«Los muchachos»… de Cézanne

«Le Garçon au gilet rouge», obra del francés Paul Cézanne -1839-1906- uno de los nombres más relevantes de la historia del arte y figura estelar del posimpresionismo y de la pintura moderna, es considerado «un puente» entre el impresionismo del siglo XIX y el cubismo de comienzos del siglo XX.

En 1895, para una exposición en solitario que realiza el pintor, el crítico de arte Gustave Geffroy dijo que esta obra podía compararse con los mejores pinturas de figuras de los Antiguos Maestros…

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Durante su estancia en París en compañía de su esposa Hortense y de su hijo Paul y a sus 47 años, el pintor se siente libre por primera vez: » Mi padre fue un hombre genial «, decía. «Me dejó una herencia de 25 000 franco».

Por fin puede pagar a modelos profesionales, el maestro de Aix contrató los servicios de un modelo profesional italiano  Michelangelo di Rosa y realizó una serie de cuatro lienzos con este personaje como figura principal:

El muchacho de Chaleco rojo

Es un óleo sobre tela de 79,5 cm x 64 cm- El óleo es propiedad de la Fundación E.G. Bührle de Zürich, Suiza.

Esta imagen, es sorprendentemente moderna para la época en que fue concebida, con «bloques distintivos de color»: rojo, gris, marrón, azul o verde azulado y blanco. La tela más famosa de la serie es ésta, el modelo acodado sobre la mesa.

El maestro, estaba interesado por el estudio tanto del color como de los volúmenes. Cezanne usa generalmente estos cuadros «como experimentos sobre conceptos pictóricos». O sea sobre la geometría, el volumen o el color, no como retrato del modelo… no le preocupa en su parecido o belleza, lo usa como excusa para sus experimentos en cuanto a la representación de los volúmenes o la luz, como si fuera «un bodegón» , pero con una persona.

Los especialistas, consideran que estamos ante una representación del antiguo tema » La melancolía» ya que esta postura fue frecuentemente utilizada por otros artistas, desde Durero hasta Van Gogh.

El propio Cézanne la había utilizado para el «Fumador de pipa» en fechas anteriores. A la postura, debamos añadir la mirada ausente del modelo que completa la idea.

El rico y variado digamos: » colorido festivo» que utiliza, está presidido por el rojo del chaleco, jugando con las tonalidades primarias y complementarias que los impresionistas habían tomado de Delacroix. Amarillos, azules, verdes y blancos se distribuyen por la superficie del lienzo, aplicados con una pincelada vibrante y libre.

Un cambio en la organización

El espacio está organizado tomando como pauta las formas geométricas para manifestar la volumetría.

Vemos la disposición en diagonal, la división en dos bandas de la pared del fondo o la cortina recogida. Las deformaciones anatómicas se encuentran presentes en los alargados brazos, siendo un evidente precedente de la pintura cubista de Picasso

«El pos impresionismo «

Su nombre se debe a un crítico de arte inglés Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Cézanne, Paul Gauguin y VincentVan Gogh celebrada en Londres por 1910.

Es un «Movimiento de respuesta» «al Impresionismo» que la mayoría de ellos practicó. Si bien es cierto que tomaron mucho de ellos tienen una mirada más subjetiva del mundo, reaccionaron contra el deseo de tratar «lo fugaz», proponiendo como alternativa el análisis de lo perenne.

El Posimpresionismo es en realidad una suma de estilos como: puntillismo o divisionismo, simbolismo etc.

Utilizaron el color y prepararon el terreno para lo que vendría en el siglo XX por ej. el cubismo, subrrealismo.

Crearon otro tipo de artista de «personalidad creadora» que utiliza el color con que se ve, interpreta la realidad, ponen sobre todo su personalidad que los aleja definitivamente del «Impresionismo» y huyen de París…

Aquí lo tenemos!

La superficie de la mesa, se ve «desde arriba», mientras que el modelo se ve desde» un costado».

Fue este dispositivo de usar múltiples puntos de vista lo que inspiró Picasso 1881-1973 para inventar Cubismo analítico junto con Georges Braque -1882-1963.

La paleta reducida que utiliza, crea una sensación de equilibrio, repitiendo colores en varias áreas. Una serie de diagonales se cruzan y se hacen eco entre sí: como el ángulo de la cabeza y la espalda inclinada del modelo, sus brazos y antebrazos, y la diagonal larga del asiento y la mesa que se eleva desde la parte inferior izquierda.

Estos no solo crean una estructura compleja y ópticamente interesante, sino que también ayudan a dirigir el ojo del espectador alrededor de «un círculo» formado por la cara, el brazo derecho y hasta el codo de soporte que apunta hacia la cara.

El maestro de Aix recuperará la forma y el volumen que buena parte de las obras de sus colegas impresionistas especialmente Monet estaban perdiendo.

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Cezanne vendió esta versión de su Muchacho con chaleco rojo 1895 a su comerciante de arte Ambroise Vollard 1866-1939, aquí retratado por Cézanne después pasó por otros coleccionistas de arte como el húngaro Marcell Nemes 1866-1930, en 1909, y el empresario alemán Gottlieb Reber -1880-1959 en 1913.

En 1948 Reber lo vendió al coleccionista de arte y mecenas Emil Georg Buhrle. En 1960, a raíz de la muerte de Buhrle, la pintura pasóa la Fundación EG Buhrle.

Emil Georg Buhrle -1890-1956 fue un exitoso fabricante de armas, coleccionista de arte y mecenas de las artes. Estuvo asociado con la Fundación Emil Buhrle para la literatura suiza -1943, la Fundación Goethe para el Arte y la Ciencia -1944 y la Fundación para el cultivo de Kunsthaus Zurich -1954. Las, tres cuartas partesde su colección fue adquirida entre los años 1951 y 1956, ahora es propiedad de la Fundación EG Buhrle. Abarca esculturas medievales y pinturas de viejos maestros, obras de impresionistas franceses y pinturas modernas por Pierre Bonnard, Georges Braque, Henri Matisse y Pablo Picasso.

La mayor parte de la colección, consiste en pinturas impresionistas de:Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Renoir y Alfred Sisley y pinturas posimpresionista de Paul Gauguin, Georges Seurat, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh y otros.

Tras la publicación de un informe de una comisión independiente de expertos en arte suizo, Buhrle se vio obligado a devolver trece pinturas, propiedad de judíos franceses, a sus antiguos propietarios o a sus descendientes.

Un robo…

Así fue, el 10 de febrero de 2008 el cuadro fue robado. Era la pintura más valiosa de la fundación suiza y estaba valorada en 91 millones de dólares. El Muchacho del chaleco rojo había sido robado por tres encapuchados armados junto a obras de Edgar Degas, Vincent Van Gogh y Monet que formaban parte de la colección de Emil Bührle.

Se recuperó en Belgrado- Serbia, en abril de 2012, tras una amplia operación de la policía y la fiscalía contra el crimen organizado.

La obra de Paul Cezanne estaba escondida bajo la tapicería del techo de una furgoneta, 4 personas detenidas en Belgrado. Estaban a punto de vender la pintura por un precio de 3.5 millones de euros, de los cuales ya se habían pagado 2.8 millones.

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Los otros «muchachos»: el primero pertenece a la National Gallery of Art de Washington– El joven aparece de frente al espectador, apoyando su brazo en la cintura con lo que acentúa la deformidad que caracteriza al cuerpo. La cabeza se empequeñece, recordando a las obras de El Greco, y los miembros se alargan, creando un juego de planos oblicuos con la postura y la disposición de los miembros.

El segundo pertenece a la Barnes Foundation de Filadelfia su postura es frontal y el tercero, en el MoMA de N.Y.de Tamaño: 81×85 cm.

Todos en diferentes poses, le permitieron estudiar a fondo la relación entre la figura y el espacio.

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!Enigma total !

Los panes de Dalí

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De los muchos comestibles que Dalí utiliza de manera simbólica en su obra, es el pan es el que más aparece en ella.

