En Venecia…siempre algo más!!!

La fantástica ciudad tiene muchas historia para contar y sin duda todas interesantes porque viven de sus tradiciones milenarias. Es así como su Carnaval, super famoso, donde todos se disfrazan con máscaras y vestimentas del siglo XVII al XVIII y que dura cerca de un mes.

Fiesta de San Marcos – 25 de abril – santo patrón de la ciudad. celebrada con una gran regata de góndolas que va desde Sant´Elena hasta Punta Della Dogano.

También la Bienal de Venecia – mediados de mayo hasta octubre, es una muestra internacional de arte en la que se exponen obras de todo el mundo, de diversas disciplinas.

Fiesta del Redentore, del tercer domingo de julio… Venecia celebra el final de la peste del año 1576. Cuando la peste terminó, se construyó la Iglesia de IL Redentore en Guidecca. Se realiza un enorme puente de barcos desde la orilla de Venecia hasta la iglesia, donde tiene lugar un espectáculo de fuegos artificiales.

Festival internacional de Cine de Venecia, en septiembre se realiza en la isla del Lido desde 1932, con la presencia de directores y artistas de todas partes del mundo. La Regata Storica 1º  domingo de septiembre compiten gondoleros y remeros de Venecia, Amalfi, Génova y Pisa las antiguas repúblicas que dominaban el mar Mediterráneo. En las góndolas decoradas, se embarcan personas en traje de época, y el desfile a lo largo del Gran Canal recuerda el regreso de Catarina Cornaro a Venecia cediendo Chipre a la República Veneciana, en 1496. Luego del desfile se realiza la competición.

La Maratón de Venecia  4º domingo de octubre, un recorrido de 42 kilómetros entre Stra, cerca de Padua hasta el centro de la ciudad donde los corredores atraviesan 14 puentes, uno de ellos flotante.

La Fiesta della Salute -21 de noviembre Se celebra el fin de la peste de 1630. Un puente de barcas atraviesa el Gran Canal hasta la Iglesia de la Salute, donde se hacen ofrendas a la Virgen. La iglesia fue construida precisamente para agradecer a la Virgen por liberar a Venecia de la peste.

Pero La Sensa  1er Domingo después de de Ascensión – Es la ceremonia del “casamiento”  de Venecia y el mar.  Esta fiesta se originó en épocas del Dux Ziani. El Dux viajaba en barca hasta la boca del puerto de San Nicoló, donde arrojaba un anillo al mar. La fiesta duraba 15 días. En la actualidad es el alcalde de la ciudad quien reproduce el viaje y arroja el anillo.

Después Vogalonga, se celebra el primer Domingo después de la Sensa – Esta fiesta que nació en 1974, a instancias de la familia Rosa Salvas, que decidió unir en una gran carrera no competitiva a remeros expertos y ciudadanos a los que simplemente les gustara remar. El recorrido va desde San Marco hasta la isla de Burano. Cada año participan miles de remeros, de todas partes del mundo, con cualquier tipo de embarcación.  Esta fiesta ayudó a recuperar la construcción y restauración artesanal de barcos como oficio.

De la fiesta de la Senza o  Sposalizio del Mare, hay mucha y muy bella información… los siglos de soberanía marítima de la República, la hizo muy respetada por las comunidades de la Cuenca del Mediterráneo y admirada por diversos pueblos por el espíritu de sus habitantes siempre al frente…siempre pioneros…siempre adelante…

Canaletto -Giovanni Antonio Canal-

El paisajista veneciano más reconocido de su tiempo. Esta pintura realizada entre 1729 y 1732 representa el «regreso del Bucintoro en el Día de la Ascensión». Este barco , era una preciosa «Galera» que salía a mar abierto una vez al año para una ceremonia que toda la ciudad acompañaba con verdadera devoción. Se festejaban la victoria de Venecia contra los piratas dálmatas en el año 998.

En recuerdo de aquel histórico acontecimiento, la República Veneciana se vestía de gala para celebrar su enlace con el mar Adriático. Como símbolo de la unión, el Dux, a bordo de su embarcación oficial, llamada «Bucintoro», navegaba desde la laguna hasta mar abierto. El máximo dignatario, ataviado con manto púrpura, piel de armiño, espada ceremonial y demás atributos, arrojaba su anillo de oro a las aguas mientras declamaba en latín: «Desposamus te, mare, in signum veriperpetuique domini» –Te desposamos, mar, como signo de dominación perpetua. Mientras una multitud de personas y embarcaciones reciben el regreso de la galera al muelle. Hermosa vista de la ciudad, con el Palacio Ducal, el «campanile»y la basílica de San Marcos que es el patrono de la ciudad.

