La Rocca Malatestiana…

Fortaleza defensiva de la ciudad de Cesena en la provincia de Emilia-Romagna– Italia .

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En 1380 se inició la reconstrucción de la Rocca Malatestiana por iniciativa del «Condotieri» Galeotto I Malatesta.

Northern Italian School; Galeotto Malatesta (1299-1385)

Participó en su construcción el cardenal Albornoz, sobre un edificio preexistente en el cual se habían hospedado entre otros: Federico I Barbarroja y su sobrino Federico II Hohenstaufen.

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En Octubre de 1432, tras la prematura muerte de Galeotto, Roberto Malatesta Novello de sobrenombre «El magnífico»realizó grandes obras en la ciudad como el casco histórico y el refuerzo de la muralla.

Las obras, bajo la dirección del arquitecto Matteo Nuti, da Fano , asistido por Cristoforo y Francesco Baldini, da Ferrara , se llevaron a cabo en dos etapas; el primero de 1466 a 1470, bajo el Papa Pablo II-Tras la muerte de Roberto por1465, Cesena volvió a la dominación papal y las fortificaciones de la época sufrieron modificaciones en el sistema defensivo para hacerla capaz de resistir las nuevas armas de fuego: fusil y cañón de pólvora negra.

La segunda etapa: de 1475 a 1477 con el Papa Sixto IV 1471-1484. Fue finalizada por el gobernador papal Lorenzo Zane en 1480.

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Después utilizado por César Borgia conocido como «il Valentino», llamado así por el título de duque de Valentinois que le concedió Luis XII, este, elevó a Cesena al rango de capital del Ducado de Romaña.

Su estructura

Complejo de planta rectangular con tres lados , incluyendo aquel en el que se encuentra la entrada protegido por un fossato.

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La Fortaleza fue diseñada siguiendo los principios «círculos», defensivas dictadas por Leon Battista Alberti 1404-1472 en su famoso tratado:“De Re Aedificatoria”

Estas propuestas estarán influenciada en su diseño por teóricos de ideología humanista que persiguen la construcción de la ciudad ideal. Esta, se presenta, por tanto,  como un artificio del pensamiento.

Al parecer, fue el primero en publicar un tratado de urbanismo. Esta obra, inspirada en los escritos de Vitrubio, realiza grandes aportaciones en cuanto la composición técnica de las ciudades. En cierto modo, se trata de una adaptación de las teorías clásicas a las exigencias estéticas y prácticas de la época: sistemas defensivos que faciliten la defensa, aspectos relativos a la higiene, necesidad de apertura y ampliación de calles derivadas del incremento del tráfico o búsqueda de una mayor estética.

Dentro de la fortaleza había una estructura principal defensiva, que a su vez abrazó la torre del homenaje. Rocchetta y la torre del homenaje también fueron separados del resto por un foso.
El lado norte de las murallas de la ciudad , la fortaleza , la fortaleza de la torre del homenaje y el mismo .
En 1500 la torre norte fue reforzado, probablemente por Antonio da Sangallo el Joven, perteneciente a la famosa familia de artistas y arquitectos, añade una boca del cañón apuntando hacia la puerta.

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En 1502, Leonardo da Vinci , a quien Borgia había confiado la tarea de levantar y mejorar el sistema defensivo de las ciudades de la Romagna, se unió a Cesena.

De su actividad, la ciudad conserva el cinturón de murallas y los planos de los sistemas de defensa de las puertas de acceso a la ciudad, así como el sistema de artillería apostado en el muro grosso o gran muralla de la rocca Nuova, llamada posición francesa se completó en 1503.
Hasta el final del s. XVII, la «Rocca» mantuvo su función militar, pero después de la época napoleónica y como consecuencia de los cambios estructurales, las dos torres y la » torrione del Nuti se transformaron en prisiónes.

La Rocca sufrió graves daños durante el terremoto de Irpinia ocurrido el 27 de julio de 1930, movimiento que tuvo lugar en el Sur de Italia, con una magnitud de 6.5 grados en la escala de Richter con una profundidad de unos 30 Km. Murieron 1.400 personas y dejó 8.848 heridos.

A principios de la década de 1940, se construyó un refugio antiaéreo a lo largo de Viale Mazzoni según los planos del ingeniero civil Mario Tellerini. Un túnel, que tiene 60 metros de largo, 3 metros de ancho y 4 metros de alto, construido en ladrillo y capacidad para 800 personas. Equipado con un sistema de ventilación, iluminación, dos baños y suministro de agua. 

La fortaleza y las torres quedaron muy arruinadas cuando las tropas nazis huyeron en agosto de 1944.

Las dos torres principales, la mayor «maschio» y la pequeña «foemina»

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La fortaleza siguió siendo una prisión hasta diciembre de 1969 y solo en 1970, cuando pasó a ser propiedad de la ciudad, se desmantelaron las instalaciones penitenciarias y cambio de funciones…

La torre «Femmina»

El Museo de Historia Agrícola de la Rocca Malatestiana es un reflejo de la actividad que ha caracterizado la economía y la sociedad de Cesena: la agricultura . 