El propio Dalí se refiere a él como » uno de los temas fetichistas más viejos y obsesivos de mi obra , el único al que he permanecido siempre fiel «
Para Dalí, el pan es un elemento básico por autonomasia de la dieta del hombre moderno , tenía connotaciones religiosas y sexuales, cuando lo asociaba con el sacramento de la Comunión , o bien con baguettes cargadas de un alto significado erótico.

Dalí pensaba que observar el pan ayudaba a entender el arte comparando sus dos cuadros titulados igual de la misma manera:»La cesta de pan, de 1926 y la otra de 1945, se podía contemplar la historia del arte«.

El pan, significaba el arte y se convertía en su metáfora…porque ambos alimentan …y alimentarse…!Es vida!.

El movimiento surrealista

Nació en Francia, a mediados de la década de 1920. Esta vanguardia, heredera del dadaísmo, se desarrolló principalmente en los ámbitos de la poesía y la pintura, pero también en la prosa, el teatro, el cine o la escultura.

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En concreto, la fecha de inicio es 1924, año en el que André Bretón redactó el Manifeste du surréalisme. En él propone el automatismo psíquico, mediante el cual se intenta expresar el funcionamiento real del pensamiento.

Se fundamenta en el mundo de los sueños y en el subconsciente, interés desarrollado por los avances del psicoanálisis de Sigmund Freud.

Entre sus mayores exponentes se encuentran figuras como: Max Ernst, Joan Miró, René Magritte o Salvador Dalí entre otros.

La importancia del pan

Dalí no dejó de incidir en la importancia del pan en su vida y hasta de su posible condición de arma revolucionaria.

Aparecía llevando al extremo su relación con el pan. Adquirió la costumbre de dar conferencias con un pan en la cabeza. Y tanto es así, que se planteó hasta crear una organización secreta del pan, cuyo principal objetivo sería “la sistemática cretinización de las masas”.

Propuso la elaboración de una barra de pan de quince metros para colocarlo en el lugar más inesperado y esperar la reacción de la gente, cosa que le encantaba.

Lo que más amaba hace era: des-con-cer-tar... se los imaginaba, asustados y preguntándose:

“¿Contiene explosivos? ¡No! ¿Está envenenado? ¡No! En otras palabras, es acaso un pan que posea alguna peculiaridad además de su desmesurado tamaño? No, indudablemente no, no es tampoco un anuncio. Luego los periódicos, ávidos de hechos insolubles, tomarían el acto por su cuenta, y el pan se convertiría en alimento para el desenfrenado celo de los polemistas natos.”

En el libro ‘Los diners de Gala’ es donde Dalí da rienda suelta a sus desvaríos culinarios e inventa palabras como ‘gastroestética’, que es lo que le lleva a alimentarse únicamente de alimentos cuya forma logra entender.

Otros alimentos como: el huevo, langosta, queso, la carne recurrentes en la obra de Dalí, pero ninguno alcanza la presencia y significación del pan.

Una obsesión para nada casual:

Cuando niño, solo tenía seis años, soñaba con ser cocinero. y ese amor por al arte culinario no lo abandonó nunca dándole preferencia al pan.

El pan Dalí

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Llamado también, pan de tres crostones -pa de tres crostons -en catalán- es una variedad de pan que recibe su nombre porque era su preferido no porque el lo haya inventado, tiene tres «Crostons» es el nombre catalán para los extremos crocantes. A diferencia de un pan normal, que solo cuenta con dos, uno en cada extremo. Este pan existió siempre en la zona donde petenecía el pintor.

Según Jaume Fàbrega– historiador,periodista,crítico de arte, antiguamente una especialidad en las localidades de Salt, Bañolas y en el Ampurdán, el pa de tres cantons o crostons era un «pan de funerales«, que se servía en estas ocasiones.

En el libro Dalícies, Fàbrega explica que el pintor «siempre tuvo una gran afección por el pan, que zampaba con erizos, sardinas, etc».

El pa de crostons ha sido usada históricamente por panaderías desde Barcelona hasta el Ampurdán para referirse a piezas similares.​

Cuenta Àngel Segarra del Gremio de Panaderos Artesanos de las Comarcas Gerundenses, que un padre tenía tres hijas y las tres querían el «currusco del pan», así que el padre hizo este pan para que todas estuviesen satisfechas.

También es llamado pa fressat -‘pan trillado’, pa de cantells -‘pan de cantos’ o pa de merlets -‘de almenas’; en Ulldecona, se le conoce como pa de canonge -‘de canónigo’; en Villafranca del Panadés como pa de colze ‘de codo’ y en Llofriu pa de tres corns- de tres cuernos’.

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Dalí lo hizo famoso, cuando decidió inmortalizarlo en las paredes de la Torre Galatea de su Teatro-Museo llenándolas con aproximadamente 1200 figuritas de ese pan.​

Además, se han conservado diversas fotografías en las que se ve al pintor portando un sombrero con la forma de este pan; por ejemplo Dalí en una corrida de toros en Figueras, en 1961y junto a Gala entre otras.

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Según Àngel Baró, ex alcalde de Cadaqués, el pa de tres crostons es un «pan gironés que tiene que reposar, amasar, reposar, amasar y formar. No se trata de hacerle tres crostons y ya, era una pieza de la gente rica, porque es muy elaborado. Mi padre lo hacía cuando Dalí tenía invitados en su casa, de aquí el nombre de ‘pan de Dalí’, no es porque él lo inventara».

Un pan sencillo

Este pan es típico de Figueras, donde Dalí nació y creció. Lo adoptó como pan arquetípico para sus obras.
El pan Dalí contiene harina de trigo panificable de fuerza media, agua masa madre, levadura y sal. La misma receta que para el pan de payés.

La masa se bolea y se reposa 20 minutos. Quizá la parte más laboriosa sea darle su peculiar forma; para ello se debe moldear una especie de bombín a base de aplanar la masa por los bordes; luego, para formar los crostons, se deben doblar hasta tres veces: una primera vez, se pliegan los bordes hasta formar un triángulo; después, los crostons se retuercen sobre sí mismos; finalmente, se enrollan sobre sí mismos hasta quedar pegados a la masa.n. 1​ Finalmente se deja reposar por segunda, entre 45 y 60 minutos, y se meten al horno a 210 °C hasta quedar bien crujientes.

Una vez horneado y servido a la mesa, no es necesario cortarlo con cuchillo; se parten manualmente los crostons para que al final de la comida quede tan solo un centro esponjoso

​ Ningún alimento tiene la presencia y significación en sus obras como el pan. El pan es un tema recurrente y fetichista en la obra del pintor.

Algunas pinturas de Dalí con panes son:

El pan no era un elemento trivial ni en la obra de Dalí ni en su vida. “El pan ha sido siempre uno de los temas fetichistas y obsesivos más antiguos de mi obra, aquél al que he permanecido más fiel”, decía el pintor.

Dos fantásticas cestas de Pan

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La obra Cesta de pan, de 1926,

Uno de los mayores logros artísticos de Dalí y marcó un hito en su carrera. El pintor utiliza un ilusionismo muy detallado y una iluminación dramática creado cuando tenía 22 años de edad.

Dalí sigue la tradición española de la naturaleza muerta, en la que una escena doméstica representa un reflejo espiritual. Al saturar los objetos con una luz misteriosa, transforma la composición en un objeto de contemplación. 

El fondo alude a la influencia del pintor Francisco de Zurbarán -1598-1664 y a su genial obra: Bodegón de limonesnaranjas y una rosa 1633

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El pan, por su importancia para la subsistencia y su poder simbólico, se encuentra constantemente presente en el arte europeo, ya sea como componente esencial de los bodegones o como testigo de la espiritualidad. Al igual que Vermeer o Zurbarán, hace de ello un símbolo sublime.

La obra Cesta de pan de 1945

Óleo sobre tabla -contrachapado de 33 x 38 Firmado-Gala Dalí / 1945 Fundación Gala-Salvador Dalí, Figueres

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La segunda cesta de pan que pintaba, una obra tan simple como misteriosa que terminó cuando acabó la Segunda Guerra Mundial: “Aquí tenemos una obra sobre la que nada se puede decir: ¡El enigma total!”

