Cezanne: «Pintor de pintores»

«Pinto porque veo, porque siento -tengo fuertes sensaciones-,
también usted siente y ve como yo, pero no se atreve […]
Yo tengo el valor de defender mis opiniones…»
                                                                                                Paul Cézanne

Cézanne, fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Se fue volviendo huraño, se fue retirando y terminó teniendo fama de loco, de excéntrico. Cada día más terco e indomable,  se negaba a aceptar las consignas del grupo de los impresionistas que se reunían en el Café Guerbois en cuya puerta un día le dijo a Manet, que se vestía como un dandy: “No le doy la mano porque no me la he lavado en ocho días”.

Mary Cassatt, la pintora norteamericana, que le conoció en una comida en Giverny, en el entorno de Monet en1894. Cuenta que le vio bastante moreno con mucho entrecejo,  le pareció un completo desastre su aspecto general y luego, cuando  le vio comer, pensó que era un ordinario, raspaba el plato con la cuchara, ruidoso, en fin, no tenía ninguna educación a la mesa. Luego, hablando con él, descubrió que era un hombre extraordinariamente sensible, delicado y culto para su  gran  sorpresa.

La crítica y el público  lo ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación de pintores.

 «Pintor de Pintores»

Monet y Renoir vendían bien por los años ’80 del siglo XIX. A Cézanne eso le costó una década y media más, su impacto fue mayor en el siglo XX.  Monet  que tuvo un enorme eco por 1880-90  fue cayendo en «desuso»  digamos así, en las primeras décadas del s.XX, cuando todavía vivía, mientras que  Paul Cézanne era un pintor absolutamente actual para «los cubistas«,  «los fauves», «los expresionistas alemanes»y para el «abstracto» de Kandinski.

Su obra solo empezó a ser conocida y a vender de verdad a partir de 1895. Antes nadie, sabía quién era Cézanne!!!. Ni se hablaba de él en París… En parte porque no había tenido éxito y porque se había retirado a Aix y cansado, no había intentado exponer.

Ambroise Vollard fue el primero en darse cuenta del genio de este pintor, que abrió la puerta a la vanguardia. Iba por París vestido como un mendigo, mal afeitado, con un chaleco rojo bajo una chaqueta raída y sus cuadros eran objeto de escarnio, rechazados en todos los Salones de pintura. A partir de 1895 empieza a hacer exposiciones cada dos años. Comienza a ser muy conocido, bien mirado por los jóvenes y muy respetado por sus colegas. La última década del s. XIX (en 1906 muere) se convierte en una referencia fundamental de la pintura moderna e internacional.

Una anécdota de Ambroise Vollard

En su galería de arte de la Rue Lafitte entró un día la coleccionista Gertrude Stein.

– ¿Qué vale este Cézanne?
– Quinientos francos -contestó Vollard.
– ¿Si compro tres?
– Mil quinientos.
– ¿Y si le compro los diez que tiene?
– Entonces, cincuenta mil.
– ¿Por qué?
– Porque entonces me quedo sin Cézanne.

Buscaba…

…y en la naturaleza encontraba  las formas esenciales, las figuras geométricas, el prisma, la esfera, la pirámide y en consecuencia, plasma lo que contempla. “No debemos estar satisfechos de memorizar las hermosas fórmulas de nuestros ilustres predecesores. Salgamos y estudiamos la naturaleza hermosa”.

Distorsiona inteligentemente la perspectiva, se emplea la simplificación geométrica y  usa la técnica del facetado, características que adoptarían «los cubistas» 15 años después, siguiendo una de las máximas del pintor: «Todo en la naturaleza está modelado según la esfera, el cilindro y el cono»

“La sombra es un color como lo es la luz, pero menos brillante. La luz y la sombra son sólo la relación de dos tonos”. Para Cezanne, la luz tiene gran importancia en la obra. “La luz no es una cosa que puede ser reproducido, sino algo que debe ser representado usando otra cosa… los colores”.

Dos destacados «cubistas«, Gleizes y Metzinger, justificaban esta relación diciendo que «quien comprende a Cézanne presiente el cubismo«.

 Los jugadores de cartas

Durante la década de 1890 Cézanne pintó una serie de cuadros con la temática de «los Jugadores de cartas» campesinos de Aix, el pueblo natal del pintor y muy probablemente trabajadores del Jas de Boufan, la casa familiar de Cézanne)

 

Las dos figuras se sientan a ambos lados de una pequeña mesa sobre la que apoyan los codos. Los dos hombres están concentrados en el juego, interesándose el maestro en captar sus expresiones, y los presenta tocados con sombreros típicos de las clases sociales humildes de la Provenza. El espectador  (nosotros)se convierte en uno de los frecuentes observadores que contemplan estas partidas en las tabernas, al situarnos  en un plano cercano a la escena. La iluminación artificial se manifiesta en las sombras, especialmente en el reflejo blanco de la botella.La aplicación del color se realiza a base de fluidas pinceladas que conforman «facetas«, elementos identificativos del cubismo.
A diferencia del impresionismo del que Cézanne parte, en este trabajo prima el volumen y la forma sobre la luz, obteniendo ese volumen gracias al color en estado puro.

Él llegó a saber de su éxito, pero no le interesaba demasiado. A la exposición de Vollard del año 1895 ni se molestó en ir y luego haría eso mismo otras veces.

Pocos nombres famosos hay comparables con él: del final del siglo XIX:Van Gogh y Gauguin, y en el s.XX: Picasso y Matisse.

Versiones de «Los jugadores»

1890-92, óleo sobre lienzo, 134,6 × 180,3 cm Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania-La primera versión

Tres personas se encuentran jugando a las cartas, mientras que los otros dos personajes se sitúan detrás de la mesa. Uno de ellos contempla el juego de cerca,mientras que el quinto campesino no muestra interés, manteniendo una expresión de abstracción.

