Aquino… el «Dr. Angélico»

 Castillo de los Condes de Aquino en Roccasecca- Italia

Los Aquino eran una familia noble del Reino de Nápoles, emparentados, aunque remotamente, con el mismísimo emperador Federico II, con numerosas haciendas en  tierras muy fértiles, dos castillos y un buen nivel cultural. Landolfo y Teodora fueron padres de doce hijos, el menor fue Tomás que nace en 1225 en el castillo de Roccasecca que por entonces pertenecía al Reino de Sicilia. Como hijos de una familia de buena posición, los hermanos de Tomás se dedicaron a la vida en la corte imperial. Sus hermanas se prometieron a buenos partidos, con los que aumentar el honor y las rentas de la familia.

Pero Tomás estaba destinado a otro plan. Como hijo menor de la familia, sus padres habían determinado que entrara en el monasterio benedictino de Monte Cassino.

Después de nueve años de estar en Monte Cassino tuvo que abandonar el monasterio, pues había quedado, una vez más, en medio de un frente de guerra. Por eso le vemos con catorce años matriculado en la Universidad de Nápoles. Hacía muy poco tiempo que el emperador Federico II Hohenstaufen la había fundado. Posiblemente ante las dificultades de Monte Cassino sus padres cambiarían de plan: Tomás ocuparía un alto cargo en la Administración imperial.

Los años de adolescencia napolitana

 Sto Tomás por Carlo Crivelli -del ‘El retablo de Demidoff’

Tomás era un joven vigoroso, de dimensiones atléticas. Alto, grueso, bien proporcionado, de color moreno y frente despejada con tuvo un inteligencia privilegiada que empleó a fondo  en sus años de estudiante. Se dedica con pasión al estudio de la filosofía, las artes, la literatura… su mente va abriéndose a las últimas novedades científicas y humanistas de su tiempo. Tomas descubrió su vocación de una manera muy normal: observando la vida. Desde sus años en Monte Cassino había descubierto la grandeza de una vida cerca de Dios. Sus años de universidad le llenaron de asombro por las obra, que El Señor nos ha regalado, en la naturaleza y en la sociedad. Cuanto más conoce la realidad, más descubre la obra de Dios en su vida, y más se ve fascinado por ella:

«Tan espléndida es la gracia de Dios y su amor a nosotros, que hizo El más por nosotros de lo que podemos comprender «(Sobre el Credo, 1. c., 61).

Es precisamente esta vivencia la que le movió a interesarse por la orden dominica. Tomás observa el testimonio de vida de los dominicos de su ciudad, y se siente fascinado por el ímpetu con que anuncian a Jesucristo, la profundidad de su oración, su pobreza de Vida, su entrega al estudio y a la predicación… Tenía que merecer la pena aquello que difundían. Fue a hablar con ellos, pidiendo acompañamiento espiritual al dominico fray Juan de San Giuliano.

Tomar la decisión.

No era fácil  abandonar seguridades, una buena carrera, una familia con dinero y un futuro asegurado… Cambiar todo por la pobreza, la castidad, la obediencia, una vida fuerte de oración y de entrega y una dedicación exclusiva al plan de Dios era una locura. Pero mayor locura era, pensaría Tomás, renunciar a la felicidad plena que Dios le estaba prometiendo. No contó nunca nada de su decisión, pero en muchos de sus libros se verá la convicción que le impulsó a tomaría:

«Sólo el amor de Dios nos hace totalmente felices».

Su padre había muerto y su madre no iba a renunciar a los planes que había preparado para Tomas. La entrada del menor de los Aquino en una orden mendicante agitó la vida  familiar de los Aquino. Los superiores dominicos, decidieron enviarlo a estudiar a París, para alejarlo de conflictos. Demasiado tarde. Un grupo de soldados imperiales, capitaneado por su propio hermano, lo captura a principios del mes de mayo y lo lleva al castillo de la familia. Le arrebataron el hábito, su madre ejerció todo tipo de presiones sobre él, sus hermanos y amigos trataron de convencerle de que cometía una locura.Tomás pasará más de un año encerrado en una torre. Pero Tomás no perdía el tiempo, aprovecha su encierro en la prisión para aprenderse de memoria muchísimas frases de la Biblia y para estudiar muy a fondo el mejor tratado de Teología que había en ese tiempo, y que después él explicará muy bien en la Universidad.

Intervinieron en el conflicto:

 

 Juan de Wildeshausen, «el Teutónico», de la Provincia de Teutonia., general de los dominicos, intervino en el asunto, abogando por Aquino frente a Federico II y este último autorizó su liberación.

Tomás hizo entonces sus votos a la Orden de Predicadores, y le enviaron a Roma, donde el papa Inocencio IV le dió su bendición y protección.

Tomás nos da ejemplo.

La gracia, la Sabiduría de Dios, nos hace libres hasta ser capaces de dar toda nuestra vida a Dios, como Cristo dio la suya hasta la cruz. No podemos «conformarnos» con menos que con Dios.

En mayo de 1245 Tomás llega a la universidad europea más potente de su tiempo: la Universidad de París. Allí comienza lo que será una constante a lo largo de toda su vida: la unión entre su vida religiosa y su dedicación a la universidad.

El trabajo de Tomás en la universidad fue extraordinario. Durante los cuatro años de noviciado en París se dedicó intensamente al estudio, al lado de uno de los grandes maestros medievales: el alemán San Alberto Magno. Con él marcha a Colonia, donde permanecerá hasta los 28 años.

Fresco de San Alberto Magno en Treviso – Italia

Allí destacaba, aparte de por su extraordinaria inteligencia y dedicación a la universidad, por su carácter silencioso, contemplativo y dado a la oración. Esta reserva de su carácter, unida a su corpulencia, hacía que le llamaran «el buey mudo». «Sí, pero sus mugidos resonaran en todo el mundo» decía su maestro Alberto encantado con los grandes progresos que hacía Tomás. En Colonia recibirá la ordenación sacerdotal. De vuelta a París, trabaja ya como Maestro en Teología durante tres años. Tras ello marcha a la Universidad Papal, en Italia donde enseña durante seis años, y después durante otros tres en Roma.

Admiradores y amigos

Para la composición de sus escritos, cooperaban con él algunos secretarios, principalmente el hermano Reginaldo de Piperno, quien lo siguió fielmente y al cual lo unía una fraterna y sincera amistad, caracterizada por una gran familiaridad y confianza. Santo Tomás escribiría cosas hermosas sobre la amistad.
El rey  Luis IX (que luego sería santo) lo estima tanto que lo consulta en todos los asuntos de importancia. Y en la Universidad es tan grande el prestigio que tiene y su ascendiente sobre los demás, que cuando se traba una enorme discusión y no logran ponerse de acuerdo,  los bandos aceptan que sea Tomás de Aquino el que haga de árbitro y diga la última palabra, y lo que él dice es aceptado por todos sin excepción. En 1259 participó en el capítulo general de los dominicos en Valenciennes, donde fue miembro de una comisión que estableció el programa de estudios en la Orden.