La pintura representa un pedazo de pan en una cesta. La canasta se acerca al borde de una mesa. Dalí a su esposa, Gala. La pintura se encuentra en Figueres en el Teatro-Museo Dalí y pertenece a la Fundación Gala-Salvador Dalí. El cuadro fue pintado y terminado en 1945.

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En la versión anterior, el pan representa un elemento básico de la vida. En la pintura de 1945, el pan es la Eucaristía el artista había comenzado su período de místico.

Dalí la expone en la muestra Recent Paintings by Salvador Dalí, celebrada en la Galería Bignou de Nueva York del 20 de noviembre al 29 de diciembre de 1945, y sobre ella escribe en el catálogo:

«Pinté esta obra durante dos meses consecutivos, cuatro horas cada día. Durante este período sucedieron los más sorprendentes y sensacionales episodios de la historia contemporánea.Esta obra se acabó un día antes del final de la guerra. El pan ha sido siempre uno de los temas fetichistas y obsesivos más antiguos de mi obra, aquél al que he permanecido más fiel. Hace diecinueve años pinté el mismo tema. Si se comparan con esmero las dos obras, se puede estudiar toda la historia de la pintura, desde el encanto lineal del primitivismo hasta el hiperesteticismo estereoscópico. Esta obra típicamente realista es la que más ha satisfecho mi imaginación. Aquí tenemos una pintura sobre la cual nada se puede decir: ¡El enigma total!».

«Chinoiserie»…y algo más

Se conoce como «chinoiserie», básicamente a las interpretaciones europeas de los estilos decorativos chinos, muy popular en los siglos XVII y XVIII. Muchos países europeos lo produjeron, pero no se hizo jamás en China hasta mediados de la década de 1980.

Un caso de chinoseire es la célebre porcelana BLUE WILLOW – sauce azul- en sus tonos azul y blanco, que se origino en Inglaterra a pesar de tener un aspecto y una historia «supuestamente» china.

Fue creado en Inglaterra en 1780 por el grabador Thomas Minton.

Minton vendió el diseño al alfarero Thomas Turner, quien produjo en masa el patrón en loza.

Tuvo cientos de creadores e imitadores por eso, difícilísimo de fechar o determinar cual es el fabricante de la porcelana Blue Willow más antigua, ya que hay 400 fabricantes documentados en Gran Bretaña y más 500 en todo el mundo.

La Cerámica Spode, fue uno de los primeros fabricantes ingleses y Buffalo Pottery, el primer productor citado en los Estados Unidos a principios del siglo XX.

Cuenta la leyenda de Blue Willow

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«Que hace muchos, muchísimos años vivía en China un rico mandarín en un magnífico pabellón rodeado de árboles frutales junto a su hija Koong-Shee y su joven secretario llamado Chang. Koong-Shee y Chang se enamoraron.

Los jóvenes se encontraban siempre debajo de un sauce azul que está en el centro del plato.

Chang era pobre y cuando el padre de Koong-Shee se enteró de su noviazgo, desterró a Chang y encerró a la pobre Koong-Shee dentro del pabellón que estaba rodeado con una valla en zigzag al pie del plato.

Al mandarín no le bastó sólo con encerrar a Koong-Shee, además prometió la mano de su hija a Ta-Jin, un hombre rico, malvado y mucho mayor que ella.

El día de la boda, tras el banquete, cuando todos los invitados se encontraban bajo los efectos del alcohol, Chang se coló en el pabellón y Koong-Shee cogió todas sus joyas, las introdujo en un cofre y ambos huyeron a hurtadillas. Sin embargo; justo cuando llegaron a la puerta principal, el padre de Koong-Shee se despertó y en un arrebato de ira los persiguió a través del pequeño puente que cruza el río, al pie del plato en el lado izquierdo. Podemos contemplar a los tres personajes en el puente: Koong-Shee que lleva una rueca, detrás de ella está Chang que lleva el cofre con las joyas y el último es el mandarín blandiendo un látigo.

Los amantes logran escapar escondiéndose en el pequeño pabellón que está al otro lado del puente. vemos una pequeña pagoda.

En esta casa vivía la doncella de Koong-Shee y su esposo, el jardinero del mandarín, al que odiaban por tirano. El matrimonio recibió a los amantes y los protegió en su hogar. Desgraciadamente, el padre de Koong-Shee los descubrió y los jóvenes se vieron obligados a emprender nuevamente la huida. Condujeron un pequeño bote que …en lado izquierdo del plato por el río Yangtsé hasta que llegaron a una isla, , vendieron las joyas del cofre y compraron la isla en la que construyeron una hermosa casa. Chang se dedicó a labrar la tierra hasta que florecieron todo tipo de frutas y verduras y tanto éxito logró en ese cometido que se dedicó a escribir un libro sobre cómo cultivar la tierra. El libro se hizo tan popular en toda China y llegó a manos del malvado Ta-Jin, el marido malvado al que estaba prometida Koong-Shee. Adivinando quién era el posible autor, envió a uno de sus soldados a la isla con el fin de vengarse del hombre que le había robado a su esposa.

El soldado sicario de Ta-Jin se encontró a Chang labrando la tierra y lo mató. Kong-Shee vio la escena desde lejos, corrió al pabellón junto a su marido y le prendió fuego. Decidió estar junto a Chang en la muerte como lo había estado en vida.

Los dioses, se apiadaron de los desdichados amantes y los transformaron en el par de pájaros en la parte superior del plato… Chang y a Koong-Shee, volando felizmente sobre el sauce azul y asi su historia vive para siempre en el plato Blue Willow.»

Una historia del «marketing»

La historia de los amantes desafortunados que se transformaron en palomas o golondrinas era una «estratagema de marketing» para que la gente volviera a comprar la porcelana «china».

La realidad es: que todos los patrones, absolutamente todos, son «auténticos»…si tienen algo en común con la historia saber:

Los Sauces – los Pinos chinos- comúnmente confundidos como manzanos o naranjos, un puente con tres personas sobre él, una valla en zig-zag, un barco, una casa de té -o pagoda y dos pájaros en vuelo en la parte superior de la pieza.

A pesar de todo… hay miles de pequeñas variaciones…

Un ejemplo: las versiones japonesas suelen tener pájaros más gordos que en los primeros patrones ingleses.

Lo interesante de la porcelana Blue Willow es ser: ejemplo temprano de lo que hoy llamamos:Transferware.
Cuando se creó Blue Willow, las costosas importaciones de cerámica china eran pintadas a mano.

Las impresiones de «transferencia» las comenzaron los grabadores...estos grababan el patrón en una placa de cobre que se imprimía en porcelana, o loza. Más tarde, el patrón se transfirió al papel, este método facilitó la producción en masa y a bajo costo.

El Blue Willow no siempre es azul, también se creó en rosa, marrón y en varios colores más. Los coleccionistas y expertos siguen prefiriendo la variedad azul…

Una empresa lider en estas cuestiones…

Durante la década de 1780, ceramistas ingleses, como Thomas Lucas o Thomas Minton y muchos más, realizaban escenas de paisajes basados en originales chinos. La ciudad de Stoke-on-Trent, cuna de la cerámica inglesa en donde se llegó a la estandarización del patrón “Blue Willow”. Muchas cerámicas continuan haciendo este diseño…

Thomas Minton -1765 – 1836 ceramista inglés. Fundó Thomas Minton & Sons en Stoke-on-Trent, Staffordshire, que se convirtió en una empresa de fabricación de cerámica con gran reputación internacional.

Minton se había formado como grabador para la «impresión por transferencia» con Thomas Turner .

Estableció su fábrica de producción de loza en 1793 y de porcelana en 1798.

Formó una sociedad, Minton & Poulson, hacia 1796, con Joseph Poulson, hizo porcelana de hueso a partir de 1798. Esta porcelana de ceniza de hueso o bien llamada: Bone china, de pasta fosfática compuesta además del caolín, feldespato y cuarzo, con un mínimo de 30 % de ceniza de hueso – el fosfato de calcio, se utiliza como fundente. Esta cerámica se caracteriza por su alto grado de blancura y transparencia, dureza y resistencia a los golpes, siendo unas de las más nobles y mejores porcelanas que existen.

