El secreto del Castillo de Angers…

 

Angers_Castle

Anjou,  fue un antiguo condado por los años 880, ducado en 1360 y provincia centrada en la ciudad de Angers en el valle inferior del Loira, al oeste de Francia actual departamento de Maine-et-Loire. Creado durante la Revolución francesa, el 4 de marzo de 1790 y corresponde a la antigua provincia de Anjou. Originariamente, el departamento se llamaba Mayenne-et-Loire. El 12 de diciembre de 1791 adoptó la denominación actual.

Se conoce como Casa de Anjou o Dinastía Angevina a tres dinastías de origen francés, de las que se originaron distintas Casas Reales. Distintos miembros de las Casas de Anjou llegaron a reinar en: Jerusalén, Inglaterra, Sicilia, Nápoles, Hungría y Polonia.
En Inglaterra, la dinastía Anjou comenzó a ser conocida como dinastía Plantagenet, debido a una característica de la vestimenta de Godofredo V de Anjou, llevaba siempre en el gorro una ramita de retama en francés genêt, lo que le valió el apodo de Godofredo «Plantagenet».

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Esta  fortaleza se construye a partir de 1230 bajo la regencia de Blanca de Castilla y su joven hijo  Luis que luego sería santo.

Los duques de Anjou pasan temporadas en la fortaleza. Príncipes fastuosos desde siempre y cercanos al rey de Francia, son entusiastas constructores y grandes amantes del arte.Ellos establecieron allí su corte principesca en los siglos XIV y XV.

Luis I de Anjou moderniza el palacio condal, sigue Luis II  que construye la capilla.

Es una sainte chapelle, este nombre es dado a las iglesias que conservaron una reliquia de la Pasión: en la famosísima  de París la Corona de Espinas que consiguió san Luis. La reliquia en Angers, una astilla del fragmento de la«Vera Croce» que había  adquirido  también en su momento el rey santo.

René edifica la «Residencia real» (1435-1440) y «El castillete» (1450) que cierra el conjunto del patio señorial.

 


Por esa época se comienza con los jardines, arquitecturas ligeras y un extraordinario zoológico con animales domésticos y exóticos.

El secreto del Castillo…

Su emplazamiento es estratégico ya que se sitúa en el punto más alto de Angers, dominando el Maine. Con una superficie de 25.000 metros cuadrados, su muralla mide más de 800 metros de largo y 17 torres de pizarra y piedra caliza. Una verdadera fortaleza.

Y es aquí en este legendario castillo, actualmente  una de las fortalezas medievales mejores conservadas de Francia. donde se conserva el famoso Apocalipsis de Angers un tapiz medieval el más antiguo y más largo que ha llegado hasta nuestros días. Originalmente medía 140 metros de largo por 6 metros de alto e incluía 84 paneles.

El Tapiz

En una época donde la imagen lo era todo, esta obra ha sido precursora del arte medieval. Su virtuosidad estilística y técnica la han convertido en una pieza esencial del patrimonio cultural de Pays de la Loire y es  el tesoro más valioso que se guarda en el castillo.

Loísd'Anjau

Este fue encargado por Luis I de Anjou, hermano del rey Carlos V de Francia, hacia 1375.

El motivo

La Peste Negra  pudo haber sido la principal causa. Esta fue una de las pandemias más devastadoras en la historia de la humanidad que alcanzó su punto máximo en Europa entre los años 1347 y 1350. Todas las clases sociales se vieron afectadas aunque las clases más bajas eran las más vulnerables. La Peste Negra tuvo un profundo impacto en el arte y la literatura.  El estado de ánimo general era de pesimismo y el arte contemporáneo se oscureció con las representaciones de la muerte. También inspiró a la arquitectura, las iglesias medievales tardías muestran estructuras impresionantes centradas en la verticalidad.

Otra de las causas

La Guerra de los 100 Años. En la víspera de la primera oleada de la Peste Negra, Inglaterra y Francia fueron a la guerra en lo que se conocería como la Guerra de los Cien Años.

Entre ambas causas posibles,  resultó que en pocos años se redujo la población mundial de manera alarmante  no quedaban campesinos  para la labranza de las tierras mi soldados para la guerra tal es así, que se necesitaron de 80 a 150 años,para que la población de Europa se recuperase.

El  Tapiz del Apocalipsis

 Louis  I de Anyou  muy decididamente…  eligió el tema «Apocalipsis»  porque consideró que todos  estaban viviendo su propio «Apocalipsis»,  las Peste ylas Guerras mencionadas en el libro.

