se ensaya también con las luces y con todo. La meticulosidad de estos ensayos hace que luego el tiempo real de rodaje sea muy corto”.

Akira Kurosawa

Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho restaba autenticidad al personaje. Para solventarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente. En algunos casos, como en Shichinin, Los siete samuráis, el reparto estaba formado por granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje.

Kurosawa también pensaba que una música «acabada» no encajaba en el cine.

“Desde el momento que comienzo a dirigir una película, no solo pienso en la música, sino también en los efectos de sonido en cada momento. También en algunas películas utilizo diferentes temas musicales para cada personaje o grupo de personajes”.

Akira Kurosawa

Sus bandas sonaras, las de ‘Yojimbo’ y ‘Los siete samuráis’, solía comenzar con una melodía muy primitiva e ir sumando instrumentos, sonidos conforme avanzaba la película, como si la música se fuese construyendo con el avance del largometraje. Únicamente al acercarse el final de sus películas se escucha música más «acabada».

«Me gustan y me han gustado siempre las películas mudas. Con frecuencia son mucho más bellas que las sonoras. De todos modos quise restaurar algo de su belleza. Recuerdo que lo pensé así: Una de las técnicas de la pintura moderna es la simplificación; por lo tanto, debo simplificar este filme»
Akira Kurosawa (1991)

Excelentes guiones…

“Puede que sólo puedas escribir una página por día, pero si lo haces todos los días, te encuentras al final de un año con 365 páginas de un guion”.

Akira Kurosawa

Un aspecto notable de las películas de Kurosawa es la amplitud de sus influencias artísticas. Sus películas son adaptaciones de obras de William Shakespeare: Ran está basada en El rey Lear, y Kimonosu-jo ,Trono de sangre en Macbeth, mientras que Warai yatsu hodo yoku nemuru, Los canallas duermen en paz… ciertos paralelismos con Hamlet, aunque no está claro que se base en ella.

«Soy japonés, y pienso en tanto que japonés, y realizo mis películas con este estado de ánimo. No he estado nunca influenciado por el extranjero. Cuando leí Macbeth, lo encontré muy interesante. Me hacía pensar en muchas cosas. El Japón de la guerra civil y la época de Shakespeare se parecen mucho. Los personajes también. Tomar a Shakespeare y adaptarlo a un contexto japonés no fue demasiado difícil. El «no» es una forma de expresión única en el mundo. Tiene un impacto formidable. Luego si yo no hubiera tomado esta expresión, los personajes no habrían tenido el mismo impacto. Yo adoró el «no» y lo he mirando siempre, luego es normal que me inspire en él»
Akira Kurosawa (1991)

Sus película se caracterizan por un montaje tremendamente ágil que el mismo realizaba, a través de la filmación multi-cámara de las escenas de acción.

“El requisito más importante del montaje es la objetividad. El público nunca sabrá la dificultad que se ha tenido para obtener una toma determinada. Si no es interesante, carece de valor”.

Akira Kurosawa

Fue pionero en utilizar teleobjetivos para poder colocar las cámara muy lejos de la acción, haciéndolas imperceptibles para los actores y agrupando en el achatado aspecto de la imagen a todos los extras, creando el caos en las escenas de batalla.

Sus historias, giran en torno a la relación maestro-alumno y enfrentar a los desfavorecidos contra poderosos.

Solía trabajar con los mismos protagonistas, Takashi Shimura, Tatsuya Nakadai y, sobre todo, el gran Toshiro Mifune, los rostros más reconocibles de sus películas.

Gran influencia en el cine mundial

Y eso que a principios de los setenta Kurosawa parecía condenado al retiro, la industria parecía haber perdido el interés en su trabajo. Cuando su futuro en el cine parecía terminado, un rescate insólito desde el lugar más insospechado: la Unión Soviética. Le ofrecieron la posibilidad de dirigir un nuevo trabajo y pudo recuperar su posición de prestigio en el mundo del cine, marcando el inicio de una gloriosa última etapa en la que estrenó cuatro películas que asombraron por su grandeza a la industria que le había dado la espalda.

Las películas de Akira Kurosawa, todavía inspiran a muchos directores.​ Realizadores como Ingmar Bergman, Federico Fellini, Roman Polanski, Bernardo Bertolucci, Andréi Tarkovski, Martin Scorsese o Quentin Tarantino han manifestado públicamente su admiración y respeto por el director japonés.

También ejercieron como productores de películas: Francis Ford Coppola y George Lucas fueron productores ejecutivos en Kagemusha -1980 y Steven Spielberg y George Lucas produjeron Yume ,Sueños 1990.

“Lo que le distingue del resto es que él no hizo una o dos obras maestras. Hizo, ya sabes, como unas ocho obras maestras”

Francis Ford Coppola

«Las películas de Kurosawa y La Dolce Vita de Fellini, son las cosas que más motivan para convertirte en un director de cine.»
Bernardo Bertolucci

«La Fortaleza Escondida tuvo su influencia en La Guerra de las Galaxias. Cuando empecé a escribir el guión tenía esa película en mente. Recuerdo que lo que más me había sorprendido de ella es que contaran la historia los personajes más humildes.(…) Es difícil apreciar el verdadero genio de Kurosawa. Hace falta ver unas cuantas películas suyas. Comparado con otros tiene un estilo visual único».
George Lucas 2015

Algunas de sus obras

‘Rashômon’ 1950

La película se hizo famosa por su estructura dividida, para mostrar las diferentes versiones de los implicados en el crimen. Quiero suponer que hoy se estudia en las escuelas de cine y de arte en general.

En esta ocasión, Kurosawa nos traslada al siglo XII, donde, bajo las ruinas de un templo, se habla sobre un complicado caso de asesinato.

‘Vivir’ ‘Ikiru’, 1952

Protagonizada por un impresionante Shimura, ‘Vivir’ la reflexión y el cambio de actitud de un veterano y aburrido funcionario, que se da cuenta que ha estado desperdiciando el tiempo cuando se enfrenta al final de su vida. Preciosa, humana y crítica.