En Italia la gente se agolpaba para escucharle con gran respeto como a un enviado de Dios, y lloraban de emoción al oírle predicar acerca de la Pasión de Cristo, y se emocionaban de alegría cuando les hablaba de la Resurrección de Jesús y de la Vida Eterna que nos espera.

Siempre consideraba que los otros eran mejores que él. Aun en las más acaloradas discusiones exponía sus ideas con total calma; jamás se dejó llevar por la cólera aunque los adversarios lo ofendieran fuertemente y nunca se le oyó decir alguna cosa que pudiera ofender a alguno. Su lema en el trato era aquel mandato de Jesús:
«Tratad a los demás como deseáis que los demás os traten a vosotros“.

Una vida entregada hasta el final

Durante la misa que celebraba el 6 de diciembre de 1273, sufrió una profunda crisis, causada por el agotamiento. Pero en ese mismo momento, Dios le recompensa con una experiencia mística extraordinaria. Algo le conmocionó de tal manera que jamás volvió a escribir. Decía que todo lo que había escrito ¡es paja, en comparación con lo que Dios me ha revelado hoy!.

Falleció en la abadía cisterciense de Fossanova, rumbo al Concilio de Lyón. En sus últimos días dio ejemplo de su admirable amor a la Eucaristía, paciencia, dulzura y humildad. Murió  proclamando su amor a Cristo y a su Iglesia. Era el 7 de marzo de 1274 .
Cuando Juan XXII lo canonizó, en 1323, y algunos objetaban que Tomás no había realizado grandes prodigios ni en vida ni después de muerto, el Papa contestó con una famosa frase: “Cuantas proposiciones teológicas escribió, tantos milagros realizó”.

 

 

Sus restos fueron llevados solemnemente a la Catedral de Toulouse  Francia- un 28 de enero. Por eso se celebra en este día su fiesta. Actualmente en la cripta de la  Iglesia de los Jacobinos de esa ciudad.

«Doctor Angélico»

En 1567 fue declarado Doctor de la Iglesia.

En 1880 el papa León XIII, gran promotor de estudios tomistas, le declaró Patrono de las Universidades católicas y centros de estudio.

Lo que nos dejó Tomás

Tomás de Aquino mostró que entre fe cristiana y razón subsiste una armonía natural. Mostraba que lo que parecía razón incompatible con la fe no era razón, y que lo que se presentaba como fe no era fe, pues se oponía a la verdadera racionalidad; así, creó una nueva síntesis, que ha formado la cultura de los siglos sucesivos.

Bellísimos himnos de la Eucaristía.

De 1261 a 1265 Tomás estuvo en Orvieto. El Romano Pontífice Urbano IV, que le tenía gran estima, le encargó la composición de los textos litúrgicos para la fiesta del Corpus Christi instituida a raíz del milagro eucarístico de Bolsena
y compuso entonces la sublime secuencia “Lauda Sion” que se canta en la Misa de Corpus Christi. el Pange lingua y el Tantum ergo y varios otros .

No todos aceptaban la interpretación de Aristóteles que daba Tomás, pero incluso sus adversarios, en el campo académico, admitían que la doctrina de fray Tomás era superior a otras por utilidad y valor, y servía como correctivo a las de todos los demás doctores. Uno de sus ex alumnos declaró que era tan grande la multitud de estudiantes que seguía los cursos de Tomás, que a duras penas cabían en las aulas; y añadía, una acotación personal, «escucharlo era para él una felicidad profunda».

Oraciones inspiradas

La profundidad del pensamiento deTomás de Aquino brota de su fe viva y de su piedad fervorosa, en la que pide a Dios:

“Concédeme, te ruego, una voluntad que te busque, una sabiduría que te encuentre, una vida que te agrade, una perseverancia que te espere con confianza y una confianza que al final llegue a poseerte».

El triunfo de Santo Tomás – Benozzo Gozzoli  terminado -1484-La obra  se encuentra  en el Museo de Louvre de Paris, destinado originalmente para la Catedral de Pisa. La mayoría de los frescos del Camposanto de Pisa que realizó este pintor fueron destruídos en la II Guerra Mundial a causa de un bombardeo del año 1944.

Sus postulados

El problema central de su pensamiento era la relación entre la razón y la fe. Sostuvo que la razón es un atributo otorgado al hombre por Dios. Por otra parte, señaló que aceptando como cierta la religión revelada y todos sus contenidos, la filosofía y el conocimiento humano pueden probar y dar por ciertos los dogmas de la fe, entre ellos el principal: la existencia de Dios. Tomás, además, planteaba que la filosofía y la teología son distintas y armónicas al mismo tiempo, ya que si bien el estudio filosófico no puede reducirse a criterios teológicos, el conocimiento racional conduce necesariamente a las verdades del dogma (verdades en las que se cree por fe).

Rechaza la teoría agustiniana de la iluminación divina y postula que es posible llegar a la idea de Dios, a partir de la razón y de la abstracción de sus cualidades materiales e individuales.La libertad de elección o libre albedrío es el eje de su ética y contradice la teoría de la predestinación. El libre albedrío, que se asienta en la razón, hace del hombre un ser responsable de sus actos ante Dios y los hombres.

La escolástica
Producción filosófica, teológica y científica de la Edad Media, enseñada en las universidades y escuelas eclesiásticas.  Como método principal, usa la argumentación silogística, y se basa en la lectura de autores clásicos, en especial de Aristóteles (384-322 a.C.).

El silogismo es un método de razonamiento que consta de tres proposiciones; la última o conclusión se deduce de las dos anteriores o proposiciones. Por ejemplo: “todo animal es mortal; todo hombre es animal; luego, todo hombre es mortal”.

Sus principales representantes: Alberto Magno  y  Tomás de Aquino.

Pero también figuran Escoto Erígena, San Anselmo, Guillermo de Champeaux, Abelardo, Pedro Lombardo, Duns Escoto, San Buenaventura, Bacon, Raimundo Lulio y Guillermo de Occam.

Platón y Aristóteles, por Raffaello Sanzio (detalle de La escuela de Atenas, 1509).

Teoría agustiniana
San Agustín (354-430) seguía las ideas de Platón (filósofo griego que vivió entre el 384-322 a.C., discípulo de Sócrates y maestro de Aristóteles), en especial sus teorías del alma y la revelación cristiana.

La principal diferencia entre San Agustín y Tomás es el llamado “voluntarismo” de la doctrina agustiniana, que plantea que la voluntad prevalece sobre el entendimiento. Mientras que para Tomás es el conocimiento el que predomina sobre la acción.

 

Veinte años de intensa actividad

Tomás escribe  entre 1252 y 1272. En esos veinte años desarrolla una actividad productiva cuya máxima expresión es la “Suma Teológica”.

Tan importantes son sus escritos que en el Concilio de Trento, 1545-1563 los tres libros de consulta que había sobre la mesa principal eran: la Sagrada Biblia, los Decretos de los Papas, y la Suma Teológica de Santo Tomás.
Uno de los principales méritos consiste en haber consolidado el aristotelismo como sustrato filosóficodel pensamiento cristiano y de la reflexión teológica.