Fue transformada en museo gracias a la donación a la ciudad del artista Mario Bocchini y representa una de las colecciones más ricas de toda la región desde sus inicios.Todos está etiquetado tanto en italiano como en romagnol.

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Ubicada en la parte baja, se llega al «museo histórico de la agricultura» cuyos diferentes pisos presentan la memoria y el patrimonio del mundo rural y campesino de la región; desde el antiguo carruaje tirado por caballos y todos sus utensilios de guarnición hasta los utensilios domésticos presentados a través de la reconstrucción de los salones de la época.

Todo el ciclo del cáñamo , desde la siembra, la cosecha hasta el tejido de la tela.

Una de las salas está dedicada a la armería de Rocca, se presentan las armas típicas de una fortaleza: armadura, arco, lanza, pico, alabarda, maza, ballesta, etc.

La Torre  «Maschio» 

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Esta torre llamada «Masculina» , cuya estructura fue alterada cuando asumió su función de prisión está enteramente dedicada a la alfarería antigua y la cerámica encontrada durante las excavaciones arqueológicas desde la época de los romanos.
Desde la sala de cerámica, una escalera conduce a la sala del comandante de la fortaleza que conserva los restos de una chimenea, los asientos de piedra debajo de cada una de las tres ventanas, un techo abovedado y dos puertas, una de las cuales permitía el acceso a la Femmina. torre directamente por un puente levadizo y el segundo todavía conduce fuera de la torre, a través de una pasarela suspendida, al bastión occidental que marca el inicio del paseo panorámico en las paredes.

El circuito interior

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El circuito interior comienza con una pequeña puerta que se abre a un pasillo, construido en el espesor de los muros, y que conduce a la torre de vigilancia donde se representa el equipo de un caballero: con cota de malla y arneses necesarios para la práctica de las justas tradicionales.

Fresco de una antigua justa en el museo de la «Rocca Malatestiana»

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Este palio local, que tuvo lugar desde la época malatestiana hasta 1838, puso en competencia a los cuatro jinetes que representaban los cuatro distritos de la ciudad. Este juego se desarrolló en la plaza principal , ahora Piazza del Popolo , y el ganador fue el que desbancó a los otros tres o quien, después de cinco torneos, había sumado más golpes al oponente.

Situada en la parte superior de la torre de vigilancia, una sala circular llamada «cañonera» todavía tiene sus dos aberturas para los cañones y la chimenea para aspirar los humos liberados por las explosiones.

Desde la cañonera hay que recorrer un pasillo, llamado el «enano», para llegar a la sala de la «Torrura»
Unas escaleras conducen al piso superior y un corredor de 130 metros de largo, iluminado por las aberturas que conducen al patio interior. La última parte del corredor con sus troneras bloqueadas por la construcción de las cocinas de la ex prisión, se dice que es “corredor fantasma” por fenómenos paranormales que aluden a los “fantasmas de Rocca”.
Al final del pasillo, una larga escalera rectilínea con 42 escalones, conducen:

A la derecha, al patio sur y salida del museo.

A la izquierda, a dos pequeñas salas de la torre de la esquina y sus dos cañoneras.
Subiendo las escaleras se llega al nivel más alto y luminoso; allí una escalera para subir con de caballos maravilla de la fortaleza, una rampa monumental que permitía a los caballos acceder al patio donde se encuentra la cisterna, la estructura más protegida de la fortaleza.

Las colinas de Bertinoro y el Monte Maggio -vistas desde La Rocca.

Más al este, la extensión del mar Adriático con los balnearios de Cervia , Milano Marittima y Cesenatico.

En el patio interior de la Rocca es lugar de actividades como conciertos al aire libre o la recreación de juegos antiguos medievales en los «días de revocación histórica».

A los pies de la Fortaleza, el centro histórico de Cesena con sus numerosos monumentos artísticos e históricos. la Abadía de Santa Maria del Monte en las afueras de la ciudad, el Ponte Vecchio que cruza el río Savio construido precisamente por las terribles inundaciones que este ocasionaba.

La biblioteca Malatestiana

Para completar la obra de los Señores de Rímini…

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El elefante emblema de la Familia Malatesta y su lema:

« Elephas Indus culices non timet »

«El elefante indio no teme a los mosquitos». Alusión a los enemigos, los señores de Ravena…zona de mosquitos. Colocado en el

Medalla realizada por Pissanello

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Ordenada su construcción por Doménico Malatesta Novello realizada por el arquitecto fue Matteo Nuti quien dejó un gran legado, ya que la estructura y forma del edificio fue usado como modelo por otros constructores durante siglos, se convirtiéndose en motivo de orgullo para la región que ha llegado a nuestros tiempos completamente intacta.

La biblioteca mantiene el fondo acumulado por los franciscanos desde el siglo XV, así como la estructura arquitectónica y las obras de arte. Una instantánea perfecta para comprender la evolución cultural europea desde tiempos medievales.

El Aula del Nuti, sala dedicada a la consulta y estudio, de gran ligereza visual y hermosura racionalista que anunciaba el Renacimiento.

