La Piazza del Campidoglio en Roma

 

 

 

 

A pesar de ser la más baja  y la menor de las siete colinas que circundaban Roma (Aventino, Capitolio, Celio, Esquilino, Palatino, Quirinal, Viminal), la colina del Capitolio es, probablemente, la que esté más relacionada con las vicisitudes históricas.

El episodio más famoso ocurrido en el Capitolio es, sin lugar a dudas, el acaecido durante la invasión del 18 de julio del año 390 a.C., cuando los Romanos fueron derrotados por los Galos en la batalla del Río Allia. El enemigo continuó su avanzada durante los tres días siguientes, hasta que los Galos llegaron a Roma y la saquearon, con excepción del Capitolio que se salvó del saqueo y resistió durante algunos meses. Según la leyenda, el ataque nocturno de los Galos se vio frustrado porque las ocas capitolinas encerradas en el recinto sagrado de Juno empezaron a graznar, descubriéndoles: así pues, el Capitolio…¡se salvó gracias a sus ocas! Para recordar este episodio, en los años 353-344 a.C. se erigió el Templo de Juno Moneda (moneda o amonestadora). Junto al templo de Juno tuvo su sede la primera Casa de la Moneda, cuyo nombre “officina moneta”, proviene precisamente del nombre del templo y del que deriva precisamente el nombre moderno de “moneda”.

 

 

La Plaza del Campidoglio (plaza del Capitolio) se halla en el punto más alto de una de las siete colinas de Roma, la Colina Capitolina. Situada entre el foro romano y el Campo de Marte, la colina Capitolina forma parte del origen de la ciudad romana, estando sus ruinas sepultadas bajo varios niveles de arquitectura medieval y renacentista. La plaza del Campidoglio era la sede del Senado, base del gobierno de la antigua Roma, y emplazamiento de numerosos santuarios religiosos. También era utilizada para la administración de la justicia y fue el lugar que acogió a las Sabinas. En la colina se ubicaron templos importantes como el de Vulcano, construido en el siglo 8 a.C., el de Juno Moneta, el de Virtus, y el de Júpiter Optimus Maximus Capitolinus, construido en el 509 a.C. Este último llegó a ser el emblema de la ciudad de Roma, la capital del mundo en época romana.
Durante la edad media el carácter religioso de la colina fue perdiendo valor, para llegar a ser el centro civil de la nueva Roma.

La Colina Capitolina, centro geográfico y político de la Roma antigua, llegó a ser en época renacentista un simple conglomerado de edificios que había perdido su importancia y que solo servía de telón de fondo para las ejecuciones y la administración de la justicia

 

Esta es la vista aérea de la famosa Plaza

La destrucción de edificios antiguos entre los siglos VIII y XII propició el traslado de la sede del prefecto de la ciudad desde el Foro Holiforium hasta este lugar. Así, la colina Capitolina pasó a ser el centro gubernamental de la ciudad medieval. En el siglo 11 d.C. ya albergaba el ayuntamiento de la ciudad. Aunque la política de la ciudad estaba muy controlada por los papas este espacio también fue escenario de resistencias civiles contra este poder.

Tras una revuelta en 1144 un senador estableció su residencia en la colina, dando la espalda a los foros romanos.

Así, una pequeña plaza se estableció frente al palacio del senador, donde deberían llevarse a cabo actos institucionales. El palacio del Senador fue reconstruido en el año 1299, tomando forma de plaza fuerte de señor feudal con una gran torre central. En el siglo XIV el estado del palacio era tan pésimo que el gobierno tuvo que celebrar algunas sesiones en la vecina iglesia de Santa María en Aracoeli, construida en 1290.

Para empezar:la palabra capitolio proviene precisamente de este lugar. Si buscan «capitolio» en la web de la R.a.e. nos dice que significa «Palacio que, en algunos países, alberga los órganos legislativos del Estado» (como el famoso Capitolio de los EEUU).

En 1429 Nicolás V reconvirtió un edificio existente en el Palacio de los Conservadores como parte de su plan de mejora de la zona. Este palacio estaba porticado y tenía una configuración medieval. Así pues, en el siglo XVI la plaza ya tenía una nueva orientación dando la espalda a los foros romanos, pero totalmente desordenada en su configuración.

La Plaza del Campidoglio o del Capitolio está considerada la primera plaza moderna de Roma, que se diseñó a modo de una gran terraza sobre la ciudad en el año 1536 a instancias del Papa Pablo III Farnese y bajo ladirección del genial Miguel Ángel.

El papa Pablo III, se avergonzaba del estado en el que se encontraba la célebre colina (en aquella época llamada colle caprino, esto es, colina caprina, por ser utilizada como pasto para las cabras), lugar del desfile triunfal organizado en Roma en honor de Carlos V en 1536.

 

 

Así comenzó el cambio de orientación de este espacio hasta adoptar la configuración con la que se encontraría más tarde Miguel Ángel al hacer su proyecto urbanístico y arquitectónico. Miguel Ángel proyectó la plaza, haciéndola volverse no hacia el Foro Romano sino hacia la Basílica de San Pedro, que representaba el nuevo centro político de la ciudad. Para muchas personas que aman lo perfecto este artista fue lo más grande que exitió, sin duda que no está errados, de una originalidad y audacia fuera de lo común que nos dejó maravillados con sus múltiples obras que aún hoy son motivo de investigación y polémica.

Pensó construir un nuevo palacio, llamado por esto Palacio Nuevo para cerrar la perspectiva hacia la Basílica de Santa María en Aracoeli, rediseñó el Palacio de los Conservadores eliminando todas las estructuras medievales, armonizándolo con el Palazzo Senatorio al que añadió doble escalinata que servía para acceder a la nueva entrada, no vuelto más hacia el foro sino hacia la plaza; Miguel Ángel proyectó también la escalinata de la Cordonata y la balaustrada desde la que tiene vistas hacia la plaza de Aracoeli, que queda en un plano inferior.
La rampa-escalera de Miguel Ángel fue diseñada con una anchura suficiente para que los jinetes pudieran ascender a la plaza sin tener que bajar de sus monturas.Está flanqueada en su base por dos estatuas egipcias de leones hechas en basalto negro, y por dos estatuas de Cástor y Pólux, provenientes de un templo de los Dioscuros en el Circo Flaminio, en su extremo superior.

Debido a que las obras fueron demasiado lentas, Miguel Ángel no vivió para ver su obra finalizada aunque, a pesar de esto, la construcción se realizó siguiendo fielmente sus planos.
El Palazzo Senatorio es hoy la sede del Ayuntamiento de Roma, mientras que los Museos Capitolinos, abiertos en el año 1735 (uno de los museos públicos más antiguos del mundo) están alojados en los otros dos palacios, unidos por una galería subterránea, la Galleria Lapidaria.

Como anécdota, si se fijan bien en la foto, en la parte izquierda sobre el césped hay un pedestal blanco con una estatua (se ve bastante mal, la verdad) que corresponde al señor Cola di Rienzo. Que vivió en la Roma del siglo XIV y estaba obsesionado con devolver a la ciudad su antiguo esplendor, de hecho, consiguió hacerse con el poder municipal (expulsando a nobles de Roma) pero sus leyes crueles y dictatoriales hicieron sublevarse al pueblo y acabó decapitado en el mismo lugar donde se levanta esta estatua.

Richard Wagner escribió la ópera Rienzi que se basa en este personaje.

 

En el extremo superior, se trata de los Dioscuros («hijos de Zeus») gemelos Castor y Pólux. Las estatuas fueron traídas y restauradas del Circo Flaminio. Los Dioscuros (que en el momento se creían realizados por Fidias y Policleto como retratos dobles de Alejandro), todo conducía a la exaltación de la Antigua Roma y su poder (aquí se encontraron los primeros pobladores y se creó uno de los principales templos de la Roma antigua), aunque sin olvidar el carácter cristiano de su mecenas (el Papa Paulo III), con un típico conciliato (una de las placas SPQR, imitando en la medida de lo posible a los antiguos, en espíritu y obra, se opone a otra que reza: en el año de nuestra salvación de 1568, encomendada a Jesucristo, creador de todo lo bueno)

Una vez superada la Cordonata, llegamos por fin a la plaza y lo primero que vemos son tres enormes edificios que dan forma trapezoidal a la plaza, para lograr una mayor sensación de profundidad, con un pavimento realmente llamativo y una figura ecuestre predominando en el centro toda la escena….muy parecido a este grabado de Étienne Dupérac del 1568…

¿Cómo es posible que se diseñara una plaza entera dando la espalda al Foro romano? Estaban convencidos que las estatua escuestre  que allí pusieron era de Constantino el grande el que terminó con la persecusión cristiana. Pero estaban equivocados . La estatua es de Marco Aurelio ( 176 d.c.) el emperador filósofo, es la única y por tanto la más vieja estatua ecuestre de un emperador romano de bronce que ha llegado a nuestros días ya que los cristianos fundieron todas la demás esculturas de bronce de los antiguos romanos para convertirlas en moneda…y curiosamente ahora, la esta estatua sigue estando relacionada con monedas, pues aparece en las monedas de 0,50€ italianas(serie 2002)  La estatua ecuestre de Marco Aurelio en bronce dorado, anteriormente situada en la plaza de San Juan de Letrán, fue colocada en el centro de la plaza por deseo de Pablo III; la estatua original, después de una larga restauración que ha sacado a la luz trazas de dorados, está actualmente conservada en los Museos Capitolinos, mientras que sobre la plaza se colocó una copia.