‘Los siete samuráis’Shichinin no samurai’, 1954

Japón, siglo XVI. Un pueblo de campesinos está harto de tener que entregar sus cosechas a una banda de ladrones, así que deciden contratar a un grupo de mercenarios para que los defiendan. De más de tres horas, fotografía impresionante. Sencillamente, una de las mayores obras de arte que ha dado el cine.

‘Trono de sangre’ ‘Kumonosu-jô’, 1957
Kurosawa adapta ‘Macbeth’ de Shakespeare, resultando una película fascinante, con uno de los finales más impresionantes de su filmografía.

La fortaleza escondida’Kakushi-toride no san-akunin’, 1958

El Japón feudal del siglo XVI, pero ahora como fondo para un espectacular film de aventuras centrado en un samurái que debe escoltar a una princesa por tierras enemigas. si Akira se proponía hacer algo divertido, rompía el molde una y otra vez.

Una de las películas más famosas. Recibió el Oso de Plata como Mejor Director en el Festival de Cine de Berlín de 1958, Llegó a influir en George Lucas y su saga de ‘Star Wars’.

Yojimbo’ 1961

Con el gran Toshiro Mifune, impresionante. El final es antológico y ha sido copiado en muchas ocasiones.

El infierno del odio’ ‘Tengoku to jigoku’, 1963

Es una película maravillosa, completísima con un gran desenlace, un film de tensión absoluta, un uso exquisito de cómo el punto de vista de cada personaje puede impactar en la narrativa cinematográfica.

‘Barbarroja’ ‘Akahige’, 1965

Relación entre maestro y aprendiz, Mifune, componiendo un personaje inolvidable.

El cazador’Dersu Uzala’, 1975

Basada en las experiencias reales de Vladímir Arséniev, se llevó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, una película humilde, preciosa y brillante en su humildad.

‘Los canallas duermen en paz’ (Warui yatsu hodo yoku nemuru, 1960

Batalla de Nagashino de 1575

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Kagemusha, «La sombra del guerrero»   protagonizada por Tatsuya Nakadai.​  El director filma la famosa batalla de Nagashino de 1575, la estudió detalladamente. Francis Ford Coppola, George Lucas y 20th Century Fox figuran como sus productores ejecutivos. Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes 1980 y el Oscar de mejor película extranjera y mejor director entre otros premios otorgados ese año.

Ran “Caos”puede significar también: perturbado, confundido. 1985. Su última película épica. A sus setenta y cinco años, Kurosawa realiza esta obra, una de las mejores adaptaciones cinematográficas de la obra de William Shakespeare inspirada en El rey Lear. Resumía aquí, toda su carrera cinematográfica, en ella se reunían todas las virtudes que habían hecho de Kurosawa uno de los directores más admirados de la Tierra. No ganó Oscar, si Emi Wada por el vestuario que el director había elegido, pero le llovieron premios de toda la tierra.

Kurosawa-Van-Gogh

Sueños– Película experimental y difícil a causa de su ritmo, con larguísimas secuencias cuya única función es la de parecer pinturas en movimiento. Visualmente fascinantes!!!, un auténtico deleite estético.  Los ocho relatos reflejan lo cambios experimentados por Japón a lo largo de un siglo.

A sus ochenta años, un Kurosawa vanguardista, que nadie ha igualado desde entonces. Realmente consiguió provocar la sensación de que los episodios del film eran sueños filmados: a un joven Kurosawa pasea por dentro de varios cuadros de Van Gogh. En ella trabajo su gran admirador Martin Scorsese, interpretando al famoso pintor,
Sueños fue la última obra maestra de Akira Kurosawa y cerró una tetralogía mágica que a lo largo de veinte años le convirtió en un mito viviente del cine.

El 27 de marzo de 1990 Akira Kurosawa, con 81 años de edad, recibió el Premio Óscar honorífico a toda su trayectoria entregado por los directores Steven Spielberg y George Lucas.

Todo el mundo pensó en su retiro…

Pero…!!!Oh sorpresa!!! no ocurrió nada de eso…continuo con Hachi gatsu no kyōshikyoku -Rapsodia en agosto 1991​considerada un alegato antibelicista que aborda los efectos del bombardeo atómico sobre Hiroshima y Nagasaki a través de los ojos de una anciana Hibakusha y su familia. Producida íntegramente en Japón, algo que no sucedía desde Dodes’ka-den 1970 y la primera y única ocasión en que un actor extranjero, Richard Gere, participó. Hizo la adaptación de la obra de Kiyoko Murata​, se rodó a comienzos de 1991 estrenándose el 25 de mayo de ese año​. La recepción negativa, especialmente en Estados Unidos donde se consideró que la trama ofrecía una visión anti-estadounidense, acusaciones que el director rechazó. Sin embargo… obtuvo cuatro premios de la Academia de Cine japonés y la nominación a mejor película del año para la revista Cahiers du Cinéma.

En 1993 Kurosawa estrenó su última película, una comedia dramática: MadadayoTodavía no.​ Estrenada durante el Festival de Cannes de 1993 y obteniendo valoraciones positivas entre la crítica especializada.

Fue su última obra pero prosiguió con la escritura de dos guiones que fueron adaptados póstumamente: Ame agaru escrita en 1993 y estrenada en 1999 y Umi wa miteita de 1995 y estrenada en 2002.​

El 6 de septiembre de 1998 Akira Kurosawa falleció a la edad de 88 años en Setagaya -Tokio. La familia estaba formada por su hijo Hisao Kurosawa, casado con Hiroko Hayashi, su hija Kazuko Kurosawa es diseñadora de vestuario, casada con Harayuki Kato. Uno de sus nietos, el actor Takayuki Kato participó del reparto en las dos películas escritas por el y filmadas tras su muerte.

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Algo sobre «Milongas borgianas»

Imagenes del Puerto de Buenos Aires

Jorge Francisco Isidoro Luis Borges Acevedo – Nace en Buenos Aires un 24 de agosto de1899- y muere un 14 de junio1986 – publicó en 1965, -«Milongas para las seis cuerdas», una pequeña colección de «bellísimas milongas».

En su prólogo Borges afirma: «En el modesto caso de mis milongas, el lector debe suplir la música ausente, por la imagen de un hombre que canturrea, en el umbral de su zaguán o en un almacén, acompañándose con la guitarra. La mano se demora en las cuerdas y las palabras cuentan menos que los acordes».