Los productos: principalmente vajilla doméstica estándar, sobre todo de «transferencia» de azul y China, incluyendo el motivo del sauce –willow pattern, creado por Minton y cada vez más popular, añadiendo por 1820, objetos de porcelana fina ornamental.

La producción de China cesó por 1816 después de la muerte de Joseph Poulson reiniciando una nueva cerámica en 1824.

Minton muere en 1836, fue sucedido por su hijo Herbert Minton (1793–1858), quien tomó a John Boyle como socio para ayudarlo ese mismo año, dado el tamaño del negocio, para1842 se habían separado.

Herbert desarrolló nuevas técnicas de producción y llevó el negocio a nuevos campos, incluyendo notablemente la fabricación de baldosas encáusticas decorativas , a través de su asociación con destacados arquitectos y diseñadores como Augustus Pugin y hasta se dice del Príncipe Alberto

En 1849, Minton contrató a un ceramista francés: Léon Arnoux como director de arte que permaneció en la Compañía Minton hasta 1892. Fue Arnoux quien formuló el esmalte de estaño utilizado para la rara mayólica vidriada de estaño de Minton junto con los esmaltes de óxido metálico. Desarrolló los esmaltes de plomo coloreados y la tecnología de horno para la Cerámica Palissy en honor al célebre ceramista renacentista de gran éxito.

La mayólica vidriada con estaño de Minton imitó el proceso y el estilo de la mayólica vidriada con estaño del Renacimiento italiano, resultó una fina decoración pintada con pincel sobre un fondo blanquecino opaco.

Se lanzaron estos cambios en la Gran Exposición de 1851, ganando la medalla de bronce por «belleza y originalidad del diseño». Siguiendo, medalla de oro en la Exposición Universal de 1855 en París.

Mintons fue una empresa muy importante en la alfarería de Staffordshire , «la fábrica de cerámica líder en Europa durante la época victoriana».

Además empresa independiente desde 1793 hasta 1968. Líder en diseño de cerámica, abarcando pisos, azulejos, vajilla decoración etc trabajando en una serie de diferentes cuerpos cerámicos, técnicas decorativas y exportando a diversos países del mundo…

«un glorioso popurrí de estilos: formas rococó con motivos orientales, formas clásicas con diseños medievales y bordes Art Nouveau se encontraban entre los muchos brebajes maravillosos».

Algunos diseños de pisos, azulejos…

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Los esmaltes de colores de la «vajilla Palissy» se convirtieron en un elemento básico de Mintons, además de ser copiados por muchas otras firmas en Inglaterra y en el extranjero. A partir de 1840 la companía Minton, utilizó diferentes sellos para reconocerlos según los años de fabricación.

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Minton se asoció con Michael Hollins en 1845 y formó la empresa de fabricación de azulejos de Minton, Hollins & Company. La firma realizó exhibiciones comerciales en todo el mundo.

Sus exhibiciones se llevaron a cabo en la Institución Smithsonian en Washington, DC, con esto la compañía obtuvo muchos contratos prestigiosos, como los pisos de baldosas para el Capitolio de los Estados Unidos. Utilizaban la técnica «encáustica» arcillas de diferentes colores en una misma baldosa, lo que daba posibilidades decorativas mayores.

Gran número de nuevas iglesias y edificios públicos rehicieron sus pisos, a pesar de las protestas de William Morris, auténtico defensor del medievalismo inglés, pisos de iglesias medievales se «actualizaron» con ellos.

Otra fue…

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La «porcelana estatuaria» blanca dura sin esmaltar, más tarde llamada cerámica de Parian debido a su parecido con el mármol de Parian, o de Paros, un ejemplo de este: la famosa Niké – Victoria de Samotracia en el Louvre …

Introducida por primera vez por la fabrica Spode en la década de 1840 y desarrollado aún más por Minton, quien empleó a:

John Bell , que realizó, The Eagle Slayer versión de hierro fundido, exhibida en la Gran Exposición de 1851, ahora en el Museo de la Infancia, Bethnal Green, Londres , el responsable del grupo de mármol que representa a «América» ​​en el Albert Memorial de Londres. 

Al estadounidense Hiram Powers y otros escultores famosos para producir figuras para su reproducción.

En Londres, la reina Victoria compró piezas de Parian – otro tipo de porcelana imitación mármol un servicio de postres con una mezcla de porcelana china y Parian, que luego regaló al emperador Francisco José I de Austria y que permanece en exhibición el Castillo Hofburg de Viena.

La familia de Minton continuó controlando el negocio hasta mediados del siglo XX en Staffordshire con diferentes nombres comerciales a lo largo de los años, sus productos de todos los períodos se conocen generalmente como «Minton», como en «Minton china», o simplemente «Mintons».

Mintons Ltd fue el nombre de la empresa desde 1879 en adelante.

En América

Lo pisos «Minton’s» de la Catedral de Mar del Plata – Argentina

La empresa, líder en azulejos,baldosas y otras cerámicas arquitectónicas, realizó trabajos para las Casas del Parlamento y el Capitolio de los Estados Unidos .

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«Documento Secreto»

Georges-Pierre Seurat -París, 2 de diciembre de 1859-29 de marzo de 1891 fue un pintor francés, uno de los fundadores del Neoimpresionismo, padre del puntillismo y creador de las obras conocidas como: «Un baño en Asnieres«, «Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte» uno de los grandes íconos de la pintura de fines del siglo XIX.

El puntillismo

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Es una técnica artística que consiste en hacer una obra pictórica mediante el uso de diminutos puntos, que al ser vistos desde una cierta distancia componen figuras y paisajes bien definidos.

Esto es, el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat, que llegó a la división de tonos por la posición de diminutos toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina del observador las combinaciones deseadas.

Apareció por primera vez en 1884 con su primer gran obra, un enorme lienzo titulado Un baño en Asniéres que en 1886 fue vendido al Louvre, después que su pintura fuera rechazada por el Salón de París.

Seurat se alió con los artistas independientes de París.

En Francia, le siguieron artistas como Henri-Edmond Cross y Vlaho Bukovac y el muy significativo Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la Société des Artistes Indépendants 1884, todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo este último término es como se lo conoce y popularizó en Italia.

Georges Seurat fue también el autor de: «Young Woman Powdering Herself»;«Muchacha empolvándose», considerada una de sus cinco mejores obras neoimpresionistas y todo un«documento secreto» en la vida de Seurat…

Un secreto que el pintor nunca quiso desvelar ni su familia ni a la mayoría de sus amigos y conocidos: fue la relación que mantenía con esta mujer que él retrató.

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Esta mujer, fue amante y compañera de Seurat hasta su muerte y con ella llegaría a tener dos hijos. Cuando él la retrata en este lienzo de 1889 ella tenía 20 años, según contaría luego Madeleine a Paul Signac, el pintor la había conocido en 1885…con tan solo 16.

Descendiente de una familia de clase obrera y sin ningún tipo de estudios, el pintor se enamoró sincera y profundamente de ella. Seurat, que era de una familia burguesa, nunca se atrevió a presentarla… ni si quiera cuando su relación se hizo más intensa llevándola junto con él, primero a su estudio parisino en el número 19 de la Rue Chabrol y después, casi a finales de 1889, a un estudio que alquilaría en el Passage de l’Elisé des Beaux Arts y donde comenzaría a pintar el cuadro en cuestión…

«Muchacha empolvándose».

Georges SeuratPuntillismo – Título original:Jeune femme se poudrant-Óleo sobre Lienzo-Medidas de la tela: 95,5 x 79,5 cm- Año: 1890- Courtauld Gallery, Londres.

(c) The Courtauld Gallery; Supplied by The Public Catalogue Foundation

Este cuadro, fue considerado en su momento una «burla hacia la mujer»…

Posiblemente, lo hizo criticándose el carácter misógino que tenía.