Sus obras ordenadas cronológicamente:

1) Obras escritas o iniciadas durante su estancia en París (1252-1259):

– “De ente et essentia”. (Sobre el ente y la esencia) . Escrito en París antes de ser maestro en Teología, o sea, antes de marzo de 1256. Una pequeña obra fundamental para conocer la teoría del ser.

– “De principiis naturae”. (Sobre los principios de la naturaleza). Consideraciones sobre la naturaleza basadas en los libros I y II de la Física de Aristóteles.

– “De Veritate”. (Cuestión disputada sobre la verdad).

– “Suma Contra Gentiles”. (Comenzada en París)

2) Obras escritas durante su estancia en Italia entre los años 1259-1268:

– “De Potentia”. Cuestión disputada sobre la potencia. (Comenzada en Roma).

– “De Malo”. Cuestiones disputadas sobre el mal. (Roma).

– Comienza la “Suma Teológica”.

– “De Spiritualibus Creaturis”. (Sobre las criaturas espirituales).

– “Sententia super De Anima”. (Comentario al “De Anima” de Aristóteles).

3) Obras escritas en París, entre los años 1269-1272:

– “Sententia libri Politicorum”. (Comentario a la “Política” de Aristóteles).

– “Sententia super Metaphysicam”. (Comentario a la “Metafísica” de Aristóteles).

– “Sententia super Meteora”. (Comentario a los “Meteoros” de Aristóteles”.

– “Compendium theologiae”. (Compendio de teología). (París o Nápoles).

–“De unitate intellectus contra Averroistas”. (Sobre la unidad del intelecto contra los averroístas).

– “Quodlibet” 3, 4, 5, 6 y 12.

– “Sententia super Physicam”. (Comentario a la “Física” de Aristóteles).

– “Sententia super Peri hermenias”. (Comentario a la obra de Aristóteles “Sobre la interpretación”).

– “Sententia libri Ethicorum”. (Comentario a la “Ética Nicomáquea” de Aristóteles).

– “De aeternitate mundi contra murmurantes”. (Sobre la eternidad del mundo contra los murmurantes).

– “Epistola ad comitissam Flandriae (de regimine judaeorum)”. (Sobre cómo los príncipes cristianos deben tratar a los judíos).

– “De sortibus”. (Sobre el azar).

– “De substantiis separatis (o De angelis)”.( Acerca de las sustancias separadas, o Acerca de los ángeles).

– Comienza la 3ª Pars de la Suma Teológica.

4) Obras escritas en Nápoles entre los años 1272-1274:

– Santo Tomás escribe la parte restante de la 3ª Parte de la Suma teológica.

– “Sententia de caelo et mundo”. (Comentario al “De Caelo et Mundo” de Aristóteles).

– “Sententia super libros De generatione et corruptione”. (Comentario al “De generatione et corruptione” de Aristóteles).

«Santo Tomás fue un profesor completo, porque fue más que un simple profesor, ya que en  el discurso descendía por entero de las simplísimas cumbres de la contemplación»- J.Maritain.

 

 

 

 

 

Un gran salto!!

De Pieter Brueghel …al Museo de Arte Contemporáneo de Tokio

 Se la obra:» El pintor y el aficionado», dibujada hacia 1565, se cree que es su autorretrato.

Juegos de Niños

Este cuadro del año 1560, conservado en el Kunsthistorisches Museum de Viena, es una de las obras más encantadoras del pintor flamenco Pieter Brueghel- el Viejo.

Formado como dibujante y grabador de estampas, Brueghel se dedicó a la pintura tardíamente, especializándose en la representación de escenas costumbristas y populares. Su estilo es muy peculiar, poblado de numerosas y pequeñas figuras que hormiguean rítmicamente por el espacio, sugiriendo  movimiento y  paso del tiempo.

La obra conocida como Enciclopedia de juegos de los niños flamencos, muestra con claridad la personalidad de Brueghel.  Fiel a su estilo, que mantuvo inalterable, realiza una impecable fuga de perspectiva de la esquina superior derecha, directamente inspirada seguramente en las lecciones artísticas del Renacimiento Italiano.

Entre 1551 y 1553 viajó por Francia e Italia. En Roma pudo trabajar con el miniaturista Giulio Clovio.Pero a diferencia de los pintores del Renacimiento, Brueghel no representó el desnudo ni se  interesó por el retrato. Sus cuadros, dominados por la vida popular, donde el pintor muestra a  los campesinos tal como son, en sus actividades y su ocio. Por vez primera en la historia de la pintura, la clase campesina se humaniza dentro de una visión objetiva. Se aprecia que el artista es sensible a las emociones y  debilidades.

Brueghel escenifica  84 juegos populares de los Países Bajos, algunos de los cuales continúan practicándose … pintó más de 250 niños jugando e imitando actividades de los adultos, utilizando juguetes y objetos de todo tipo con una intención lúdica explícita.

Entre los juguetes que los especialistas han conseguido identificar pueden verse:  máscaras, muñecas, tabas, un caballito de madera, aros, dados, zancos, peonzas o trompos, varas, molinillos, una petanca, y entre los juegos se distinguen: las escondidas, la sillita de la reina, el rey de la montaña, la cucaña, la gallina ciega,  el potro, luchas a caballito y otras actividades como  trepar, columpiarse y mantener el equilibrio, además de danzas, corros y pasacalles de diversos tipos.

 El valor antropológico de la obra

Hasta esta obra de Brueghel, los niños y su actividad lúdica habían sido casi completamente ignorados en la Historia del Arte Occidental. La infancia no era considerada una fase específica de la vida con sus propias características y necesidades, sino como algo preliminar de la madurez. La vestimenta es un reflejo característico de cualquier sociedad, y por eso fue espléndidamente retratada por el artista, como también los juegos, las casas, los objetos y los propios comportamientos de los personajes. De hecho, los niños eran  tratados como pequeños adultos, y la pintura de Bruegel lo hace notar a través de las ropas de cada personaje: las niñas visten pañuelos en la cabeza, además de mandiles y faldas como sus madres, mientras que los niños llevan camisas y calzas como sus padres.  Por eso el cuadro tiene un valor antropológico, que nos permite comprender   aspectos de la cultura flamenca de aquella época, al igual que las otras obras costumbristas del mismo Brueghel.

Los patinadores, La Kermesse de Hoboken, La Fiesta de San Martín, El combate entre el Carnaval y la Cuaresma, o Los Proverbios Flamencos, todas ellas fechadas entre 1553 y 1560.

Y si …damos un gran salto de casi cinco siglos…

El Museo de arte Contemporáneo de Tokio

 

El museo de Arte Contemporáneo de Tokio – Japón, permitió una sala de exposición interactiva especialmente para niños. Al ingresar en la “casa embrujada” el nombre de la sala, (al parecer este tipo de cosas les agrada sobremanera) todo parece indicar que se trata de una exhibición común, de cualquier museo del mundo que expone obras famosas… pero hay sorpresas!.

The Haunted Art Galery – para  niños

 

Creado por Torafu Architects, a diferencia de los museos tradicionales, el arte se puede «tocar» y los chicos tienen libertad para reír, jugar y correr mientras interactúan con algunas de las obras más famosas de la historia del arte. La diversión comienza cuando los visitantes descubren que las obras esconden sorpresas: algunas pueden girar solas, o hacer aparecer manos entre telas que cuelgan, y en otras las cabezas pueden moverse. Pero lo mejor de todo, es que son los chicos y las chicas quienes dan vida a esas obras: por un pasaje secreto es posible llegar a una sala especial y desde allí, manipular todas las obras de arte por detrás de las paredes.