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Por esos años, Borges, era un autor consagrado sus obras ya habían dado fama al «Sur», ese lugar límite «donde el barrio se hace pampa» como dice uno de sus poemas, un territorio único en la literatura argentina.

Tenía fama de no gustarle el tango ni lo nacional ….pero fue el primero en sostener en los años 20′ desde las páginas de la revista ‘Martín Fierro’ que «el tango es la realización argentina más divulgada, la que con insolencia ha prodigado el nombre argentino sobre el haz de la tierra'».

“El Sur es una suerte de corazón secreto de Buenos Aires; podríamos decir: aquí está Buenos Aires. En todo caso, si quisiéramos agregar otro barrio, ese barrio sería el Centro, creo que todos somos hombres de Florida y Corrientes, somos hombres de nuestro barrio particular, y somos, esencialmente e irrevocablemente, hombres del Sur, tan vinculado a la historia argentina”.

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Sus investigaciones, comenzaron en 1929, en ocasión de un estudio sobre su antiguo amigo, el poeta Evaristo Carriego, a quien cita su poema Tríptico del tango, incluido en el libro Centenario, para referirse a la naturaleza trágica y truculenta de las historias que aquella música refleja.

Prefería «la milonga» al tango y no dudó en criticar a Carlos Gardel, Lo acusó de convertir al tango en un cantar «quejoso y llorón». «Gardel tomó la letra del tango y la convirtió en una breve escena dramática», expresó en una serie de conferencias que dictó durante cuatro lunes de octubre de 1965 en Constitución, un ciclo que fue rescatado en 2016 en un libro llamado «El Tango. Cuatro conferencias».

Borges amó esa Buenos Aires de arrabal como pocos dedicándole obras que son verdaderas joyas de las letras del país.

Sus padres

Su padre, era un escritor sin mucho éxito, pero participaba de tertulias literarias con personajes como Macedonio Fernández y Evaristo Carriego y llevaba llevaba a su hijo a ellas.

El Coraje que tuvo siempre , se lo transmitió su madre, Leonor Acevedo. Al atender una de las tantas llamadas amenazadoras –«Te vamos a matar a vos y a tu hijo»–, contestó:
«–No es una hazaña matar a mi hijo, que es viejo y ciego. En cuanto a mí, apúrense, porque por ahí me les muero antes…»

Las Milongas

Ya en 1930, el escritor había marcado la originalidad de la milonga rioplatense, anterior al tango y preferida en la cultura argentino-uruguaya. Esa «milonga» como dirá años después: “la fiesta de la inocencia y del coraje”.

Inicialmente, las» milongas borgeanas» no tuvieron música. En el prólogo del librito, el autor nos pide que imaginemos un hombre que en un zaguán o en un almacén, canturrea acompañándose con una guitarra. Inmediatamente agrega “La mano se demora en las cuerdas y las palabras cuentan menos que los acordes.

En estas poesías había humor… «Borgeano» cuando narra el asesinato de un compadrito en una esquina de Buenos Aires…

Del tango «El títere», de 1965

«Un balazo lo paró
en Thames y Triunvirato.
Se mudó a un barrio vecino:
el de la quinta del ñato».

La quinta del ñato” es la forma con que los «porteños» se referían a los cementerios en aquellas épocas, porque las calaveras no tienen nariz.

Memorias y olvidos tienen compases propios en las «milongas borgeanas», porque el tiempo se ha llevado a los hombres. Y también a los escenarios donde vivieron según sus propias reglas.

Lo ejemplifica en «Don Nicanor Paredes«…

“Ahora está muerto y con él
Cuánta memoria se apaga
De aquel Palermo perdido
Del baldío y de la daga»

Dijo el escritor:
«Un día yo iba caminando por la calle Perú y de pronto supe que algo me sucedía. Y me sucedió la milonga de Jacinto Chiclana. Esta milonga, que le rinde homenaje a un «hombre valiente». 

MILONGA DE JACINTO CHICLANA

Me acuerdo. Fue en Balvanera,
En una noche lejana
Que alguien dejó caer el nombre
De un tal Jacinto Chiclana.

Algo se dijo también
De una esquina y de un cuchillo;
Los años nos dejan ver
El entrevero y el brillo.

Quién sabe por qué razón
Me anda buscando ese nombre;
Me gustaría saber
Cómo habrá sido aquel hombre.

Alto lo veo y cabal,
Con el alma comedida,
Capaz de no alzar la voz
Y de jugarse la vida.

Sobre la huerta y el patio
Las torres de Balvanera
Y aquella muerte casual
En una esquina cualquiera

No veo los rasgos. Veo,
Bajo el farol amarillo,
El choque de hombres o sombras
Y esa víbora, el cuchillo.

Acaso en aquel momento
En que le entraba la herida,
Pensó que a un varón le cuadra
No demorar la partida.

Sólo Dios puede saber
La laya fiel de aquel hombre;
Señores, yo estoy cantando
Lo que se cifra en el nombre.

Entre las cosas hay una
De la que no se arrepiente
Nadie en la tierra. Esa cosa
Es haber sido valiente.

Siempre el coraje es mejor,
La esperanza nunca es vana;
Vaya pues esta milonga,
Para Jacinto Chiclana.

A las «Milongas Borgeanas»…muchos fueron  los músicos  que se encantaron con ellas y las musicalizaron..

«Milonga de dos hermanos», de nada menos que Carlos Guastavino

«La Milonga de Jacinto Chiclana» y «A Don Nicanor Paredes», de Piazzolla también su tango «El Títere»

«Milonga de Albornoz», de José Basso y «Fundación mítica de Buenos Aires», de Juan «Tata» Cedrón.

En 1969 junto a su amigo Bioy Casares hicieron el guion de la película «Invasión», que filmó Hugo Santiago. Allí aparece la figura del bandoneonista Aníbal Troilo, quien puso melodías a su poema «Milonga de Manuel Flores».

Sebastián Piana, puso música al poema «Milonga del Infiel» y a la conocida «Milonga del muerto» –cantada por Eduardo Falú, Cuarteto Zupay, Teresa Parodi, entre otros.