Aquello que Canaletto comenzó con gran maestría en el siglo XVIII lo continuó Guardi … Este pinta La partida de la gloriosa nave.

Francesco Guardi-1712-1793

La gran galera ceremonial que utilizaba el Dux de Venecia para celebrar aquella fiesta anual, conocida como Sposalizio del Mare, la unión simbólica de la República Serenísima con el mar, su pulmón, su fuente de riqueza, su razón de ser por entonces tenía un protagonista absoluto «el Bucintoro«.

La oficialización dela fiesta a cargo del dux Sebastiano Ziani y confirmada en el 1176 por el papa Alejandro III. El caso es que el Dux abordaba al Bucintoro y se sentaba en el trono que había a popa, escoltado por el legado pontificio y el embajador de Francia. Los miembros del Senado también se acomodaban en los 90 asientos reservados para ellos. A la orden del Almirante de Venecia, se soltaban amarras y 168 remeros, 4 por cada uno de los 42 remos…y empezaba el desfile.

La Bellísima nave se deslizaba esplendorosa por el Gran Canal exhibiendo su espectacular decoración. A lo largo de sus 35 metros de eslora por 7 de manga se superponían: una cubierta inferior, en la que se alojaban los remeros, y una superior, la reservada a las autoridades y dignatarios, que dejaba boquiabierta a la gente: una sala badalquinada forrada de terciopelo rojo -violeta o púrpura en la zona dedicada al Dux como signo de status superior. Llevaba el escudo veneciano tallado y 48 vanos sostenidos por cariátides. La proa decorada por un conjunto escultórico en el que se alternaban sirenas, tritones, ángeles y delante, el león alado veneciano el símbolo de san Marcos. Todo revestido de brillante pan de oro. !!La maravilla absoluta!!

Algunos afamados pintores visitaron la ciudad y nos dejaron sus estupendas impresiones.

Joseph Mallord William Turner
El pintor inglés, la visitó en varias oportunidades. Los suaves reflejos de los edificios y los barcos en la laguna veneciana muestran sus habilidades como pintor marino … Muy diferente a los impresionistas y a todos…pero exquisito!!

Édouard Manet
Manet pintó este gondolero cuando visitó Venecia en 1875 nos dejó su obra de arte impresionista…casualmente a él se le atribuye ser «Padre del impresionismo»

Renoir

El pintor francés en 1888, pintó una vívida imagen del Palacio Ducal incluye la bandera italiana en el centro de la pintura… cada color tiene un significado que representa al país: el verde, de los campos y la esperanza de un país unido y libre, el blanco que representa la nieve de los Alpes y el rojo que simboliza los múltiples volcanes de Italia. ¡Crea un contraste sorprendente en la obra!

Claude Monet

Fiel a su puro estilo Impresionista de siempre… también la visitó varias veces en su larga vida.

Pablo Signac
Como neoimpresionista o puntillista, pintó el Gran Canal de Venecia al estilo del puntillismo en 1905. ¡La luz del sol de la tarde parece brillar a través de los puntos individuales! En el fondo: de Santa María de la Salutte.

Franz Richard Unterberger

Pintor paisajista austríaco 1838-1902 también pintó la bella ciudad. Sus pinturas más famosas son de Venecia le encantaba pintar esa neblina romántica y soñadora. Pintó esta imagen desde  «Schiavoni», un paseo muy popular en la Venecia de1864…

 

Retrato innovador…

Es el «Triple retrato» o «Retrato en tres posiciones» de Carlos I-Rey de Inglaterra e Irlanda desde el 27 de marzo de 1625 – 30 de enero de 1649 realizado por Anton Van Dick en 1635- óleo de 88,4 x 99,4 cm. si se quiere… pequeño … pero !!!Grandioso!!!

No es este el retrato habitual de un monarca. Normalmente se muestra al retratado: armado o a caballo, en decir: en notable posición de poder.

El rey, Carlos I de Inglaterra 1600–1649, manda a Van Dick ejecutar esta pintura para enviársela a Italia al famosísimo escultor Gian Lorenzo Bernini, para que este realizara su retrato en mármol, a partir de este cuadro.