Confió la realización de los cartones a un pintor reconocido, Hannequin de Bruges- también llamado Jean Bondol o más comúnmente Jean de Bruges,
pintor del rey. El artista se inspiró en diversos manuscritos, sobre todo en un
Apocalipsis del S XII. La ejecución del tapiz fue orquestada por Nicolas Bataille, un comerciante de tapices, y finalmente realizada en París por Robert Poinçon.

Esta monumental  colgadura  impresionaba por todas partes!!! tanto por sus dimensiones y colorido, por el tema  tratado y por la calidad  exquisita de su ejecución Era utilizada para engalanar el castillo cuanta ocasiones solemnes hubiese para apabullar a los honorables invitados.

Muchas fuentes que mencionan estos  eventos: el período de
Navidad a Epifanía de 1404 en la Catedral de Saint Maurice de Angers, o para
coronaciones y casamientos regios,  indudablemente,  un objeto de lujo exquisito y rico tesoro que ennoblecía cualquier sitio donde se lo presentase.

Los materiales

Confeccionado con lana teñida con colorantes naturales. Lana para la urdimbre y trama. Una lana de colores vivos, teñida con la ayuda de colorantes vegetales, como la gualda para la gama de amarillos, la rubia roja para los rojos y la hierba pastel para los azules.

El reverso es idéntico al anverso!!! lo cual demuestra el virtuosismo de los tejedores. Se calcula que habría llevado entre 50 y 84 años de trabajo a una sola persona para completar todo el tapiz. Está confeccionado con lana teñida con colorantes naturales y es reversible,  que nos habla del virtuosismo de los tejedores con toda seguridad fue terminado en 1382.
Este ciclo de tapicería que ha llegado hasta nosotros y mantiene aún fresca la
impronta espiritual que debió dejar en sus contemporáneos la representación del Apocalipsis de Angers.

Los avatares del tapiz

Durante muchos años estuvo expuesto en la Catedral de Angers por orden del rey René.

En 1699, fue colgado incompleto en la nave y los transeptos de la Catedral de
Angers, guardándose algunas piezas, dado que no alcanzaba el espacio para su
exhibición Cuando no estaba en la nave de la catedral, se conservaba en baúles, enrollada sobre sí misma. Más tarde también de aquí sería desechado llegada la Revolución, los canónigos decidieron retirarlo en forma definitiva.

Maltratado durante la Revolución Francesa, era una obra era considerada de una época bárbara, servía de manta para los caballos, de alfombra para limpiar los pies, de protector para los naranjos en invierno incluso, para aislar los establos del frío. Fue vendido en 1843 como objeto sin valor alguno.

Hasta que en 1848 el que fuera obispo de la Catedral de Angers – Joubert … decidió salvar al Ciclo de tapices y mandardo a restaurar. Gracias a él, la tapicería se salvó y recuperó sus vivos colores.
Recién en 1870,  fue expuesto en la nave de la Catedral durante las fiestas, esto atraía al turismo y  peregrinos que deseaban admirar la obra, que aunque mutilada e incompleta, no dejaba de asombrar y encantar.

Cuando en 1906 se dictaminó la separación entre Iglesia y Estado en Francia, el
«Ciclo» pasó a depender del Estado Francés. En 1911 se creó el Musée des Tapisseries, bajo la dirección del Abate Urseau; donde se expusieron en sus numerosas salas un apretadísimo número de objetos del antiguo Museo Diocesano y algunas partes del Tapiz, ya que otras, permanecían colgadas en la Catedral. Nunca el Ciclo pudo ser expuesto en forma completa como en sus épocas medievales.

La Temática

Siempre aparece un personaje  que sería Juan, el autor del Apocalipsis, que nos va narrando presentando los acontecimientos que vive y es Dios el que le pide e insiste  que los escriba.

 

 

 

 

Usualmente vestido con túnica blanca o azul, tiene manto rojo, salvo en la escena que contempla la adoración de la Bestia con expresión de absoluta reprobación.
En algunas ocasiones Juan participa de la escena, además de presentarla, como por ejemplo, llorando, en la que manifiesta horror por lo sucedido en ella, expresa su temor
o su perplejidad ante los acontecimientos venideros …

 

 

 

El tapiz, de índole narrativo, mantiene un interés constante debido a la riqueza de imágenes que se desarrolla en toda la obra. Asombra el espectacular colorido que mantiene a pesar del deterioro que sufrió y perfectamente se pueden seguir las escenas narradas en el último libro de la Biblia.