La imagen de la estatua ecuestre de Marco Aurelio, así como el diseño del suelo de la plaza también aparecen en el pasaporte italiano.

Loba capitolina: es una reproducción, a pequeña escala (original en los Museos Capitolinos).Está a la izquierda del Palazzo Senatorio. Es el símbolo de Roma por excelencia. Algunos han sostenido recientemente que la pieza es de origen medieval y no etrusco como se pensaba. Los dos gemelos son un añadido renacentista.

Esta es la original

En el Palazzo Senatorio, la sede del Ayuntamiento de Roma  es un impresionante edificio construido entre 1582 y 1605. En el Palazzo de los Conservadores es donde está el Museo de Arte del Capitolio y en el Palazzo Nuovo hay también otro Museo Capitolino con muchas obras de arte de origen griego y romano, la finalización del proyecto sería de Giacomo della Porta y los Museos  públicos que allí están son los más antiguos del mundo, fundados con la colección del papa Sixto IV allá por 1471, aunque fue el papa Clemente XII, en 1734, el que ordenó que se abriera al público.

 

 

Las «Alegorías del amor» de Veronese

Cuatro obras de Veronese lucieron  esplendorosas en el Castillo de Praga sobre 1575, una fortaleza en poder entonces del imperio germánico renacentista. Un lugar inexpugnable, la mayor fortaleza medieval -existía desde el siglo IX- de Europa. Allí sí pudo decorar los sobre-techos del castillo checo.Los poderosos podían permitirse por entonces tales lujos, alegorías impactantes e intelectuales, obras que representaran cosas que parecían otras, y que expresaban hechos de la vida.

Autorretrato del Veronese dela Escuela Veneciana

Paolo Caliari (Verona, 1528-Venecia, 1588) ciudad de la que tomó su apelativo y donde se formó como pintor. En 1556 se estableció definitivamente en Venecia, donde desarrolló su arte, siendo una de las figuras más destacadas de la escuela veneciana. Desde 1541 fue discípulo y ayudante del también veronés  Antonio Badile, con cuya hija Elena contrajo matrimonio.

Aprendió de los grandes venecianos, Tintoretto y Tiziano, así como los pintores de Emilia, como Parmigianino. Se lo considera creador, junto con Tiziano, de un gusto suntuoso y colorista, que en Venecia se prolongó hasta el siglo XVIII.

Prefiere los grandes formatos. Su estilo se caracteriza por el lujo, la arquitectura clásica que enmarca sus escenas y el rico aunque suave colorido. Amigo de Palladio y otros grandes arquitectos de la época, enmarca sus escenas en amplios escenarios arquitectónicos, rasgo que lo hace precursor de la pintura decorativa barroca. Su tratamiento del color se anticipa a la pintura francesa del siglo XIX, destacando en la reproducción y sugerencia del brillo y textura de las telas. Prefiere los tonos fríos y claros: gris, plata, azules y amarillos.

 La representación  de la serie de «Alegorías del Amor».

La serie de cuatro pinturas confeccionadas para ser instaladas en un cielo raso y ser vistas de abajo hacia arriba.

Está documentado que Rudolf II fue mecenas de Paolo Veronese por lo menos desde 1581.

Las cuatro pinturas tienen dimensiones similares y se les encontró por primera vez dentro del inventario de la Colección Imperial de Praga en 1637.

Algunas pinturas fueron añadidas a la Galería del Castillo de Praga en los años posteriores al deceso de Rudolf.

Después del saqueo sueco de 1648, las pinturas fueron trasladadas a Estocolmo y luego a Roma a la Colección de la Reina Cristina.

Posteriormente llegan a manos del Duque de Orleans, al Conde de Darnley y finalmente al National Gallery de Londres entre 1890 y 1891.

Son una serie, es decir: las obras deben ir juntas para comprender el sentido final. Los títulos de cada una de ellas clarificarán algo, aunque en algunas están bastante recortadas.

La infidelidad, El desdén o el desprecio o la desilusión;  El respeto o la continencia, y, finalmente, La unión feliz.

Dos, las dos iniciales, negativas; las dos finales, positivas.

Compositivamente, son magníficas obras. Los colores, espléndidos y venecianos. Con escorzos y perspectivas geniales, atrevidas y originales. Cuatro obras maestras en una gran creatividad.  Describir el Amor, tanto ahora como antes es complejo, representar las pasiones humanas, las miradas, los ademanes si bien es un mundo de posibilidades para el artista, por otro lado es riesgosa la correcta interpretación si bien utiliza habilmente la correcta iconografía para poder hacerlo.

La Infidelidad

 

Aquí la iconografía es más clarividente, más precisa, menos confusa. Aquí es ella la que representará claramente la infidelidad. El triángulo es evidente, dos hombres a cada lado de ella: a su izquierda el amante, a la derecha el marido. Un papel delata la relación oculta entre los dos amantes. También, los ojos de ellos, de los dos hombres, declamarán otras cosas: por un lado la mirada divergente y disimulada del amante, por otro lado la mirada fija, directa y enamorada hacia ella del marido. Cupido, de frente, mirará a ella incrédulo, aturdido por la confusión que al pequeño dios todo esto le produce, ya que ella aquí seguirá conectada, sin embargo, con sus dos manos a los dos hombres.

El desdén o el desprecio

 

El desdén o el desprecio es la más compleja de entender en su iconografía. Hay que decir que las obras están algo recortadas  En un decorado clásico, en una arquitectura clásica, ruinosa y anticuada, veremos tendido a un hombre frente a los restos de unas figuras esculpidas de dioses o personajes mitológicos griegos, un sátiro y el dios Pan con su flauta -aquí recortado parcialmente-. A su izquierda aparecen dos mujeres juntas y de la mano. Sobre el hombre tendido está el dios Cupido ahora preparado para atizarle con su arco amoroso. De las dos mujeres, una está con los pechos desnudos (Venus) y la otra completamente vestida y portando un armiño, el animal símbolo de la castidad amorosa (la castidad).

El Respeto

El respeto o la contención. También es algo particular y misteriosa esta iconografía de la serie del Veronese. Porque aquí el hombre se detiene, frenará su deseo, frenará su pasión o su amor… Hasta Cupido le sujeta la espada en señal ahora de no desenvainarla. Pero, ella aquí está ahora dormida, debe estarlo para significar así el hecho un gesto más virtuoso: ella aquí no es libre de elegir. Y ella, Venus, está además aquí ahora completamente desnuda .

 

La Unión Feliz

Finalmente, la serie nos conducirá al último reflejo de lo que el tortuoso camino del Amor deberá llevar: La unión feliz. En esta representación, el creador veneciano iluminará la obra con la luz más clara y más luminosa. Sólo la diosa, desnuda, estará ahora ahí para condecorar al Amor en una mujer virtuosa y en un hombre agradecido. Y además con los símbolos de la virtud en la corona de laurel de la diosa, de la paz con la rama de olivo que portarán ambos, de las cadenas doradas de la unión más segura que, sin embargo, tomará ahora la inocencia más ingenua de un niño, o de la fidelidad más fiel con el perro más solícito y dócil.

La Alegoría del Amor, cuatro obras maestras de Paolo Veronese. Se lo considera uno de los artistas más destacados de la escuela veneciana. Su trascendencia en el estilo posterior permiten clasificar su obra de prebarroca, en particular por la elegancia de la forma, su gusto por las atmósferas diáfanas y el sentido decorativo de la composición.

Veronés influyó en pintores posteriores, como Rubens, Tiépolo y otros pintores del barrocos. Este pintor y Rubens son los grandes maestros del pasado que admiraba el pintor romántico Eugène Delacroix.

Magna fecha!!!!