Está pintado en clave humorística, ironizando y resaltando esos detalles que no le gustaban de las mujeres:corpulentas y vulgares, de exuberantes pechos, con papada, mal vestidas o con peinados extravagantes, etc.

La obra, es una caricatura de ese tipo de mujer y todos los objetos que Seurat introduce forman parte de ese juego irónico y caricaturesco en el que las proporciones de los mismos se deforman y se curvan igual que si la escena se estuviera desarrollando delante de uno de esos deformantes espejos de las ferias domingueras.

Se ha especulado también que el cuadro es una especie de: representación critico-cómica acerca de como una pobre obrera, modelo de un artista, debía trasformarse para poder integrarse en la sociedad burguesa que le rodeaba…

Cuando Seurat terminó el cuadro en 1890, en el espejo o ventana que aparece en la pared y en el que se refleja una maceta con una planta florecida sobre una mesa, Seurat se autorretrató sentado delante de un lienzo y con un pincel en la mano.

Al parecer, uno de sus amigos que conocía su relación con Madeleine, cuando contempló el cuadro le indicó que su autorretrato le parecía ridículo… por lo que Seurat decidió borrarlo desapareciendo así el único autorretrato que existía de Seurat.

Este detalle del» autorretrato«, conocido a través de antiguas fuentes, fue confirmado y definido con gran precisión por los laboratorios del Courtauld Institute of Art de Londres – propietario del cuadro y gracias a las nuevas tecnologías radiográficas.

El Courtauld Institute es una de las instituciones punteras en este campo. Fundado en 1932 por el coleccionista de arte e industrial Samuel Courtauld, el diplomático y coleccionista Lord Lee of Fareham y el historiador de arte Sir Robert Witt.

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La Somerset House, diseñada por William Chambers de 1775 a 1780 es la sede actual de la Courtauld Institute y la Courtauld Gallery desde 1989.

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El cuadro fue presentado en marzo de 1890 en la Société des Artistes Independants de París sin demasiado éxito, eclipsado por su otra obra «Le Chahut».

Un mes antes Madeleine había dado a luz a un niño al que Seurat reconocería y al que pondría sus mismos nombres pero en distinto orden, Pierre Georges.

Seurat moriría inesperadamente con tan solo 31 años el 29 de marzo de 1891 en el domicilio de su madre, en el boulevard de Magenta, donde se había trasladado dos días antes, ayudado por un amigo y acompañado de Madeleine, nuevamente embarazada de su hijo Pierre. La muerte, según se cuenta, fue debida a un proceso infeccioso fulminante… seguramente una meningitis o difteria…también en su hijo moriría quince días después que Seurat del mismo mal.

La familia del pintor, que había conocido en esas circunstancias dramáticas a Madeleine y a su hijo Pierre, fue generosa y decidió repartir la obra del pintor entre ella y Émile, el hermano de Seurat.

La obra fue catalogada por los tres amigos del artista: el crítico y promotor del neoimpresionismo Felix Feneón, y por los pintores Maximilien Luce y Paul Signac a los que la familia les regaló algunas pinturas y dibujos como agradecimiento.

Durante el reparto y cuando apareció el cuadro de «Muchacha empolvándose» Madeleine no pudo evitar exclamar espontáneamente y muy emocionada al verlo: «¡Mi retrato!».

Después del reparto de la obra del pintor, Madeleine perdería también a su segundo hijo que moriría poco después de nacer y el contacto con la familia de Seurat se extinguió.

Madeleine Knoblock falleció años después, en 1903 a los 35 años a causa de una cirrosis hepática.

Algo de… Tintoretto

Lo escribió Virginia Woolf, la escritora británica en una carta: «Hasta que no se ha visto a Tintoretto, no se sabe lo que la pintura es capaz de hacer».

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El bautismo de Cristo es una obra del pintor veneciano Jacopo Tintoretto – 1518/19–1594-realizada por los años 1580-82 de significativas medidas-283 x 162 en estilo «Manierista». Es un retablo, de ahí sus dimenciones, situado a la derecha del altar mayor en la Iglesia de San Silvestro deVenecia- Italia

El origen más directo del bautismo cristiano fue el movimiento creado por San Juan «el Bautista» ,primo de Jesús, en el seno del judaísmo. Jesús y parte de sus discípulos fueron bautizados por Juan y difundieron su mensaje de expiación. Sólo después de la muerte de Jesús, sus seguidores comenzaron a ser bautizados «en el nombre de Jesús», lo que suponía una transformación radical del significado del bautismo: dejaba de ser un simple rito de purificación y de admisión para convertirse en una anagennesis o regeneratio relacionada con la Resurrección.

El bautismo pasó a ser el sacramento más importante para los primeros cristianos, puesto que en ese momento comenzaba la nueva vida en Cristo, la superación de la muerte y la promesa de salvación divina.

Fue San Pablo quien primero relacionó el bautismo con la Resurrección de Jesús. En su Epístola a los Romanos 6, 3-4 dice: «¿O ignoráis que cuantos hemos sido bautizados en Cristo Jesús, fuimos bautizados para participar en su muerte? Con Él hemos sido sepultados por el bautismo para participar en su muerte, para que como Él resucitó de entre los muertos por gloria del Padre, así también nosotros vivamos una vida nueva«.

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Para Tertuliano, escritor eclesiástico de los siglos II y III. dice del bautismo:» es el momento en que el Espíritu Santo desciende en forma de paloma desde el seno del Padre sobre los cuerpos así purificados y benditos».

San Ambrosio 340-397 unió físicamente la Resurrección y el bautismo al construir el baptisterio octogonal de San Giovanni alle Fonti en Milán. Sus restos arqueológicos se hallaron bajo la plaza del Duomo, junto a los cimientos de la basílica de Santa Tecla.

La obra de Tintoretto

En la parte superior y a la izquierda, la presencia de tres pequeños ángeles y una espléndida paloma que simboliza el Espíritu Santo según narran los Santos Evangelios, que exuda su dorado esplendor. Los cuerpos de Jesús y del» Bautista», manieristas, se perfilan de forma casual y rápida…un instante…una impresión.

Jesús, con la cabeza inclinada, sencillo y humilde recibe el bautismo de agua o de purificación de manos Juan el Bautista.

El paisaje, un primer plano y grandioso dominado por el agua, como significado simbólico.

El Maestro veneciano, ha hecho una elección: no a favor de los detalles, sino a favor de la luz, del color y del espacio. Todo un impacto emocional en el espectador es esta obra. Como los impresionistas 300 años después.

La obra es: el color …que es tan penetrante… que shoquea irremediablemente.

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El templo

La iglesia era la sede del gremio de los gondoleros .Ubicada en el distrito de negocios de Rialto.

«El Bautismo de Cristo» de Tintoretto es el primer altar lateral a la derecha.

Originalmente, en el siglo XII, este templo, estaba bajo la jurisdicción del Patriarca de Grado en latín, Patriarchatus Graden(sis).

El Patriarcado de Aquilea fue un estado y una entidad político-religiosa que existió entre los años 568 y 1751 que, fue fundamental sobre todo como entidad eclesiástica al ser la diócesis eclesiástica y metropolitana más grande de todo el medioevo europeo después de Roma.

El patriarca tenía un gran poder. En el 568, bajo presión de las invasiones lombardas, se traslada la sede metropolitana a Grado, bajo protección de Bizancio. La iglesia de Aquilea había sido elevada a patriarcado para acentuar la independencia jerárquica de Roma y Constantinopla, pero en el 606, el patriarcado se divide en dos con un patriarca en Aquilea y otro en Grado.

Esta división fue debida esencialmente a la situación política cambiante de la zona, donde la región del Friuli, que incluia Aquilea era dominada por los lombardos y la costa adriática y véneta estaban bajo la influencia bizantina.

En el año 731 se estableció la separación canónica entre el Patriarcado de Aquilea con las diócesis del Friuli y el Patriarcado de Grado, con diócesis en el Ducado de Venecia, que después se convertiría en el Patriarcado de Venecia.