Los colores juegan papeles determinados en este espacio: el blanco de las columnas centrales, la fe, el rojo del pavimento cerámico y de las semicolumnas la caridad y el verde del revestimiento de las paredes esperanza, recuperado en la restauración de 1920.​

«La Malatestiana» se ubica en la primera planta del edificio para proteger los códices de los ocasionales daños debidos a las inundaciones del Savio.

Domenico y su mujer Violante inaugurando la Biblioteca en en 1454 y detalle que lo atestigua de la puerta

El escudo de las tres cabezas y las inscripciones del pavimento hacen nuevamente alusión a Malatesta Novello y sus parientes:

« Mal(atesta) Nov(ellus) Pan(dulphi) fil(ius) Mal(atestae) nep(os) dedit »

Malatesta Novello, hijo de Pandolfo sobrino de Malatesta, diede…las tres cabezas.

Sin precedentes

Berthe Morisot

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Berthe retratada por Edoard ManetBerthe Morisot con zapato rosa -1872 Hiroshima Museum of Art.

Fue figura clave en la fundación del Impresionismo como movimiento, en sus exhibiciones y en su círculo, sentando un precedente para todas las mujeres artistas o aspirantes a serlo de la posteridad…

«Paul Valéry afirmó que la  pintura de Berthe Morisot podría considerarse «el diario de una mujer expresado a través del color y el dibujo».

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Nació en una familia de la alta burguesía. Sus padres, amantes del arte y la música, las incentivaron a ella y a su hermana Edma a formarse en la pintura y el dibujo, por lo que les contrataron clases privadas con Geoffroy-Alphonse Chocarne y Joseph-Benoît Guichard famosos profesores .

La primera participación de las hermanas MorisotEdma y Berthe en el Salón de París fue en 1864, con dos paisajes admitidos, Berthe contaba 23 años. A partir de allí, ambas continuaron exhibiendo continuamente.

Edma participó hasta 1869, fecha de su casamiento con el oficial de la marina Adolphe Pontillon… esto, significó su retirada de la pintura.

Berthe, en1872 vendió más de veinte cuadros, lo que marcó un hito en su carrera y pasó a incorporarse a la vanguardia emergente en1873 que luego se denominaría «Impresionismo».

«El Gran Manet»

Manet, fue el pintor más puro que haya habido jamás, por completo indiferente ante los objetos que pintaba, eran excusas neutras para situar un contraste de líneas y sombras.

Para algunos, Manet fue el primer pintor genuinamente moderno…para otros, fué el último gran pintor de los viejos maestros.

Algunos… creen todavía, que fué un pintor de deficiente técnica, incapaz de conseguir una coherencia espacial o compositiva, pero piensan que fueron precisamente estos «defectos» los que constituyeron su deliberada contribución que introdujo en la estructura pictórica.

Mientras copiaba un “Rubens” en el Louvre, Berthe fue presentada al pintor Édouard Manet, a quien admiraba, pues había visto sus pinturas en los Salones parisinos. Corría el año 1868 y ahí empezó una gran amistad.

Luego se casó con el hermano de Manet, Eugène el 22 de diciembre de 1874, a la edad de 33 años.

Eugène era un pintor aficionado y estaba muy introducido en los círculos literarios y políticos. Aunque nunca desempeñó un trabajo concreto, apoyó siempre la carrera artística de su mujer, ayudándola a organizar e instalar sus obras.

En 1875, Berthe y su esposo viajaron a la Isla de Wight, en Inglaterra. Durante la estancia en ella, y contraviniendo las normas establecidas de equilibrio en la composición y definición de contornos, empezó a desarrollar una especie de nueva ‘taquigrafía visual’ de pinceladas cortas y rápidas para pintar lo que tenía delante, fueran objetos o personas. Plasmó el movimiento y la caída de la luz trazando rayas discontinuas de pintura con la superficie del pincel, rápidas líneas con la punta del mismo, y rayando la pintura con el mango. Ninguno de sus colegas impresionistas había trabajado de una manera tan experimental.​

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Berthe fue modelo de Eduoard Manet en varias de sus obras

Para Berthe , el matrimonio no significó el abandono de la pintura, sí lo fue para su hermana Edma. La correspondencia entre ellas refleja cómo Edma echaba de menos pintar: “Tu vida debe ser maravillosa en estos momentos, poder hablar con Degas mientras le ves dibujar, reír con Manet y filosofar con Puvis de Chavannes”.

Relegada…

Al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemond, Berthe Morisot fueron relegadas a un segundo plano por los historiadores del arte, a la categoría de «artistas femeninas», por su temática de la vida cotidiana: mujeres, niños y escenas domésticas.

Como una mujer de la alta burguesía, estaba habituada a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres y niños, ya que el mundo masculino les estaba vetado.

Fotografía de Berthe y su flia.

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Las figuras de Berthe Morisot y Camille Pissarro, fueron los que más participaron en las exposiciones impresionistas originales, Berthe, faltando solo a una, en 1879, año que nació su hija Julie.

Su habilidad para captar el gusto del público está sugerida por el hecho de que su trabajo fue muy popular durante toda su vida, vendiendo más que muchos de sus contemporáneos varones, como Degas, Monet o Sisley.

A partir de 1877, Degas introdujo en el grupo a la americana Mary Cassatt -1844-1926, y se convirtieron en inseparables.