Hay distintos espejos que invitan a los niños a mirar diferentes perspectivas, cuadros que cobran vida y siguen con sus miradas a los visitantes y estos,  terminan siendo parte de las pinturas. !!Buenísimo!!!

No es una muestra permanente …quizás a sus autores se les pueda invitar a exponerla en otros museos del mundo sería algo muy positivo para acercar a los niños al arte de manera sencilla… como son los juegos.

“La nave de los Fens”

Iglesia Catedral de la Santísima e indivisa Trinidad de Ely

La Catedral de Ely es probablemente la más impresionante de toda Inglaterra.

Ely es la tercera ciudad más pequeña del país (después de Wells (Somerset) y de la City de Londres), y la sexta de menor tamaño en el Reino Unido.  Su impresionante Catedral es visible desde kilómetros a la redonda.  se conoce localmente como “La nave de los Fens” debido aque se eleva sobre los terrenos pantanoso en el condado de Cambridgeshire.

Los Fens, en inglés The Fens o  the Fenland(s), es una región natural de marismas en la Inglaterra oriental. La mayor parte de los fens fueron drenados hace varios siglos,  con el sistema de los Molinos de Viento (como en Holanda) lo que dio como resultado una región agrícola hundida, plana y húmeda. El nombre de Ely hace referencia a las anguilas que solían vivir en los pantanos sin drenar que rodeaban la ciudad.

Hasta el siglo XVIII, Ely fue una isla rodeada de peligrosos pantanos difíciles de cruzar. Un ejemplo el Pantano Wicken, ahora una reserva natural que se encuentra 14 kilómetros al sur de la ciudad sin drenar. Este es un humedal importante donde viven más de 8500 especies, como los ponies de Konik, los gavilanes rastreros y diferentes tipos deaves, insectos y  libélulas etc.

Santa Etheldreda –

Etheldreda de Northumbria fue hija del rey Anna de East Anglia.

Su padre, aunque no era cristiano, le dejó serlo, como también a sus demás hijos.  Fue reina y posteriormente abadesa que fundó en Ely  un monasterio benedictino  en el 673. Este fue saqueado por los daneses 200 años después. El monasterio  erigido con posterioridad se convirtió en el centro de la resistencia durante la conquista normanda de Inglaterra en el siglo XI, refugio de Hereward the Wake uno de los líderes anglosajones que se resistieron a ella.

 El estilo Normando

Fue resultado por un lado la conquista normanda y  por el otro, el rey Eduardo el Confesor  había sido educado en Normandía, explicaría el gusto por la arquitectura Normanda que ya se había reflejado en la construcción de la Catedral de Durham, hoy, Patrimonio de la Humanidad de la Unesco junto con el castillo de Durham.

Tapiz de Bayeux. Batalla entre normandos y sajones. Museo de la Reina Matilde. Bayeux

Durante el reinado de Guillermo I de Inglaterra,( cuyas gestas han sido imperecederas para la Historia permaneciendo en la memoria gracias al Tapiz de Bayeux) se llevo a cabo la edificación actual.  Iniciada por el abad Simeón en los años 1082-1094.

La Catedral fue hecha a base de piedras extraídas de Barnack, condado de Northamton. Son canteras de piedra  sillar ya usada por los romanos y con  decoraciones en  mármol de la isla Purbeck también activa por la misma época.  

La planta del edificio en forma de cruz, con el altar en el extremo oriental.

La longitud total de la iglesia es de 163,7 m,  una nave de 75 m de longitud, la elevada nave central de la catedral,  es la cuarta más alta de Inglaterra de tres pisos: arcadas, tribuna y ventanas y esta declarada también  la más larga de Gran Bretaña.

Los arcos románicos que sostienen los enormes muros del edificio,  se agregaron cuando la iglesia se convirtió en catedral en 1109.  Es un templo de tres naves, de doce tramos hasta llegar al crucero, este, resulta demasiado pequeño para las proporciones de las naves. Con una cubierta de madera con forma de bóveda de «cañón», que en la restauración de 1839 y bajo la dirección de George Peacock y el arquitecto George Gilbert Scott se le añadió este techo de madera pintada.  La Iglesia perteneció a la Orden Benedictina hasta 1539  cuando Enrique VIII confiscó los bienes de la Iglesia católica y asumió el  mando de la Iglesia Anglicana  a la que actualmente pertenece.

 

 

La decoración del cielorraso, que muchos llaman «victoriana» fue realizada por Le Strange y en cada uno de los doce vanos hay escenas de la historia sagrada: creación de Adán, el pecado original, el sacrificio de Noé, Abraham e Isaac, la escalera de Jacob, el matrimonio de Boaz y Ruth…

 

 

 

La inigualable torre –

En el año 1322 se hundió la torre anglo-normanda de la Catedral de Ely. Se creó una estructura octogonal con las pilastras de piedra y y las bóvedas y la linterna, de madera, de 23 m. de ancho por 52 de alto.

Desde el piso, vemos una gran estrella de ocho puntas, con la figura de Cristo Glorificado esculpida en el centro. En los arcos del octógono, hay ocho capiteles historiados de la vida de St. Etheldreda.

 

La linterna fue una solución novedosa, original y todo un reto arquitectónico llevado a cabo hace casi 700 años. Esta deliciosa proeza gótica,  ubicado en el transepto actúa de cúpula  y linterna, fue una sobresaliente idea que permitió cubrir e iluminar el amplio crucero. En su construcción se utilizaron los robles más altos de Inglaterra, se tardó 24 años en acabarse  participó Alan de Walsinham que también realizó la Capilla lateral y terminada por el ebanista real William Hurley.

La sillería del coro parece que estuvo debajo de l octógono actualmente en una de las naves laterales.

Algunos «detalles»  de esta joya inglesa: en el presbiterio y el trascoro, añadidos en 1486-1533, hay un gran número de tumbas con estatuas. En la cabecera se abren tres capillas: la Bishop West´s Chantry, que alberga el sepulcro del obispo West (1533); en el centro, la de St. Ethelreda, con la tumba del cardenal de Luxembourg (1443); y a la izquierda, la Bishop Alcock´s Chantry, pequeña capilla funeraria del obispo Alcock (1500), con elaboradas filigranas góticas.

El ´órgano» pintado, la escultura de santa Etheldreda el hermoso techo de la capilla de Nuestra Señora, la imagen de la Virgen María por David Wynne, es la  capilla más grande de Inglaterra tiene 100 pies de largo y fue construida en estilo gótico. terminada en 1349 con coloreadas vidrieras y estatuas pintadas en los nichos. Las esculturas fueron decapitadas en 1541 poco antes de la disolución del monasterio y conectada al pasillo norte del presbiterio por un pasillo cubierto. Cuando fue obispo de Ely,  Matthew Wren, su  sobrino Christopher Wren (el arquitecto ) fue responsable de la construcción de un pórtico gótico que data de los años 1650, en el frente norte de la catedral.