Anton Van Dyck nació en Amberes, el 22 de marzo de 1599 y murió en Londres, el 9 de diciembre de 1641.

El pintor, puso todo su empeño en esta obra considerada nada menos que la mejor de su carrera.

Pintó al rey en tres posturas diferentes: de frente, perfil derecho y tres cuartos del perfil izquierdo.

La vestimenta también es diferente en cada una de ellas cambiando hasta las texturas y los brocados del cuello. Lo único que aparece en los tres casos es el lazo azul de la Orden de la Jarretera. Esta es la orden de caballería más importante y antigua del Reino Unido, fundada en 1348 por el rey Eduardo III, inspirada por la leyenda de los caballeros de la mesa redonda. Es considerada el pináculo en el sistema de honores británico.

 Van Dyck era entonces el pintor más destacado después de Rubens, con quien no rivalizó para nada porque ambos artistas se movieron en campos distintos: mientras el último se centró sobre todo en la pintura religiosa y mitológica, Van Dyck se especializó en el retrato y es precisamente por sus retratos que se le recuerda a pesar de ser autor de otro tipo de obras.

Vivió en Italia donde tomó buena parte de su estilo, el manejo del claroscuro, siendo también admiradas sus obras por las representaciones de las telas y el colorido tan envidiado de los venecianos. Regresó en 1628 a su ciudad natal y cuatro años más tarde se trasladó a Londres, allí se dedicó casi exclusivamente a producir retratos, cuya demanda le obligó a dirigir un importante taller, localizado en Blackfriars, en las afueras de Londres donde permaneció hasta su muerte con el cargo de pintor de Carlos I. Más de cuatrocientos retratos de la monarquía y la aristocracia londinense dan pruebas de aquellos años.

Murió el 9 de diciembre de 1641, fue sepultado con todos los honores en la Catedral vieja de San Pablo.

Su influencia en el arte

El pintor consiguió que una imagen con un propósito meramente utilitario se convirtiera en uno de sus retratos más conocidos.

Es notable la influencia que Van Dick tuvo de la obra «Triple retrato de un orfebre,» de Lorenzo Lotto, el pintor renacentista que hizo por 1530- óleo sobre lienzo hoy en Kunsthistorisches Museum. Esta obra podría ser un retrato de Bartolomeo, Antonio o Vettore Carpan, tres hermanos orfebres conocidos por el pintor, y los tres rostros representados ”Tre visi”… en italiano y esto haría referencia a «Treviso » ciudad natal de Lotto.

Otra suposición el famoso “paragone”: en el Renacimiento, era habitual que los artistas se enredasen en larguísimas discusiones filosóficas que comparaban la pintura y la escultura, tratando de dilucidar cuál de las dos disciplinas era más noble o perfecta. Quizás Lorenzo Lotto quiso aportar su granito de arena a esta discusión y demostrar que la pintura también podía representar una figura tridimensional, vista desde diferentes ángulos, de forma fidedigna, anticipándose unos cuantos siglos a los pintores cubistas.

El mismo, Van Dick influenció para un retrato similar del cardenal Richelieu ejecutado por Philippe de Champaigne de 1642, hoy en National Gallery El usto de Bernini

El papa Urbano VIII se encargó de enviar la escultura terminada a la reina, Enriqueta María, con la esperanza de suavizar las relaciones entre Inglaterra y el mundo católico.

La obra de Bernini gustó mucho en la corte inglesa, no solo por la exquisitez del trabajo, sino también por el parecido que guardaba con el Rey. El rey Inglés recompensó a Bernini con joyería de más de 4.000 escudos romanos…cifra más de 60 veces el salario promedio anual de un trabajador en Roma.

Aunque se conserva alguna copia, por desgracia el busto original se perdió en un incendio en el Palacio de Whitehall en 1698.

El triple retrato, por su parte, permaneció en manos de Bernini y sus herederos hasta principios del siglo XIX cuando volvió a Inglaterra al ser requerido por la Familia Real.

Desde entonces, Carlos I en su retrato innovador cuelga de los muros del Castillo de Windsor.

El Cristo del Santo Spirito

Existe una sencilla y bella escultura de madera policromada que se atribuye a Miguel Ángel Buonarroti posiblemente terminada en 1492 que los estudiosos habían perdido absolutamente de vista y que reapareció 1962.