Al final… un lugar… «el tapiz encontró su paraíso»

Después de la II Guerra Mundial, el Estado decidió instalar la tapicería del Apocalipsis en un complejo museográfico inaugurado en 1954 en Angers.

El arquitecto jefe de los Monumentos históricos Bernard Vitry prestigiosísimo profesional que había  restaurado innumerables edificios medievales, restituyéndoles su antiguo esplendor fue el encargado de diseñar y dirigir la obra, aprovechándose la ocasión para una renovación completa de los edificios del Chatêau. Construyó una galería en forma de ángulo recto en el emplazamiento de los antiguos edificios que cerraban el patio señorial del castillo de Angers.

Esta galería fue modificada en 1998, ya que presentaba grandes ventanales que dejaban penetrar la luz solar y lunar, lo cual degradó los colores. renueva y adapta en 1996 este espacio, a fin de proporcionarle una presentación y conservación a la altura de su reputación iluminación con fibra óptica, climatización, etc.

castillo del Loira

Otra faceta sorprendente del Castillo

En el Castillo de Angers, los 25.000 m2 de la propiedad fueron declarados:

Refugio de la Liga Protectora de las Aves.

Nada menos que 23 especies de pájaros viven aquí protegidas de los depredadores y de los productos fitosanitarios: merlos, herrerillos, palomas torcaces, tórtolas turcas… Asimismo, el techo-terraza contiguo a la entrada principal dispone de colmenas que produce una miel excelente.

Y en el antiguo foso …diferentes tipos de jardines.

El Castillo de Angers mantiene vivo el espíritu del rey René, gran apasionado de la botánica,  ha sido engalanado con diferentes jardines: un jardín regular, una rosaleda, una magnífica colección de hortensias, un huerto con un prado de flores medievales y como no podía ser de otro modo, un viñedo, que era muy apreciado por el rey . Un jardín suspendido que descansa apaciblemente en las alturas de las murallas compuesto por arriates de formas geométricas, encontramos plantas aromáticas, medicinales y culinarias. Algunas de ellas,  se encuentran representadas en el Tapiz del Apocalipsis.

 

Los jardineros del castillo aplican los principios del desarrollo sostenible y utilizan un método de cultivo sin tratamientos químicos. Así es como han reintroducido las crisopas, enemigos naturales del pulgón que ataca con frecuencia a las viñas y a los rosales.

 

 

 

 

 

«Die Forelle»

http://art-klimt.com

Franz Peter Schubert en el piano – obra de Gustav Klim

Franz Peter Schubert -Viena, 31 de enero de 1797 – 19 de noviembre de 1828- Compositor austriaco de los comienzos del romanticismo musical, también continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. Fue un gran compositor de lieder (breves composiciones para voz y piano, antecesor de la canción moderna), así como de música para piano, de cámara y orquestal.

Schubert no pudo en vida estrenar ni publicar ninguna de sus obras operísticas u orquestales. A lo sumo se interpretaron algunas composiciones vocales o pianísticas en las célebres «schubertiadas».  Admirado en un círculo muy restringido, la revalorización del compositor se llevó a cabo a partir de su muerte: obras inéditas o que sólo se habían interpretado en el marco familiar empezaron a ser conocidas, publicadas y defendidas por músicos como Robert Schumann o Felix Mendelssohn.

En 1824 escribió en su Diario: «No hay nadie que entienda el dolor de otro, y nadie que entienda la alegría de otro. Pensamos siempre que caminamos junto a los demás, pero sólo vamos al lado de los demás. Pobre del que lo reconozca. Mis obras existen por mis facultades para la música y por mi dolor».

La obra completa de Schubert se publicó entre 1884 y 1897 en la editorial Breitkopf & Härtel. Realizada por  el musicólogo y compositor Eusebius Mandyczewski, quien realizó un trabajo tan meticuloso que todavía hoy es de referencia.

La numeración tradicional de las obras de Schubert fue sustituida poco a poco por la catalogación que hizo el erudito Otto Erich Deutsch y publicada por vez primera en el año 1951.

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 La Trucha (Die Forelle) – D. 550 (op. 32) -Lied

La obra sugiere el agua cristalina, saltando entre las piedras con claros rayos de sol y las idas y venidas de una  trucha que gozosa se refugia a su calor, juguetea  feliz hasta que el pescador cansado de esperar… enturbia el agua traicioneramente y es apresada. Las  sugerencias sonoras atrapan a los sensibles  oyentes que terminan embelesados de las modulaciones sabiamente enlazadas por Schubert, de los  tresillos que dejan fluir la música como un arroyo de montaña o de las octavas en la parte alta del piano que denotan la fresca atmósfera de la naturaleza.