El director y pianista José Basso compuso «Para los orientales» y «Milonga de Albornoz», esta última también registrada por el Cuarteto Cedrón, y Juan Cedrón musicalizó luego el «Poema de los dones» y «Fundación mítica de Buenos Aires» donde el escritor menciona a su barrio, Palermo:

«Una manzana entera pero en mitád del campo
presenciada de auroras y lluvias y sudestadas.
La manzana pareja que persiste en mi barrio:
Guatemala, Serrano, Paraguay, Gurruchaga».

Pedro Aznar también se acercó a su obra y grabó «Caja de música» el primer álbum en vivo del músico argentino, grabado en el Teatro Colón, junto a invitados como Mercedes Sosa, Víctor Heredia, Lito Vitale, Jairo Rubén Juárez.

Borges dedica «A Johannes Brahms» en «La moneda de hierro» de 1976 un poema y en el relato «Deutsches Requiem» del libro «El Aleph«.

Esteban Peicovich en su libro «Borges, el palabrista», hace referencia a una anécdota contada por el escritor:

«Yo estaba en el centro del país. Había dos o tres profesores que habían dado una conferencia y me pidieron que fuese a un concierto con ellos. Les dije: ´Bueno miren, iré con ustedes porque me gusta la compañía, pero no creo que disfrute con la música porque soy un ignorante´. Y dijeron: ´Bueno, no importa, te vas, no tienes por qué aguantarlo´. Entonces fui y de repente sentí una especie de vértigo y de felicidad que descendía sobre mí, y al salir todos nos sentíamos muy, muy amigos y nos dábamos golpecitos en la espalda y nos reíamos sin razón alguna. La culpa era de Stravinsky».

Sus amigos …Josefina Dorado, Adolfo Bioy Casares, «Adolfito», Victoria Ocampo– 1935 en Mar del Plata-Argentina

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Jorge Luis Borges e Adolfo Bioy Casares

El cuestionado «Rococó»

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El Rococó es un estilo que, a diferencia del Barroco, es totalmente despreocupado de las cuestiones éticas.

Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó, al servicio de la aristocracia y la burguesía. Un arte para la aristocracia del siglo XVIII, amante de lo mundano y frívolo.

El término «rococó» tuvo durante mucho tiempo un sentido peyorativo, antes de ser aceptado a mediados del siglo XIX como un término propio de la historia del arte.

Esta sociedad de mediados del siglo XVIII, ansiaba la libertad, el buen gusto, sobre todo el placer… la élite artística e intelectual se reunía en salones que a la cabeza estaban damas aristócratas tan poderosas como madame Pompadour.

 Retrato  de Madame Pompadour-1756-François Boucher
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Coincidirá este período con el reinado de Luis XV, los nobles abandonan Versalles estableciéndose en sus hermosos palacetes de París que van a ser embellecidos con profusa decoración de este estilo.

Por esa, razón el arte se trasladó a un formato más pequeño para lucir en los muros de estas salas y no en los palacios.

Es un estilo de «artes decorativas» donde predominan las formas curvilíneas, con brillante y espectacular dorado.

«Estilo galante«.

El nombre proviene del verbo galer, que en francés significa ser: «valiente y hábil en el trato con las mujeres.»

«El galante» era quién sabe tratar y complacer a una mujer. La mujer se convierte en el foco inspirador de la pintura, bella, sensual, culta, que seduce al hombre y participa con él en aventuras prohibidas.

Pululan las «Fiestas galantes» y «campestres», con damas exquisitamente ataviadas, rigodones… el rigodón era una danza cuya invención se atribuye a Rigaud, también minués y múltiples aventuras amorosas.

Se recuperan personajes mitológicos como Venus y Cupido que se entremezclan en las escenas dotando a las composiciones de un cierto desenfado.

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La expresión de Talleyrand– figura discutida si las hay de la época, la define como:

“quien no ha vivido antes de 1789 no conoce la dulzura de la vida”

Una época en la que el adulterio y el pecado eran vistos casi como «bellas artes«. Perseguir cortesanas, jugar al escondite o columpiarse mientras se escuchan las risas picarescas en bosques y jardines… eran el «deporte nacional de la nobleza francesa» de esos dorados años de los colores pastel.

Eran comunes las «bodas por interés«, concertadas para unir dinastías familiares, concentrar poder y riqueza. Ese era el objetivo: incrementar el patrimonio con el matrimonio, asegurar la descendencia y ambos, vivir su sexualidad por separado.

Surge formalmente «el Rococó».

Según el escritor Arnold Hauser: “La ruptura del rococó se realizó en la segunda mitad de siglo XVIII; la fisura entre el arte de las clases superiores y el de las clases medias era evidente.”-

Las modas francesas en arquitectura, pintura, muebles, trajes etc. fueron copiadas hasta el hartazgo en sitios tan distantes como las cortes de Catalina la grande en Rusia, María Teresa en Viena. En Polonia, en Dinamarca inclusive el idioma francés era hablado con mayor fluidez que en la misma Francia.

Y aunque parezca mentira … en estos ambientes se entablan discusiones donde aparece el «espíritu de las luces y la razón»

Pasando la segunda mitad del siglo, se le pregunta al pintor francés Gabriel François Doyen si quería realizar un cuadro de la naturaleza erótica. El rechazó de inmediato la oferta objetando: “yo no pinto cosas de esas” y pasó el encargo a Jean Honoré Fragonard, quien no tuvo ningún problema en representar la escena siguiendo las indicaciones del cliente.

BRON DE SAINT-JULIEN
LOUIS GUILLAUME BAILLET, baron de SAINT-JULIEN 

El comitente era el Barón de Saint-Julien, que quería un retrato de su amante en un columpio empujado por un obispo, mientras que él estaba en posición de poder ver bajo la falda de la dama en cuestión. La insistencia del barón que fuera un obispo probablemente, era una broma privada, él ocupó un puesto importante en la Iglesia, como Receptor General del clero francés.

Fragonard acepto el encargo, solo reemplazó al obispo con la figura de un marido mayor, cumpliendo al pie de la letra.

Aunque parezca insólito, fue honestísimo en su trabajo haciendo de esta obra una dura crítica, una verdadera rebelión hacia la frívola sociedad de entonces.