Volvieron las investigaciones en el 2001 para confirmar la atribución de la obra a Miguel Ángel. Quizás fue hecho para el altar mayor de la Iglesia de Santa María del Santo Spirito en Florencia-Italia.

En madera policromada, presentó el cuerpo de Cristo inusualmente desnudo, prescindiendo del «paño de pureza» y siendo así aún más realista, como solían ser ejecutados los condenados a la cruz.

La obra

La realiza según el evangelista san Juan pero con algunas alteraciones, el cuerpo de un adolescente, sin resaltar la musculatura, pero el rostro barbado de un adulto. Sin la «corona de espinas» que narra san Juan 19, 2-5

«Los soldados tejieron una corona de espinas y se la pusieron sobre la cabeza. Lo revistieron con un manto rojo, y acercándose, le decían: «¡Salud, rey de los judíos!», y lo abofeteaban. Pilato volvió a salir y les dijo: «Miren, lo traigo afuera para que sepan que no encuentro en él ningún motivo de condena». Jesús salió, llevando la corona de espinas y el manto rojo. Pilato les dijo: «¡Aquí tienen al hombre!».

La policromía, realizada con colores muy tenues y unos leves hilos de sangre resbalan de la herida del costado en armonía con la simplicidad de la talla de la escultura. Se dio por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación en el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una espesa capa de pintura que lo hacía casi irreconocible.

Buonarroti fue huésped del convento de Santa Maria del Santo Spirito -Florencia-Italia cuando tenía diecisiete años, tras la muerte de su protector Lorenzo de Medici «el Magnífico» . Aquí pudo realizar estudios anatómicos de los cadáveres procedentes del hospital del convento; a cambio, se dice que esculpió el crucifijo de madera que se colocó sobre el altar mayor. Hoy el crucifijo se encuentra en la sacristía octogonal del templo obra del arquitecto Giuliano da Sangallo el 3 de diciembre de 1489 y completada por Simone del Pollaiolo en 1492 la misma fecha de esta obra.

El número de clavos muy debatido.

Las primeras representaciones de la crucifixión muestran solo dos clavos, utilizados en las palmas de las manos. Más tarde, Cristo aparece crucificado con tres clavos, uno para los dos pies en diversas manifestaciones artísticas.

Según la tradición iconográfica cristiana más reciente, el número de clavos ha aumentado a cuatro, dos para las manos y dos para los pies.

El evangelista san Juan no dice nada sobre los clavos…

San Juan 19,16-18

«Entonces Pilato se lo entregó para que lo crucifiquen, y ellos se lo llevaron. Jesús, cargando sobre sí la cruz, salió de la ciudad para dirigirse al lugar llamado «del Cráneo», en hebreo «Gólgota». Allí lo crucificaron; y con él a otros dos, uno a cada lado y Jesús en el medio».
El letrero de la cruz Juan 19,19-22

«Pilato redactó una inscripción que decía: «Jesús el Nazareno, rey de los judíos», y la hizo poner sobre la cruz. Muchos judíos leyeron esta inscripción, porque el lugar donde Jesús fue crucificado quedaba cerca de la ciudad y la inscripción estaba en hebreo, latín y griego. Los sumos sacerdotes de los judíos dijeron a Pilato: «No escribas: «El rey de los judíos». sino: «Este ha dicho: Yo soy el rey de los judíos»». Pilato respondió: «Lo escrito, escrito está» «.

Aquí el artista favoreció la interpretación del Evangelio de Juan 19,19 .

La desnudez de la figura es fiel a los Evangelios.

La ropa de Cristo que fue quitada por los soldados romanos… como cumplimiento del Salmo 22,18 «Partieron entre ellos mis vestidos, y echaron suertes sobre mi vestidura».

Todos los escritores de los Evangelios sugieren la desnudez, mientras que el evangelista san Juan 19, 23-24 proporciona más detalles.

«Después que los soldados crucificaron a Jesús, tomaron sus vestiduras y las dividieron en cuatro partes, una para cada uno. Tomaron también la túnica, y como no tenía costura, porque estaba hecha de una sola pieza de arriba abajo, se dijeron entre sí: «No la rompamos. Vamos a sortearla, para ver a quién le toca.» Así se cumplió la Escritura que dice: Se repartieron mis vestiduras y sortearon mi túnica. Esto fue lo que hicieron los soldados».