El lied-

Con  letra del poeta Christian Friedrich Schubart, a pesar de su estructura sencilla, fue una de las obras más trabajadas por el compositor, que realizó numerosas versiones diferentes. «Die Forelle” rápidamente cobró  gran popularidad en el publico vienes llegando a nuestros días, siendo una obra habitual del repertorio liederístico.

Los famosos Niños cantores de Viena  con una versión  de 1975

El Quinteto “La trucha” 

El Quinteto compuesto por el joven Schubert, mientras se encontraba visitando el pintoresco pueblo de Steyr (una colonia alpina de artistas, 90 kilómetros al norte de Viena) junto a su amigo y admirador, el famoso barítono Johann Michael Vogl,que le  duplicaba en edad. Se alojaron en casa de Sylvester Paumgartner, quien organizaba veladas musicales en las cuales Schubert era el centro de la atención. El anfitrión era un violonchelista amateur, benefactor de las artes, rico propietario de una mina local y un gran admirador de la música de Schubert, sobre todo de su lied «Die forelle», D. 550 (op. 32). No dudó en solicitar a Schubert la creación de una obra de cámara  incluyendo el mencionado lied e incorporar en ella una importante participación para su cello.

Por esas épocas…

Johann Nepomuk Hummel(1778-1837) había hecho en 1816  su famoso Septeto en re menor op. 74.  con un cuarteto de cuerda sin segundo violín pero con contrabajo, mas el añadido del piano.

Hummel era pianista virtuoso y efectista como lo fue  años después Franz Listz.  Como compositor muy exitoso abarcó todos los géneros: óperas, Singspiele, misas sinfónicas y música sacra, música de cámara, conciertos, canciones, música para piano solo, además de  arreglos. Sólo la sinfonía está ausente en su repertorio. Schubert lo tenía como modelo e incluyó utilizó sus las técnicas virtuosas distintivas de Hummel (como el cruzamiento de manos) en sus últimas tres sonatas para piano.  Hummel tuvo un papel vital, aún no reconocido, en la creación del estilo romántico  del siglo XIX.

Schubert escribió la partitura  de su quinteto en los meses siguientes. Aunque la obra quedó lista en el otoño se estrenó en la casa de Paumgartner a fines de 1819.

Se le llamó «La trucha» por el famoso lied “Die Forelle” el tema del cuarto movimiento del quinteto.  Su publicación, póstuma no se realizó hasta una década más tarde en Viena  y es indiscutiblemente una de las grandes piezas de cámara jamás escritas.

Un radiante La mayor, rotundo acorde de todos  los  instrumentos da comienzo a la obra, Esta  inusual agrupación de piano, violín, viola, cello y contrabajo, comprende cinco movimientos: allegro vivaceandantescherzoandantino allegreto y allegro giusto.

El cuarto movimiento –

Absolutamente basado en el Lied. Si bien toda la obra es amable y bellísima, este movimento encuadra  perfectamente en la romántica Viena que vuelve a la Naturaleza.

Se basa en la presentación de un tema y sus variaciones.

De carácter  alegre,  de  aparente facilidad y  sencillez debido a su compás 2/4.
Comienza con la presentación del violín, acompañado  por las demás cuerdas.

En la primera variación -El piano  interpreta la melodía añadiendo algún trino. Las cuerdas realizan rapidísimos seisillos, ascendentes y descendentes.

 Segunda variación – las cuerdas más graves retoman el tema, y el violín continúa con sus arpegios y escalas; el piano crea una especie de eco, puntual.

Tercera variación  el piano, más virtuoso, acompaña la melodía de violoncelo y contrabajo.

Cuarta variación – La más romántica de todas las variaciones.Totalmente contrastante  (forte) y tonalidad (modo menor). Los instrumentos rasgan las cuerdas, y el piano ataca los acordes.

Quinta variación -más tranquilo. La melodía es menos reconocible que en las anteriores, interpretada por el cello, y la armonía cambia en ciertos momentos. El piano acompaña a contratiempo.

Sexta y última variación retoma el carácter juguetón de la obra. Esta vez, el violín y violoncello se responden en un alegre diálogo. El piano salta entre arpegios, hasta el apacible acorde final de todos los instrumentos.