 

 

 

El 23 de abril de cada año se celebra el Día del Libro, que conmemora la muerte de William Shakespeare y Miguel de Cervantes en 1616. Sin embargo, el fallecimiento de estos dos genios de las letras no sucedieron el mismo día, pues existía un desajuste entre los calendarios inglés y español.
En 1582, el Papa Gregorio XII adelantó 10 días el calendario, de modo que el día 5 de octubre pasó a ser el 15 del mismo mes. Sólo Francia, Italia y España adoptaron inmediatamente este cambio. Inglaterra no lo hizo hasta 1752. Así, para los ingleses, Shakespeare, el genio de Stratford Upon Avon, murió el 23 de abril, pero para los países católicos –por el calendario gregoriano, adoptado por los católicos en el año 1582–, ocurrió el 3 de mayo. Por otra parte, según Jean Canavaggio, uno de los principales biógrafos de Miguel de Cervantes, el padre de El Quijote falleció un día antes. Sin embargo, su muerte quedó asignada al día siguiente ya que fue registrada en San Sebastián, su parroquia, que solo aceptaba la fecha del entierro.
Pese a todo, ambos escritores murieron el mismo año, y es por ello que dado que este 2016 se cumplen 400 años desde la fecha de su fallecimiento, se van a llevar a cabo varias celebraciones por diferentes países para conmemorar ese IV Centenario.

Las exequias de sus muertes retrataron sus vidas. Los restos de Shakespeare fueron enterrados en el presbiterio —cerca del altar mayor—de la iglesia de la Santísima Trinidad de Stratford-upon-Avon, su pueblo natal, un privilegio que había comprado por la considerable suma de 440 libras.

De los funerales de Cervantes, en cambio, se encargó la Venerable Orden Tercera de San Francisco, una rama de la iglesia de la que él formaba parte. Pese al éxito del Quijote durante la última década de su vida, no pudo pagar ni sus propias honras finales.

 

 

 Veamos quienes fueron

William Shakespeare (c. 23 de abril de 1564 – 23 de abril de 1616 del calendario juliano; 3 de mayo de 1616 del calendario gregoriano), fue un dramaturgo, poeta y actor inglés. Conocido en ocasiones como el Bardo de Avon (o simplemente El Bardo), Shakespeare es considerado el escritor más importante en lengua inglesa y uno de los más célebres de la literatura universal.

Las obras de Shakespeare han sido traducidas a multitud de idiomas y sus piezas dramáticas continúan representándose por todo el mundo. Además, muchas citas y neologismos de sus obras han pasado a formar parte del uso cotidiano, tanto en el inglés como en otros idiomas. Con el paso del tiempo, se ha especulado mucho sobre su vida, cuestionando su sexualidad, su afiliación religiosa, e incluso, la autoría de sus obras.
Existen muy pocos hechos documentados en la vida de William Shakespeare.

Lo que sí se puede afirmar es que nació en Stratford-upon-Avon en Warwickshire, Inglaterra, en abril de 1564, que a la edad de 18 se casó con Anne Hathaway, con quien tuvo tres hijos, y que murió el 23 de abril de 1616, poco antes de cumplir los 52 años.Se desconoce cuál entre todos los retratos que existen de Shakespeare es el más fiel a la imagen del escritor, ya que muchos de ellos son falsos y pintados a posteriori a partir del grabado del First folio. El llamado «retrato Chandos», que data de entre 1600 y 1610, en la National Portrait Gallery (en Londres), se considera el más acertado. En él aparece el autor a los cuarenta años, aproximadamente, con barba y un aro dorado en la oreja izquierda.

Era costumbre en esa época, cuando había necesidad de espacio para nuevas sepulturas, vaciar las antiguas, y trasladar sus contenidos a un osario cercano. Tal vez temiendo que sus restos pudieran ser exhumados, según la Enciclopedia Británica, el propio Shakespeare habría compuesto el siguiente epitafio para su lápida:

Buen amigo, por Jesús, abstente
de cavar el polvo aquí encerrado.
Bendito sea el hombre que respete estas piedras,
y maldito el que remueva mis huesos.
Una leyenda afirma que las obras inéditas de Shakespeare yacen con él en su tumba. Nadie se ha atrevido a comprobar la veracidad de la leyenda, tal vez por miedo a la maldición del citado epitafio.
Tragedias
Al igual que muchas tragedias occidentales, la de Shakespeare suele describir a un protagonista que cae desde el páramo de la gracia y termina muriendo, junto a una ajustada proporción del resto del cuerpo protagónico. Se ha sugerido que el giro que el dramaturgo hace del género, es el polo opuesto al de la comedia; ejemplifica el sentido de que los seres humanos son inevitablemente desdichados a causa de sus propios errores o, incluso, el ejercicio irónicamente trágico de sus virtudes, o a través de la naturaleza del destino, o de la condición del hombre para sufrir, caer, y morir… En otras palabras, es una representación con un final necesariamente infeliz.
Shakespeare compuso tragedias desde el mismo inicio de su trayectoria: una de las más tempranas fue la tragedia romana de Tito Andrónico, siguiendo unos años después Romeo y Julieta. Sin embargo, las más aclamadas fueron escritas en un período de siete años entre 1601 y 1608: Hamlet, Otelo, El rey Lear, Macbeth (las cuatro principales), y Antonio y Cleopatra, junto a las menos conocidas Timón de Atenas y Troilo y Crésida.

Entre las características esenciales de la comedia shakespeariana encontramos La fierecilla domada, también traducida a veces como La doma de la bravía); las alusiones y connotaciones eróticas, los disfraces y la tendencia a la dispersión caótica y la confusión hasta que el argumento de la historia desemboca en la recuperación de lo perdido y la correspondiente restauración en el marco de lo natural.
Como galería de tipos sociales la comedia es, pues, un espacio más amplio en Shakespeare que el trágico y el histórico y refleja mejor la sociedad de su tiempo, si bien también resalta en este campo el talento del autor para crear personajes especialmente individuados, como el bufón y arquetipo de lo sanchopancesco llamado Falstaff.

Shakespeare fue poeta y dramaturgo venerado ya en su tiempo, pero su reputación no alcanzó las altísimas cotas actuales hasta el siglo XIX. Los románticos, particularmente, aclamaron su genio, y los victorianos adoraban a Shakespeare con una devoción que George Bernard Shaw denominó «bardolatría»

 

Que escribió?

154 sonetos.
37 obras.
Vivió en la Inglaterra del Renacimiento.
Escribió obras para el ‘Globe Theatre’.
‘La comedia de los Errores’ es su obra más corta con 1770 lineas.
Conocido como el Bardo de Avon.
Uso la palabra perro/perros más de 200 veces en sus escritos.
Nunca fue a la universidad.
Invento la palabra assassination (asesinato) en inglés.
Se cree que la reina Elizabeth I escribió algunas de sus obras. (suposiciones)
Se rumora que copió sus trabajos de otros autores .(raro. No?)
Otro Autores y académicos creen seriamente que Shakespeare no escribió ninguna de sus obras, o  que el haya existido como tal.
.Hay una lista de aproximadamente 50 candidatos de quienes se cree que son los verdaderos autores de Shakespeare. Sir Francis Bacon y Edward de Vere el 17° conde de Oxford son dos de ellos.
Después de 400 años de su muerte, hay 15 millones de páginas en Google con mención a Shakespeare. Elvis solo tiene 2.7 millones.
Se cree que Macbeth es la obra más producida de todos los tiempos. Cada cuatro horas se da una representación de ésta en algún lugar del mundo.
El suicidio era uno de sus temas más comunes, ocurre 13 veces en sus obras.
El hijo de Shakespeare murió en 1596, su hija Susana en 1649, su hija menor tuvo tres hijos los cuales murieron durante la infancia. Su nieta, hija de Susana murió sin haber procreado en 1670. Por esta razón no hay un solo descendiente de Shakespeare.

En China estuvo la prohibición que privó al país de las obras de Shakespeare entre 1964 a 1977 por considerarle un autor “revisionista , feudal y capitalista”, al acoger una serie las obras históricas del autor bardo, a cargo de la Royal Shakespeare Company (RSC). Entre febrero y marzo, se podrán ver las dos partes de ‘Enrique IV’ y ‘Enrique V’ en Beijing, Shanghai y Hong Kong. Las representaciones también viajarán a otros países como Irak, Dinamarca o Uruguay.

 

Miguel de Cervantes Saavedra, novelista, poeta y dramaturgo español (*1547 – †1616). Nació el 29 de septiembre de 1547 en Alcalá de Henares y murió el 22 de abril de 1616 en Madrid (fue enterrado el 23 de abril y popularmente se conoce esta fecha como la de su muerte).
Es considerado la máxima figura de la literatura española. Es universalmente conocido, sobre todo por haber escrito El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, que muchos críticos describen como la primera novela moderna y una de las mejores obras de la literatura universal. Se le ha dado el sobrenombre de Príncipe de los Ingenios.