Cézanne centra la vista de forma frontal, aunque la mesa esta dispuesta de tal manera que podamos observar lo que se posa sobre ella. Esta partida debe haberse realizado en una casa particular en lugar de un bar, ya que se percibe la ausencia de bebida y se encuentra la figura de un jovencito, hay un grueso cortinaje que rompe la línea de la pared. Asimismo distintos objetos: un cuadro, un colgador de pipas de fumar, y un anaquel con un cántaro.

Segunda versión: 1890-92, óleo sobre lienzo, 65,4 × 81,9 cm  M.M de Arte de Nueva York

Versión del Metropolitan Museum of Art de Nueva York. 1890-1892. Si se compara con la primera versión, se puede observar como el pintor ha decidido prescindir de una serie de objetos, como el anaquel,el cuadro, y el tapete de la mesa, centrándose en la partida de cartas. Además ha prescindido del personaje más joven. Finalmente,Cézanne ha decidido añadir un sombrero al jugador sentado en la zona central de la escena.

En colección privada. 1892-1893- la tercera versión

Esta es la primera obra en la que sitúa sólo a dos personajes enfrentados en la partida de cartas.  Cézanne se preocupa más por el volumen que por captar la luz y realzar los detalles. Además, este lienzo es considerado el iniciador de la fase protocubista del pintor.

4º Versión del Courtauld Institute of Art de Londres. 1892-1895

Esta versión presenta muchas semejanzas con la obra anterior, apareciendo los mismos elementos. La diferencia existente se encuentra en los personajes y las tonalidades utilizadas, siendo las figuras mas estilizadas, los colores más luminosos y la pincelada más suelta. En resumen, la obra da la sensación de estar inacabada.

La última versión era la que estaba en el Museo ‘Orsay de París

 

El centro de toda la escena y, en definitiva, del cuadro lo constituye la botella de vino, situada casi al  medio de la mesa. Un volumen cilíndrico que es subrayado por toques de luz (una línea vertical de blanco puro) es un ejemplo perfecto de la forma de ver y de representar el espacio en Cézanne. La botella divide la tela en dos zonas, aunque no a la mitad pues el eje se ha desviado ligeramente a la derecha, que acentúan el cara a cara, la lucha entre los dos jugadores de cartas.
Los protagonistas concentrados en el juego. Cézanne capta sus expresiones. Uno, el hombre de la izquierda, con un sombrero de copa, alta y rígida, fumando en pipa, estudia fríamente la jugada. El otro, el de la derecha, con sombrero mullido con las alas dobladas hacia arriba, muestra un semblante más abierto y con un mayor interés por la partida. La construcción estilizada de la escena atenúa el realismo y los modelos toman  una dimensión atemporal. El espectador se convierte en un protagonista más, de esos que suelen frecuentar las tabernas y que asisten al juego.

Una nueva manera de concebir el espacio, eso es lo que Cézanne aporta con sus obras.

La iluminación artificial se manifiesta en las sombras y de forma especial en el reflejo blanco del cuello de la botella y en la pipa. El protagonista del cuadro es el color que llena todo el lienzo con el fondo oscuro, solo unos toques de color para definir el lugar indeterminado. Las figuras se construyen por planos que giran alrededor de ella resaltando los volúmenes por medio de trazos de color. Esta técnica constituye el anticipo del cubismo.

Cuando el artista mostró este trabajo en la sociedad local de pintores aficionados, fue recibida con incomprensión por parte de todos, excepto el joven poeta Joachim Gasquet. Cézanne firmó la pintura y se la regaló en agradecimiento. Dos años después de la muerte del autor (1906), Gasquet lo vendió por la sorprendente suma de 12.000 francos.

En 2011  la familia real de Catar pagó  250 millones de dólares, un precio récord para esta  versión de «Los jugadores de cartas» de Cezanne.  y  esta obra estará en el Museo Árabe de Arte Moderno de Catar, inaugurado en 2010 junto a numerosas piezas famosas de Gauguin, Mark Rothko,  Andy Warhol  entre tantos  otros artistas.

Cézanne fue un incomprendido, aún entre los incomprendidos

Cézanne pasó la gran parte de su vida tratando de ser reconocido. Fue sujeto a los rechazos del Salón de los Independientes, e incluso de su amigo, Émile Zola, lo utilizó como el retrato del típico artista fracasado. Zola poseía diez obras de Cézanne ocultas entre cacharros y una de ellas no se encontró hasta 25 años después de la muerte del escritor, ocurrida en 1927. El desencuentro con su amigo se produjo cuando Cézanne se vio reflejado, bajo el nombre del protagonista Claude Lautier, en la novela de Zola L’Oeuvre, que trataba de un pintor fracasado, ejemplo de la impotencia artística y de la quiebra de un genio, en la que al final el héroe se suicida. Cézanne, ofendido, lo consideró una traición. Pero la gloria no le llegaría a Cézanne hasta la gran exposición que montó Vollard en su galería, la cual propició después la retrospectiva que se realizó en París, en 1904, en el Salón de Otoño, dos años antes de la muerte del pintor. Hoy a Zola se le recuerda sólo por un artículo, J’accuse, publicado en L’Aurore, sobre el caso Dreyfus, el 13 de enero de 1898. Mientras su amigo, el artista fracasado de su novela, es el pintor cuya cotización sigue siendo la más alta de la pintura moderna.

Los descubrimientos de Cézanne a través de la simplificación geométrica y los fenómenos ópticos fueron los que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar los objetos a través de distintas perspectivas y, con el tiempo, a fracturar la forma.

Los artistas  del siglo XX  lo homenajeron con una sencilla pero contundente  frase:   “Cézanne es el padre de todos nosotros”.