La película no se puede creer…

Destacan estos jóvenes intérpretes únicos!!!.de este genial compositor vienés donde «la claridad» y hasta «la levedad» son imprescindibles.

La legendaria versión del Quinteto en La mayor D. 667 «Die forelle»de Franz Schubert a cargo de Daniel Barenboim (piano), Jacqueline Du Pre (cello), Pinchas Zukerman (viola), Zubin Mehta (contrabajo) e Itzhak Perlman (violin), un quinteto de lujo a la altura de este extraordinario compositor.

Monsieur Manet

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Autorretrato Aprox. 1879 Colección privada N.Y.

Manet fue un pintor polémico hiciera lo que hiciera…. de eso no cabe duda. Como todo artista de su tiempo quería triunfar ser aceptado en los salones donde se   exponían las obras de los nuevos  aspirantes. Pero no le fue fácil…  o al menos tan fácil como hubiera querido…

Nacido en el seno de una familia perteneciente a la alta burguesía, durante años sigue los cursos de pintura de Thomas Couture y abre un estudio en la rue Lavoisier. En la década de 1850, viaja por Europa eso le permite admirar las obras de de «los grandes» Tiziano, Rembrandt, Velázquez, Goya. De regreso a París, se implica en los ciclos del realismo literario de Baudelaire y Zola, comienza a pintar grandes lienzos inspirados en personas reales, cuyas figuras destacan sobre fondos neutros y realizados con contornos oscuros muy marcados, convirtiéndose rápidamente en uno de los artistas más célebres y más controvertidos.

Presentó su primera obra en el  «Salón de París» de 1859. La sala de exposiciones era controlada por un jurado conservador  nombrados por el gobierno… pero que era el único lugar donde,  si se triunfaba…se aseguraba el éxito de inmediato.

Su obra: «Bebedor de absenta«; le fue rechazada de manera unánime, excepto por Delacroix. Un par de años después volvió a intentarlo con dos obras: Retrato de M.y Mme. Manet  sus padres y Guitarrista español, con la que consiguió una mención de honor y el elogio de algunos críticos.

 

                                                                                                                                                       La obra

«Le Déjeuner sur l’Herbe» Museo: Museo d’Orsay – París -Francia
Óleo (208 × 264,5 cm)

Al principio se llamó: Le Bain, y luego La Partie carrée. También se ha traducido como La merienda campestre​ o Almuerzo campestre.

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El cuadro representa un desayuno o almuerzo en un bosque, cerca de Argenteuil. Manet apreciaba los valores de la pintura del renacimiento y el barroco .
Se basó en modelos clásicos, el grupo central se basa en una obra de Rafael Sanzio “El Juicio de Paris” y el tema «Concierto campestre» obra que hoy se atribuye a Tiziano y en aquel momento se creía que había sido pintada por el pintor renacentista Giorgone que colgaba en las paredes del Louvre.

Manet no respeta ninguna de las convención,  impone una libertad nueva con respecto al tema y a los modos tradicionales de representación.

Fue un escándalo!!!

En esta obra, Manet realiza un desnudo en un paisaje. La mujer desnuda es su modelo  Victorine Meurent nos mira directamente, y junto a ella están al escultor holandés Ferdinand Leenhoof y su propio hermano, Gustave Manet, vestidos como dandis conversando entre ellos. Es todo como si fuera algo habitual. Por el suelo están las ropas de la mujer y un bodegón con frutas y pan. Hay un ave y un batracio: !hay que esforzarse para encontrarlos!… el pájaro, reservado tradicionalmente a la pintura religiosa evocando a la inmortalidad, la protección de Dios, la encarnación o bien la paloma del Espíritu Santo, y la rana, (ayudita) en la parte inferior izquierda del cuadro. En aquella época, rana era la forma de llamar a las prostitutas. ya que grenouille hace referencia a las mujeres libres, independientes… de fiesta día y noche.

Manet mezcla géneros!!!… no respeta el arte tradicional!!!

Entre los árboles, al fondo, sitúa a otra joven que sale del baño. La academia criticó el excesivo tamaño de la mujer que sale del agua en comparación con las  figuras del primer plano, como si fuera un error del pintor. Para nada: Manet hizo esto muy conscientemente y lo hizo para modernizar un poco la clásica perspectiva aérea.  También fue criticado por ese fondo tosco, carente de profundidad y mal iluminado.