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Jean Honoré Fragonard -1732-1806

Al igual que François Boucher, Fragonard es considerado el pintor de la frivolidad rococó, aunque pintó paisajes inspirados por pintores holandeses, pinturas religiosas o mitológicas, sus escena de» felicidad» son sencillamente: «Prodigiosas».

En 1752, con apenas veinte años, Fragonard ganó el premio más prestigioso del arte francés: el Prix de Rome, lo que significaba su consagración en el ámbito de la Academia Francesa, que subvencionaba este premio, el cual consistía en un viaje a Roma para estudiar el arte de los clásicos y los maestros antiguos.

Con una inusual temperancia, no aceptó de inmediato el premio, consciente de que todavía no estaba totalmente formado, trabajó durante tres años en el taller de un pintor que por ese entonces era el principal rival de Boucher y tal vez el mejor retratista de su tiempo: Charles-André van Loo.

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En París, a su regreso de Roma, presentó su pintura de temática italiana «Coreso y Calírroe«, que le valió para ser admitido en la Academia, lo cual le aseguraba la más alta posición entre los artistas franceses. Se dice que el mismo Diderot, director de la Enciclopedia, alabó esta obra y fue adquirida por el propio Luis XV. Con este hecho, Fragonard, se convirtió en un respetado académico, además ingresó al círculo íntimo del rey y de la corte..

Su colorido precioso, claro, luminoso con tonos dorados -se lo ha llamado «el pintor de los amarillos» …»de los rosas», lo cierto es que sus composiciones despliegan alegría. Dignos de mención son sus retratos, con niños sanos y rubicundos, hubo una serie llamada de «fantasía» o de «trajes de fantasía»,

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El maestro realizó un buen número de retratos protagonizados por Jean-Claude Richard gran admirador de su obra dentro de esa serie de 1769-70. También Diderot y la carta

Personajes vestidos «a la española», es decir, con trajes pintorescos de fantasía, representados con una técnica suelta, evocadora en ocasiones de la de Frans Hals, con golpes de brocha y brillante colorido.

«El gusto de la corte» y de la aristocracia, marcaron la temática de Fragonard, que se volvió voluptuosa y superficial, pero dotada de un excelente dibujo de gran calidad y belllísimo colorido.

Puso de moda también los monumentos antiguos franceses –Maison Carrée de Nimes- Pont du Gard– e incluso pasó a lienzo algunos de sus apuntes tomados en directo en sus recorridos por las calles parisinas, como el de la demolición de las tiendas del Pont Neuf o el incendio de la Opera. Vistas simplemente poéticas, en la Galería del Louvre.

Madame du Barry, fue la última amante oficial del rey. Quién estaba «encantada» con sus cuadros y poco después lo «desecho» terminantemente. Esas obras que pasaron a decorar el salón de la casa Fragonard en su pueblo natal y hoy enriquecen la Colección Frick de Nueva York.

El pintor la retrata en El encuentro-1771-72-Jean-Honoré Fragonard

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Su pintura floreció en ese ambiente » galante » durante veintiocho años, hasta que la revolución acabó abruptamente con su fama, abandonando París en 1793 para refugiarse en Grasse ,su ciudad natal, donde todavía hoy la perfumería es su principal industria.

De los 74 años que vivió Fragonard, de 1764 a 1785 tuvo éxito.

Su obra, plantea problemas pues raramente las firma, pocas son las fechadas y menos las documentadas.

La gran aceptación que tuvieron en su momento, produjo una enorme cantidad de copias e imitaciones. El mismo repitió sus composiciones e incluso encargó a su mujer y a su cuñada, ambas pintoras, que realizaran algunas de ellas.

Durante la Revolución, vivió en su pueblo natal, Grasse 1790-1791 con su primo Alexandre Maubert en su casa de campo, se convirtió en la Casa-Museo Jean-Honoré Fragonard en 1977.

Posteriormente, fue un miembro de la Ciudad de las Artes en 1793. fue nombrado uno de los curadores del Museo del Louvre por la Asamblea Nacional después de la intervención de Jacques-Louis David.

En 1805, todos los artistas residentes, incluyendo Fragonard, son expulsados ​​del Louvre por decreto imperial, tras la reorganización del edificio en el Museo Napoleón.

Pobre y enfermo murió olvidado en 1806, el funeral se celebró en la iglesia de Saint Roch y enterrado en el antiguo cementerio de Montmartre. Su nombre no volvió a ser mencionado en la historia del arte durante más de cincuenta años que se le devolvió su justa fama como gran maestro de la «Pintura rococó «y su sitial como artista de gran envergadura fuera de toda discusión.

El columpio –

Les Hasards heureux de l’escarpolette, es el trabajo más conocido de Fragonard-1767 -Tamaño discreto de 81 cm × 65 cm en la Colección Wallace– Londres.

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Esta obra, es una de las «Cumbres del Rococó francés «, refleja a la perfección la mentalidad de la época. Elige el rosa para el vestido, este color se empezó a usar en la era de la Ilustración. La aristocracia, María Antonieta y Madame Pompadour amaban este color, lo usaban tanto mujeres como hombres, lo llevaban como símbolo de «buen gusto» y «clase».

Es una «escena galante» donde la luz proviene de la esquina superior derecha y da de lleno en la joven de llamativo vestido, dejando el resto de la composición en sombra.

La joven sentada sobre un columpio lujoso, con asiento de terciopelo rojo, como si fuera un pedestal: La dama es el «objeto de valor», Ella, deja ver sus piernas con medias e incluso un liguero, inaceptable para la época, que trae a la memoria el famosos «Cancán«, baile desenfrenado y erótico que surgió posteriormente con la misma intención… atraer al espectador al glamur y al erotismo. El sombrero que lleva puesto la dama era utilizado únicamente por las mujeres jóvenes casadas de la época, nos aclara que es un «matrimonio concertado«… fuerte crítica al matrimonio aristócrata.

El joven entre rosales, de color de rosa, sería el comitente… en un jardín infinitamente distante de Versalles... no mira a la dama, sino sus piernas que ella eleva dejando escapar su zapato en un “striptease» de lo más artístico.

Fragonard hace una crítica a la búsqueda sexual de la época, dejando a la dama rodeada del «deseo erótico»...era esa la triste posición de la mujer en la sociedad francesa… por un lado, el poder político en la burguesía y por el otro, deseo sexual.