El retrato más fidedigno que se conoce de Miguel de Cervantes se debe a su propia pluma, con la que trazó su «rostro y talle» en el prólogo a las Novelas Ejemplares:

«Éste que veis aquí, de rostro aguileño, de cabello castaño, frente lisa y desembarazada, de alegres ojos y de nariz corva, aunque bien proporcionada; las barbas de plata, que no ha veinte años que fueron de oro, los bigotes grandes, la boca pequeña, los dientes ni menudos ni crecidos, porque no tiene sino seis, y ésos mal acondicionados y peor puestos, porque no tienen correspondencia los unos con los otros; el cuerpo entre dos estremos, ni grande, ni pequeño, la color viva, antes blanca que morena; algo cargado de espaldas, y no muy ligero de pies; éste digo que es el rostro del autor de La Galatea y de Don Quijote de la Mancha, y del que hizo el Viaje del Parnaso, a imitación del de César Caporal Perusino, y otras obras que andan por ahí descarriadas y, quizá, sin el nombre de su dueño. Llámase comúnmente Miguel de Cervantes Saavedra. Fue soldado muchos años, y cinco y medio cautivo, donde aprendió a tener paciencia en las adversidades. Perdió en la batalla naval de Lepanto la mano izquierda de un arcabuzazo, herida que, aunque parece fea, él la tiene por hermosa, por haberla cobrado en la más memorable y alta ocasión que vieron los pasados siglos, ni esperan ver los venideros, militando debajo de las vencedoras banderas del hijo del rayo de la guerra, Carlo Quinto, de felice memoria».

Cervantes se afanó en ser poeta, aunque llegó a dudar de su capacidad, como él mismo dijo antes de su muerte en Viaje del Parnaso:
Yo que siempre trabajo y me desvelo
por parecer que tengo de poeta
la gracia que no quiso darme el cielo

En efecto, hacia 1580 participó con otros grandes poetas contemporáneos como Lope de Vega, Góngora o Quevedo en la imitación de los romances antiguos que dio origen al Romancero nuevo, llamado así frente al tradicional Romancero viejo del siglo XV, el cual era anónimo.
Inicia su obra poética con las cuatro composiciones dedicadas a Exequias de la reina Isabel de Valois. Otros poemas fueron: A Pedro Padilla, A la muerte de Fernando de Herrera, A la Austriada de Juan Rufo.

 

Dadas sus penurias económicas, el teatro fue la gran vocación de Cervantes. Escribe que cuando era mozo «se le iban los ojos» tras el carro de los comediantes y que asistió a las austeras representaciones de Lope de Rueda. Sin embargo, su éxito, que lo tuvo, pues sus obras se representaron «sin ofrenda de pepinos», como dice en el prólogo a sus Ocho comedias y ocho entremeses nunca representados, fue efímero ante el exitazo de la nueva fórmula dramática de Lope de Vega, más audaz y moderna que la suya, que hizo a los empresarios desestimar las comedias cervantinas y preferir las de su rival.
El teatro de Cervantes poseía un fin moral, incluía personajes alegóricos y procuraba someterse a las tres unidades aristotélicas de acción, tiempo y lugar, mientras que el de Lope rompía con esas unidades y era moralmente más desvergonzado y desenvuelto, así como mejor y más variadamente versificado.
Cervantes nunca pudo sobrellevar este fracaso y se mostró disgustado con el nuevo teatro lopesco en la primera parte del Don Quijote, cuyo carácter teatral aparece bien asentado a causa de la abundancia de diálogos y de situaciones de tipo entremesil que entreverán la trama.

En efecto, el entremés es el género dramático donde luce en todo su esplendor el genio dramático de Cervantes, de forma que puede decirse que junto a Luis Quiñones de Benavente y Francisco de Quevedo es Cervantes uno de los mejores autores del género, al que aportó una mayor profundidad en los personajes, un humor inimitable.

Que existía interconexión entre el mundo teatral y el narrativo de Cervantes lo demuestra que, por ejemplo, el tema del entremés de El viejo celoso aparezca en la novela ejemplar de El celoso extremeño.
Otras veces aparecen personajes sanchopancescos, como en el entremés de la Elección de los alcaldes de Daganzo, donde el protagonista es tan buen catador o «mojón» de vinos como Sancho.

El barroco tema de la apariencia y la realidad se muestra en El retablo de las maravillas, donde se adapta el cuento medieval de don Juan Manuel (que Cervantes conocía y había leído en una edición contemporánea) del rey desnudo y se le da un contenido social.
También poseen interés los entremeses de El rufián viudo, La cueva de Salamanca, El vizcaíno fingido y La guarda cuidadosa . Para sus entremeses adopta Cervantes tanto la prosa como el verso y se le atribuyen algunos otros, como el de Los habladores.

En 1597 Cervantes es encarcelado en la Cárcel Real de Sevilla por supuestos malos manejos como cobrador de impuestos.

En la soledad de la prisión Cervantes concibe su Quijote.

En 1605 Miguel de Cervantes publica la primera parte del Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha, cuya primera edición se agotó al poco tiempo.

El Quijote fue ideado por Cervantes como una parodia a los libros de caballerías.

La segunda parte del Quijote se publicó en 1615, un año antes de la muerte de Cervantes.

El Lugar de la Mancha que alude cervante en el inicio de su libro es: Villanueva de los Infantes en Ciudad real.

Miguel de Cervantes era tartamudo; él mismo lo confiesa en el prólogo de sus Novelas Ejemplares, y fue una situación que le afectó de manera social y anímica.

Pese a que falleció en 1616 a los 68 años, fue enterrado en una tumba sin lápida ni nombre que diera idea de quién estaba sepultado allí. Solo en 2015, un grupo de científicos cree haber dado con los verdaderos restos de Miguel de Cervantes.

Miguel de Cervantes tiene una estrella. La Unión Astronómica Internacional (IAU) puso en marcha en 2015 un proceso internacional para nombrar a 20 nuevos sistemas planetarios descubiertos recientemente. La comunidad astronómica española logró que una de ellas se llamase Cervantes a través de la web http://www.estrellacervantes.es. La propuesta consiguió más de 38.000 votos y España fue el tercer país que logró más participación en el concurso.

Comparación Entre Ambos Genios de la Literatura

En las obras de Shakespeare y de Cervantes,el modo de darles una personalidad, posición social, educación y culturalización a los personajes con el uso de un vocabulario particular para cada uno.
Dándonos el ejemplo de Don Quijote y de Romeo y Julieta, podemos denotar muy bien como hay 2 tipos de personajes:
La Alta Sociedad con alto nivel de culturalización, educación y respeto. (Como es el ejemplo de los personajes de Shakespeare en Romeo y Julieta, y el ejemplo del mismísimo Don Quijote en la obra que lleva su nombre)
La Baja Sociedad con bajo nivel de educación, y culturalización en general. (Como es el ejemplo de Sancho Panza en la obra Don Quijote)
En el caso de Shakespeare, él utiliza un vocabulario muy amplio y desarrollado y se los imprime a sus personajes en las obras. También se caracteriza Shakespeare por darle éste nivel sociocultural a la mayoría de sus personajes en todas sus obras.
Y en el caso de Cervantes, dado el ejemplo del Quijote, se rescatan los dos personajes, siendo uno, en algunos momentos (El Mismo Don Quijote)  maleable en su vocabulario. Éste es el momento, en que Don Quijote le quiere explicar sus ideales a Sancho Panza, y utiliza un vocabulario un tanto más vulgar para lograr coincidir en su código.
Shakespeare le da más Romanticismo, y seriedad a cada conversación que se establece entre los personajes; parecido pero no igual.

En Cervantes, en donde algo de humor se adentra en el relato por Sancho Panza, en donde muchas de sus frases llevan algún doble sentido expresando y denotando un sano humor.

Conclusión:

Shakespeare prefiere la tragedia, el amor, lo imposible, lo inalcanzable, lo puro, lo esencial, lo perfecto en pocas palabras.

Mientras que Cervantes prefiere mantenerse en el marco de la buena lectura basada en buenos relatos con toques de muy buen humor camuflados.

!Benditos nosotros que tenemos semejante privilegio de disfrutar de sus obras!!!

 

                                          !!Gracias Señores  por tanta dedicación y esfuerzo!!

 

La olimpíadas y sus destacados participantes

Leónidas de Rodas
Considerado uno de los corredores más famosos de la Antigüedad, fue aclamado como un héroe por sus compatriotas. Durante cuatro Olimpiadas consecutivas (164-152 a.C.) ganó tres carreras, -la carrera de Stade, la carrera diaulos y la carrera de la armadura-. Ganó un total de 12 coronas de la victoria olímpica.