Además alberga una colección de vitrales (museo) que datan del siglo XIII , considerada  de importancia nacional, contiene obras de artistas sobresalientes como Ervin Bossanyi.

Morning 1932                                                             Evening  1832/33

 

«La nave de los fens»…ha a prestado su imagen en populares películas como The Other Boleyn Girl, Elizabeth: La edad de oro, El discurso del rey  y fue  carátula del álbum The Division Bell (1994) de Pink Floyd .

Las acuarelas de Turner!!!

Un placer… un deleite para todos poder disfrutar de estas magnificas obras de  Joseph Mallord WilliamTurner.

En el Museo Nacional de Bellas Artes. Av. Libertador 1473 en Buenos Aires  se está llevando a cabo una muestra de sus  extraordinarias Acuarelas provenientes de la Tate Collection de Londres que termina el 19 de febrero 2019.

María Esperanza, no se la quiso perder y  viajó a verla…me envió algunas fotos que logró en su visita a la muestra…

                                 !Gracias María!!!

El pintor…

La erupción del volcán Tambora, en Indonesia, vertió a la atmósfera aproximadamente 100 kms. cúbicos de polvo, cenizas, y demás residuos  de la erupción volcánica más violenta de los tiempos modernos en abril del año 1815. Se cree que ésta fue la causa de que el año siguiente, 1816, fuese conocido como «El año sin verano», por la climatología extraordiariamente fría del mismo, y por las nieblas -causadas por la ceniza del volcán- que cubrieron gran parte del planeta. Muchos teóricos afirman que este fenómeno atmósferico inspiró muchas obras de Joseph Mallord WilliamTurner- (Covent Garden, Londres, 23 de abril de 1751​ – Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851)

El crítico inglés, John Ruskin, describió a Turner como el artista «que más conmovedoramente y acertadamente puede medir el temperamento de la naturaleza».
Fue un maestro de la acuarela y uno de los dibujantes más talentosos de su generación. Su peculiar estilo de pintura, el cual se caracterizaba por el uso de técnicas exclusivas de la acuarela en la ejecución de sus obras pictóricas al óleo, generaba luminosidad, fluidez y efectos atmosféricos efímeros. Junto con John Constable, fue un estandarte de la pintura inglesa en sus últimos años. En Francia, los impresionistas estudiaron cuidadosamente sus técnicas, para dilucidar el poder de sus lienzos. El pintor se adelanta varias décadas a cualquier otro artista de su generación. Por tanto, la incomprensión a la que Turner se vio sometido no es para nada sorprendente.

Murió en su casa en Cheyne Walk, en Chelsea, Londres, el 19 de diciembre de 1851. Según sus deseos, fue enterrado en la catedral de St Paul’s Cathedral, donde descansa al lado de Sir Joshua Reynolds, importante e influyente pintor inglés del siglo XVIII, especialista en retratos, fundador y el primer Presidente de la Royal Academy.

 Sus magníficas Acuarelas

Arundel Castle, with Rainbow; 1824.-British Museum, London
Saint Augustine’s Gate, Canterbury, ca. 1793.Yale Center for British Art

Estudio para el incendio de las casas del Parlamento, 1834. The Tate Gallery.

.Flint Castle, 1838. Tate Gallery.

Castillo Dolbadern. 1799. Lápiz y color con raspaduras. 67.7 x 97.2 cm. The Tate.

El castillo de Dunster desde el noroeste. Aprox. 1800. New York.

 

Old London Bridge, 1796-97.Tate Britain, London.

Merton College, Oxford. 1804. Color para acuarela con raspaduras.The Tate Gallery.

Eruption of Vesuvius, 1817. The British Art Center, New Haven, CT, USA.

St. Peter, 1819.British Museum, London.

Rome from Monte Mario, 1820. The National Galleries of Scotland.

San Giorgio Maggiore at Dawn, 1819.
San Giorgio Maggiore en la madrugada. 1819. The Tate Gallery. Londres.

El famoso óleo «El Temerario»

En 2005 «El Temerario» fue escogido como el mejor cuadro inglés en una votación pública organizada por la BBC.

«El valiente Teméraire» remolcada desde el último punto de anclaje para ser destruida» (1839, Londres, National Gallery).

Cuando Turner (1775-1851) legó su obras a su país, lo hizo con la condición de que se mantuvieran juntas. En 1910, se habilitó una serie de salas para sus óleos, pero sólo cuando se abrió la Clore Gallery en 1987, el total del legado se exhibió completo, incluidos miles de bocetos.
Hoy la Clore Gallery, es un ala de la Tate Gallery  de Londres, especialmente para contener  las obras del mejor pintor inglés de todos los tiempos.

Los Reyes magos y el arte

Aunque nunca fueron incluidos en el santoral, fueron importantísimos desde los primeros cristianos y con un tratamiento similar al de los santos, con sus nombres admitidos por la Iglesia como nombres de pila, convertidos en patronos de varias ciudades, invocados por los peregrinos, con sus iniciales inscritas en las casas y en las campanas de las iglesias para mantener alejadas las tormentas, para proteger  animales y personas de demonios y fantasmas, para evitar maleficios, incendios e inundaciones.
Dentro de los textos canónicos, el único que menciona la Adoración del Niño por unos magos es el Evangelio de san Mateo, pero como la narración es  sumamente escueta en detalles, para ir confeccionando la iconografía que hoy conocemos, el arte recurrió a otros textos: tanto apócrifos como leyendas, siendo los fundamentales el Protoevangelio de Santiago de mediados del siglo II, el de Taciano del mismo siglo, el Adversus Marcionem de Tertuliano de comienzos del siglo III, el Evangelio Árabe de la Infancia, escrito entre los siglos V y VI, el Evangelio Armenio de la Infancia, probablemente del siglo VI, el más extenso y controvertido desde el punto de vista canónico, o el Pseudo-Mateo, fechado  el siglo VII.

Además, a lo largo de la Edad Media, fue un asunto tratado en obras como: Excerptiones patrum, collectanea et flores, de fines del siglo VII u VIII atribuida falsamente a Beda el Venerable, de ahí que se conozca como el Pseudo-Beda, el Liber de Infantia Salvatoris escrito entre los siglos VII y IX  se trata de una obra apocopada del Pseudo-Mateo de gran difusión en la Europa Occidental medieval, la Leyenda Aurea de Jacobo de la Voragine del siglo XIII, las Meditationes de Vita Christi del Pseudo-Buenaventura también del siglo XIII, el Liber de trium regum corporibus Coloniam translatis de 1364 de Johannes von Heldesheim, monje carmelita alemán que dedicó los últimos años de su vida a recopilar documentos leyendas e historias sobre los Reyes Magos, o la Vita Christi de sor Isabel de Villena publicada en 1497.

 Los textos apócrifos

Historias apócrifas hubo bastantes como para generar una «Magna confusión» entre los fieles que en su mayoría leían todasestas historias… menos la Biblia canónica. Los artistas fieles al momento que vivían, las narraban en sus obras con lujos de detalles y dejando volar su frondosa imaginación.