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Aquí, la influencia italiana del pintor, sutilmente plasmada: el joven, hace referencia a la postura de Adán en » la Creación» de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.

Sobre un pedestal …se supone Cupido con un dedo sobre sus labios en señal de lo «secreto» de este idilio «que nadie lo debe saber»

El hombre mayor, el marido, vestido de manera elegante, está sentado en una banca de piedra en la penumbra de la pintura, completamente olvidado por la dama. Detrás a lo lejos una mansión… como para no dejar dudas de su «status social».

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Pero este buen hombre está sin su sombrero, que identifica su poder en la sociedad. Al tenerlo separado de su persona nos indica: falta de autoridad sobre la mujer y la situación. Agrega otra obra escultórica con dos querubines sobre un panal de abejas: el ángel de la izquierda parece estar preocupado, mira a la dama, mientras el ángel de la derecha no, la cual, podría ser una reflexión sobre los dos lados de la situación y el peligro que esta conlleva.

El panal indica, que todo se puede descontrolar fácilmente y resultar un desastre… ambos querubines se apoyan sobre un delfín, carruaje de Venus, la diosa del amor en la mitología Romana. Ellos tienen el control sobre el delfín, conduciendo y obligando «el surgimiento del amor».

Frente al marido, entre ramas quebradas asoma una verja, vemos un pequeño perro –símbolo de la fidelidad, que ladra desesperado para advertir el «peligro» a su dueño … que está en lo suyo… no no lo escucha.

Debido a su frivolidad y desenfadado , la pintura sigue siendo favorita del público e incluso se ha vuelto parte de la cultura pop y de la moda. Quizás el ejemplo más notable sea el del diseñador de moda Manolo Blahnik, quien diseñó un par de zapatos inspirados en El columpio para la película Marie Antoinette de Sofia Coppola, que ganó en el 2006 premio «Os al mejor diseño de vestuario.

Pero El columpio perdura por esa «alegría contagiosa» que transmiten de sus colores pastel, su iluminación y su osadía. Detrás de tanta vanalidad, está el destino trágico y final de una sociedad frívola e indiferente que sucumbió tras la Revolución Francesa de 1789.

Fragonard ciertamente, fue «una mano maestra» dentro de la Historia del Arte.

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El arte de «Dirigir»…

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Tactus

En la Grecia clásica, el corifeo marcaba el ritmo golpeando el suelo con sus zapatos, en época romana, a los zapatos se los revestía con suelas de plomo o acero, scabellum al celebrarse las representaciones al aire libre y en escenarios de vastas dimensiones y por Quintiliano, sabemos que a quienes dirigían dando palmadas se les conocía como manuductorii.

Según explica el musicólogo alemán, Georg Schünemann en Geschichte des Dirigierens, en la música de los vedas, los cuatro textos más antiguos de la literatura indú- “el primer cantor indicaba la nota golpeando con el dedo índice de la mano izquierda sobre la articulación correspondiente de la mano derecha, de tal manera que los cantores debían concentrarse en tal método para ayudar a su memoria. Incluso llegó a desarrollarse un arte para dirigir los cantos basado en signos quironomianos que se conservó hasta muy entrada la Edad Media”.

En plena Edad Media, el ya referido método de la quironomía fue el punto de partida de la dirección del canto gregoriano y de la polifonía gótica, aquí, apareció otro método consistente en mover la mano de arriba a abajo: el tactus

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Pero se dividieron las opiniones

El compás o «tactus» señalando la primera parte hacia abajo y la segunda hacia arriba y Luis Millán y Tomás de Santa María indicaban que debía realizarse justamente al revés.

Los avances y los métodos

En el siglo XV, el extraordinario desarrollo de la música coral exigía, en determinadas situaciones, la presencia de varios coros que actuaban simultáneamente y acompañados por instrumentos.

Unos preferían dirigir con la mano, mientras que otros elegían un pañuelo que iba sujeto a un bastón.

Con la música instrumental… el director no podía ya valerse de las manos al ser un ejecutante empezó a marcar el compás golpeando con el pie.

Ludovico Grossi da Viadana, en 1612, sugería en su obra Salmos para cuatro coros para cantar y tocar con el bajo continuo, que el director se colocara frente al primer coro, al cual dirigía al mismo tiempo que ejecutaba el bajo continuo. Para ordenar la entrada de los otros tres coros señalaba la entrada levantando las dos manos.

Michel Praetorius – en su Syntagma Musicum, que cada coro ha de ser dirigido por un director.

Con la llegada de la ópera en torno a 1600 ayudó a concretar la instrumentación y crear una dependencia cada vez mayor de un gran número de instrumentos de cuerda, para aportar cuerpo y equilibrio los viento y percusión.

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Fue Claudio Monteverdi 1567-1643 en su Orfeo, alrededor de 1607, que dio  un vuelco a la constitución de una orquesta al elegir concienzudamente los instrumentos y su disposición. «2 violines pequeños a la manera francesa», «10 viole da brazzo» , «3 gambas bajo» y «2 violas
contrabajo». Corelli, J. S. Bach y Rameau  contribuyeron enormemente en este aspecto.

El cuestionado golpeteo con el bastón o el» pie » empieza a declinar con el accidente de Jean-Baptiste Lully – ligado a la figura y reinado de Luis XIV, mientras dirigía en la iglesia de los Feuillants un Te Deum para celebrar la convalecencia del rey, golpeó violentamente la punta de su pie con el bastón que utilizaba para marcar el compás que derivó en gangrena, de la cual murió días después.

 En las Confesiones de Rousseau -1712-1778- contemporáneo de este periodo de la música y estudioso de ella, ejemplifica perfectamente este carácter en la organización de las primeras orquestas de cámaras:

“Desde aquel momento me dediqué con tal ardor a organizarlo [un concierto], que ni de día ni de noche me ocupaba de otra cosa; y realmente me ocupaba, y mucho para reunir las piezas, los concertantes, los instrumentos, sacar las partes, etc. Mamá cantaba, el padre Catón también cantaba; un maestro de baile, llamado Roche, y su hijo, tocaban el violín; Canavas, músico piamontés, empleado en el catastro, y que después se ha casado en París, tocaba el violoncelo; el abate Palais acompañaba con el clave; yo tenía el honor de dirigir las piezas, sin olvidar el bastón del leñador”.