Melankomas de Caria
Se coronó campeón olímpico de boxeo en el año 49 a.C., y fue el ganador en muchos otros eventos. Marcó un hito en la historia por la forma en la que luchaba, debido a sus movimientos sencillos y, al mismo tiempo, fascinantes. Alcanzó la excelencia competitiva a través de un ejercicio constante, pero agotador

.Kyniska de Esparta
Hija de Archidamos, rey de Esparta, fue la primera mujer en ser catalogada como vencedora olímpica en la Antigüedad. Ganó en la competencia de carros, de cuatro caballos, en las Olimpiadas número 96 y 97, (396 a.C. y 392 a.C., respectivamente). En los Juegos Olímpicos, estaba prohibida la participación de las mujeres, sin embargo, Kyniska rompió con aquella regla.

PAAVO NURMI (Finlandia, 1897-1973)

Nurmi, el más grande de los «Finlandeses Voladores» que revolucionó el atletismo de fondo, era un hombre solitario cuya obsesión por las rutinas de entrenamiento que combinaran velocidad y resistencia estaba años por delante de su tiempo.

Sin embargo, un digno tributo fue rendido al hombre que batió 29 récords mundiales cuando portó la antorcha olímpica en el estadio de los Juegos de Helsinki 1952, recibiendo un impresionante aplauso.

Una estatua de Nurmi se levanta hasta la actualidad en las afueras del estadio Olímpico de la capital finlandesa.

JOHNNY WEISMULLER (Estados Unidos, 1904-84)

Weismuller, quien comenzó a nadar luego de contraer poliomielitis cuando era niño, fue la primera persona que bajó los 60 segundos en los 100 metros estilo libre.

El estadounidense fue campeón olímpico en los 400 y 100 metros libres en los Juegos de París 1924 y retuvo su título en los 100 metros en Amsterdam cuatro años después, finalizando invicto con cinco oros olímpicos y 67 récords mundiales.

Después de retirarse de la piscina, el mejor nadador de la primera mitad del siglo XX empezó una carrera en Hollywood, representando a Tarzán junto a Maureen O’Sullivan en el rol de Jane.

en 1924 Harold Abrahams de Gran bretaña,  el de Carrozas de Fuego los 100 mts en 10′,6″ y Eric Liddell su compatriota  ganó los 400 mts.

Jesse Owens-

Fanny Blankers-Koen había competido en Berlín 1936, finalizando fuera de los lugares de medallas en el salto largo y la carrera de relevos de 4×100 metros.

Para el momento de los Juegos de Londres 1948 ella ya era madre y tenía 30 años, algo que en aquellos tiempos implicaba no tener posibilidades de éxito a pesar de ser dueña de siete récords mundiales.

Pero Blankers-Koen silenció a los escépticos e iluminó a unos Juegos realizados con una Europa devastada por la guerra al ganar los 100 y 200 metros planos, los 80 metros con vallas y la carrera de relevos de 4×100.

La atleta solo se vio completamente exigida en la prueba con vallas, donde superó por poco a la británica Maureen Gardner, quien cronometró el mismo tiempo de 11,2 segundos, y regresó a casa para convertirse en ama de casa a tiempo completo.

1972 Mark Spitz EEUU nadador hasta ese entonces inédito ganó 7 medallas en esa ediciónLarissa Latinina URSS gano 18 medallas en tres ediciones de los juegos olímpicos 9 de ellas de oro record que aún se mantiene.

Al Oerter: Nacido en el año 1936 es hoy en dia una de las leyendas del atletismo mundial. A los 20 años llego a los juegos olimpicos del 56 en Melbourne como un lanzador suplente pero tras la lesion de uno de los lanzadores titulares toma su lugar y gana la competencia con un lanzamiento de 56,36. 4 años mas tarde en los juegos olimpicos de Roma 1960 llevaba el liderazgo hasta el lanzamiento tercero cuando Rink Babka lo supera por unos cuantos centimetros , pero llegado el quinto intento sale a relucir el brillo de campeon y Alfred Oerte toma el primer puesto y la medalla de oro. 

Parrafo aparte para los juegos olimpicos del 64 en Tokio donde Al Oerter logra una de las hazañas mas grandiosas de la historia del atletismo. Habiendo sufrido una lesion en la espalda y usando un cuello ortopedico logra la clasificacion con 60,54, llegado el momento entra al circulo para su quinto intento en la final, se saca el cuello ortopedico y logra su nuevo record olimpico 61,00 logrrando su tercera medalla olimpica y una azaña recordada por muchos años como la mayor demostracion de espiritu competitivo.
Mexico 68 el choque de 2 grandes lanzadores era inminente. Jay Silverster y Al Oerter competirian ya no como en aquellos nacionales estadounidences por el titulo nacional sino ya por el titulo del mejor lanzador de disco del mundo en los juegos olimpicos. Silvester habia logrado poco tiempo atras un record mundial y era el gran favorito pero como en toda gran competencia Alfred saco a relucir su chap de campeon y mostro una vez mas que el estaba presente. Silvester culpo a la lluvia que habia caido pocas horas antes pero no habia excusas Al Oerter habia logrado lo que ningun humano en la historia de los juegos olimpicos y que tardaria hasta el año 1996 ser logrado por otro gran atleta Carl Lewis, GANAR 4 MEDALLAS OLIMPICAS EN LA MISMA PRUEBA

NADIA COMANECI (Rumania, 1961-)

Comaneci es considerada una de las mejores gimnastas del siglo XX y fue la primera en lograr una puntuación de 10 puntos en unos Juegos.

A los nueve años ganó sus primeras competencias en categorías juveniles y en 1974 era campeona mundial juvenil.

La rumana descolló en los Olímpicos de Montreal 1976, cuando conquistó tres medallas de oro en competencias individuales (paralelas asimétricas, barra y general individual), una de plata por equipos y otra de bronce en individuales.

Sus actuaciones quedaron en la historia y la convirtieron en una figura de gran popularidad a nivel mundial. Cuando volvió a su país fue recibida como una heroína.

Cuatro años después, en Moscú, completó su cosecha de nueve preseas con otros dos oros (suelo y barra) y dos platas.

Comaneci dejó el deporte poco después de esos Juegos y en los años siguientes trabajó en la federación de su país entrenando a jóvenes promesas.
Carl Lewis : Considerado como el atleta mas asombroso de la historia de los juegos olímpicos, ganador de 10 medallas, 9 doradas y 1 plateada,
Fue el único atleta en igualar la hazaña del gran Al Oerter en medallas ganadas en la misma prueba, salto en largo,

Su medallero personal olímpico es el siguiente:
Oro 1984: Salto en largo
Oro 1984: 100 Metros llanos
Oro1984: 200 metros llanos
Oro 1984: Posta 4×100 metros
Oro 1988: 100 Metros llanos
Oro 1988: Salto en largo
Plata 1988: 200 metros llanos
Oro 1992: Salto en largo
Oro 1992: Posta 4×100 Metros
Oro 1996: Salto en largo

Abebe Bikila: Paso a la historia del atletismo mundial por haber corrido una marathon entera descalzo en los juegos olimpicos del 60 en Roma donde gano la prueba con un increible tiempo de 2h 15m 16s que serian records mundiales de la especialidad en esa epoca. 4 años mas tarde volveria a los juegos olimpicos a correr la marathon pero esta vez uso zapatillas y volvio a ganar con record del mundo 2h 12m 11s y es hasta el dia de hoy que es conocido como uno de los mas sobresalientes corredores de los 42 kilometros.
 Cassius Clay -EEUUcon 18 años Ganó el oro en Boxeo – Después fue Mohamed Ali.

Jarmila Kratochvílová: Si bien Kratochvilova no fue una atleta con grandes logros en juegos olimpicos ella fue una de las mas grandes corredoras de todos los tiempos. Su aparicion en la carrera de los 800 metros fue uno de los hitos del atletismo por muchas razones, una de ellas fue que no tenia casi ninguna experiencia en esta distancia y logro record mundial que hasta el dia de hoy sigue vigente.
Su apariencia, muy masculina, hizo de su carrera atletica un boom mediatico. Pero no solo su aspecto fisico era lo que movia a la multitud a seguir sus carreras sino que tambien fue protagonista de uno de los duelos atletiscos mas grandes de la historia Kratochvílová VS Koch donde los resultados fueron muy parejos.

Javier Sotomayor: Este cubano, que hoy en día ostenta el record mundial de Salto en alto con 2.45 metros, es uno de los mayores exponentes del atletismo latino de todos los tiempo. Fue medalla de oro olímpica 1 vez y medalla de oro mundial 2 veces ganando también 1 medalla plateada olímpica y 2 medallas plateadas mundiales
Su tope mundial, aun vigente, esta 3cm por sobre la 2da marca de todos los tiempos y hasta el día de hoy corre muy poco peligro de ser batido.
En los juegos panamericanos de Mar del Plata 95 paso la varilla en 2.40 metros e intento batir su record mundial llevando la varilla a 2.46 metros pero no lo consiguió.