«Gracias» …»Cárites»… Las Tres Gracias

 

Bellísimas, encantadoras en todas las épocas de la historia del arte, otorgaban a dioses y mortales la alegría,  la elocuencia y la sabiduría y tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad y el talento necesarios para ser un brillante artista. Sus nombres eran Aglaya, Eufrósine y Talía

Según diversas fuentes clásicas, las tres Gracias eran las diosas de la belleza, la sexualidad y la fertilidad, entendidos como fuerzas generadoras de vida.Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. actualmente serían:la afabilidad, la simpatía y la delicadeza. La representación más habitual era la de tres jóvenes de excepcional belleza que danzan al son de la flauta de Apolo, aunque en ocasiones pueden aparecer con faunos y sátiros, como contraste entre la belleza y la fealdad

Medallón griego 100 aC

Las gracias no aparecían nunca de forma individual, siempre conformaban una tríada.

 

 

 

 

 

Medallón de cuenco romano, 200-260 d.C

Tanto en los relieves griegos como en los mosaicos, medallas  frescos romanos.  el conjunto escénico las manifiesta con las figuras de Aglaya y Talía de frente o en posición ligeramente lateral y la figura de Eufrósine de espaldas.

 

 

                                    «Tres Gracias» – Romana

«Las tres gracias» de Pompeya

Un mosaico romano

Biblioteca Piccolomini

Fueron fuente de inspiración para los artistas a lo largo toda  de la historia del arte.

En el Renacimiento, el grupo escultórico romano de las tres Gracias en la biblioteca Piccolomini del Duomo di Siena inspiró la mayoría de los temas.

Los artistas se «animan» a colocar  diversos atributos: cintas, velos, sombreros, collares   impensados en la antigüedad y cambian posiciones.

Es a partir del Renacimiento Alemán con tablas de Durero, Hans Baldung   Lucas Cranach cuando empieza a aparecer la figura de Eufrósine de frente al espectador entre Aglaya y Talía que aparecen bien de espaldas con su rostro mirando a las otras figuras o en posición lateral.

En Italia Botticelli realiza dos  una dentro de su célebre «Primavera»Como fuente iconográfica para la representación de las tres Gracias, parece recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.

Se observa claramente  el grupo de la izquierda del cuadro de la obra de Ghiberti

 

 

y Rafael Sanzio al parecer tuvo de modelo a las de la biblioteca de Siena y en la Villa Farnesina realizó un fresco en uno de sus salones para el cardenal.

 

 

Mientras que en el Barroco y Rococó …

Posiblemente la más difundida versión es la de Rubens.  Fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento -el 30 de mayo de 1640- pasando a decorar alguna de las salas del Alcázar de Madrid, hoy en el Prado. El hecho de estar pintado sobre tabla de rob indica la relación del maestro con la pintura flamenca antigua. Sus «Gracias» son robustas,  «entradas en carnes»  pero bellas como siempre un maestro en tonalidades y en composición de una obra. No realizó esta pintura por encargo, sino para su propio deleite ya que, además, en él plasmó a su joven segunda esposa en la diosa de la izquierda. Rubens, conocedor de los diferentes significados de las tres diosas, pinta este tema en al menos doce ocasiones, enmarcados en diferentes contextos.

Fragonard el preferido del  Rococó. Cuando Luis XV regaló el castillo de Louveciennes  a su nueva favorita Madame Du Barry,  esta, decidió renovar la decoración del viejo castillo: compró cuatro altos de puerta pintados por el  conocido Jean-Honoré Fragonard. Eran temas de la mitología greco-romana: «Las Tres Gracias», ahora se exhibe en la Casa Museo de su autor, L’Amour embrasant l’Univers, ahora en el museo de Toulon, Vénus et l‘Amour  actualmente en museo de Dublín y La Nuit  ahora , parte de la colección particular de Edmond de Rothschild. Todos ellos bellísimos… y tan Fragonard.

 

Clasicismo en esculturas: Aristide Maillot, Antonio Frilli, Jean-Jacques Pradier, Johan Meissner, Wheeler Williams, Bertel Thorvaldsen, Canova  entre otros… Canova logra la máxima perfección que lo caracteriza.

De la obra de Canova existe dos versiones: la primera, encargada por Josefina de Beauharnais, esposa de Napoleón, se conserva en el Museo del Ermitage de San Petersburgo, está tallada en mármol veteado y tiene un pilar cuadrado detrás de la figura de la izquierda.

La segunda fue encargada por el sexto duque de Bedford e instalada en un pedestal (que puede ser girado) en un templo construido especialmente para la obra en su casa de campo, esta salió a la venta en 1994 y fue adquirida por dos instituciones británicas que la exponen alternativamente, el Victoria & Albert Museum de Londres y las Galerías Nacional de Escocia, Es la versión de Woburn Abbey ahora en Londres está tallada de mármol blanco y tiene un pilar redondo, y la figura central tiene una cintura ligeramente más amplia.

LH2001.227, 2010-11-15, NT, normal, front

Y Algunos más como la acuarela de Canova,  el óleo de van Aalenst y la  C. van Loo, y en las muchas decoraciones de palacios y salas donde lucen espléndidas.

 

Picasso y Dalí no quisieron ser menos e hicieron sus versiones varias…

Las Cárites o «Gracias» dadoras del talento, siguen  y seguirán eternamente dotando a los artistas de la inspiración creadora a través de las nuevas expresiones del arte de nuestros días que  las inmortaliza envueltas como siempre en la magia de la mitología.

La ciudad de Otranto y sus maravillas

…Si alguien jamás oyó nombrar esta ciudad  … es casi seguro, que si escuchó hablar o leyó algo de: El Castillo de Otranto – Novela de Horace Walpole, que es considerada como la iniciadora del género conocido como literatura de terror gótico por los finales del siglo XVIII.