La herida del costado

También está presente la herida de lanza infligida en el costado de Jesús por un soldado romano. Su sangre se ve aquí goteando de la herida en su lado derecho.

Esto demuestra el conocimiento que los romanos tenían sobre las técnicas de martirio… quizás fuera la peor muerte que se le podía dar a una persona.

Pero, relacionado con «la lanzada«, hay otro tema que hubo controversia igual que el número de clavos: fueron tres o cuatro… sobre todo teológica y artísticamente.

«El costado donde se produjo la herida»: derecho o izquierdo. Siempre está representada la lanzada en el costado derecho pero esto tampoco está acorde con una explicación técnica.

Los soldados romanos, cuando iban al combate, iban protegidos en su parte izquierda con un escudo grande, que tenía la función de proteger el lado del corazón. Por ello, eran entrenados para provocar una herida mortal en la parte izquierda de su adversario. Cuando el soldado se encuentra frente a Cristo, si éste era diestro… lo más normal, tendría su escudo en el brazo izquierdo y la lanza en la derecha, lo lógico es que le clavara la lanza en el lado izquierdo, por la posición que ocupa y por lo aprendido durante los entrenamientos.

Tradicionalmente: “diestro” tiene connotaciones positivas mientras que “siniestro” lo opuesto, negativas. Los términos diestro y siniestro tuvieron un papel importante a lo largo de la historia en la representación iconográfica y más aún en este momento de la Pasión de Cristo.

Se pudo producir el cambio, teológicamente hablando debido a un canto de la época pascual:

“Vidi aquam egredientem de templo a latera dextro, alleluia, et omnes ad quos pervenit aqua ista salvi facti sunt et dicent: alleluia, alleluia” Vi agua fluyendo del lado derecho del templo, aleluya, y todos aquellos a quienes llegaba el agua eran salvados y dirán, aleluya, aleluya».

Una paráfrasis de Ezequiel 47,1. «El templo», es el propio Cristo.

En el siglo XXI, aún se criticará a aquellos artistas que decidieron situar «la lanzada» en el lado izquierdo o poner más o menos clavos…con corona o sin ella… desnudo o vestido, con cartel o sin él… sea como sea y por el autor que sea es Cristo crucificado que sigue entre nosotros…

Zurbarán…Jacob y sus hijos

Como se usaba por entonces, Zurbarán, el excelente pintor español, realizó una serie de cuadros pintando a Jacob y sus doce vástagos. Las llamadas «Series»… varios cuadros de idénticas proporciones como fueron los 12 apóstoles o «Apostolados» realizados por «El greco»…o bien las «Santas» que el mismo Zurbarán realizara. Esta era una serie de hermosas jóvenes lujosamente ataviadas de la sociedad sevillana retratadas con los atributos de santas mártires de la Iglesia. Trece óleos de grandes proporciones-197×101 centímetros cada uno.

No se sabe muy bien cuál era el destino de esta colección conocida como «Las doce tribus de Israel», pintada en torno a 1640 en Sevilla por el artista español, bien pudo ser un encargo de una orden religiosa o de rico mercader judío.

Los hijos de Jacob, cada uno de ellos con el atributo que lo identifica según el Antiguo Testamento.

Jacob y sus esposas:

Hijos de Lía: Rubén, el primogénito, Simeón, Leví, Judá, Isacar y Zabulón.

Con Raquel: José y Benjamín, este el duodécimo hijo, no fue obra de Zurbarán sino de Arthur Pond, un artista, copista y crítico de arte del siglo XVIII. El original se vendió al duque de Ancarta y se preserva en el castillo Grimsthorpe, en Lincolnshire, a unas dos horas de Bishop Auckland, el pueblo que da nombre a la histórica residencia de los obispos de Durham.

de su criada Bilá: Dan y Neftalí.

Y con Zilfá, la criada de Lía. Gad y Aser.

Una Suposición…

Entre 1640 y 1645, los galeones llegaban desde América cargados de oro y zarpaban con las bodegas llenas de productos españoles, entre otras cosas, obras de arte.

Zurbarán empezó a producir pinturas religiosas para el mercado americano. Ya en 1638 reclamaba el pago de una suma que le debían a Lima- Perú. Un siglo después, la colección reaparece en un barco español apresado por piratas ingleses.

Actualmente..

Las tribus de Israel en Auckland, condado de Durham –Inglaterra.