Yelena Isinbaeva: La reina del Salto con garrocha consagrada 2 veces campeona olímpica y mundial es la mejor saltadora de garrocha de todos los tiempos logro subir el record mundial hasta 5.06 metros y alctualmente sigue compitiendo en gran nivel.
Su primer record del mundo fue Gateshead un 13 de julio del 2003 cuando paso la varilla a 4.82 metros y la ultima vez que asombro a los seguidores del atletismo fue en Zurich el 28 de agosto de 2009 pasando la varilla a 5.06 metros es hasta el dia de hoy que ninguna mujer ha logrado pasar la varilla a mas de 5 metros excepto «La reina del salto con garrocha»

Jan Zelezny: El mejor lanzador de jabalina de todos los tiempos por sus marcas y sus logros en competencias internacionales, record del mundo 5 veces, campeón olímpico 3 veces y ganador de la medalla de plata olímpica 1 vez, ganador de los mundiales de atletismo 3 veces.
Es el atleta con mayor cantidad de lanzamientos arriba de 90 metros (52) con un impresionante 98.48 que todavía esta muy lejos de ser batido
Se retiro en el año 2006 en una competencia en su República Checa natal donde lanzo mas de 80 metros a los 40 años

El Bautismo de Cristo

de Piero della Francesca

Se trata de la parte central de un tríptico, cuyas piezas laterales son obra de Matteo de Giovani y se encuentran en el Museo Civico de Sansepolcro, en la Toscana. Fue pintada originalmente para la abadía camaldunense de esa ciudad, encargada por su abad Ambrogio Traversari, un importante teólogo de la época, que había participado en el Concilio de Florencia al que se hace alusión en el cuadro. En este concilio se intentó poner fin a las diferencia entre la Iglesia Católica y la Ortodoxa, (el cortejo bizantino que aparece en el fondo del cuadro).

Para algunos historiadores del arte está referencia indicaría que fue pintado hacia 1440, siendo por lo tanto una de las obras tempranas del autor y en la que hace ya alarde de su habilidad técnica y de los logros que el Renacimiento italiano estaba logrando en la pintura. Para otros el desarrollo compositivo y el hábil trabajo de la anatomía situaría la obra en un momento de madurez de Piero della Francesca, sobre todo por el interés mostrado en la geometría y en las proporciones.

Piero della Francesca aplicaba en sus pinturas una serie de fórmulas que su público estaba capacitado para comprender. Ese público estaba formado mayoritariamente por comerciantes acaudalados que tenían la formación matemática necesaria para percibir la belleza de la forma abstracta de un volumen cuya cuantía sabían calcular mediante el cálculo.

Una regla de tres famosa es la llamada Escala Armónica Pitagórica, que al modo renacentista se expresa:

6 8 9 12

Según nuestro estilo, la escribiríamos así:

6:8 = 9:12

Los musulmanes la planteaban tal como en la escuela se enseña la regla de tres a los niños:

6 ————- 8

9 ————- 12

Algunos arquitectos relacionaron la escala armónica pitagórica, utilizada para representar una escala musical, con el diseño visual modular o proporcional. Andrea Palladio dejó asentada una falacia de diseño según la cual los espacios pueden ser diseñados «musicalmente» de acuerdo con esta escala: como el intervalo entre 6 y 12 es de una octava, entre 6 y 9 y entre 8 y 12 es de una quinta, entre 6 y 8 y entre 9 y 12 de cuarta y entre 8 y 9 de un tono, si se organizaban las dimensiones de las habitaciones de un edificio siguiendo esta serie, entonces se estaría produciendo una armonía espacial de la misma clase que la que relaciona las notas musicales. La regla de oro parecía una fórmula perfecta que relacionaba las artes de la música, la pintura y la arquitectura. Y además mantenía las buenas relaciones comerciales.

Una  característica de Piero della Francesca fue sumergir sus escenas en una luz que envuelve completamente las formas sin producir casi indicio alguno de sombras. Con lo que lograba un efecto de majestuosidad y de calma que el artista acrecentaba limitando los movimientos de sus personajes o fijándolos en un gesto que simplemente lo sugiriera, a esta calma se añaden el refinamiento que da la luz y la delicadeza de los acordes cromáticos.

Los pintores y artistas florentinos impusieron toda una serie de investigaciones tendentes a conseguir un nuevo «sistema de representación» capaz de articular un espacio natural, continuo y tridimensional, en definitiva se buscaba una representación con la suficiente «verosimilitud» y consistencia que reflejara esa nueva realidad natural.

El «espacio natural» suponía contar con una figuración y un conocimiento mas preciso en la perspectiva lineal hasta conseguir una entidad y volumen que los pintores florentinos consiguieron mediante la utilización de un color cada vez más natural, y de la experimentación de los efectos lumínicos y de modelado; factores ambos que contribuyeron a la consecución definitiva de estas representaciones tridimensionales con esa apariencia natural pretendida; en clara oposición al espacio irreal, místico y simbólico, que caracterizaba a la pintura inmediatamente anterior.

Bicentenario del Barbero de Sevilla

Gioacchino  Rossini, fue el genial compositor de ‘Almaviva, ossia L’inutile precauzione’ más conocida en español como El Barbero de Sevilla.

Gioacchino Antonio Rossini, nació un 29 de febrero de 1792. La ópera con la que debutó fue ‘La cambiale di matrimonio’ (El contrato matrimonial), en 1810 en Venecia y fue un éxito. Éxito que tal vez lo motivó a hacer más óperas. Pero esta no es la primera que compuso pues ‘Demetrio e Polibio’, ópera seria en dos actos, la escribió en 1806, cuando tenía solamente 14 años y aún era estudiante de música, pero esta recién se estrenó en 1812 en Roma. ‘La pietra del paragone’ también le trajo gran éxito a Rossini en el teatro Alla Scala de Milán en 1812, una obra jocosa en la que demostró su gran talento para este género, uno de los géneros operísticos por los que trascendería en el tiempo.

Sin duda la ópera que más fama le ha dado es El Barbero de Sevilla, lo llamó ‘Almaviva, ossia L’inutile precauzione’ (Almaviva o La inútil precaución) para evitar alguna confusión y coincidencia con la ópera ‘Il Barbiere di Siviglia’ de Giovanni Paisiello. Es una opera bufa en dos actos,  el libreto  de Cesare Sterbini  basado en la comedia (1775) de Pierre Caron de Besumarchais. El estreno (bajo el título Almaviva, o la precaución inútil) tuvo lugar el 20 de febrero de 1816, en el Teatro Argentina  de Roma. Lo cierto es que El barbero de Sevilla de Rossini opacaría casi eternamente al de Paisiello. El estreno fue un fracaso…principalmente, fue por la predisposición del público al creer que sería una copia o algo menor a la composición de Paisiello; pero esto duró solo la primera presentación, de la segunda hasta ahora no deja de ser un éxito. Es curioso que la obra original en francés,  Le  Barbier  de Séville tuvo una historia similar, odiada en su estreno para convertirse en una obra favorita solo una semana después.

En España se estrenó en 1818, en el Teatro de la Santa cruz  de Barcelona y fue la primera ópera que se representó en Argentin el 3 de octubre de 1825 por un grupo de cantantes que se estaban presentando en Brasil y fueron contratados por el presidente Bernardino Rivadavia Figuró en la primera temporada del  Teatro Colón en 1908, con un elenco liderado por Titta Ruffo y Fiódor  Ivánovich Shaliapin y representándose en 32 temporadas, lo que la convierte en la sexta ópera más popular en la historia del coliseo porteño.

Numerosos y célebres músicos la elogiaron:

Verdi dijo: “No puedo evitar pensar que ‘Il Barbiere di Siviglia’, por su abundancia de ideas, su viveza cómica y su claridad de declamación, es la ópera bufa más bonita que existe”. Según los anecdotarios Beethoven dijo que había leído con placer El barbero de Sevilla y que le había encantado, le dijo que no se aparte del género cómico, pues sería forzar a su destino. Antes de despedirse le dijo “Sobre todo, haga muchos Barberos”.

Según Edmond Michotte, cuando Wagner habló con Rossini, éste le dijo que era un crimen que hubiera dejado la pluma a los treinta y siete años, agregándole que ni él mismo tenía idea de lo que hubiera podido extraer de su privilegiado cerebro.

En la actualidad, personas ajenas al mundo lírico y a la ópera podrían reconocer a Rossini al escuchar solamente las oberturas de Il Barbiere di Siviglia, La Gazza Ladra o Guillaume Tell. Y es que su música es tan agradable y divertida que dudo que alguien no la haya escuchado.

Las obeturas construidas por lo general bajo la forma de sonata, además de sus melodías que hicieron de ellas un éxito, revelan un orquestador de una habilidad diabólica que exalta hasta el máximo grado la música pura.