Fue ridiculizado ferozmente por tener una perspectiva lineal inadecuada y rechazada en el Salón de 1861 por su impactante contenido. Un picnic burgués que los  miembros de la academia repudiaron como si fuera algo de otro planeta. Y además, pintado en un lienzo enorme, de esos reservados a grandes temas… ¡Algo inaudito!

Aunque las escenas del ocio en el campo no eran una novedad, resultó chocante  la desnudez de la joven.

“Una mujer vulgar, de vida alegre, tan desnuda como se puede estar, holgazana sin vergüenza entre dos dandis vestidos hasta los dientes. (…) Esto es una vergonzosa úlcera abierta que no merece ser expuesta”, dijo el crítico Louis Etienne.

Manet no fue el único rechazado.

Nace así el «Salón de los Rechazados» Salon des Refusés,  donde la estrella fue precisamente este cuadro. De hecho, 1863 fue un año de los «Ilustres Rechazados» que se convertirían en futuras estrellas: Cézanne, Whistler, Monet, Renoir, Pisarro…  para no quedar demodé Napoleón III decidió crear una segunda exposición para que el público eligiera la mejor!!!.

Se convirtió en todo un éxito de afluencia de público que asistía en masa para ver aquellas ‘obras menores’ y que, según el criterio del jurado del ‘Salón de París’ no merecían ser expuestas. Los críticos y el público en general destrozaron a Manet, y a pesar de pasarlo muy mal volvió a la carga …y  hoy es considerado un visionario, el padre  del impresionismo y uno de los mejores pintores de la historia del arte.

Émile Zola incorporó un relato novelado del escándalo de 1863 en su novela La obra (1886).

«El pintor de la vida moderna», como diría Baudelaire.,

«El almuerzo» es una obra pre -impresionista por varios motivos: usa un motivo de su entorno inmediato, no oculta las pinceladas, parecen inacabadas en algunas zonas del lienzo…  la nueva generación de pintores franceses considerarían a Manet un genio total!!! un héroe!!, alguien dispuesto a romper con las normas del arte tradicional.

Es una  pintura respetada, muy apreciada por todos los artistas posteriores hasta la actualidad. De hecho, se han hecho numerosas versiones, entre las cuales se cuentan las de Pablo Picasso que pintó cerca de cuarenta obras inspiradas en Le déjeuner sur l’herbe de Édouard Manet, desde 1959 a 1962  creadas a través de varias disciplinas artísticas; el grabado, la pintura, el dibujo y la cerámica.

La escandalosa  «Olympia»

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A pesar que  la realizó en 1863 recién la expone en el «Salón» en 1865.

«Olympia»–  Edouard Manet 1863 – Alt. 130; Anch. 190 cm.  Museo Orsay

¡Escándalo nuevamente…! No sólo era un cuadro mal pintado, sino también pornográfico… En ella representa una mujer desnuda tumbada sobre un diván y con un gato negro a los pies y una criada de color que entra en la estancia llevando un ramo de flores.

La modelo es: Victorine Meurent, pintora, modelo y amiga de Manet, esposa del fotógrafo Nadar, representada como joven prostituta de la época que mira al espectador fijamente, con gran sensualidad.

La Luz

Es el elemento que configura toda la escena, incide directamente sobre la joven mientras que el fondo se queda en oscuridad. «Olympia», con el pelo recogido en un moño y totalmente desnuda, lleva un brazalete que perteneció a la madre de Manet y en el pelo una orquídea, que es considerada  una flor afrodisíaca. En sus pies lleva un solo zapato, símbolo de sensualidad. La criada que trae un ramo de flores, probablemente de un cliente satisfecho y un gato negro representando: ambigüedad, lujuria, promiscuidad, erotismo, misterio…en Roma se los tenía como un emblema de libertad.

Manet retrata a dos trabajadoras

La criada, Laure es una mujer negra que viste a la europea entra en la estancia desde el exterior con un ramo de flores, es una mujer de la clase trabajadora.  Su rostro se funde con el fondo oscuro y contrasta con la blancura de la cama de la «Olympia «de piel pálida. La atmósfera intimista y sensual está posiblemente inspirada en la poesía que Baudelaire. La maestría en el dibujo y el color se hace patente en las calidades táctiles con que representa los ropajes de la cama.

Su «Olympia» resultó escandalosa ante los críticos de la época, puesto que ella no aparece ni idealizada ni avergonzada de su trabajo.

Manet  inaugura la pintura moderna francesa.