No extraña para nada que las tres series conservadas mantengan las características compositivas más notables de Zurbarán: la presentación de figuras imponentes capaces de reproducir el efecto de la imaginería procesional.

Magnífico tratamiento de la pintura en los tejidos y del color, ya lo había demostrado en otras oportunidades !Un especialista en «tejidos» exquisitos y «Telas» ricamente labradas! Herencia de sus ancestros dedicados al comercio textil.

Dominio en el efecto de la tridimensionalidad como consecuencia de su manejo del claroscuro.

Folclorismo apreciable en los rostros quizás con intención deliberada de estimular la fe y la devoción de los creyentes a partir de la presentación de los patriarcas del Antiguo Testamento según las tendencias estéticas del momento.

Los distintos personajes se identifican por los atributos que les caracterizan a cada uno de ellos, entresacados del pasaje bíblico que recoge las palabras que Jacob les dedicó:

Ruben «… mi primogénito eres tu mi vigor y las primicias de mi virilidad…», su símbolo es la columna.

Judá «…cachorro de León es Judá… no se irá de Judá el báculo, el bastón de mando…», sus símbolos son el león y el cetro.
Dan «…juzgará a su pueblo… sea Dan una serpiente junto al camino…», su símbolo es la serpiente.

Simeón «…hermanos que llevaron al colmo la violencia con intrigas…», el símbolo de Simeón es la espada.

Leví-El de Leví el Turíbulo.

Neftalí «… es una cierva suelta que da cervatillos hermosos…», su símbolo es el ciervo.

Gad «…atracadores le atracan, pero él ataca su retaguardia…», su símbolo es su indumentaria militar.

Aser «…tiene pingue pan, y da manjares de rey…», su símbolo es la cesta de pan.

Isacar «…es un borrico corpulento…», su símbolo es el asno y el saco cargado a sus espaldas.

Zabulón «…habita en la ribera del mar y es tripulante de barcos…» su símbolo es el ancla…».

José «…un retoño es José, retoño junto a la fuente… por él Dios tu padre, pues él te ayudará…!
sean para la cabeza de José, y para la frente del consagrado entre sus hermanos…», su símbolo es él cetro.

Benjamín «lobo rapaz, de mañana devora su presa, y a la tarde reparte el despojo…»; su símbolo es el lobo.

Jacob lo pinta Zurbarán como un anciano encorvado de larga barba blanca.
Según señala Paul Guinard, Zurbarán se inspiró para este ciclo en los grabados flamencos, indicando como fuentes los «Sacrarum Antiquitatum Monumenta», editados por Plantin- Amberes- 1577, con grabados de Luis Hillemess de Anderilach, y los bustos de los hijos de Jacob de Karel Van Mander y Jacques Gayn y la serie de personajes de pie en el campo de Crispín Van der Broek, grabados por Pieter Jode.

Por largos caminos…

unknown artist; Richard Trevor (1707-1771), Bishop of Durham (1752-1771); Auckland Castle; http://www.artuk.org/artworks/richard-trevor-17071771-bishop-of-durham-17521771-43643

Un ambicioso plan que se concreta.

Convertir el Castillo en un centro turístico-cultural especializado en arte religioso y pintura del Siglo de Oro español un centro de la Historia del Arte Español y la cultura española en el Reino Unido.

Los icónicos retratos de Jacob y sus hijos decoran desde 1756 el comedor del Castillo de Auckland principal sede del anglicanismo en el noreste de Inglaterra, propiedad de la diócesis de Durham.

Durante más de 800 años fue residencia oficial del obispo de Durham desde 1832 hasta julio de 2012 con un parque de 3.2 km² antiguamente era utilizado por los obispos para actividades cinegéticas, con sucesivas remodelaciones en su estilo gótico georgiano de finales del Siglo XVIII. Los lienzos fueron adquiridos por el obispo Trevor allá por 1756 por 125 libras a un rico comerciante judío llamado James Méndez.

La colección formada por 13 piezas de idénticas medidas. El duodécimo hijo, Benjamín, no es obra de Zurbarán sino una copia de Arthur Pond, un artista, copista y crítico de arte del siglo XVIII.