El Castillo de Otranto (la vista aérea )

Horace Walpole, IV Conde de Orford, nació en Londres el 24 de Septiembre de 1717. Aparte de escritor, fue político y arquitecto. En 1741 entró a formar parte del Parlamento, cargo que abandonó en 1768 para retirarse al castillo de Strawberry Hill, que hizo reconstruir en estilo seudogótico y al que dotó de una magnífica biblioteca, una imprenta y colecciones de arte y de rarezas de todo tipo. Allí se dedicó de lleno a la creación literaria, y editó en su imprenta sus propias obras y las de autores clásicos o de amigos suyos, para los que hizo en cierto sentido de mecenas. Publicó su novela de Terror gótico en 1764. Es autor además del ensayo político Dudas históricas sobre la vida y el reinado de Ricardo III (1760), de una rica miscelánea de anécdotas de pintores ingleses titulada Anécdotas de la pintura en Inglaterra (1762-1771) y de una interesante correspondencia, publicada póstumamente, en la que ofrece un valioso retrato de su momento histórico.  Como se puede apreciar…  «Hombre de sobrados méritos»

El Castillo de Otranto.  Fue un Bets Seller en su tiempo. La novela  se desarrolla en época medieval  y esto además de comenzar con el género de «Novelas de Horror» motivó que el mundo se fijara en esa época  y volviera a salir a la luz el  maravilloso estilo gótico  …bueno ya  con el nombre de Neogótico que se desarrolló en toda europa (y el mundo) durante los siglos XVIII y XIX.

Otranto, la ciudad en cuestión, está situada al sur de Italia provincia de Lecce, en la región de Apulia en la costa este de la península de Salento, sobre el canal de Otranto, que conecta el mar Adriático con el mar Jónico. En su territorio se encuentra el cabo de Otranto o Punta Palascia, que constituye el punto del territorio italiano que se halla situado más al este y que, además de albergar un faro, está considerado como el límite divisorio entre los mares Adriático y Jónico.

Otranto formó parte de lo que sería la Magna Grecia recibiendo, en consecuencia, una profunda influencia de la cultura clásica griega en su propia cultura, aún cuando ésta siguió dotada de elementos diferenciados respecto de la cultura helénica. Bajo el dominio romano,  Otranto se benefició de las calzadas romanas, construidas por las legiones como medio de garantizar la cohesión del dominio de Roma, mejorando sus comunicaciones terrestres no sólo con el resto de las ciudades del Salento o de la Apulia sino con todas las del Imperio. En el año 162, Otranto obtuvo el derecho de acuñar moneda. Fue durante el período de dominio bizantino cuando la ciudad conoció su momento de máximo esplendor,  este período de bonanza económica fue aprovechado para seguir mejorando las fortificaciones defensivas de la ciudad, que se habían iniciado en el período turbulento de la caída del Imperio Romano. Posteriormente con las cruzadas también volvió a ser punto importante como paso para Jerusalén de las peregrinaciones y cruzados.

El Castillo, está rodeado por un amplio foso y protegido por tres torreones cilíndricos, tiene un bastión que domina el puerto. Fue construido por los aragoneses en 1485-89 para proteger la ciudad después de habérsela quitado a los Otomanos. El sitio de Otranto transcurrió entre 1480 y 1481 Las fuerzas del Imperio Otomano invadieron tras un largo asedio la ciudad y su ciudadela. Tras la toma de la ciudad, más de 800 de sus habitantes fueron ejecutados por no abrazar el Islam. Después de trece meses en manos turcas, Otranto fue recuperada por el ejército aragonés de Alfonso II de Nápoles, hijo del rey. Desde allí se puede disfrutar de unas preciosas vistas a la ciudad, al Canal de Otranto y hasta la costa albanesa.

Catedral de Otranto: dedicada a Santa María dell’ Annunziata

Detalle del Rosetón románico  y  el escudo  con tenantes agregado en época del barroco  -1764 que tiene la fachada la catedral.

La entrada natural al centro histórico de la ciudad ès la Porta Alfonsina, en memoria de Alfonso, duque de Calabria, que liberó la ciudad de la dominación turca. Una serie de callejuelas conducen hasta la Catedral,  joya de la arquitectura románico-pugliese, edificada en el 1080-88 y conocida también como Catedrale dell’Annunziata.

Los Mártires de Otranto

El episodio data 1480 cuando la flota otomana, a cargo de Mohamed II llego a las costas de la ciudad, con el serio fin de dominar esas tierras. Más de 800 personas  dieron  su vida por amor a Cristo.

 Ante semejante acto de fe de sus ciudadanos …la Iglesia inició un Proceso de Canonización

La apertura  tuvo lugar en 1539. El 14 de diciembre de 1771 el papa Clemente XIV beatificó a los más de 800 pobladores asesinados en la Colina de Minerva. Su canonización fue aprobada en 2013 durante el pontificado de Benedicto XVI. La celebración de la canonización tuvo lugar el 12 de mayo de 2013 en la Plaza de San Pedro, durante el pontificado del papa Francisco, y se convirtió en la canonización conjunta del mayor número de personas jamás celebrada en la historia de la Iglesia.

Esta iglesia románica construida sobre los restos de una residencia romana ha sobrevivido a múltiples asedios y ataques.

Es de lo más exclusiva debido a en su pavimento, digamos más bien única!!! con  tres naves y ni hablar de su techo de madera con un artesonado de total belleza y  14 columnas delgadas  que lo sostienes de granito. La fachada a dos aguas, está dominada por un rosetón de estilo gótico-árabe del siglo XV y de un portal barroco  agregado en 1764.
Es una Catedral que vivió  diversos momentos históricos,  y todos ellos aportaron al edificio grandiosidad y belleza.

 El famoso piso realizado entre los años 1163 y 1166 por un equipo de maestros musivarios
dirigidos por  Pantaleón,  un monje basiliano – artista de mosaicos del siglo XII.
De Pantaleón no se saben datos biográficos ciertos pero se puede creer que fue un clérigo, pues se autodenomina Pantaleonis presbiteri, probablemente un monje que seguía la regla de san Basilio y de origen griego. Su obra más importante fue el mosaico del pavimento de la Catedral de Otranto,  en el muestra no solo su habilidad en el arte sino también su profundidad teológica.