Empieza a desarrollar  una atrevida técnica ligera y brillante, que dejó a la juventud  admirada. Entre entre ellos, los que serían  Impresionista, tomaron a Manet como líder copiando su novedosa técnica y sus inéditas temáticas.

Manet no quiso saber nada de movimiento alguno. Era libre y así siguió hasta sus últimos días, abriendo puertas que llevarían a la pintura moderna.

De no creer…

La sociedad parisina aceptaba gustosa los desnudos en temas alegóricos o mitológicos pero no el desnudo»realista» de Manet, con una escena que se podía encontrar en cualquier burdel de París.

Muchos grandes artistas pintaron desnudos antes que él, de hecho obras como La Venus del espejo de Velázquez, La Maja desnuda de Goya o de manera aún más evidente La Venus de Urbino de Tiziano etc. pero !eran Diosas!!!

Pero NO APROBABAN el realismo influenciado por Courbet con el que Manet trata a  la obra, esto llevó a críticos y expertos en tacharla de pornográfica y al pintor de inmoral.

Emil Zola de 1868- Orsay

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El cuadro pareció gustarle a unos cuantos locos como sus amigos Emile Zola y Baudelaire, que de hecho fue el que dio nombre a la obra. «Olympia» causó el mayor escándalo artístico del siglo XIX por enfrentar al espectador con una realidad que la sociedad francesa de 1865 no estaba preparada para recibir.

Manet critica la hipocresía social de la época.  Este desnudo debió de incomodar a muchos caballeros de clase media de la época que tenían amantes o visitaban a prostitutas de forma rutinaria.

En la actualidad es una de las obras más admiradas por los visitantes del Museo Orsay de París. Viajó en dos oportunidades: a Venecia en el 2013 y a Rusia: Moscú- Pushkin  San Petersburgo – Hermitage en el 2016.

Manet muere en París en 1883,  20 años después de tantos atropellos, pero muere tranquilo: es Caballero de la Legión de Honor Francesa y ¡ha conseguido el premio Mayor del Salón de París!

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Por fin, el Primer Premio del Salón de París  con su cuadro “La primavera”!!! (Este cuadro se ha vendido en una subasta por 65,5 millones de dólares en el 2014).En el Salón de Otoño de 1905 se realizó una exposición en reconocimiento al artista.

Henri Matisse escribió de : «Manet fue el primer pintor en lograr la traducción inmediata de las sensaciones, liberó el instinto del pintor».

 

 

 

 

 

 

 

 

 

«Los mártires de Chicago»

Triste historia del «Día del Trabajo»

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Los hechos…

El 1 de mayo de 1886 en la ciudad de Chicago- USA-empezaron la huelga unos 200 000 trabajadores  para conseguir de las ocho horas de trabajo, mientras que igual número  de trabajadores o más, obtenían esa conquista con la simple amenaza de paro.

En Chicago, las condiciones de los trabajadores eran  peores que en otras ciudades del país, las movilizaciones siguieron en los días 2 y 3 de mayo. La única fábrica que trabajaba era la fábrica de maquinaria agrícola McCormick, que estaba en huelga desde el 16 de febrero porque querían descontar a los obreros una cantidad para la construcción de una iglesia. El día 2 la polícia había disuelto violentamente una manifestación de más de 50 000 personas y el día 3 se celebraba una concentración en frente de sus puertas. Cuando estaba en la tribuna el anarquista August Spies, sonó la sirena de salida de un turno de rompehuelgas. Los concentrados se lanzaron sobre ellos, comenzando una batalla campal. Una compañía de policías, sin aviso alguno, procedió a disparar a quemarropa sobre la gente, causando seis muertos y varias decenas de heridos.

Adolph Fischer, redactor del periódico Arbeiter Zeitung, corrió hacia la imprenta del periódico para imprimir una proclama este hecho, se utilizaría como principal prueba acusatoria en el juicio que lo llevó a la horca.

Trabajadores: la guerra de clases ha comenzado. Ayer, frente a la fábrica McCormick, se fusiló a los obreros. ¡Su sangre pide venganza!
¿Quién podrá dudar ya que los chacales que nos gobiernan están ávidos de sangre trabajadora? Pero los trabajadores no son un rebaño de carneros. ¡Al terror blanco respondamos con el terror rojo! Es preferible la muerte que la miseria.
Si se fusila a los trabajadores, respondamos de tal manera que los amos lo recuerden por mucho tiempo.
Es la necesidad lo que nos hace gritar: ¡A las armas!
Ayer, las mujeres y los hijos de los pobres lloraban a sus maridos y a sus padres fusilados, en tanto que en los palacios de los ricos se llenaban vasos de vino costoso y se bebía a la salud de los bandidos del orden…
¡Secad vuestras lágrimas, los que sufrís!
¡Tened coraje, esclavos! ¡Levantaos!