Según Rowena Hackwood, directora de la Fundación: “Sus invitados tenían que sentarse bajo la fulminante mirada de los patriarcas de Israel. Fue un acto de protesta” el obispo Trevor se rebeló contra el gobierno y los parlamentarios que acababan de repeler una recién aprobada ley de emancipación de judíos residentes en Inglaterra. “Estaba furioso. Colocó los retratos en su comedor para criticar la falta de tolerancia. Son símbolo de quienes están dispuestos a defender los derechos de las minorías”, celebra Hackwood.

Las pinturas escaparon por la década del 2000 del mercado de subastas gracias a la intervención del financiero y filántropo Jonathan Ruffer, quien invirtió cerca de 18 millones de euros en el rescate.

«Los Hijos» ya viajaron a visitar «la tierra prometida» a una exposición en Jerusalén y también a otras latitudes, tienen convenio con el Museo del Prado de Madrid… y se le siguen sumando instituciones prestigiosas.

Finalmente…

Quedó inaugurado el Museo del Castillo de Auckland donde asistieron el Príncipe Carlos y la Reina Leticia, Ruffer, que llevaba meses trabajando en esta visita, no pudo estar presente tras contagiarse de covid-19…

Además de los» hijos de Jacob» se pueden apreciar valiosas obras españolas.

Obras religiosas de José de Ribera con su cuadro «San Francisco», Bautista Maíno con «San Antonio de Padua«, o la «Madre Dolorosa» de Jerónimo Espinosa, Velázquez, con el «Cardenal Pamphili», cedido por el Museo de la Sociedad Hispánica de Nueva York, o «Felipe IV caza de jabalí», del mismo artista y prestado por la National Gallery de Londres. La colección se complementa con otros préstamos, incluidas obras del Museo y Biblioteca de la Hispanic Society de Nueva York que nunca antes se habían mostrado en el Reino Unido.

Sumamente interesante es » el detalle» que el visitante camina sobre un dibujo del río Guadalquivir por Sevilla, sus meandros hasta su desembocadura al recorrer sus salas…

Rembrandt …

Es también una plaza situada en el centro de Ámsterdam en honor al famoso pintor Rembrandt van Rijn. El vivió cerca de esta plaza entre 1639 y 1656. Aquí estaban las murallas para proteger la ciudad en la Edad Media y una Regulierspoort o puerta de entrada a la ciudad. En 1655, la ciudad se había expandido fuera de esta zona y comenzó a atraer granjeros que traían productos lácteos y avícolas para venderlos en la ciudad y se conoció como Botermarkt o «mercado de mantequilla».

Cada otoño, la plaza alojaba una feria… los puestos de los granjeros eran sustituidos por orquestas de baile y carpas de circo. El mercado continuó con este nombre hasta 1876, cuando se trasladó una estatua de Rembrandt, obra del escultor Louis Royer realizada en 1852, es de hierro, fundida de una pieza. Es la estatua más antigua de Ámsterdam en un espacio público. La estatua está sobre una base de granito gris que tiene una réplica de su firma.

A comienzos del siglo XX, la plaza se convirtió en un centro de pintores nocturnos, jóvenes y trabajadores y continúa siendo popular entre residentes y turistas.

Como parte de las celebraciones del 400º aniversario del nacimiento del artista en 2006, se expuso alrededor de la estatua de Royer una representación de bronce de su cuadro, «Ronda de noche», realizada por los artistas rusos: Mijaíl Drónov y Alexander Taratýnov.

Al finalizar la conmemoración las estatuas serían trasladadas a los jardines del castillo de St. Gerlach, cerca de Maastricht.

Pero la famosa representación del famoso cuadro estuvo expuesta durante tres años antes de trasladarse a Nueva York, Moscú y Oranienbaum. En 2012, volvieron a la plaza para regocijo de los visitantes. En enero de 2013, la Fundación de Emprendedores de Rembrandtplein comenzó una recaudación de fondos para mantener las esculturas en la plaza durante todo el año…

El famoso cuadro últimamente tuvo un a excelente restauración donde le agregaron los trozos que se le habían quitado siglos antes…arriba y en ambos laterales, volviendo a las dimensiones originales. El cuadro es una de las» joyas» de la exposición permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam, pinacoteca especializada en arte neerlandés.

En «estilo barroco» y de  considerables dimensiones 3,5 x 4,3 metros, ya que fue encargado para decorar la sede de los «Arcabuceros de Ámsterdam.»