Después de la reconstrucción, fue reconsagrada en 1422 y en 1485 se fusionó con el Oratorio de Santa Maria dei Patriarchi e di Ognissanti . Después de otro colapso parcial en 1820, la iglesia fue completamente reconstruida a partir de 1837, siendo reconsagrada en 1850, según los diseños de Giovanni Meduna .

La fachada completada en 1909 por Giuseppe Sicher . El techo barroco tiene pinturas de Ludovico Dorigny . Los altares fueron diseñados en el siglo XIX por Santi y decorados por el escultor Giovanni Antonio Dorigo .

La iglesia tenía una serie de pinturas significativas de época renacentista, del «Veronese» y de otros, muchas de ellas vendidas para costear los gastos de reconstrucción.

El Pintor del Color

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Tintoretto, cuyo nombre era Jacopo Comin, nacido en Venecia, 29 de septiembre de 151, fue uno de los grandes pintores de la Escuela Veneciana y representante del «estilo manierista» y precursor del Barroco.

En su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera vigorosa. Su verdadero apellido, ‘Comin’, fue descubierto por Miguel Falomir, jefe del departamento de Pintura italiana del Museo del Prado de Madrid, y se hizo público a raíz de la retrospectiva de Tintoretto en dicho museo en 2007.​

Por su energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado «Il Furioso», y su dramático uso de la perspectiva y los efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco. Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas sobre la vida de Jesús y la Virgen María en la Scuola Grande di San Rocco de Venecia.

Cultivó lo mismo el lienzo que el fresco. Los temas tratados fueron sobre todo religiosos, tanto bíblicos como evangélicos.

El «Paraíso» -1588 aprox., en la Sala del Consejo Mayor del Palacio Ducal, es una de las obras de mayor formato de Tintoretto 22.6 metros de ancho por 9.1 de alto. Este tipo de obras se hacían en diversas telas que al final se cosían, por lo que había que prestar atención a la composición para que las costuras coincidieran con áreas pintadas de colores oscuros.

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Trata temas religiosos de iconografía insólita!! También realizó numerosos retratos de magistrados, funcionarios y hombres de letras, donde se destaca por su agudeza psicológica,

En su taller trabajaron sus hijos, Marietta y Domenico, los más destacados y pocos alumnos. Así como Paolo Fiammingo, Ludovico Pozzoserrato y Martín de Vos. Además, influyó en el Greco, quien debió de conocer su obra durante su estancia en Venecia.

«La última cena» 1592-1594 fue una de las últimas pinturas del maestro terminada poco antes de su muerte. En ella se puede apreciar un estilo muy barroco, con un ambiente muy oscuro que hace destacar los rostros de los discípulos de Jesús, iluminados por sus propias aureolas.

En la Iglesia de San Giorgio Maggiore, Venecia

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El pintor no salía de Venecia casi nunca. Hombre del renacimiento, sabemos que además de pintar tocaba el laúd, era luthier y también un poco ingeniero, inventando artilugios excéntricos.

Tintoretto murió de peste el 31 de mayo de 1594. Tenía 75 años y había pintado más de 300 obras.

Día de Reyes…

Para celebrar esta fecha querida por todos, nada mejor que echar un vistazo a la Capilla de los reyes Magos del Palacio Médici- Riccardi, Joya dentro de Renacimiento Italiano…

En la Vía Cavour de Florencia, antaño Vía Larga, se levanta este palacio que en 1444 construyera Michelozzo di Bartolomeo a petición de Cosme de Médicis, el fundador de la celebérrima Dinastía después conocido como «el Viejo

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Es el prototipo de palacio renacentista florentino con tres pisos y articulado en torno a un patio central cuadrado y porticado. El hecho de estar concebido como residencia particular de la familia gobernante, complemento de la sede del gobierno ubicada en el Palazzo Vecchio, hace que la edificación presente sus propias peculiaridades.

Es un edificio sobrio y austero con fachada almohadillada y arcos ojivales, residencia de la familia hasta 1659, que pasó a manos de la familia Riccardi, que luego hizo reformas barrocas.

El palacio estába concebido para dos finalidades: una pública y otra privada.

Por un lado, a ser el centro de los negocios de esta familia de banqueros florentinos, motivo por el que cuenta con un piso bajo muy hermético al exterior, un pasillo de acceso directo desde la calle y un patio que adquiere el valor de un espacio semipúblico para realizar negocios, en torno al cual se articulan las dependencias.

En la fachada, muestra el empleo del almohadillado rústico, estando su perímetro recorrido y a ras de la calle, por una «bancada pétrea» en la que esperaban sentados los clientes de los Médicis, siendo el origen del término «banco» aplicado luego a todas las instituciones dedicadas al préstamo de dinero.

 El edificio cuenta también con múltiples dependencias palaciegas, incluyendo una elegante escalera y una capilla privada en el primer piso.

Es precisamente en los muros de esta discreta y suntuosa «capilla» u oratorio, donde aparece el espectacular ciclo pictórico, dedicado al Cortejo de los Reyes Magos, que plasmara en 1459 el pintor Benozzo Gozzoli por encargo de Cosme el Viejo, magnífico pretexto para el ensalzamiento y glorificación de la familia Médici.

Las pinturas ocupan la totalidad de las paredes y están orientadas hacia el ábside donde hoy, está una copia del cuadro de la Adoración del Niño Jesús de Filippo Lippi.

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Desarrollado en tres de sus muros: La Cabalgata o Cortejo de los Reyes Magos camino de Belén y en los muros del ábside además se representa La Anunciación a los Pastores del Nacimiento de Cristo y la Adoración de los ángeles

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Y detalles de infinitos personajes que demuestra la maestría del artista, marcado por la delicadeza en miradas gestos

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Benozzo Gozzoli. -Florencia,1420- Pistoia, 1497. Fue discípulo de Fra Angelico y colaboró con él en los frescos que pintó éste en el Vaticano -1448. Luego se independizó y trabajó como maestro en Montefalco, San Giminiano, Florencia y Pisa.
Combina el lenguaje pictórico del Quattrocento de la Toscana con el estilo flamenco e internacional del siglo XV, es considerado un artista de transición entre el Gótico y el Renacimiento.
Busca prototipos de belleza idealizada… pero es capaz de hacer retratos realistas exquisitos y detallados a la manera flamenca.

Benozzo Gozzoli, destaca entre el séquito del rey Gaspar tocado con un gorro rojo en el que firma la pintura: «Opus Benotii«/»Obra de Benozzo«


La inspiración…

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Lo encontró en la obra de Gentile da Fabriano y sobre el mismo tema: la tabla al temple de La Adoración de los Magos .

Esta obra, hoy en el museo de los Uffizi, pero se realizó para la capilla familiar, la de los Strozzi en la iglesia de la Santa Trinità en Florencia.

Los Strozzi eran una de las familias más ricas de Florencia en ese momento y con ese cuadro quisieron manifestar expresamente el poder de su dinastía. Para ello, impusieron al artista que utilizara en la obra tanto los materiales más caros, dorados con relieves de plata etc. incluye una gran cantidad de personajes, familiares o clientes y animales exóticos: guepardos, dromedarios, monos relacionados con el lujo cortesano.
Sus obras, muy dinámicas y muy libre el color.

Un notable acontecimiento

Benozzo Gozzoli utiliza este tema tan querido por el cristianismo como pretexto para plasmar un cortejo, inspirado en el que organizaban los gremios florentinos cada 6 de enero: recrear un acontecimiento histórico ocurrido veinte años antes en la ciudad: la celebración en Florencia en 1439 del Concilio de la reunificación de la Iglesia católica y la Iglesia ortodoxa, un gran éxito personal de Cosme el Viejo… que tras el fracaso de las primeras sesiones en la ciudad de Ferrara, conseguiría la presencia en la ciudad de Juan VIII Paleólogo, emperador de Constantinopla, de buena parte de su corte, así como de José II, Patriarca de la iglesia ortodoxa, que en realidad perseguían el apoyo occidental al imperio bizantino, por entonces amenazado por los turcos, que caería finalmente en 1453.

La presencia en Florencia de aquellos personajes, que desfilaron por la ciudad, había constituido todo un acontecimiento. 