El término “mago” pronto empezó a tener connotaciones peyorativas al asociarse con la brujería y el trato con los demonios. Tertuliano en el siglo III obserba, que ya se les consideraba “reyes” basándose en  los escritos del profeta Isaías cuando dice “Las naciones caminarán hacia tu luz y los reyes hacia la claridad de tu amanecer»,un salmo en el que se afirma: “A causa de tu Templo, que está en Jerusalén, los reyes te presentarán tributo”, o enel salmo 71 (que es el que actualmente se canta el día de reyes)  se dice “Que los reyes de Tarsis y de las costas lejanas le paguen tributo. Que los reyes de Arabia y de Sabá le traigan regalos; que todos los reyes le rindan homenaje y lo sirvan todas las naciones ”.

 El  aspecto de Los personajes

En época paleocristiana y prerrománica se les representaba ataviados a la moda oriental por considerarlos persas, con gorro frigio o pileus,  túnica corta y pantalones ajustados,  poco a poco se fueron imponiendo los atributos regios y empiezan a lucir corona y  manto. A fines de la Baja Edad Media la escena adquiere un carácter tan cortesano que la indumentaria es cada vez más extravagante y sofisticada.

 Los tres magos en: Santa María maggiore- Ravenna y Sta María del Transtevere

El mosaico en el arco de triunfo del ábside de la basílica de Santa Maria la Maggiore de Roma, fechado hacia el año 432.

Es la primera representación conocida en la religión cristiana que podría identificarse con el Ciclo de los Reyes Magos, con la escena de la Epifanía (que quiere decir manifestación) en el segundo registro a la izquierda, encima de la de la Matanza de los Inocentes, y la de los Magos ante Herodes en el tercero a la derecha. El modelo compositivo procede de la cristología oriental, con los personajes sagrados representados con el boato propio de Bizancio.

Lo habitual era que los Magos vayan a pie… luego a  caballo porque en Europa no se conocían los camellos.  Los caballos aluden su condición de peregrinos.

 Los dones

Los tres dones que le fueron entregados al Niño mencionados en el Evangelio de san Mateo: oro, incienso y mirra, ofrendas de gran valor económico siendo, al contrario de lo que ocurre en la actualidad, la mirra la más costosa, siete veces más valiosa que el incienso o el oro, que tenían un valor similar.En la Leyenda Áurea de Jacobo de la Vorágine se dice que:  oro simboliza el amor, el incienso la plegaria y la mirra la mortificación de la carne, tres presentes que  a su vez significan los tres atributos de Cristo: su divinidad, su devota alma y su carne intacta e incorrupta.

En su momento, santa Helena, madre de Constantino «El grande» encuentra los restos de los tres «reyes» en Saba y los lleva a Constantinopla. Siglos después los monjes de san Eustorgio de Milán, buscando promover las peregrinaciones a su monasterio, afirmaron que ellos custodiaban sus tres cuerpos reales, que habían llegado a la ciudad para salvarlos de la invasión de los moros.

En 1164, Federico Barbarroja  emperador del Sacro Imperio Romano Germánico invadió el Milanesado, Reinaldo de Dazzel, gran canciller del emperador, se apoderó de las reliquias y las trasladó a Colonia, ciudad donde era arzobispo, construyendo una nueva catedral que se conformó como gran relicario  bajo la advocación de los Reyes Magos, que también pasaron a ser patronos de la ciudad. En el siglo XIII los restos fueron depositados en el relicario de plata sobredorada donde todavía permanecen.

«Autos» y obras de teatro durante toda la Edad Mediay Renacimiento

Esta historia se convirtió en una de las favoritas  durante el Tiempo de Navidad desde las primeras representaciones artísticas dejando libre la imaginación en torno a este acontecimiento, Los artistas tomaron muchos detalles regionales  que aportaban estas obras ampliando de manera significativa  elciclo completo formado por: el Anuncio a los Magos, el Encuentro de los Magos con Herodes, la Adoración o Epifanía, la más importante y muchas veces también representada de forma individual, el Sueño de los Magos, la Furia de Herodes y el Viaje de vuelta de los Magos a Oriente.

 Alguna obras singulares

Teresa Diez

Epifanía, sita en la Iglesia de Santa María de Toro, Zamora- España – Teresa Diez Firmó unas pinturas murales al fresco seco en el coro del Real Monasterio de Santa Clara de Toro (Zamora). La firma, «TERESA DIEÇ ME FECIT», se encuentra en el único fragmento conservado de un monumental San Cristóbal y sobre un escudo de armas no identificado Ocultas tras la sillería del coro y bajo la cal, las pinturas fueron descubiertas casualmente en 1955. La historia del arte  la sitúa alrededor del núcleo artístico que se desarrolla en los primeros años del gótico en Salamanca 1265-1321

Llama la atención el joven rey mago que centra la escena. Hay quienes han creido que se trataba de una reina maga, se trata de que en la época medieval se acostumbraba a retratar las edades del hombre, y los reyes magos eran una gran oportunidad. Representado imberbe como San Juan evangelista-  Los tres reyes muestran las tres edades del hombre…

Giotto- el pintor gótico italiano-

Capilla de los Scrovegni de Padua. Construida por deseo de un rico y potente usurero, Enrico Scrovegni, fue decorada con frescos realizados por Giotto entre 1302 y 1305. Destinada a ser usada como capilla familiar aneja al deslumbrante palacio, construido sobre un anfiteatro romano del año 60 a.C. llamada coloquialmente «la Arena de Padua»

Con el Cometa «Haley » como estrella. Según han llegado a la conclusión los estudiosos del tema ciertamente era el Haley, aparecen los Camellos!!! bastantes raros…puede que Giotto  no había visto jamás ninguno.

Rogier van der Weyden

Retablo de la Natividad de Pierre Bladelin, c. 1450 (Berlín, Staatliche Museen).

El nacimiento de Cristo  en la tabla central se ha situado en un edificio en ruinas que hace función de establo. María está de rodillas ante el Niño acostado en el suelo sobre su capa; dos ángeles orantes se encuentran detrás de la cabeza del Niño; a la izquierda avanza José sujetando una vela encendida cuya llama protege con su mano derecha.

Detalle en el que aparecen los Magos  (tabla 3º) viendo la estrella con un Jesús  pequeñito anunciándoles su propio nacimiento.

Otra del mismo autor

El Tríptico del altar de Santa Columba

Es un retablo pintado al óleo sobre tabla hacia 1455 para el altar de la iglesia de Santa Columba de Colonia que se exhibe actualmente en la Pinacoteca Antigua de Múnich.

Continuan las representaciones delas tres edades del hombres.. joven, adulto y anciano.

 

El joven de pie que interpreta el papel del tercer mago en el panel central, sería un retrato de Carlos el Temerario, hijo y heredero de Felipe el Bueno, Duque de Borgoña.

La Presentación en el Templo en la tabla de la derecha. En cuanto a la iglesia, que es el escenario donde transcurre la Presentación en el Templo, parece estar inspirado en el transepto románico de la catedral de Tournai ciudad natal del pintor. Se percibe una relación con el arte italiano, en la figura de la joven que lleva una cesta con dos palomas, cuya cabeza vuelta graciosamente hacia su hombro derecho dirige la mirada hacia el espectador.