Es una obra que podemos considerar como enciclopédica, de formas casi primitivas, fascinante tanto por la frescura del colorido como por la vivacidad de las actitudes y la riqueza simbólica. Aparecen escenas de la Biblia,  mitológicas o con personajes mezclados  históricos y reales. Las escenas bíblicas, todas ellas  pertenecientes al Antiguo Testamento,  la Expulsión del Paraíso, el arca de Noé o la Torre de Babel y escenas de dioses paganos como Diana cazadora, un Atlante sosteniendo el mundo etc.

Su  espectacular pavimento

En la parte central de la nave se extiende una Árbol de la vida y a la derecha (mirando hacia el altar) doce medallones que representan a los meses y al zodiaco (un tema desarrollado también en otras iglesias medievales). En el pavimento otras escenas están inspiradas por la cultura caballeresca con las historias del Rey Arturo (Rex Arcturus) y Parsifal y también  a Alejandro Magno. No faltan el Paraíso y el Infierno, donde se agitan los condenados entre los tormentos y un gordo Satanás coronado y a caballo de un dragón. Resulta interesante una de las pocas representaciones del Diablo negro (Puer niger) todavía con las alas blancas del ángel, que bien pronto serán sustituidas por las de un murciélago. Un  muy interesante bestiario, con seres como un basilisco, un unicornio, un centauro, una antigua iconografía de la sirena representada mientras sostiene entre los brazos sus dos colas.
La simbología teológica de los mosaicos es tema de estudio, pues resulta difícil deducir el sentido que Pantaleón o quien haya solicitado los mosaicos quería darle.

Su Nave Mayor cubierta con un impresionante artesonado  de madera con pintura dorada:  Octógonos recordando (el número ocho símbolo de la Resurrección) y Cruces -(el martirio de Cristo)

La cripta de cinco naves con sus  frescos …

Una bellísima cripta bizantina con grandes frescos que datan del año  1163, sus columnas y capiteles todas  diferentes!!!.  Data del siglo XI y consta de 72 columnas, regalos de todos los señores y mercaderes del Mediterráneo que vivieron en Otranto son de distintos tipos de mármol y los más exclusivos diseños.

Cerca de la catedral, el Museo Diocesano, que expone una colección de telas y objetos litúrgicos, estatuas y pinturas que pertenecen a la iglesia , como la fuente bautismal del siglo XV.  !!Bellísima !!! como la tradición lo manda en forma octogonal en el costoso mármol veteado rojo y marfil  y en  el «Top»  Juan el Bautista – Bautizando a Cristo en bronce.

 

 

 

Una CATEDRAL  INUSITADA!!! Brillante por donde se la mire …digna de admirar, visitar  … y recomendar  su entorno también.

 

Otro templo para destacar en la ciudad: San Pietro.

Iglesia bizantina que se remonta al siglo X-XI, y que fue durante muchos años la sede de culto griego. El exterior tiene un aspecto austero; en contraste, el interior es una planta en cruz griega muy decorada. Tiene tres pequeñas naves sostenidas por ocho columnas,  sus paredes y bóvedas recubiertas de frescos que representan escenas bíblicas. La bóveda de cañón de la nave situada al noroeste está adornada por la “Útima Cena” y el “Lavatorio de los pies”.

 

No es para despreciar sus magnificas  vistas y espléndidas playas. Según las convenciones náuticas, el cabo de Otranto marca el punto en el que el marJónico se encuentra con el Adriático.

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El ajedrez… juego…ciencia…

“La vida es como un juego de Ajedrez, cambiando con cada movimiento”

(Proverbio Chino)

Si miramos con detenimiento la  inspiradora pintura vemos a Mefistofeles   que en la tradición alemana  es el cabecilla más temible del infierno después de Satanás; se burla de las virtudes despreciando el talento humano y se ríe con la brutal alegría que le causa el el dolor, recibe de Dios la libertad de engendrar en el mundo la confusión; pero a pesar de sus esfuerzos, esa confusión resulta  fecunda y creadora.

El Dr. Fausto con piezas blancas, en franco desafío con Mefisto donde por lo visto este último con piezas negras…  va ganando la partida.

El Juego

El ajedrez, ha sido incluido en las categorías de deporte después de mucho andar… por siglos fue juego, ciencia, arte, cultura, educación, desafío.

La finalidad básica es sin duda: enseñar a pensar.

El ajedrez facilita la formación de actitudes positivas, mejora el autoestima, ejercita la habilidad para la gestión del tiempo, ayuda a la planificación, a enfocar la atención de las personas que lo practican y muestra que el estudio y el duro trabajo mental conducen a la mejora y al éxito. Enseña a ser más preciso en las autoevaluaciones y de esta manera les permite controlar sus propios progresos y marcarse metas. Por eso  todas sus facetas son aplicables para lograr objetivos académicos – pedagógicos, algunos países lo incluyen en sus programas educativos.

Algo de su dilatada historia

En el idioma persa medieval,  se llamaba Shatranj (surgido a su vez del chaturanga de la India, creado por lo menos en el siglo III A.C.).Los árabes  agregan el artículo El, quedando Ash-shatranj. Al adaptarse al castellano, quedó como Acedrex, en una época en que la “x” sonaba como la “sh” del idioma inglés, pero poco a poco evolucionó. Llegó a escribirse Axedreç, y en su versión moderna data de la Europa del siglo XV, a donde se sabe que ingresó a través del Imperio Bizantino, especialmente via Constantinopla. Tras llegar a Europa, se desarrollaron más formalmente las reglas del juego, acercándose a la versión que se conoce hoy en día.

Cuenta una leyenda árabe…

Que fue inventado por un brahmán para un joven Rajá.