 De este modo y con apariencia piadosa, representa el lujoso cortejo que rememora el pintoresco desfile de aquellos asistentes al Concilio, haciendo el pintor una «transposición» de los personajes sagrados a distintos miembros de la familia Médicis y al emperador de Constantinopla, convirtiendo el relato evangélico en una crónica cortesana del poder de los Médicis.

El pintor realiza la obra con la complicada técnica del fresco en las paredes del oratorio del palacio, una innumerable sucesión de personajes y animales en un paisaje que oscila entre la descripción cartográfica y la invención fantástica, con una infinidad de motivos anecdóticos y gran sentido narrativo, destacando la calidad de los rostros tomados del natural, entre los que aparece hasta el del propio pintor y lujosos cortesanos ataviados según la sofisticada moda florentina del momento.

     Sin interrupción narrativa, se suceden las escenas en cuyos primeros planos aparecen resaltados los Reyes a lomos de blancos corceles, luciendo lujosas vestiduras y coronas, seguidos y rodeados de un nutrido grupo de personajes que adoptan todas las formas posibles: de frente, de perfil y en escorzo, unos a caballo y otros a pie, con un alarde de ricas telas de brocados, sedas y bordados y portando armas y exquisitas piezas de orfebrería. No faltan los animales exóticos de los jardines medíceos, como los monos,o como símbolo de poder, los guepardos domesticados y las aves rapaces utilizadas en las artes de cetrería.

Los reyes

 Las figuras de los Reyes, siguen la tradición de entonces… representan: las tres edades del hombre.

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Es el caso de Segismundo de Luxemburgo, emperador del Sacro Imperio, caracterizado como el anciano rey Melchor, con una larga y poblada barba blanca.

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El rey Gaspar es un retrato idealizado de Lorenzo el Magnífico en su juventud…

Por su parte, el rey Baltasar, de tez morena, se identifica con el emperador Juan VIII Paleólogo, diferenciado por su tez morena, un turbante en la corona, un lujoso traje de brocados y largas espuelas de oro

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Piero el Gotoso, cubierto por el característico gorro de terciopelo rojo padre de Lorenzo

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También están presentes en el séquito su hermano Giuliano, su tío Giovanni y su abuelo Cosme el Viejo.

Todos ellos tocados con gorros rojos, apareciendo otros altos dignatarios, como los retratos del tiránico y cruel Galeazzo María Sforza, duque de Milán, Segismondo Pandolfo Malatesta, señor de Rímini, poeta y mecenas, e incluso el filósofo Marsilio Ficino, por entonces ideólogo de la corte medícea.   

  En el séquito se han querido identificar las hermanas de Lorenzo y Giuliano de Médicis caracterizadas como pajes de rubias cabelleras: Nannina, Blanca y María .

Los humanistas bizantinos: Jorge Gemisto Pletón y Juan Argyropoulos, a los que se une el cardenal Eneas Silvio Piccolomini, futuro papa Pío II.  

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El ciclo de pinturas de Gozzoli fue concebido en relación con el retablo original de Filippo Lippi -hoy en Berlin, que representa la sencilla adoración del niño y enfatizar los temas de la Santísima Trinidad y la Encarnación.

El altar es el centro de toda esta magnífica obra y el punto hacia donde se dirigen los personajes de esta singular narración pictórica.

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Por encima… el espectacular monograma de Cristo, el sol radiante resplandeciente de oro en el techo de madera del ábside sobre un fondo azul, parece asumir el papel de la estrella de Belén que marca el lugar de nacimiento del Redentor.

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Una vista de la capilla… con el piso, que por si solo muestra el esplendor de la obra.

Otros detalles para admirar …la dedicación y predilección por la perfección…

         !!!! Feliz Día de Reyes!!!!

El gran parodiador!!!

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Williams Hogarth el terrible y satírico cronista inglés-Se le considera uno de los padres de la escuela artística británica tras varios siglos de predominio de artistas extranjeros en el país.

Ronald Paulson, moderna autoridad sobre Hogarth, le ve como:» Un auténtico y subversivo parodiador«.

Prácticamente… autodidacta

En comparación con la de los grandes artistas de la misma época como Watteau o Chardin, la pintura de Hogarth es pobre, pero la tosquedad conviene a los mensajes. Recibió formación técnica como grabador y luchó contra la falta de reconocimiento y el esnobismo de la sociedad británica.

Incorpora elementos humorísticos de influencia holandesa y realiza un arte popular, tosco aparentemente, pero la suya no es una simplicidad gratuita o derivada de la incapacidad, sino que la usa para contar lo que pretende.

Sus fuentes de inspiración.

Era contemporáneo y amigo del escritor Henry Fielding, que decía: «Lo que hago tiene gran mérito, porque estoy haciendo historia, no historia oficial, sino la que no se ve, la historia del pueblo, y para ello hay que meterse en los agujeros y escondrijos de la realidad».

Se refería a lo que se oculta o nadie observa. Ambos trabajaron en la misma línea…antecedente directo de estas composiciones los encontramos en los retratos de grupo holandeses de Hals o Rembrandt.

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«La familia» no se presenta aquí en actitud burguesa, sino en una conversación distendida.

Sus miembros son burgueses refinados, sin lujos, pero bien vestidos, comentando la adquisición de un cuadro. Se encuentran en el jardín… un jardín muy inglés, verde, pintoresco y frondoso.

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Que ocurría por entonces?

Hogarth acertó al tomar temas morales del momento para pintar y grabar. La Inglaterra por entonces tenía poco de comedia y diversión. No obstante, sus grabados eran costosos, solo en el siglo XIX se divulgaron ampliamente.

Con muerte de Sir Godfrey Kneller en 1723 se puso fin a la larga dinastía de artistas extranjeros que habían dominado la pintura inglesa durante doscientos años, comenzaba la historia del arte inglés.

Los alumnos y seguidores del afamado Kneller eran «fabricantes de retratos» convencionales, Sir James Thornhill 1676-1734 hizo un esfuerzo por mejorar la decadencia en la que la Pintura figurativa inglesa había caído sin éxito. Fue su alumno y yerno, William Hogarth, y un nutrido grupo de brillantes artistas como Reynolds, Gainsborough, Wilson, Turner, Constable que aparecieron en Inglaterra y en cien años la historia había cambiado.

Hogarth era un hombre extraordinariamente inquieto y muy descontento con la sociedad de su tiempo, decidió poner su arte al servicio de la sátira y la crítica social. Comenzó así la realización de una serie de telas sobre un mismo tema, que las plasmó como representaciones teatrales, de modo que estableció un paralelismo entre cuadro, escenario, figuras y actores.

La riqueza de detalles y matices psicológicos, así como la intensidad dramática y el acierto compositivo de ellas contribuyeron, sin duda, a la muy buena aceptación de estas obras, punzantes retratos de la sociedad inglesa del momento.

Un ejemplo donde fue protagonista!!!

Como espía de La Puerta de Calais…

El cuadro está ambientado en la Puerta de Calais, ciudad portuaría francesa, desde la cual partían los buques hacia Dover. Hogarth seguramente tuvo que esperar para cruzar el Canal tomando notas en su cuaderno… !siempre dibujaba! Era incansable!

Un aduanero francés, sospechó que se trataba de un espía y ordenó su detención. Hasta que se aclaró el problema, estuvo arrestado en una posada de Calais: Le Lion d’ Argent.

Una vez en Inglaterra, pintó la obra.

Una enemistad secular…

La rivalidad  franco -británica se puede visualizar y explicar en un óleo del pintor,  en el cual se pone de manifiesto esta enemistad  histórica. 

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Es un óleo sobre lienzo que se exhibe hoy en la Tate Galleries de Londres se titula  irónicamente: “El roast beef de la Vieja Inglaterra”. Lo pintó en 1748, después de un viaje a Francia.