Como mujeres, Morisot y Cassatt no podían ir a las tertulias de los pintores en los cafés.

Los impresionistas se reunían en el Café Guerbois,al que llamaron «la cuna del Impresionismo»., ante la imposibilidad de asistir, Morisot organizó en casa de sus padres un encuentro cada martes en el que podía estar con ellos, discutir sobre arte y enterarse de las últimas novedades.

Berthe Morisot pintaba lo que veía. Le gustaba pintar al aire libre, pero debido a su condición de mujer burguesa estaba muy limitada pudiendo solo pintar en el hogar o en parques durante el día. Aún así, ella entendía el impresionismo mejor que nadie.

Al no tener permitida la entrada en las escuelas, por ser mujer, su pintura nunca estuvo impregnada del academicismo del que se intentaban deshacer sus colegas. Su estilo era muchísimo más propio y auténtico que el de cualquier otro pintor.

Su familia fue su modelo predilecto, su madre, en especial su marido e hija, por ejemplo: en La lectura, su hermana Edma y Eugène Manet con Julie en el jardín de Bougival.

Berthe Morisot demostró un gran dominio de la técnica al óleo «prescindiendo del dibujo y la línea» construyendo las figuras de sus cuadros a partir de pinceladas gruesas, sueltas …poco apreciado este importante detalle para los expertos.

No fue la única técnica que cultivó, pues también realizó pastel, carboncillo y grabados etc..

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“Devant la psyché” -Delante del espejo, de 1876; pintura al óleo, que mide 65 x 54 centímetros en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza- Madrid.

Dos de sus obras: Un día de verano y  En el Bois de Boulogne.

También salió a pintar fuera del taller, al aire libre o -plein air- un buen ejemplo: utilizó el bote que Claude Monet y las jóvenes del cuadro, modelos profesionales que trabajaban también para E. Manet. Supo captar a la perfección la atmósfera, la luz, el color, los reflejos en el agua… siendo una de las mejores representantes del impresionismo.

El otro cuadro, las mismas protagonistas, los mismos vestidos y sombreros que lucen, nos lleva a pensar que ambas obras fueron realizadas en conjunto. 

«Un día de verano«- es un óleo sobre lienzo, se conserva en el Museo National Gallery de Londres.

Está fechado en el año 1879 de pequeño formato, mide 45.7 x 75.2 cm como eran los cuadros «impresionistas», prácticos, para llevar y traer.

Fue exhibido en la quinta Exposición Impresionista en París, en abril de 1880, con el nombre de “El lago en el Bois de Boulogne”.
Una escena de verano donde dos jóvenes disfrutan de un paseo en barca en uno de los lagos del famoso parque de París que era uno de los lugares favoritos de la burguesía parisina para disfrutar de sus días de ocio.

El paseo en barca era un tema recurrente en el Impresionismo lo encontramos en otros autores: Manet, Renoir, Monet, Mary Cassat, etc. era una excusa para analizar la incidencia de la luz en el agua… sus reflejos plateados.

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La visión asimétrica y fragmentada de la escena. una gran línea en diagonal formada por la barca en la que se sitúan los personajes propicia una «composición» en zigzag que nos remite a la influencia de la fotografía y las estampas japonesas… otra de las características del estilo.

Las líneas verticales de los cuerpos de las modelos contrastan con la horizontalidad del agua y la barca.

Las jóvenes destacan en primer plano sobre el paisaje frondoso del parque Bois de Boulogne.

El espectador parece formar parte de la escena… como si estuviéramos en la barca con ellas. Los detalles, reducidos al mínimo, pudiendo parecer una obra descuidada al ser observada de cerca, sin embargo, al alejarnos de ella, la escena cobra sentido.

Juegos ópticos

Muy comunes en el estilo… una forma de captar el instante, la luz, a través del uso de colores puros que parecen reflejar el ambiente de la escena.

Consigue captar los reflejos de la luz en el agua del lago. Juega con el verde y el azul, junto con los blancos, creando armonía visual y buscando transmitir la sensación de tranquilidad y ocio que la escena representa.

La pintura de Berthe era considerada por los críticos como «vaporosa», debido a que no ocultaba la pincelada, utilizando los efectos que creaba en el lienzo para reflejar los ambientes, lo que le valió en ocasiones críticas por las pinturas «Sin terminar»…

Una prolífica pintora

Llevó el impresionismo a los Estados Unidos a la American Art Association y llegó a vender más cuadros que Monet, Sisley o Pisarro, logrando exponer individualmente, cosa de locos para una muje, además de exponer en París, lo hizo también en Londres, Bruselas..

Considerada la primera impresionista francesa de la historia.

“sin embargo, a pesar de toda su gran obra, Berthe Morisot ocupó un segundo plano entre los historiadores del arte, por sus temáticas sobre la vida cotidiana de las mujeres, ya que a ella le gustaba mostrar lo que veía en su día a día, pero desde un prisma diferente”.

Sus pinturas, hermosas,.. 242 obras en su haber, cifra para nada despreciable, fueron innovadoras, su estilo mucho más auténtico que el de cualquier otro pintor.