Los personajes mirando así fuera del plano de la imagen, eran muy populares en Italia en el siglo XIV, sobre todo en Florencia donde Leon Battista Alberti aconsejaba el uso de esas figuras que establecen una relación emocional con el espectador, y donde Rogier pudo ver ejemplos en las obras de Fra Filippo Lippi.

Gentile da Fabriano 

Gentile pintó en Florencia  su pieza más famosa, la Adoración de los Magos llamada Pala Strozzi («Retablo Strozzi») terminada en mayo de 1423. Fue un encargo para la capilla familiar en la iglesia de la Santa Trinidad de Florencia. Hoy. en la Galería de los Uffizi. Está considerada una obra maestra, de Gentile y del estilo gótico internacional. El oro,  los detalles suntuosos de las figuras, aunque dispuestas en profundidad, no siguen ninguna perspectiva, simplemente están puestas una al lado de la otra creando un efecto irreal, deslumbrante.

El Bosco-

 El triptico data de 1485  al 1500 –Era propiedad de Jehan Kassembrood, de Bruselas, cuyas propiedades fueron confiscadas en 1567 por el Duque de Alba que se lo envió a Felipe II como presente. Este lo puso en el Monasterio del Escorial pasando en 1839 al Museo del Prado donde está actualmente.

 

Es considerada como una de las obras más bellas y refinadas del pintor junto con El Jardín de Las Delicias.
En el ala izquierda está el donante, Peter Bronckhorst, y un  atareado san José secando pañales al fondo. En el ala derecha está representada santa Inés con la donante Agnese (o Inés) Bosshuysse (o Bosshuye), a la que se reconoce por su santa patrona y su escudo de armas.

Aparece el Rey Negro! las razas, los distintos continentes representados por ellos.

La tabla central, Melchor, el más anciano de los reyes, representa a Asia; está arrodillado ante ellos, Al lado está Gaspar, blanco y de mediana edad, representando a Europa; Al final, Baltasar, joven negro que representa a África lleva en la mano un cáliz esférico. Al fondo una ciudad  muy  estilo «Bosco» única  en su tiempo que se supone Belén  o Jerusalen

Alberto Durero

El cuadro que está en la Galería los Uffizi, de Florencia -Italia . Algunos opinan, sería el panel central de un políptico ejecutado para Federico el Sabio y destinado a la capilla palatina de su residencia de Wittenberg.
Otros por el contrario piensan que fue realizado como una pintura autónoma, sin partes laterales. Fechado y firmado con el monograma grabado en la piedra en primer término, debajo de la Virgen, es uno de los cuadros de más importantes del periodo entre el primer y segundo viaje a Italia.

Los dones que los Magos traen al Niño son obras maestras de la orfebrería renacentista, objetos como el propio Durero había diseñado y con los cuales estaba familiarizado en el taller de su padre.
En la figura del rey que está justo en el centro del cuadro, que lleva el atavío y las joyas
más fastuosos tiene la fisonomía del artista. La espléndida copa que tiene en la mano es en todo semejante a las del denominado “Álbum de dibujos de Dresde”; tal vez fueron diseñadas por Durero para un orfebre amigo suyo en los años 1500-1503.

Rubens

La Adoración de los Reyes Magos-Museo del Prado (Madrid, España), es un cuadro del pintor flamenco del barroco Peter Paul Rubens.una de sus obras maestras. Fue ejecutado en 1609, posteriormente el propio Rubens lo repintó y amplió entre 1628 y 1629 durante su segundo viaje a España.
Es la obra de mayor tamaño que Rubens posee el Prado se caracteriza por su colorido, movimiento y fastuosidad. A pesar de ser una de las más aparatosas y desbordadas de su autor, está claramente organizada, con un eje diagonal que parte simbólicamente del Niño Jesús y llega hasta el ángulo opuesto, en el extremo superior derecho. Claro simbolismo, el pintor sitúa en la figura del Niño el foco de luz que ilumina toda la escena.
En la franja añadida a la derecha, Rubens incluyó su autorretrato. Se representó montado a caballo, con espada y cadena de oro, reflejando con ello la condición nobiliaria que le había concedido en 1624 Felipe IV. Fue  la única vez que incluyó un autorretrato en una pintura narrativa.

Delft, la ciudad holandesa

La famosa vista de la ciudad pintada por su hijo dilecto-Johannes Vermeer, por 1660-1661 con la técnica del óleo sobre lienzo de 96,5 cm × 115,7 cm y en estilo de ese momento: el Barroco. Fue su segundo y último paisaje urbano y corresponde a una vista muy fiel posiblemente se ayudó de una cámara oscura. La pintura, es la cumbre del paisajismo holandés del siglo XVII y, por consiguiente, uno de los grandes paisajes urbanos de todos los tiempos.

Sus alrededores  fueron habitados antes de la era cristiana por pequeños grupos de pescadores, cazadores y granjeros. La mayor parte del terreno consistía en pantanos, sólo las partes más altas como las dunas y los terpes eran habitables por el comienzo de la Edad Media se formaron algunas aldeas.

Delft la ciudad holandesa, toma su nombre del primer canal que fue cavado probablemente hacia el año 1100 en el lugar, el Delft. La palabra ‘delft’ procede de ‘delven’, que significa ‘excavar. Actualmente tiene 14 canales y 74 puentes.

Recibió su fuero  de ciudad el 15 de abril de 1246 de manos del conde Willem II (Guillermo II). El centro de Delft está dominado por dos iglesias grandes: la Iglesia Vieja, se construyó en 1246 en honor a san Hipólito. Es la más antigua de la ciudad. Este original edificio de culto protestante es bastante peculiar: su torre, de 75 metros de altura, está sensiblemente inclinada hacia el canal que la baña, probablemente debido a la poca firmeza del terreno tiene hermosas vidrieras, y la Iglesia Nueva en una ciudad absolutamente llana, con 376 escalones para llegar a lo alto de la torre una de las más altas del país, gatesora ricos vínculos relacionados historia y la casa real holandesa Orange- Nassau.

El gran incendio

El 3 de mayo de 1536 estallo un  incendio descomunal.  Se desconoce como ocurrió, pero es probable que la aguja de madera del Nieuwe Kerk fue sacudida por un relámpago y el vuelo de chispas inicio el fuego en las casas circundantes. Aproximadamente 2.300 casas se calcinaron. La torre se reconstruyó en varias oportunidades por repetidos incendios,  la parte ennegrecida no es por e lfuego ya que se recontruyó en su totalidad. Se utilizó arenisca de Bentheimer que sigue oscureciéndose por la lluvia ácida… no deja de ser espectacular con sus tres colores.

El vínculo de los Orange con la ciudad de Delft comenzó cuando Guillermo «el Taciturno», fijó su residencia oficial, en 1572. En aquellos tiempos Delft era la tercera ciudad más importante del país, después de Dordrecht y Haarlem, disponía de murallas para su total protección. Pese a todo, Guillermo I de Orange fue asesinado por Balthazar Gerards en 1584. Considerado el «Padre de la Patria» está sepultado en la Iglesia Nueva que se convirtió desde entonces en el Panteón de los Reyes.