También Rousseau, en un alarde de ironía comentó:

“La Ópera de París es el único escenario de Europa donde se marca el compás sin seguirlo; en todos los demás sitios se sigue sin marcarlo…”

Y Mattheson afirmaba:“los directores que se valían de esa forma demostraban tener más inteligencia en los pies que en la cabeza”.

Aunque la orquesta nace como tal en el «Barroco» es en el «Clasicismo» cuando se establece la instrumentación y la forma con la que la conocemos actualmente, si bien habrá que esperar hasta finales del siglo XIX para la llegada del perfeccionamiento técnico de los instrumentos.

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Pero aún persisten las controversias para marcar el compás…

En Italia: Zaccaria Tevo propuso marcar las dos primeras partes del compás hacia abajo y la tercera y cuarta hacia arriba, estilo que hoy en día nos parecería muy confuso pero que gozó de amplia popularidad en su momento.

En Francia se anunciaba el sistema actual marcando la primera parte hacia abajo y la última hacia arriba, quedando las dos intermedias a izquierda y derecha.

Henri-Louis Choquet, en su obra: Méthode pour apprendere facilment la Musique soi-même.

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Representación de La Pasión según san Mateo de Bach-C. Monaux -Acuarela.

Dos métodos para dirigir la orquesta:

El primero y descrito por Carl Philippe Emanuel Bach, consistía en que el Kapellmeister se sentaba en el centro de todos los instrumentistas ante un instrumento de tecla, órgano o clave. Al mismo tiempo que llevaba las funciones del bajo continuo señalaba el tempo, indicaba las entradas a los solistas y tocaba partes en las que otros fallaban o titubeaban.

El otro método, descrito por Johann Joachim Quantz y en el mismo adquiría un mayor protagonismo el violín concertino.

Haydn, que dirigía al mismo tiempo que tocaba el violín durante su estancia en Esterhaza, dirigió sus últimas sinfonías en Londres sentado frente al clave onda barroco.

Mozart y Haydn cambiarían la estructura de la orquesta y añadirían más instrumentos. La orquesta clásica se la conoce hoy como Orquesta Mozartiana, conformada por alrededor de 35 miembros.

A principios del siglo XIX fue ganando terreno el violinista director debido a que ya había abandonado el bajo continuo y por lo tanto ya no era necesaria la presencia de un Kapellmeister para realizarlo.

El violín concertino fue paulatinamente dejando de tocar y se servía del arco, a modo de futura batuta, para marcar los compases.

Fue Beethoven quien marcó un formidable cambio. Con él la orquesta alcanza su primer espectacular aumento llega, a su tercera sinfonía con 60 músicos y ni hablar de la novena con el agregado de un imponente coro y solistas. Escrita de 1822 a 1824 y ejecutada por primera vez el 7 de mayo de 1824.

La obra está dedicada al Rey de Prusia Federico-Guillermo III.

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Teatro de la Corte Imperial donde fue estrenada la 9° sinfonía, de glorioso Beethoven en el cartel anunciante de tan histórico acontecimiento se podía leer:

“La dirección de la orquesta está confiada al señor Schuppanzigh mientras que el conjunto será dirigido por el Kapellmeister Umlauf. La Sociedad de Música ha tenido la gentileza de reforzar el conjunto vocal e instrumental y el señor Ludwig van Beethoven tomará también parte en la dirección del concierto”.

O sea, que Schuppanzigh, como violín concertino, la ejecución de su grupo… Umlauf dirigía y a su lado Beethoven para indicar el tempo.

Director y el Compositor siguieron unidos en la misma persona por mucho…mucho tiempo…

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La orquesta de la Ópera del pintor francés Edgar Degas.

Directores y directoras

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Algunos directores de gran prestigio, como Habeneck, violinista y compositor francés primer director especialista en las sinfonías de Beethoven. Usaba la técnica del» Concertino».

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Michael Costa fue un compositor y director ítalo-inglés uno de los primeros directores ingleses de renombre durante la segunda mitad del siglo XIX.

Rossini comenta:
“Este buen Costa me ha enviado la partitura de un oratorio y un queso de Stilton. El queso era buenísimo…”– Por el contrario, hay una serie de nombres que hoy sólo recordamos como compositores pero que realizaron una extraordinaria labor en el terreno de la dirección orquestal: Spohr, Von Weber y Spontini ofrecieron grandes aportaciones. Schumann, por el contrario, nunca destacó como director y se decía que sufría tal embrujo al dirigir su propia música que se transportaba espiritualmente a otra dimensión y, obviamente, se olvidaba de la más mundana misión de dirigir. Una visión del todo romántica. Mendelssohn, al contrario, alcanzó una extraordinaria reputación y era partidario acérrimo de los tempi animados “para que los músicos estén bien atentos y no se duerman”.


Héctor Berlioz 1803-1869, que especificó sesenta violines para su obra Symphonie Fantastique 1830. Felix Mendelssohn 1809- 1847 pianista-compositor y director, rescató del olvido nada menos que las obras de J.S.Bach. y experimentó con la orquesta increíbles sonoridades tímbricas.

Tuba Wagneriana

Wagner 1813-1883 exigía orquestas enormes, incorporó instrumentos, como tubas wagnerianas. Bruckner que era organista, para él, la orquesta para él debía sonar como su amado instrumento.

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Hans Guido Freiherr von Bülow 1830-1894 Muy cuestionado director… pero extraordinario. Apoyó la música de Wagner y un entusiasta promotor de Brahms y Chaikovski fue el quien estrenó el concierto n°1 de este último. En la ciudad Meiningen– Alemania, logró que la orquesta fuera una de las mejores del país, dirigía de memoria… sin partitura.

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Louis Spohr-1784 -1859 compositor, violinista y director de orquesta alemán. Famoso en su tiempo igual a Haydn, Mozart, y Beethoven. Su popularidad decayó a finales del siglo XIX,

Otros grandes compositores, ya entrado el siglo XX como Gustav Mahler 1860-1911, Richard Strauss 1864-1949, Claude Debussy 1862-1918, Maurice Ravel 1875-1937, con quienes la planta de la orquesta siguió creciendo y modificándose.