Francia bajo el símbolo de la ave rapaz...
Si la observamos, en lo alto de la puerta, sobre la cruz que corona los escudos hay un ave rapaz, esta, se omite en el posterior grabado. La imagen, quería transmitir que los aduaneros franceses eran aves rapaces, que creaban falsos problemas para que el pobre desgraciado que cayera entre sus garras tuviera que buscar un picapleitos, que ellos mismos le proporcionaban y previo pago… el problema se arreglaba.

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El símbolo de Inglaterra, el roast beef!

La escena principal en el centro de la composición: un robusto fraile que mira con deseo la enorme pieza de roast beef, envuelto en un lienzo blanco que tiene una inscripción: “For Madm. Grandsire at Calais” La señora regentaba la Fonda de Le Lion d’ Argent, donde él pintor fue arrestado. 

El roast beef  es objeto de una mirada codiciosa por parte de los soldados franceses que están comiendo una triste sopa. Al mismo tiempo, a la izquierda hay unas pescadoras, que miran con ilusión una carpa que han pescado…

Un soldado, patrulla la Puerta. Detrás de este, un hombre sentado escribiendo. ¡Es Hogarth tomando notas…!!! Sobre de él, asoma una pica…la del soldado que lo va a detener.

La Puerta de la ciudad nos deja ver una procesión religiosa, las mujeres se arrodillan a su paso y cierra la escena un necesitado sentado sobre el piso de tablas…

Explica a su manera…

Los franceses pasan hambre y tienen envidia del roast beef  inglés…los aduaneros franceses son unas aves papaces, hacen todo lo posible para robar a los pobres viajeros que cruzan el Canal!!!

Sus retratos

Hogarth no abandonó nunca la especialidad del retrato y se dedicó también a plasmar por escrito sus ideas estéticas: La anatomía de la belleza, una de sus obras que gozó también de gran éxito.

Definió sus trabajos como: comic history painting

Sus grabados satíricos fueron considerados importantes precedentes de los «Comics». Hay que recordar que la palabra cómic procede de comedia, que en griego designa a las representaciones teatrales que tratan de la vida contemporánea -frente a la tragedia, que habla de héroes o dioses legendarios que desarrollan acciones sobrenaturales.

Los relatos presentes en las obras de Hogarth producían en el espectador risa o emoción en la medida en que se veían ellos reflejados, sus propias vidas.

La ópera de Igor Stravinsky, The Rake’s Progress, con libretto de W. H. Auden, se inspira en las series de Hogarth con ese título.

Entre sus numerosas secuencias de pinturas anecdóticas destacan:

La carrera de prostituta -seis escenas-

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La carrera de libertino -ocho escenas

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La vida de un libertino no es un cuadro sino ocho momentos:

 La herencia– La levée – La taberna – El arresto – La boda – El garito – La prisión y El manicomio.

Narra la vida del hijo de un rico comerciante que se gasta su herencia en lujos, prostíbulos y juego, y no termina muy bien.

Esta manera de contar una historia en varias escenas, en varios cuadros, le valen a Hogarth el reconocimiento de “pionero de la historieta -comic- occidental”.

Y al igual que las historietas, estas series terminan difundiéndose de manera masiva.

En su momento no se venden bien como cuadros por ello Hogarth realiza los grabados e imprime una gran cantidad de reproducciones.

Se suma al virtuosismo de Hogarth para que estas escenas se conviertan en referentes fundamentales de la imagen de aquella sociedad.

Matrimonio a la moda-

Seis cuadros de 70 x 90 cm, pintados al óleo entre 1743 y 1745. Se conservan en la National Gallery de Londres su propósito inicial fue servir de modelo para grabarlos en planchas de cobre. Los grabados, que plasman cada composición de forma invertida, tuvieron una enorme difusión en la Inglaterra del siglo XVIII.

Despiadada sátira contra los convencionalismos sociales y casamientos acordados sólo por dinero. Se leen de manera secuenciada, como un folletín plasmado en una historieta. Los títulos de cada cuadro son: El acuerdo matrimonial– El cara a cara – La consulta del médico – La toilette – El bagnio – y La muerte de la condesa.

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La primera imagen de la serie representa el acuerdo matrimonial de antes de 1743, A la derecha aparece el conde Squander arreglando el casamiento de su heredero con la hija de un rico mercader, que se distingue al otro lado de la mesa por su llamativa casaca roja. El conde señala el árbol genealógico de la familia, que se remonta a Guillermo el Conquistador para corroborar la nobleza y antigüedad de su linaje, mientras apoya en un taburete su pie enfermo de gota, signo de degeneración, el taburete, decorado con su corona.

Por la ventana se distingue la nueva mansión que está construyendo en Londres en estilo neoclásico, inacabado por falta de recursos; un acreedor presenta al conde sus facturas.

El mercader examina atentamente las cláusulas del contrato matrimonial, que sostiene con la derecha, sobre la mesa, un montón de monedas de oro: se trata de la dote de la novia que la figura con gafas acaba de entregarle.

Los novios se encuentran a la izquierda pero no muestran ningún interés el uno por el otro. El hijo del conde se mira a sí mismo en un espejo, actitud narcisista propia de la nobleza, la hija del mercader se deja asesorar por otro letrado, de nombre Silvertonguelengua de plata.

Dos detalles iconográficos que refuerzan el tema representado: dos perros en la esquina inferior izquierda, simbolizan la fidelidad del matrimonio y el cuadro redondo de marco rococó colgado en la pared izquierda, en el que una cabeza de Medusa mira horrorizada la situación.

Campaña electoral.

Igual que las anteriores, todas las obras se grabaron después de ser pintadas, lo cual contribuyó a su difusión y de un éxito por igual en todas las capas sociales.

Pedir el voto.

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Cuatro imágenes de una elección- 1754-William Hogarth se encuentra en el Londres, Soane’s Museum.

En el centro, un campesino es halagado por los representantes de los dos partidos. Cada uno le ofrece con una mano, la papeleta de voto y con la otra le desliza una bolsa de dinero. El cartel de la posada, muestra al personaje de Punch arrojando monedas de oro a la muchedumbre. A la izquierda, el león británico, símbolo del país, en un vulgar asiento frente a la posada.

Cada detalle de la pintura lleva un mensaje específico y todo forma un conjunto armonioso.

William Hogarth -Londres, 10 de noviembre, 1697- 26 de octubre, 1764 artista británico, grabador, ilustrador y pintor satírico.  En aquella época, los grandes encargos artísticos, eran acaparados por artistas extranjeros, dentro de un estilo rococó que Hogarth detestaba, lo consideraba artificial.

Los reyes y la nobleza inglesa subestimaban a los artistas nacionales y preferían convocar a los más cotizados del continente, lo que explica que desde el siglo XVI, los artistas ingleses fuesen eclipsados por autores extranjeros instalados en el país como Hans Holbein el Joven, Rubens, Van Dyck, Orazio Gentileschi, Sebastiano Ricci y Canaletto.

Fue aprendiz del grabador Ellis Gamble en Leicester Fields, donde aprendió a grabar, se interesó por la vida de las calles y ferias londinenses, se entretuvo esbozando los personajes que veía. 

Hogarth criticaba el gusto inglés, la mitología, los retratos pomposos, pero la falta de encargos le obligó a flaquear en sus convicciones: abordó otros temas pero no alcanzó resultados convincentes.

Los detalles

En sus obras, son los preciosos detalles que hacen que cada pintura sea un tesoro de alusiones finas y perspicaces: Hogarth, como Dickens, experimentan una gran fascinación por todo lo que se proponen condenar.

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En 1745 se representó junto a su perrita Trump en un famoso autorretrato hoy en el Tate Britain de Londres inspirado en el autorretrato ovalado de Murillo, el pintor español, ahora en la National Gallery de Londres.

En el, Hogarth procuró reflejar su personalidad: viste ropajes modestos, el perro, es símbolo de perseverancia y fidelidad a sus principios…

Defendía la expresividad del trazo curvo frente al sobrio neoclasicismo reinante.

Junto a su efigie aparecen varios de sus libros satíricos favoritos. Una paleta muestra la inscripción The line of Beauty –El análisis de la belleza, que alude a su tratado de estética que estaba preparando y publicó en 1753 acompañado de grabados.

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