Otra  tragedia destruyó la ciudad

En 1654, una  nueva y desvastadora explosión destruía parte de las casas de la ciudad. El sótano del antiguo Convento de Santa Clara sobre Paardenmarkt en el distrito Doelenkwartier era usado para almacenar  pólvora. Este  era el depósito central para la región de Holanda. Contenía aproximadamente 80.000 libras de pólvora… una cantidad considerable. Las consecuencias de la explosión fueron enormes – doscientas casas fueron arrasadas, otras terminaron  completamente derruidas. Cuentan que la mayoría de la población se salvó porque se celebraba la concurrida Feria de Schiedam del lunes 12 de octubre de 1654 en La Haya.

 

El pintor Egbert van der Poel es mundialmente conocido por las diferentes versiones de la explosión del polvorín de la ciudad de Delft de 1654.

El artista muestra un incendio  que parece nocturno pero en realidad es la explosión que oscureció el día y la vida de la tranquila ciudad. Hay que destacar su maestría en captar las diferentes tonalidades del fuego, así como las luces y las sombras que él mismo produce sobre los diferentes elementos de la composición.

van der Poel, era  vecino de Fabritius  el afamado pintor.  Se dice  que  enloqueció con la tragedia y durante el resto de su vida sólo pinto este tema; La explosión de Delft lo explica Donna Tartt en su novela- El jiguero (donde habla de la Obra de Fabritius que data del año de la explosión) un mismo y único tema distintas versiones de la tragedia, tierras yermas, humeantes, casas calcinadas en ruinas, un molino con las aspas destrozadas, cuervos volando en círculos en cielos ennegrecidos por el humo.

Carel Fabritius (1622-1654), discípulo de Rembrandt y profesor de Vermeer. Uno de los mejores pintores de su tiempo, que  gozó de una gran fama en vida.  El día de la tragedia, prefirió quedarse en su estudio en Delft porque debía terminar un retrato y no asistió a la Feria de La Haya. El artista, con apenas treinta y dos años, estaba en compañía de dos alumnos, Simon Deker y Mattias Spoors  quedaron  enterrados para siempre entre los escombros juntos con la mayoría de la producción del pintor.

 

La explosión

Antes del mediodía se registró, a unas pocas manzanas de la casa del pintor, la explosión. El cuidador del polvorín cometió algún tipo de imprudencia y la deflagración fue de tal magnitud que se escuchó a cien kilómetros de distancia. Prácticamente todo el casco urbano de Delft quedó en ruinas. Murieron centenares de personas —nunca se precisó la cifra— hubo miles de heridos. La casa de Vermeer, que había contraído matrimonio hacía un año y medio, quedó dañada y varios de sus cuadros perdidos hoy está abierta al público como museo pero ninguna de sus obras maestra está en ella.

El suceso conmovió de tal manera a la sociedad holandesa que fue bautizado como La explosión de Delft y la universidad de la ciudad empezó a impartir como materia el estudio de las explosiones y las técnicas para prevenir  accidentes.

El Jilguero de Carel Fabritius

 

Los historiadores  lograron situar la tabla de Fabritius  en manos de un tal chevalier Joseph-Guillaume-Jean Camberlyn, quien la legó a sus descendientes. En 1896 fue comprada en una subasta en París por 6.200 francos con la mediación de un marchante que actuaba como intermediario  de la colección real holandesa actualmente en el  Museo Mauritshuis de La Haya .

 

 

Delfts Blauw. Su fantástica cerámica en blanco y azul.

Los alfareros de Delft preferían llamar a su cerámica “porcelana” no era más que una versión barata de la auténtica porcelana china. La cerámica azul de Delft no se elaboraba con el caolín típico de la porcelana, sino con un caolín que se recubría con un vidriado de plomo tras pasar por el horno . Gozó de gran  popularidad entre las familias acaudaladas, que se enseñaban mutuamente sus colecciones de Delfts Blauw entre 1600 y 1800, Su fama se expandió rápidamente debido a dos acontecimientos: la caída de la dinastía Ming en China, lo que interrumpió el comercio, causando así una drástica caída en la cantidad de vasijas chinas que llegaban a Europa y el otro motivo fue la disponibilidad de locales adecuados para la cerámica, por la caída de la industria cervecera en Holanda.

Los ceramistas holandeses utilizaban arcillas finamente preparadas y dibujos chinos, pintados en azul. También utilizaron sobre la decoración un vidriado de plomo transparente conocido como «kwaart» holandés, que daba a las vasijas un brillo uniforme y una mayor profundidad a los colores; esto se traducía en cerámicas de apariencia casi idéntica a la azul y blanca de china. Llegó a haber 33 fábricas en la ciudad. De todas esas fábricas, la única que queda hoy en día es Royal Delft.

Debido a este éxito, surgieron las imitaciones de azulejos de Delft comenzaron a fabricarse en Alemania, Inglaterra, Bélgica y en el norte de Francia. Por lo tanto, el término «la teja de Delft« se refiere más a un estilo que a su origen.

Cada idioma europeo tiene una expresión similar: Carreaux de Delft (francés), Delft fliesen (alemán), Delftse tegels (holandés), Piastrelle di Delft (italiano), Kaflez Delft (polaco), Delft klaken (sueco), πλακάκια Delft (griego), Делфт Плитка (ruso)… Este nombre de «Delft» también sigue unido al color azul, elegido para imitar la porcelana Ming, y utilizado como un solo tono. El más famoso pintor de Delft es Frederik van Frytom (1632-1702) quien decoró placas murales con paisajes en tonos azules muy finos. Aunque fueron utilizados otros colores según las épocas, la cerámica de Delft sigue siendo para muchos asociada con el color azul.

 

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Los azulejos de Delft se caracterizan por su composición ornamental. Los más sencillos tienen un motivo central, enmarcado por elementos decorativos en las 4 esquinas.

 

dessin d’après estampe de Carel Allard (1648-1709) – c5p41

Los temas principales:  los paisajes, barcos, escenas bíblicas, personajes galantes, juegos de niños, flores, y animales. Talleres de Rotterdam como el de Jan Aalmis (1674-1755) o de Cornelis Boumeester (1652-1733) produjeron también paneles de cerámica en mayor escala representando escenas marinas, paisajes, escenas amorosas o religiosas, ramos, etc.

 

El éxito de las cerámicas de «Delft» era tan grande, que en el siglo XVIII, fueron utilizadas para decorar el palacio del Bardo en Túnez, ahora  es un extraordinario museo arqueológico, célebre por sus mosaicos. Pero al margen de ello, el edificio en sí mismo fue declarado Monumento Nacional en 1985, y  considerado uno de los palacios más bellos de Túnez. El convento Franciscano en Salvador de Bahía (Brasil) y palacios de Lisboa.

 

Una bella ciudad

Mirando tantas espectaculares fotografías que generosos aficionados ponen en la Web, comprendí el delirio de Vermeer  por pintaresos  bellos cielos de su ciudad y pensandolo un poco … su cerámica azul y blanca también nos hablan del tema. Es la esencia del lugar  que hace juego con el cielo y  su tranquilo deslizar del agua por sus 14 canales …