Teniendo como elementos básicos: un tablero de 64 casillas blancas y negras y dos bandos de 16 piezas cada uno. El rey, pese a ser la pieza más importante, no podía hacer nada sin sus súbditos! Ante tal impresionante invención, el rajá le concedió el premio que deseara. Aprovechándose de dicha ocasión, el sabio brahmán le quiso dar una lección de humildad: se conformó con 1 grano de trigo por la primera casilla del tablero, 2 por la segunda, 4 por la tercera, 8 por la cuarta y así sucesivamente, doblando la cantidad de la casilla anterior. El joven rajá, sin pensarlo dos veces, se la concedió. Una vez concluidos los cálculos, resultó que era imposible realizar su deseo debido a que para conseguir la cantidad de trigo exigida (la cantidad era de 18.446.744.073.709.551.615 granos de trigo) se necesitarían cultivar aproximadamente 76 veces toda la superficie de la tierra…

También hubo prohibiciones

Su introducción en Europa se remonta a la conquista de la península Ibérica por el Islam (principios s.VIII) y poco a poco se va extendiendo por toda ella de oeste a este. A partir de entonces se van desarrollando aún más los tratados y todo lo referente al juego. Posteriormente los vikingos y los cruzados también lo practicaron como entretenimiento entre guerras.

Por el año 1100, el ajedrez era aceptado por la vida noble de Inglaterra así como en otros países europeos por las clases altas de la sociedad. En 1283 el rey Alfonso X el Sabio traduce y ajusta las normas árabes del juego en el manuscrito ‘Libro del Acedrex’. Pero poco a poco los mejores jugadores irán apareciendo en Francia e Inglaterra, siendo éstos generalmente de carácter noble, a causa del aumento del número de partidas jugadas, pequeños torneos, etc.. las mujeres eran excluidas de la práctica del juego y también los clérigos.

Pero Alexander Neckam, un autor británico, condenó al ajedrez como algo frívolo. Los israelitas  que estaban seriamente envueltos en el juego del ajedrez, su  Rabbi Maimonides, incluyó el ajedrez entre los juegos prohibidos. Idem  el Arzobispo de Canterbury John Peckham prohibió el juego  y amenazó con condenar a todos los fieles que lo jugaran a una dieta de pan y agua. En Alemania, definitivamente  prohibido en  1310 después del Consejo de Trier. Por supuesto, Francia no podía quedar fuera de esta ordenanza y en consecuencia, el Rey Carlos V (1337 – 1380) prohibió igualmente su práctica.Incluso, el Rey Carlos VI (1368 – 1422) de Francia continuó la prohibición del Ajedrez. Sin embargo, años más tarde dicha ordenanza perdió su razón de ser. En Cremona (Italia), donde una plaga atacó la ciudad, más tarde todos los juegos fueron considerados diabólicos y causantes de los problemas que padecieron. En 1551,  Iván el Terrible, de Rusia también lo prohibió. Y en1649, el Zar Alexei que encuentra a algunos súbditos jugando al ajedrez y ordena que sean azotados y encarcelados.

Más cercano a nuestros tiempos, Irán, era el único país árabe que organizaba encuentros y torneos de ajedrez incluyendo la vigésima segunda Olimpiada de Ajedrez celebrada en Israel en el año de 1976 en Haifa, bajo el gobierno del Sha.

El Ayatollah khomeini prohibió el ajedrez en su retorno al Irán, porque creía que dañaba la memoria y podía causar daños cerebrales etc. Este año, 2017, se llevó a cabo un torneo femenino de Ajedrez donde las participantes furiosas lo querían boicotear debido a que se las obligaba a usa sus cabezas cubiertas por el tradicional «hiyab».

También  muchos líderes religiosos  lo defendieron…

Tomás Becket (Arzobispo de Canterbury), 1550, Santa Teresa de Ávila, reformadora del convento carmelita menciona al ajedrez en sus escritos para ilustrar la relación existente entre la ética y el ajedrez. Carlos Borromeo (Obispo de Milán y ahora santo), El Papa Gregorio VI, el Papa Inocencio III, el Papa Juan Pablo I, el Papa Juan II, el Papa Leo X, el Papa Leo XIII, el Cardenal Richelieu y Billy Graham (un predicador evangélico de los Estados Unidos).

           Pero ganaron la partida

En el Siglo XV las piezas del juego fueron adaptadas a la forma que tienen hoy, y fue impreso y publicado el primer reglamento por Francois Philidor, con el titulo Analyse du jue des echecs, que fue traducido a muchos lenguajes lo que facilitó a la difusión del juego. En 1561 el español Ruy López de Segura, representó las reglas que rigen actualmente.

Ajedrecistas de renombre como Lucena, Damiano, Ponziani, Allgaier,aportan al juego los conceptos elementales de estrategia y táctica; y se establecen los principios básicos de las aperturas, medio juego y finales. Aparecen las primeras academias, asociaciones o clubes de ajedrez como medio de progreso en dicho juego y varias normas añadidas como el enroque, tablas en 50 movimientos, etc. y en 1769 aparece el primer autómata «El turco»  que  demostró sus habilidades por muchos años  tanto en europa como en los Estados Unidos Y a partir del s.XVIII se van a producir  avances nunca vistos… dejó de ser exclusivo de los nobles y aristócratas y por fin…ganó la calle, llegó a los café y a las universidades y para mediados del s. XX las mujeres también participaron de los campeonatos

 

Torneos Internacionales y Campeonatos de Ajedrez

El primer torneo de ajedrez del que aparece constancia, se celebró en la corte real de madrid en 1575.

El primer Torneo Internacional se dio en el año 1851 en la ciudad de Londres. Este abrió campo para la realización de más torneos  en Europa y luego por todo el mundo.

El primer Campeonato Mundial de ajedrez oficial se celebró en 1886 entre Wilhelm Steinitz y Johann H. Zuckertort y fue ganado por Steinitz, que se convirtió así en el primer Campeón Mundial de ajedrez.

Las Olimpíadas de ajedrez son uno de los más importantes eventos ajedrecísticos que se celebran a nivel mundial. Se organizan oficialmente por la FIDE desde 1927 y tienen lugar cada 2 años.