Berthe Morisot murió en 1895. El poeta Stéphane Mallarmé, su gran amigo desde 1874, se convirtió en el tutor de su hija Julie, pues Eugene Manet había fallecido tres años antes.

El mismo Mallarmé escribió el prefacio del catálogo de la primera exposición póstuma que se le dedicó a la pintora en 1896.

El diario, de Julie, su hija, ofrece una fascinante visión del mundo de los impresionistas y de la propia Francia en el cambio de siglo. La vida de la joven se vio truncada por la muerte de sus padres en un corto periodo de tres años, huérfana con dieciséis años de edad.

Julie Pintada por su Madre con la perrita galgo, regalo de Mallarmé, tocando el violín o simplemente posando para ella.

Renoir, tuvo a Julie durante todo el verano tras la muerte de su madre, dando muestras de gran bondad y de un continuo interés por su bienestar. Bajo la tutela de Stéphane Mallarmé, Julie se fue a vivir con sus primos.

Actualmente, el Musée Marmottan Monet es el que alberga un mayor número de obras de la familia. Julie también fue pintora como su madre y su tío. Se casó con Ernest Rouart, artista e hijo del pintor Henri Rouart, ambos se encargaron del maravilloso patrimonio heredado.

El Museo d’Orsay custodia varias de sus telas puesto que está dedicado a las obras de «Los impresionistas». El resto de las obras de Berthe Morisot… diseminadas en los museos de todo el mundo y en colecciones privadas.

Morisot constituye una figura clave en la fundación del impresionismo como movimiento…pintó la mujer en el hogar, en su espacio personal, trabajando, mostró la moda femenina de la aristocracia y el espacio abierto de la naturaleza…

Trabajó toda su vida, llevó el impresionismo a lo más alto que pudo…esta genial artista sería apodada con el tiempo «La gran dama de la pintura impresionista» aunque continúa ignorada por la mayoría de historiadores del arte.

Su último cuadro: Julie

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Dentro de los olvidados …

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por el arte está –Alessio Baldovinetti-Autorretrato, de1471-1472- Nació el 14 de Octubre 1427 – 29 de Agosto 1499 de Florencia – Italia.

Su trabajo se tiene en cuenta unicamente dentro de un grupo de pintores italianos que perseguía un realismo científico o naturalista con fuerte influencia que se le puede atribuir a Paolo Uccello 1397-1475 pionero de la perspectiva en el arte. Se sitúa, por su gusto por el paisaje, en el grupo de pintores realistas y naturalistas como Andrea del Castagno , Paolo Uccello y Domenico Veneziano.

Fue alumno de Domenico Veneziano con Piero della Francesca y maestro de Domenico Ghirlandaio .

Gran capacidad de reproducir los detalles de la naturaleza …

Vasari escribió: «él se deleita en la representación de paisajes naturales tal y como son, por lo que podemos ver en sus pinturas ríos, puentes, rocas, plantas, frutas, campos, ciudades, campos de entrenamiento, y un montón de otras cosas».

Aunque sus obras han sido gravemente dañadas, la obra que sobrevive muestra un artista que experimentaba con los colores, en los frescos y en las pinturas al óleo.

Uno de estos experimentos se realizó utilizando una mezcla de yema de huevo y esmalte líquido para completar los frescos…un fracaso.

Giorgio Vasari dice de él:

“Le gustaba mucho hacer paisajes y los copiaba en el acto, exactamente como están […]. En la Annunziata, representó […] en las ruinas de una casa, piedras enmohecidas, carcomidas por la lluvia y las heladas, y una gran raíz de hiedra que cubre parte del muro […]. Incluso se ocupó de hacer que la parte superior de las hojas tuviera un cierto verde y la parte inferior de un verde diferente, como en realidad son en la naturaleza. «

En el fresco de la Natividad de la Annunziata, Baldovinetti encamina la pintura florentina hacia una nueva era. Los grandes espacios del valle del Arno que se extienden detrás de la Madonna como en la pintura flamenca, son el fruto de un estudio directo y minucioso, Pollaiuolo desarrollará esto hasta el extremo, buscando una alianza entre la figura y el paisaje.

En 1460, Alesso fue contratado para pintar el gran fresco de la Anunciación en el claustro de la basílica de la Annunziata Los restos tal como los vemos evidencian el poder del artista tanto para imitar detalles naturales con minuciosa fidelidad como para espaciar sus figuras en un paisaje con una gran sensación de aire y lejanía; Los restos tal como los vemos evidencian el poder del artista tanto para imitar detalles naturales con minuciosa fidelidad como para espaciar sus figuras en un paisaje con una gran sensación de aire y lejanía; y verifican ampliamente dos declaraciones de Vasari.

Junto con Veneziano y del Castagno realiza los frescos de Santa Maria Nuova en Florencia. Estos frescos, en su mayoría destruidos, pero queda su trabajo en el claustro de la basílica de la Santissima Annunziata en Florencia. Hoy en los Uffizzi con un ángel bellísimo de una impecable calidad.

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Los muros de las casas florentinas estaban adornados con retratos, los cuales, hasta mediados de siglo aproximadamente, eran perfiles inspirados en las monedas antiguas.