Las damas

La estadounidense Caroline Nichols, nacida en 1864, a los veinticuatro años dirigió una orquesta, exclusivamente femenina y fundado por ella misma, la Fadette Ladies’ Orchestra de Boston.

La holandesa Elisabeth Kuyper fundó una orquesta de mujeres en Berlín, en 1910, repitiendo el emprendimiento en Londres y Nueva York.

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Antonia Brico en Holanda, toda una pionera.

La belga Frédérique Petrides la Orchestrette Clasique en 1933. La Orchestre Féminin de París fue creada cuatro años después por otra innovadora: Jane Evrard.

Veronica Borisovna Dudarova-1916-2009- se convirtió en directora de la Orquesta Sinfónica del Estado de Moscú en 1947 dirigió durante sesenta años. En 1991, fundó la Orquesta Sinfónica de Rusia.

Las actuales  Marin Alsop está a cargo de la Orquesta Sinfónica de Baltimore y de la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo. Romely Pfund, de Dresde, dirige la orquesta en el Teatro Estatal de Mecklenburgo; Catherine Rückwardt, de Los Angeles, asumió la dirección musical del Teatro Estatal de Maguncia en 2006. la australiana Simone Young es la directora de la Ópera de Hamburgo, y la estadounidense Karen Kamensek . Anu Tali, directora de Orquesta Estonia.

La mexicana Alondra de la Parra, hoy directora musical de la Orquesta Sinfónica de Queensland.

Shi-Yeon Sung sur-koreana directora asociada en la Orquesta Sinfónica de Seúl y directora asistente en la Orquesta de Boston. Ha sido la primera mujer directora en ganar el concurso Georg Solti de dirección de orquesta. Han-Na Chang -cellista y actualmente directora de la Orquesta de Noruega. Una larga lista de mujeres directoras excelentes que se desempeñan con total maestría.

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Obra de Raoul Dufy. violinista aficionado, y apasionado melómano.

En la didáctica musical: el Barón Britten.

Al terminar la Segunda Guerra Mundial, una comisión del Ministerio de Cultura británico encargó a Edward Benjamin Britten, 1913-1976 una obra didáctica para el conocimiento musical e instrumental. Para cumplir el encargo, Britten decidió componer un tema con variaciones, en la que cada variación mostrara una familia de instrumentos. Tomó un tema del Barroco inglés, Henry Purcell, el rondó escrito como música incidental para la pieza teatral de la escritora y espía británica Aphra Behn– «Abdelazar» o la venganza del moro.

Benjamin Britten – The Young Person’s Guide to the Orchestra | Saraste | WDR Sinfonieorchester – YouTub

Desde entonces se la conoce como The Young Person’s Guide to the Orchestra op. 34, y por subtítulo Variaciones y fuga sobre un tema de Henry Purcell. Guía orquestal fundamental del repertorio de cualquier orquesta sinfónica del mundo, una revolución en la didáctica de la música del siglo XX.

Las orquesta Sinfónica y Filarmónica

La orquesta puede llegar a los cien componentes o pasar según la obra a interpretarse. La denominación de orquesta sinfónica u orquesta filarmónica valen. Los adjetivos no distinguen el contenido o función de la orquesta: por ejemplo la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Filarmónica de Londres. Antiguamente, la orquesta filarmónica era una asociación de amigos que interpretaban música, y la sinfónica era la que estaba patrocinada, se pagaba para la formación de la orquesta.

Directores notables

Sergiu Celibidache -Su escuela de dirección marcó un antes y un después en la historia de la dirección orquestal, otro concepto, otra actitud. Odiaba las grabaciones, a las que consideraba como meros subproductos de sus presentaciones …tenía razón no hay nada como la música en» vivo»… como quién dice «Otro canto».

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Uno de sus mayores aportes fue el concepto de relaciones o proporciones.

Por Ej: Relación 1/1: Se tarda la mitad del tiempo en subir y la mitad del tiempo en bajar al pulso para dirigir: ritmos binarios en legato.

Relación 1/2: tarda dos partes del pulso en subir y una en bajar para dirigir ritmos ternarios en legato.

Relación 1/3: Se tarda 3 partes del pulso en subir y una en bajar para dirigir ritmos binarios en staccato.

Así fue creando una dirección única de lo más innovadora y permitió un gran desarrollo en la técnica general de la dirección orquestal.

El célebre Arturo Toscanini, jamás usaba partitura y ya grande …se “perdió” en una obertura de Wagner. Fue famoso por su perfecta audición y su exagerado mal genio… amado intensamente por el pueblo italiano.

Igual anécdota para el joven Herbert von Karajan dirigiendo en Bayreuth, delante del propio Hitler, se quedó en «blanco» en plena representación wagneriana. Karajan prosiguió su carrera de director sin emplear jamás partitura. Se sabe que Hitler aborrecía a Karajan precisamente por su vanidad de dirigir sin partitura. Adicto a las grabaciones. Todo lo grabó con la Orquesta de Berlin y la condujo a su máxima expresión: «la era Karajan».

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Carlos Kleiber -Nunca fue un músico convencional. Era famoso por extraño, huraño y raro. Poco a poco fue generando curiosidad entre «los grandes». Ya en los años sesenta Carlos Kleiber era legenda. Los que lo escucharon quedaron impactados. Nunca ansió un puesto, solo dirigió, como él decía: «Cuando la heladera estaba vacía«. Sus grabaciones de las sinfonías de Beethoven, especialmente las Sinfonías Quinta y Séptima, las de Brahms y Schubert son consideradas «versiones definitivas». A su muerte, Claudio Abbado, dijo de él: “Es uno de los más grandes directores de este siglo. Quizá el más grande”.

«Considerado el más grande de todos los tiempos» tal es así que el «Día del director de orquesta» se celebra el 13 de Julio día de su muerte.

Csárdás aus der Oper »Ritter Pásmán«, Op. 441 (Neujahrskonzert Wien 1989 Kleiber) – YouTube

Aqui el consagrado director Riccardo Muti, nos asesora sobre el Arte de la dirección Musical

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