 

Figuras destacadas

Paul Morphy – Campeón Estadounidense considerado el mejor jugador del mundo viaja a Europa y vence prácticamente a todos los grandes maestros a pesar de tener sólo 21 años. Morphy volvió a casa y se retiró del ajedrez, sólo jugando muy ocasionalmente. Fue sin duda el jugador de ajedrez más talentoso que jamás haya vivido tanto en el juego y la teoría. El dejaría la frase:»El peón es el más importante instrumento de la victoria». «El rey es la pieza más débil.» Morphy

Paul Morphy jugando una partida (que se dejó ganar con la Reina Victoria en Inglaterra

Wilhelm Steinitz pasó 8 años como el Campeón del Mundo (1886-1894), aunque algunos historiadores del ajedrez lo describen como campeón de 1866 en adelante:Steinitz pasó 30 años en el pináculo del mundo del ajedrez, un logro de longevidad incomparable por cualquier otro jugador, aunque desde 1873 hasta 1882 sólo jugó un partido competitivo, con Blackburne, el cual ganó 7-0. Regresó a la competencia de ajedrez en 1882, donde terminó la primera ronda en la que fue considerado el más fuerte del torneo jamás realizado.  Steinitz contribuyó en gran medida al desarrollo del ajedrez moderno, también ha trabajado duro para normar los partidos del Campeonato del Mundo. Por desgracia, murió en la pobreza en 1900. Un triste final para un gran campeón.

La foto muestra los mejores jugadores del mundo en el Torneo de Hastings, Inglaterra, 1895.

Emanuel Lasker dominó el mundo del ajedrez, y fue por increíbles 27 años Campeón del Mundo, el dominio más largo de la historia. Finalmente fue derrotado por Capablanca en 1921. Tenía 53 años en el momento, mucho después de su apogeo y nunca jugó otro partido profesional hasta 1934, cuando asumió la ciudadanía soviética. A la edad de 66 años, terminó 3 º en un torneo muy difícil en Moscú. Fue aclamado como un «milagro biológico.» Si bien no aporta mucho al ajedrez que no sea su brillo natural, la longevidad y los premios más grandes, muchos maestros rusos lo citan como una influencia importante en su estilo de juego.

 

José Raúl Capablanca fue campeón del mundo de 1921 a 1927,  fue el maestro indiscutible de Ajedrez rápido (5 minutos por cada lado). En 1927, Alexander Alekhine había llegado con los 10.000 dólares necesarios para pelear por el título mundial. Capablanca fue seguro de la victoria, ya que nunca había perdido con Alekhine, sin embargo, fue derrotado y perdió su título, para no recuperarlo.

Alekhine y Capablanca

Alexander Alekhine dominó el ajedrez internacional durante la siguiente década, hasta que el alcoholismo dió como resultado una notable disminución de sus capacidades. Después de la Segunda Guerra Mundial, él ya no fue invitado a los torneos debido a su supuesta afiliación nazi, aunque la evidencia sugiere que esto era en gran medida pragmática. Fue el único Campeón del Mundo fallecido en posesión del título: Alexander Alekhine

 

Mikhail Botvinnik -ganó el Campeonato del Mundo de manera intermitente durante 15 años, desde 1948 hasta 1963, cuando fue derrotado. No sólo un gran jugador, que hizo contribuciones significativas al desarrollo del Campeonato Mundial de Ajedrez después de la Segunda Guerra Mundial. También entrenó a algunos de los grandes, como Anatoly Karpov, Garry Kasparov y Vladimir Kramnik. Se retiró del juego competitivo en 1970, donde se dedicó al desarrollo de programas de ajedrez en computadoras y la formación de jóvenes jugadores soviéticos.

Lyudmila Rudenko, la segunda mujer en ganar el Campeonato Mundial Femenino de Ajedrez, título que mantuvo desde 1950 a 1953

En 1950, tras el fallecimiento de Vera Menchik, la Federación Mundial de Ajedrez organizó un torneo para determinar quién que quedaría con el título vacante y se convertiría en la segunda jugadora en ganar el Campeonato Mundial Femenino de Ajedrez.
En 1950 fue nombrada Maestra internacionaL, y en 1956 recibió el título de Gran Maestra, allanando el camino para que miles de mujeres siguieran la disciplina. Durante la segunda guerra mundial Rudenko organizó y alistó un tren para evacuar a los chicos del asedio de Leningrado, uno de los enfrentamientos más destructivos del conflicto armado. A pesar de su éxito en el ajedrez, fue ese hecho el que Rudenko consideró siempre como el logro supremo de su vida. Lyudmila Rudenka falleció el cuatro de marzo de 1989, a los 81 años, en Leningrado. Aún hoy es recordada por sus logros, los mismos que en 2015 le valieron el ingreso al Salón de la Fama del Ajedrez.

Bobby Fisher

Otro jugador que tiene créditos como el mejor de todos los tiempos, pero el mayor oponente de Bobby Fischer fue por lo general él mismo. En 1972, había ganado el Campeonato del Mundo a Boris Spassky (el más grande de su rival) de la Unión Soviética. Muchos consideraban este partido como una extensión de la Guerra Fría.

Fischer dijo:El ajedrez es la vida (Chess is life)

Entró en conflicto con su propio gobierno, al hacer declaraciones anti-estadounidense y anti-judías. Cuando su pasaporte fue finalmente revocado.  Islandia le concedió la ciudadanía, donde vivió hasta su muerte.

Anatoly Karpov sin duda pasaría a la historia como el mejor jugador de todos los tiempos. Fue Campeón Mundial de 1975-1985, luego, de 1993-1999 (en disputa) y todavía juega al ajedrez competitivo el día de hoy (en el puesto 90).