Son más bien símbolos de la posición social aquí, las tres hojas de palma en la manga del vestido podrían representar el emblema de la familia.

Representan en efecto a mujeres altamente idealizadas, que se conforman con las nociones contemporáneas de belleza y moda: rostros de porcelana, cejas y frentes depiladas, peinados estilizados.

La ropa y las joyas no proclaman su independencia, sino el estatus social del marido. Hasta la llegada de los retratos de Leonardo, no se puede decir que los retratos florentinos revelan demasiado la psicología del modelo.

De 1466 datan los grupos de cuatro evangelistas y cuatro padres de la Iglesia en fresco, junto con la Anunciación en un panel oblongo, que todavía decora la capilla portuguesa en la basílica de San Miniato y que Vasari atribuye por error a Piero Pollaiuolo .

Baldovinetti trabajó en numerosas obras para la iglesia de Santa Trinita, a partir de 1471 hasta 1497. Pintó un retablo de la Virgen col el Niño y los santos Gualberto y Benedetto, que actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.

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Por encargo de Bongianni Gianfigliazzi pintó un retablo de la Santísima Trinidad con santos, obra que terminó en 1472 y a continuación, una serie de frescos del Antiguo Testamento que debía completarse, de acuerdo con el contrato, en un plazo de cinco años, pero… le llevó años.

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En 1497, la serie terminada, contenía muchos retratos de los principales ciudadanos florentinos, fue valorada en mil florines de oro por un comité formado por Cosimo Rosselli , Benozzo Gozzoli , Perugino y Filippino Lippi quedan algunos fragmentos desfigurados.

Sus contemporáneos lo consideraban el que había redescubierto y comprendido completamente el arte del mosaico en desuso por esas épocas, fue empleado como mosaiquista por Lorenzo de Medici entre 1481 y 1483 para reparar los mosaicos sobre la puerta de la iglesia de S. Miniato, así como varios de los que están dentro y fuera del baptisterio de la ciudad.

De modo audaz trabajó en mosaico.

Se dice que experimentó sofisticadamente en torno al mosaico pero que nunca logró llegar a lo que el deseaba.

Se cuenta que conoció un alemán experto en el tema que iba a Roma en peregrinación, el cual fue alojado por Alesso y le enseñó el método y la norma de llevar a cabo esta obra.

El «San Juan», sobre las tres puertas de bronce, hizo la banda de la arcada con algunos ángeles…etc

La Pala de Cafaggiolo.

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La «pala de Cafaggiolo» es una pintura de témpera sobre tabla de 176×166 realizada aproximadamente en 1453/54 para la Villa medicea en Mugello actualmente en los Uffizzi.

Fue comisionado por Piero «el gotoso» con motivo del nacimiento de su hijo Giuliano, los santos que rodean a María son los santos patronos de los Medici: Francesco, Cosma y Damiano, San Juan Bautista, Lorenzo, Pedro Mártir y Giuliano.

Se inspira en las obras de Fra Angelico. En el centro María adorando al Niño sobre su falda, a la izquierda los santos médicos Cosme y Damián, protectores de la «casa Médici» y san Juan Bautista patrono de la ciudad de Florencia.

A la derecha , san Lorenzo el diácono con la dalmática, Giuliano con la espada y san Antonio Abad.

Arrodillados san Francisco de Asis y san Pedro mártir detrás de la escena, árboles los cipreses famosos de la Toscana y Palmeras símbolo del sacrificio de Cristo.

Siglos sin GPS …

Las meridianas…

La meridiana solar es un instrumento gnomónico que permite averiguar el mediodía solar. El tamaño requerido para su instalación, que suele ser de varias decena de metros, requería en los siglos XVI y XVII de Monasterios e Iglesias para su trazado.

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La basílica situada en la Plaza Mayor que se fundo con la premisa de ser de las iglesias más bellas de Italia ha sido y esta sin terminar una mezcla de estilos arquitectónicos. al decir de Carducci el laureado poeta Novel 1906, el primero en obtener ese título en Italia.

"Il cielo in freddo fulgore adamàntino brilla;
e l'aër come velo d'argento giace"

Su construcción se remonta a 1390 para dedicarla a San Petronio obispo de Bolonia que muriò martirizado.

El proyecto inicial planteaba un grandísimo templo de ciento treinta y cinco metros de largo, cuarenta y cinco de altura y más de sesenta metros de anchura superando de incluso a la basílica de San Pedro del Vaticano en su momento.

La Basílica gozó de un real prestigio, tal es así que fue escogida por Carlos V para su coronación como emperador en 1530.

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La Meridiana de « Cassini«, construida en 1655, con sus 66,8 m de largo hacen de ella la línea meridiana más larga del mundo, cubriendo mas de la mitad de la longitud de san Petronio.

Fácil: dos partes…

Un agujero- gnomónico de 2,5 cm de diámetro en lo alto del templo y una línea de bronce sobre el suelo perfectamente orientada en la dirección norte-sur.

El eje longitudinal de la iglesia no coincide exactamente con la orientación norte-sur, por ello Cassini estudió los planos para instalar la meridiana sin necesidad de modificar las columnas del templo. !Un logro extraordinario!