Tenía genio, y también ingenio y chispa. “Dadme una lista de prendas enviadas a la lavandería y yo le pondré música.” Se vanagloriaba Rossini. El principal factor que contribuyó a la fama de Rossini fue la melodía; aunque de mala gana, así lo reconoce Wagner. “Rossini, volvió la espalda a la pedante acumulación de partituras densas y escuchó la voz del pueblo, que cantaba sin una nota escrita.” “La melodía desnuda, grata al oído, absolutamente melódica, la melodía que no era más que melodía y no otra cosa.”

El Barbero de Sevilla, la más grande de las óperas buffas, consiguió que la música de Rossini hiciese furor en todas las casas de opera europeas.

Gioachino Rossinin- Obra de Francesco Hayez 1870 en La Pinacoteca Brera de Milán

Hoy se recuerda a Rossini principalmente en su condición de autor de óperas bufas pero las óperas serias y trágicas fueron apreciadas en su tiempo. Otello, Moisés, Guillermo Tell Schubert incorporo el famoso «crescendo» de Rossini y otros recursos, que utilizaba magistralmente.
Hacia 1830, Rossini dejó de componer, y aunque vivió treinta y nueve años más nunca volvió a escribir para el público. Su retiro es un misterio, objeto de muchas conjeturas. Sin duda, compuso dos obras religiosas en gran escala y se entretuvo componiendo muchas piezas breves para piano. En sus óperas Rossini nunca fue parte del mundo romántico. Pero escuchaba todo, y en sus obras como el Stabat Mater y la Petite Messe Solennelle (obra maestra) empleó armonías mucho más arriesgadas que en todo lo que puede hallarse en sus óperas.

La Anunciación de Fra Angelico

Fra Angelico, o Guido di Pietro da Mugello (1400-1455) el autor.Está realizado en oro y temple sobre tabla, y fue pintado hacia 1426. Consta de una escena principal, con el tema de la Anunciación a la Virgen María.  Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid.

Esta entrevista de Nazaret es el encuentro cumbre más importante de todos los siglos.

-Por un lado el Arcángel San Gabriel que representa a Dios Padre.

-Por otro lado María que representa al género humano.

Dos mundos que se encuentran: un mundo sobrenatural y un mundo terrenal que “negocian” nada más y nada menos que la Redención del mundo. Esta obra con gran cantidad de símbolos  nos muestra el virtuosismo del Beato Angelico.

Ese  día  se cumple la profecía de Is. 7,14.anunciada ocho siglos antes

Es una de las obras de arte más exquisitas del siglo XV. Vasari, al mencionar a Fra Angelico, comentó de ella:

“En una capilla de la iglesia de Santo Domingo, de Fiesole, hay de su mano, en una tabla, la Anunciación del arcángel; parece un trabajo realizado en el cielo…”

 

Vemos a María, bellísima,  con las manos juntas en el pecho, en actitud de aceptación de la voluntad de Dios Salmo 44,11. María está en silencio, orando. El silencio no es vacío, es deseo de saber, de aprender, de recibir, de admirar.En este ambiente espiritual, el Ángel Gabriel la sorprende. El libro abierto sobre sus rodillas da prueba de ello.

El suelo de la estancia porticada imita el mármol, y las bóvedas de crucería que lo cubren están pintadas de azul lapislázuli  (uno de los tonos preferidos del autor)del mismo tono que el manto de la Virgen.

Las figuras de María y el Arcángel Gabriel parecen estar enmarcadas en un círculo, que muestran el gusto de Fra Angélico por las composiciones y formas curvas. El detallismo se muestra en los nimbos dorados y decorados, en las cintas que decoran las vestimentas, en la decoración en la parte alta del pórtico con Dios Padre y  la puerta abierta al fondo muestra un banco en diagonal, jugando perspectiva, luces y sombras. El Arcángel San Gabriel muestra unas alas bien trabajadas, detalladas.
La Mano de Dios envía el Espíritu Santo que vemos en el haz de luz que va hacia María

 

 

Un detalle exquisito: la golondrina,  símbolo de la Encarnación de Cristo durante el Renacimiento aunque siendo Fra Angelico dominico, podría ser el símbolo de la Orden, como la alondra era el símbolo franciscano. Sus colores, blanco sobre azul oscuro recuerdan al hábito dominico.

La obra nos muestra simultáneamente el principio y el final del Antiguo Testamento, al tiempo que anuncia el Tiempo Nuevo, tras la venida de Dios a la tierra.

Fra Angelico establece una jerarquía de tamaños para establecer un orden temporal: las figuras más pequeñas -Adán y Eva- son las más remotas en el tiempo; y en colores apagados las mayores son las más cercanas al cristiano, y de intenso cromatismo.

La escena del Génesis, quedando así evidente la promesa del Salvador y la Anunciación. Adán y Eva aparecen en un jardín maravilloso, donde han sido pintadas escrupulosamente más de 300 variedades botánicas, incluida la palmera símbolo de la inmortalidad.Son Expulsados por el ángel

La Pareja, congojados por su falta, Eva mira  de reojo a su abogada:(María),  Adán no, mira al suelo. Todo un tratado de psicología y de espiritualidad en esas dos miradas.

¡A los pies de Adán y Eva, el Beato Angélico ha colocado tres rosas! Es una clara alusión a María. San Bernardo ya popularizó por ese entonces el título de “Rosa mística” para María.

El Arcángel Gabriel vestido con una túnica preciosa, llena de pliegues. La túnica es de color rosa, ricamente bordada con cuellos, puños y franjas horizontales en oro.

La túnica rosa del ángel es del color de la carne humana, cuya apariencia ha tomado, pero por el pliegue abierto de su túnica asoma su verdadera naturaleza: una camisola larga azul cielo que denota quien es y de donde viene.

María viste al revés…Su túnica rosa nos está diciendo que es terrenal pero su manto azul nos revela que ha sido arropada en la divinidad del Verbo. Como dice Santo Tomás, la Encarnación es hacerse visible el Dios invisible y esto exigía que el ángel se hiciera visible.

El Beato Angélico de esta forma quiere hacernos partícipes de lo que él mismo ha contemplado en su interior. Es el anhelo pastoral de comunicar a los demás el fruto de la contemplación.

 

El “mazzocchio” florentino

 

 

 

Mazzocchio, pluma sobre papel blanco, Paolo Uccello, (Florencia, Museo de los Oficios)

El “mazzocchio” es la geometrización del sombrero florentino “a cercine”, es decir en forma de círculo, que Paolo Uccello ha representado algunas veces de modo realista (en las “Escenas de la vida de Noé”, y en las “Batallas”, por ejemplo), combinando el escorzo del sólido geométrico y la fluidez del drapeado que lo envuelve, el “torculo” como dirá Piero della Francesca. Pero en el “Diluvio”, Paolo representa dos “mazzocchi” dibujados geométricamente gracias a la representación del círculo por puntos, los cuales se presentan como poliedros con múltiples facetas alternando el negro y el blanco en damero. 

Historia de Noé, hacia 1450, Paolo Uccello (Florencia, Santa Maria Novella, Claustro Verde). Dañados por las diversas crecidas del Arno, los frescos estan una vez más en proceso de restauración.

El Diluvio universal, detalle de un fresco del claustro Verde, llamado así debido al tono predominante hacia 1447, Paolo Uccello, (Florencia, Santa Maria Novella)

Paolo Ucello siempre ha estado considerado como el maestro del Quattrocento más preocupado por la perspectiva. Su verdadero nombre es Paolo di Donno y nació en Florencia en 1397. Inició su formación artística cuando tenía diez años, en el taller del escultor Ghiberti, en el momento en el que se estaban realizando las segundas puertas del Baptisterio. En 1415 es admitido en el Gremio de Pintores, pero desconocemos sus obras durante un periodo de 15 años; a lo largo de 1425 se traslada a Venecia para trabajar en los mosaicos de San Marcos, regresando a Florencia seis años después, tras haber realizado frescos en Prato y Bolonia.

 

En 1436 se le encarga el fresco del «condotiero» John Hawkwood a caballo, más conocido como Giovanni Acuto, en la catedral florentina, como si se tratara de una estatua ecuestre, pudiendo poner de manifiesto sus conocimientos de perspectiva, introduciendo en la obra la técnica del escorzo.

Trilogía de la Batalla de San Romano (1450’, temple sobre tabla, National Gallery, Londres). Se trata de tres tablas que figuran en el inventario de los Medici en 1492 y que ahora se encuentran en la National Gallery de Londres, en Museo del Louvre de París y la Galleria degli Uffizi en Florencia. Aquí se pueden observar los «mazzocchi» florentinos que no deja de entroducirlos en su obra.

Conmemoran la Batalla de San Romano en la que los florentinos, bajo el liderazgo de Niccolò da Tolentino, derrotaron al ejército de Siena dirigido por Bernardino della Ciarda. Se pintaron ​​como decoración para el gran salón de la planta baja del Palacio Medici, llamada la habitación de Lorenzo.