La proclama convocaba a un acto de protesta para el día siguiente, el 4 de mayo, a las cuatro de la tarde, en Haymarket Square. Se consiguió un permiso del alcalde Harrison para celebrarla a las 19.30.

El 4 de mayo a las 21:30, el alcalde, quien había estado presente en el acto de Haymarket Square para garantizar la seguridad de los obreros, dio por terminado el acto y se retiró. Pero el mismo siguió con gran parte de la concurrencia (más de 20 000 personas). El inspector de policía, John Bonfield, consideró que habiendo terminado el acto no debía permitir que los obreros siguieran en el lugar, y junto a 180 policías uniformados avanzó hacia el parque y empezó a reprimirlos. De repente estalló entre los policías un artefacto explosivo que mató a un oficial de nombre Degan y produjo heridas en otros. La policía abrió fuego sobre la multitud, matando e hiriendo a  númerosos  obreros. Se declaró el estado de sitio y el toque de queda, y en los días siguientes se detuvo a centenares de obreros, los cuales fueron golpeados y torturados, acusados del asesinato del policía. Se realizaron  allanamientos y se «descubrieron arsenales de armas, municiones, escondites secretos y hasta un molde para fabricar torpedos navales»

El 21 de junio de 1886, se inició la causa a 31 responsables, siendo luego reducido el número a ocho. Pese a que el juicio fue en todo momento una farsa y se celebró sin respetar norma procesal alguna, la prensa amarilla sostenía la culpabilidad de todos los acusados y la necesidad de ahorcar a los extranjeros. Aunque nada pudo probarse en su contra, los ocho de Chicago fueron declarados culpables, acusados de ser enemigos de la sociedad y del orden. Tres de ellos fueron condenados a prisión y cinco a la horca.

-Chicago

El 11 de noviembre de 1887 fueron las sentencias

Relato de la ejecución  narrado por José Martí, corresponsal en Chicago del periódico argentino La Nación
… salen de sus celdas. Se dan la mano, sonríen. Les leen la sentencia, les sujetan las manos por la espalda con esposas, les ciñen los brazos al cuerpo con una faja de cuero y les ponen una mortaja blanca como la túnica de los catecúmenos cristianos. Abajo está la concurrencia, sentada en hilera de sillas delante del cadalso como en un teatro… Firmeza en el rostro de Fischer, plegaria en el de Spies, orgullo en el del Parsons, Engel hace un chiste a propósito de su capucha, Spies grita: «la voz que vais a sofocar será más poderosa en el futuro que cuantas palabras pudiera yo decir ahora». Les bajan las capuchas, luego una seña, un ruido, la trampa cede, los cuatro cuerpos caen y se balancean en una danza …
                                                                                                                                                                                           José Martí

 

A finales de mayo de 1886 sectores patronales accedieron a otorgar la jornada de ocho horas a varios centenares de miles de obreros.

Un verdadero desastre

Fue un hecho histórico que tuvo lugar en Haymarket Square de Chicago-Estados Unidos el 4 de mayo de 1886 Donde  ocho trabajadores fueron reprimidos, cinco de ellos  condenados a muerte ( se suicidó antes de ser ejecutado) y tres fueron recluidos. Fueron denominados «Los Mártires de Chicago» por el movimiento obrero.

En el lugar de los hechos pusieron esta placa

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Tomar nota de lo escrito con marcador en los bordes …

En 1889, en París, fue instaurado el 1 de mayo como el “Día del Trabajador”., actualmente está considerado el Día internacional de los trabajadores en la gran mayoría de los países del mundo.

Pero  notables excepciones:  En general países de colonización británica, han venido celebrando el denominado Labor Day  en fechas diferentes al 1º de mayo.

En Estados Unidos de América y Canadá el Labor Day es el primer lunes de septiembre; en Nueva Zelanda, el cuarto lunes de octubre; en Australia, cada estado federal decide la fecha de celebración: el primer lunes de octubre en el Territorio de la Capital Australiana, Nueva Gales del Sur y Australia Meridional; el segundo lunes de marzo, en Victoria y Tasmania; el primer lunes de marzo, en Australia Occidental; y el primero de mayo en Queensland y el Territorio del Norte.

 

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                       Esto es lo que recordamos hoy