La mayoría de los observadores fueron clérigos, Eustachio Manfredi, profesor de astronomía en Bolonia, el sueco Anders Celsius que trabajó en ella entre 1733 y 1744.

La meridiana actual, es el resultado de la última reparación, la que efectuó Zanotti en 1776 sustituyendo la barra de hierro por dos hilos de latón y el mármol de un único bloque transversal.

El Sol marca las 12:27, hora oficial.

La fama de Cassini llegó a la corte francesa y por cuatro generaciones los Cassini fueron los responsables nada menos que del Observatorio de París.

La basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires

Un templo que se encuentra en Roma, junto a la actual Plaza de la República sobre las antiguas Termas de Diocleciano… Miguel Ángel la diseñó en 1562.

La meridiana de Francesco Bianchini y a solicitud del papa Clemente XI fue inaugurada el 6 de octubre de 1702. Bianchini era secretario de la comisión del calendario y eligió esta ubicación por las formidables dimensiones del edificio que permitirían una precisión sin precedentes…

Hasta 1846 reguló todos los relojes de Roma. Bianchini mejoró el diseño de Cassini para San Petronio, permitiendo observar, además de los pasos del Sol, otros tránsitos estelares. Su fin era demostrar la exactitud del Calendario Gregoriano y determinar la fecha de la Pascua. En esta meridiana de Roma, se encuentra a una altura de 20,34 metros del suelo.

En el Domo de Milán

Fue construido en 1786 por los astrónomos del Observatorio de Brera, Giovanni Cesaris y Francesco Reggio, que acometieron el montaje de la meridiana siguiendo los consejos del prestigioso astrónomo jesuita Roger Boscovich.

A lo largo de esta meridiana sobre el fantástico piso de la catedral se situaron un total de 12 paneles de mármol negro y blanco que representaban los distintos signos del zodiaco, acompañados de las fechas de entrada de cada signo del zodiaco.

La entrada del rayo de sol esta situado a 24 metros de altura. A medio día, un rayo de sol penetra por esta cavidad iluminando un lugar concreto determinando la fecha exacta del día y el signo zodiacal.

En 1827, se retiraron todas las marcas de los signos del zodíaco, dejando únicamente una marca situada en la pared, la correspondiente al solsticio de invierno-Capricornio, en el hemisferio norte el sol se sitúa en su punto más bajo por tanto el rayo da en el punto más alto de la pared.
Poco después de la finalización de la catedral, que fue en 1965 después de cinco siglos de idas y venidas, las 11 marcas zodiacales volvieron a ser situadas en su lugar original, y a día de hoy se puede disfrutar de este espectáculo astronómico dentro del Duomo.

La meridiana de Saint Sulpice de París

La finalidad original del instrumento de Saint Sulpice era enteramente litúrgica: conocer el momento del mediodía para hacer tocar las campanas y determinar la fecha de la Pascua y, por tanto, de las demás fiestas móviles de la Iglesia.

En 1720 el párroco Languet encarga el diseño de una meridiana a Henry Sully, un relojero inglés que acabó en París después de haber abjurado del anglicanismo.

Meridiana de París…

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 La línea no se corresponde con el meridiano de París, como apunta  El código Da Vinci que le dio tremenda popularidad en su momento. El auténtico meridiano de la ciudad se sitúa tan solo unos 115 metros al este de este lugar…

Establecido en 1667 a instancias del rey Luis XIV, se extiende a lo largo del suelo de la ciudad en una línea de unos ocho kilómetros de longitud y está marcado por una serie de medallones metálicos circulares orientados en la dirección norte-sur con el nombre de Arago en relieve. Aunque han desaparecido algunos…todavía es fácil encontrarlos en los lugares más insospechados.

 En la iglesia de Saint Sulpice la meridiana está exactamente orientada en dirección norte-sur y está incrustada en el suelo con una línea de latón de 4,5 mm de anchura y 40,295 metros de longitud encastrada entre losas de mármol blanco de 10 cm.

El mecanismo de la meridiana: la luz del Sol atraviesa al mediodía por un pequeño agujero ubicado a una altura de 25 metros. Este agujero crea un disco solar que cruza la línea meridiana y permite determinar con exactitud el mediodía solar.

Sully muere en 1728 antes de poder llevar a cabo la obra.

Claude Langlois, considerado el mejor fabricante de instrumentos de Francia, fue el encargado de retomar las tareas en 1744 bajo la dirección del astrónomo Pierre-Charles Lemonnier 1715-1799. Lemmonier famoso ya, había participado con solo 20 años de edad en la expedición de 1736-1737 a Laponia, dirigida por Pierre Louis Maupertuis y Alexis Claude Clairaut, para determinar si la Tierra era un elipsoide aplanado en los polos.

La línea meridiana marca los equinoccios, cruza parte del coro y se sitúa detrás de la balaustrada de bronce dorado.

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Lemonnier observó los solsticios con regularidad en Saint Sulpice durante casi medio siglo, desde 1743 hasta su muerte en 1791.