Kasparov en 1984

Garry Kasparov

Ningún otro jugador ha dominado tanto tiempo o tan firmemente el ajedrez como Garry Kasparov. Su nombre es sinónimo de ajedrez

Anunció su retiro en 2005 después de ganar el prestigioso torneo de Linares por novena vez, citando la falta de objetivos personales en el ajedrez. Ahora sigue una carrera política en su Rusia natal. Garry Kasparov dominó por completo a sus compañeros durante 20 años, y se retiró en la cima. En un momento dijo: «Ninguna mujer puede sostener una batalla prolongada». Tiempo después Polgár,  se convertiría en la primera mujer en ganarle a Kasparov.»Estaba enojado porque no dio una buena pelea», explicó Polgár, quien se retiró del ajedrez competitivo en 2014.  Vuelve al Tablero cuando lo invitan como el pasado Agosto del 2017 en Saint Louis para jugar contra nueve ajedrecistas

En la actualidad

El ajedrez, permite, en muchas de sus competiciones, que hombres y mujeres compartan tablero. Prácticamente ningún deporte cumple este requisito, por lo que resulta extraño la poca repercusión que tiene dentro del colectivo femenino. No hace mucho se ha dado el dato de que sólo el 6% de los ajedrecistas federados son mujeres.Siempre hubo  jugadoras talentosas que han competido en el ajedrez masculino. Desde Vera Menchik y Sonja Graf, pasando por las jugadoras soviéticas y las hermanas Polgar, llegando al ajedrez actual con figuras emergentes como Hou Yifan.

El ajedrez es un gran ejemplo para demostrar que otra sociedad es posible, un deporte donde no importa el sexo al que pertenezcas, sino la capacidad creativa de cada cual.

Viswanathan Anand – Madrás – India 1969

Gran maestro de ajedrez indio, fue Campeón del Mundo, y el jugador mejor clasificado del mundo. Anand se convirtió en el primer gran maestro de la India en 1987.
Anand es uno de los seis jugadores de la historia en romper la marca de 2800 en la lista de la FIDE, y en la edad de 37 años, se convirtió por primera vez en el número uno del mundo. Su destreza en el ajedrez rápido le ha valido el apodo de «The Kid Lightning».

 

Según la lista FIDE más reciente, Magnus Carlsen es el jugador más fuerte del mundo.

El joven Magnus,  llamado el “Mozart del ajedrez”, alcanza de esta forma su tercer campeonato mundial consecutivo. Número uno del mundo desde 2010, en 2013 venció al pentacampeón Vishi Anand, en ese entonces de 42 años, por aplastante diferencia convirtiéndose en el campeón mundial.

Ascendió en 2004 a Gran Maestro, cuando solamente tenía 13 años.

También curiosidades en el mundo del ajedrez…

La combinación de palabras “jaque mate” proviene del persa o farsi “shah mat” y significa “el rey está atrapado” o “el rey no tiene escapatoria” del idioma Persa.

El gran maestro Aaron Nimzovich usaba tarjetas de visita con la siguiente inscripción:

«A. Nimzovich, candidato al campeonato del mundo de ajedrez y príncipe
coronado del mundo del ajedrez».

Anatoly Karpov fue Campeón del Mundo (en 1975) antes de conseguir ser Campeón de la Unión Soviética. El título le fue concedido al renunciar el entonces Campeón, Bobby Fischer, a defenderlo (y no precisamente porque le tuviera miedo, sino por discrepancias con la FIDE). Karpov se convirtió así en el único Campeón del Mundo proclamado sin jugar un match.

El Premio Nobel de Literatura Elías Canetti escribió en 1935 la novela Auto da fe, en la cual el protagonista es un hombre llamado Fischer que quiere ser campeón del mundo de ajedrez. El auténtico Bobby Fischer nació en 1943 (8 años despúes de ser escrita la novela) y se proclamó Campeón del Mundo de ajedrez en 1972.

Paul Keres nunca llegó a ser Campeón del Mundo, pero derrotó a 9 Campeones del Mundo a lo largo de su vida.

Gary Kasparov ostentó hasta el año 2001 el récord de haber sido el más joven Campeón del Mundo de toda la Historia, al conseguir el título en 1985 a la edad de 22 años (frente a A. Karpov). Su compatriota Maya Chiburdanidze fue Campeona Mundial Femenina en 1978 a la edad de 17 años.

En 1993 se produce un cisma en el mundo del ajedrez, cuando Kaspárov se enfrentó a la Federación Internacional de Ajedrez (FIDE), formando su propia asociación de jugadores y organizando un campeonato del mundo paralelo. Esta situación se prolongó hasta que en 2006 se produjo un enfrentamiento entre Vladímir Krámnik y Veselin Topalov que persiguió reunificar el título mundial.

En el encuentro entre Britton y Crouch de 1984, el jugador  Negro puso en Jaque a su oponente 43 veces consecutivas.

La Soviética Nona Gaprindashvili fue la primera mujer en alcanzar el título de Gran Maestro entre los hombres en 1978. También fue la primera mujer en ganar un torneo masculino, el celebrado en Lone Pine en 1977.

La Húngara Judit Polgar fue en su momento la persona más joven de la Historia en alcanzar el título de Gran Maestro (incluyendo a los hombres), al ganarlo en 1991 a la edad de 15 años y 150 días.

En uno de los primeros torneos femeninos que se celebraron, el primer premio era una máquina de coser.

La primera columna de ajedrez publicada en un periódico apareció en 1813 en el Liverpool Mercury.

La primera revista de ajedrez fue Le Palamede, fundada por La Bourdonnais en 1836.

La primera Universidad en tener un Club de ajedrez fue la de Oxford en 1845.

La peor derrota por un jugador fue de Macleod de Canada quién perdió 31 juegos en la ronda-doble robin de Nueva York en 1889.

Islandia es el país con mayor número de ajedrecistas per capita. Con  Grandes Maestros el propio estado financia la práctica del ajedrez mediante una lotería

 

 

“El Ajedrez es parte de la cultura, y si una cultura esta en decadencia, entonces también el Ajedrez declinará”

(Mikhail Botvinnik)