La representación se plantea desde el punto de vista del espectador que se encuentra en un plano más bajo que el escenario donde se están desarrollando los torneos.

El paisaje, plano, reproduce el telón de fondo del escenario. La luz es general e idealizada y sirve, en su gradación, para la definición del espacio, creando un ambiente irreal y fantástico.

La profundidad no la consigue mediante el juego de la perspectiva sino por la colocación en profundidad de determinados objetos, cada uno de ellos se estudia individualmente y se pone en relación con los demás.

Definición espacial, definición de los cuerpos y estudios lumínicos, son factores relacionados, en los que Ucello investigó a lo largo de toda su obra, siendo partícipe de los inicios de la secularización del arte del Renacimiento, hecho que queda perfectamente patente en sus obras de Batallas.

Paolo Ucello

Martín Melitón Pablo de Sarasate y Navascués (1844-1908)

Obra de James McNeill Whistler

 

“Me critican que he pintado a Sarasate en un almacén de carbón y otras estupideces por el estilo. Yo solamente sé que él aparecía como se ve en mi cuadro cuando le vi tocar en Saint James’s Hall”. Así se expresaba James McNeill Whistler sobre su retrato de Sarasate, expuesto en el Carnegie Institute de Pittsburg (Estados Unidos).

Pablo Sarasate fue uno de los grandes violinistas del siglo XIX y uno de los personajes más admirados en su época: era llamado «el mago del violín» o el «moderno Paganini»; sus conciertos eran acontecimientos de tal magnitud, que el público se aglomeraba en las salas y las entradas se revendían, algo similar a lo que ocurre con las actuales estrellas del pop; escritores célebres como Arthur Conan Doyle o Herman Hesse o introdujeron en sus novelas o poemas; y pintores de la talla de Whistler lo retrataron. Su secreto estaba en su perfecta técnica y su maravilloso sonido. Pero además dejó una huella indeleble en el ámbito del violín a través de sus propias composiciones y de las obras que escribieron para él grandes músicos como Saint-Saëns, Lalo, Max Bruch y muchos otros.

Bautizado como Martín Melitón Pablo Sarasate y Navascues, nació en Pamplona, España en 1844.Hijo del músico militar Miguel Sarasate y Javiera Navascués, manifestó una precocidad asombrosa en el violín. La Condesa de Espoz y Mina le concedió una pensión para estudiar en Madrid. En 1856 actuó ante la reina Isabel II, quien le concedió una beca para estudiar en París. En dicho viaje a París, el 20 de septiembre de 1856, muere Javiera víctima de cólera.

Sarasate fue célebre por el sonido que era capaz de extraer de su violín.

(“Sarasate, por el contrario, que poseía un tono deslumbrante, utilizaba frecuentemente el staccato volante, de manera no demasiado rápida, pero con una gracia infinita. Esta última cualidad, la gracia, iluminaba toda su manera de tocar, y era sustentada por un tono caracterizado por un supremo lirismo que, sin embargo, no era muy potente.”)

(Leopold Auer (1845-1871), Violin playing as I teach it)

Interpretaba  magistralmente en su violín Stradivarius, que actualmente se encuentra en el museo del Conservatorio de París. Luego tuvo otro violín Stradivarius llamado «Rojo» que está  Madrid.
Fue un gran divulgador: en Francia, se convirtió en difusor de las obras alemanas; en el resto de países en los que tocó —Alemania, Reino Unido, Estados Unidos, Holanda, Rusia, España…— fue el embajador de la música francesa; y además fue un importante impulsor del hispanismo musical en Francia. “Sarasate, parisino de adopción, pero tan español como lo puede ser por su cultura y su temperamento fue uno de los primeros en promover, y de una manera muy significativa, el hispanismo musical en Francia” escribe Christianne le Bordays.

Así escribía Edouard Lalo a Sarasate: “Me siento muy contento de que mi Sinfonía Española, gracias a tu maravilloso arco, haya sido aprobada tanto en América como en Europa. No me extraña: por todos los sitios por donde vas, los compositores que tienen la suerte de ser interpretados por ti dejan recuerdos que no harían sin tu colaboración”.

Enrique Fernández Arbós lo cuenta de este modo: “Justo es decir que se le debe el cambio completo del repertorio violinístico. Hasta entonces, en Alemania se había tocado el Concierto de Mendelssohn y el de Beethoven, alguno de Mozart, mucho de Spohr, Bach, la Fantasía de Schumann (…); también Corelli, Vivaldi, Tartini, Viotti…, en suma, los clásicos alemanes e italianos; sin olvidar el Concierto Húngaro de Joachim, el primero de Max Bruch y el de Brahms, y desde luego todo el repertorio de música de cámara. Sarasate sorprendió a Alemania presentándose con el nuevo repertorio francés, para ellos desconocido, y del que fue el primer propagador en el mundo entero”.
Algo tenía Sarasate que encandilaba a los compositores de su tiempo. Le dedicaron obras, entre otros, compositores tan importantes como Max Bruch, Edouard Lalo, Henryk Wieniawsky, Camille Saint-Saëns, Antonin Dvorak, Alexander Mackenzie e Ignacy Paderewski.
“ En palabras del violinista Joseph Szigeti: “Fijaba su mirada más allá de las cabezas del público y daba la impresión de que estaba ausente, como si la música que tocaba no fuera con él”. Y Kreisler lo expresaba así: “Cuando colocaba el violín debajo del mentón y todos creían que iba a comenzar lo dejaba caer, se colocaba un monóculo y observaba al público. Tenía una manera de dejar caer el violín que sobresaltaba al público. Lo deslizaba a lo largo de su esbelta figura, tomándolo del extremo justo a tiempo. Era un truco muy suyo”. Ese porte extravagante que lucía Sarasate en sus conciertos lo achacaban algunos, sin embargo, a su miopía, que su coquetería no dejaba traslucir. Lo del monóculo no deja de ser una curiosidad para especialistas: en ninguna de las fotografías de las muchas que se hizo en su vida aparece con lentes o monóculo.

 

Aires Gitanos, fue compuesta en 1878 y extrañamente es de las pocas obras de
Sarasate que no está basada en danzas españolas. Por el contrario, Aires Gitanos
adopta un estilo, como su nombre lo indica, gitano de Europa central,estrenada durante ese mismo año en Leipzig. Está basada  especialmente en las csárdás. Dura diez minutos aproximadamente. Es la obra más famosa de Sarasate y  una de las preferidas entre los virtuosos del violín aquí,  la excelente interpretación   de I.Perlman.

Compositores Europeos tanto contemporáneos de Sarasate como posteriores, también
tomaron elementos de la música gitana; vale la pena mencionar ejemplos como las
Danzas Húngaras de Johannes Brahms (1833-1897), La Ronde des Lutins de Antonio
Bazzini (1818-1897), y Csárdás de Vittorio Monti (1868-1922). Las características más
importantes de este lenguaje que pueden identificarse en estas piezas, son el carácter
declamatorio y patético en las secciones lentas, que en el caso puntual de Aires
Gitanos, ocupan un espacio importante en la obra. La vivacidad y el frenetismo,
arpegios rápidos, pizzicatos con la mano izquierda y armónicos, hacen parte de los
efectos utilizados en esta virtuosa pieza de carácter pirotécnico.

Pero su espíritu seductor iba más allá de los escenarios. “Quienes asistían entonces a mis soirées musicales de los lunes no han olvidado la brillantez de mi ilustre amigo; era tal su resplandor que durante varios años ningún otro violinista aceptó tocar en mi casa. Todos estaban asustados ante la idea de enfrentarse a la comparación. Y él no sólo brillaba allí por su talento, sino también por su espíritu y por la elocuencia inagotable de su conversación, siempre interesante y sabrosa”. Así recordaba Camille Saint-Saëns a su gran amigo Pablo Sarasate.

Fernández Arbós, que le acompañó en tantas ocasiones —también en Pamplona—, lo describe muy bien: “No creo que haya habido nadie con un aspecto más perfecto y una elegancia más acabada. Se diría que había nacido con el violín; que él y su instrumento formaban un solo cuerpo. En nada revelaba el menor esfuerzo. Cuando tocaba con orquesta, hasta el momento exacto de empezar, miraba distraído la sala entornando los ojos y atusándose el bigote;  verdad o no, demostraba la despreocupación más absoluta y en el momento justo atacaba sin un solo gesto de preparación previa”.

Cuando lo elogiaban llamándole «Genio» respondía :
“¡Un genio! ¡He practicado catorce horas diarias durante treinta y siete años, y ahora me llaman genio!”

 

Pablo Sarasate murió en Biarritz (Francia) el 20 septiembre de 1908, casualmente el mismo día que su madre.