Permitió comprobar la fecha del perihelio– momento en que la Tierra está más cerca del Sol-midiendo el diámetro del Sol proyectado sobre el obelisco. Se utilizó asimismo para estudiar los efectos de la Luna en la inclinación del eje terrestre y para medir las variaciones causadas por la refracción atmosférica según la temperatura en la altura del Sol.

Como ocurriera con tantas iglesias parisinas, Saint Sulpice tras la Revolución fue un Templo de la Razón.

En febrero de 1793, la iglesia de Saint Sulpice quedó en desuso. Al saqueo sobrevivieron intactos: las vidrieras, el órgano, el púlpito por su utilidad para los oradores políticos, la meridiana astronómica y la balaustrada del coro, considerada instrumento científico.

La meridiana de Praga

Situada en Staroměstské náměstí -La plaza de la ciudad vieja- aun se puede ver la guía de bronce que, inserta entre los adoquines del piso, marcan la antigua línea meridiana.

Meridiano-de-Praga

El gnomon, que marcaba la sombra sobre la línea al producirse el medio día, conocida como columna mariana que fue destruida en 1918 cuando la Republica Checa logra su independencia de los Habsburgo.

Construida en 1650, en la posición del meridiano de Praga (long. 14º 25’ 17’’ O), la línea de bronce se encuentra casi en el centro de la plaza a mitad de recorrido entre la iglesia de Nuestra Señora de Tyn donde está la tumba Tycho Brahe, del monumento a John Huss el famoso Reloj Astronómico.

En el lugar donde estaba la columna mariana hay una placa colocada en la década de 1990 sobre la que se lee en checo y latín: MERIDIANUS QUO OLIM TEMPUS PRAGENSE DIRIGEBATUR, “Meridiano que marco una vez el tiempo praguense”

La columna Mariana -barroca original fue erigída en el centro de la plaza de la ciudad antigua como acción de gracias por la defensa de Praga de las incursiones de las tropas suecas en 1648.

Era obra del escultor Jiří Bendl, artista praguense del barroco por 1650 y fue consagrada por el arzobispo de Praga dos años después. La Virgen Maria bajo la advocación de la Inmaculada Concepción.

El 3 de noviembre de 1918, después de la independencia de Checoslovaquia una multitud enardecida tira la columna considerada símbolo monarquía Habsburgo. Desde 1920 existe una sociedad que persigue el fin de colocar una nueva columna en dicho sitio.

Los restos de la columna mariana se pueden ver hoy en el Lapidario del Museo Nacional, en Výstaviště, Praga.

En Bergamo…una bella meridiana

En la Logia Palazzo della Ragione que separa la Piazza Vechia y la del Duomo, en la Ciudad Alta de Bergamo, una bonita meridiana de cámara semioscura construida por Giovanni Albrici 1743-1816 realizada en 1798 y restaurada en 1982.El padre Albrici fue un profesor atento y constructor de instrumentos matemáticos, astronómicos y físicos. Se conservan algunos de sus cuidadas esferas astronómicas y otros dispositivos que se encuentran en el Gabinetto di Fisica del Liceo Classico Paolo Sarpi de la ciudad.
La altura del orificio gnomónico es 7,64 metros de forma que la distancia entre solsticios son casi 17 metros.Tiene los meses, el zodiaco y marca los días.

En españa…

Se conocen la existencia de  cuatro meridianas dos de ellas  en  el Monasterio de El Escorial una en la Galeria de Paseo, y la otra en la Antecámara del Rey, ambas diseñadas por el matemático y astrónomo Juan Wendlingen 1715-1790 y realizadas por el grabador y escultor Esteban en 1755, según figura en una inscripción en cada una, siendo rey Fernando VI.

La tercera se situaba en el palacio del Buen Retiro ya desaparecida y la cuarta meridiana se encuentra en el despacho del rey- Palacio de Aranjuez. 

La meridiana de Aranjuez permanece con el orificio cegado y tapada por las esteras  protectoras del suelo y el mobiliario.

La más sencilla, la de Aranjuez… la más compleja, la del Buen Retiro.

San Pedro Cultural…

Bellísimo enfoque para destacar en Becerril de CamposPalencia – España.

San_Pedro_Cultural

Y con muchas ganas de crear belleza desde el 2015 funciona este «maravilloso templo estelar» dedicado a la astronomía y a múltiples eventos culturales.

Al edificio del siglo XII le faltaba el techo entero, así que los arquitectos Carlos del Olmo, Juan del Olmo y Álvaro Gutiérrez construyeron uno nuevo.

Detalle singular

En su bóveda interior representaron las constelaciones visibles sobre el cielo de Becerril durante la noche de San Pedro 29 de junio día del santo
En la zona del altar hay representado un péndulo de Foucalt, que consiguió demostrar la rotación de la Tierra en 1851.

En el suelo, en mitad de la iglesia, veremos pintada la línea meridiana utilizada como reloj y calendario.

Hay piezas cedidas por la ESA –Agencia Espacial Europea, un fragmento de satélite, y un electrode housing -localizador de las ondas gravitacionales de Einstein.

No faltan lápidas s. XVI y XVIII, una pila bautismal, un fragmento del alfarje de madera que cubría la iglesia siglo XVI, y un meteorito formado hace 4.460 millones de años en los orígenes del sistema solar entre otras cosas …