Su nombre original es: «La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh». Tres personajes se destacan sobre el resto de los componentes del cuadro: la niña, el capitán Frans y el teniente Willem,  estandartes y las lanzas marcando las diagonales y los puntos de fuga del cuadro. En la posición central el capitán Frans Banninck Cocq, quién dirige la acción con sus gestos, con un brazo da una orden a su compañía y con la otra señala al espectador haciéndolo parte de la  escena. Rembrandt generalmente utiliza este truco que tanto nos agrada.

La niña es considerada por muchos  críticos de arte como el personaje principal del cuadro: es el personaje femenino destacado de la obra y aparece como un foco de luz, como referencia, muchos dicen que es la fallecida esposa del pintor que murió ese mismo año que se pintó el cuadro…tiene un gran parecido.

El teniente Willem, al lado de la del capitán, marcha unos pasos detrás de su compañero. Rembrandt quiso disimular la diferencia de altura, dando un color más vivo a las ropas del teniente en contra punto del negro utilizado para el capitán.

Cuando las tropas napoleónicas ocuparon los Países Bajos y Napoleón puso a su hermano Luis como rey de Holanda en 1806, el Ayuntamiento se convirtió en Palacio Real que aún hoy mantiene esta función.

Los magistrados municipales trasladaron el cuadro a la Trippenhuis, es decir, la casa de la familia Trip. Inmediatamente, Napoleón ordenó su vuelta a palacio y se mantuvo allí hasta la caída del Imperio Napoleónico. Tras esto, volvió a la Trippenhuis ya convertida en el Rijksmuseum, Galería Nacional de Arte de los Países Bajos las obras que se terminaron por 1885.

  Em la II Guerra Mundial, para salvar el patrimonio artístico durante el conflicto, los fondos más importantes del Rijksmuseum fueron depositados en diferentes búnkers denominados Refugios Nacionales construidos en las dunas de Heemskerk y Zandvoort. En 1942, los cuadros se trasladaron a los refugios de Steenwijk y Maastricht. La «Ronda de noche» estuvo oculta durante cinco años siendo su último emplazamiento un búnker en el subsuelo de la capital del Limburgo separada de su marco y enrollada en un cilindro. El 25 de junio de 1945,  volvió a Ámsterdam, siendo restaurada en el taller propio del Rijksmuseum.

 Aquí, los integrantes del aparentemente bullicioso grupo de «Arcabuceros de Amsterdam»…

1. Frans Banninck Cocq 1605-1655, capitán.

2. Willem van Ruytenburch 1600-1652, teniente.

3. Jan Cornelisz 1610-1650, portaestandarte.

4. Reijter Engelen 1588-1651, sargento.

5. Rombout Kemp 1597-1654, sargento.

6. Mosquetero. 7. Hombre con capa y espada. 

8. Herman Wormskerck, con escudo y espada. 

9. Mosquetero con Furket und Lunte. 

10. Mosquetero cargando su arma. 

11. Niño con cuerno de pólvora y un casco de gran tamaño.

12, 13, Niña en oro y se vislumbra otra en azul. 

14. Joven del que se ve el casco disparando.

15, 16, 17. cabezas de un hombres. 

18. Hombre con casco, escudo y espada. 

19. Cabeza de un hombre. 20. Piquero. 

21. Cabeza de un hombre. 

22. Hombre con casco cerca de un mosquete. 

23. Piquero -¿Wallich Stellingwou?

 24. Hombre soplando la pólvora de un mosquete que acaba de disparar.

25. Piquero ¿Jacob de Roy?. 26. Cabeza de un piquero. 

27. Mosquetero. 28. Cabeza de un hombre. 29. Piquero. 

30. Tamborilero, probablemente Jacob Jorsizrommler. 

31. Cabeza de un hombre. 32. Mosquetero sin sombrero eliminado hacia 1715. 33. Hombre con sombrero eliminado hacia 1715. 34. Niño igualmente eliminado por entonces.

El emplazamiento original para el que fue pensado el lienzo en las épocas del pintor fue la sede municipal de la Compañía de Arcabuceros de la capital holandesa. Este edificio fue destruido y reemplazado a mitad del siglo XIX por el actual hotel Doelen. En 1715, La «Ronda de noche» se trasladó al Ayuntamiento de Amsterdam en la plaza Dam. Lamentablemente le fue cortada una franja en ambos laterales y arriba, eliminando a tres de los personajes de la escena.

Su aspecto original se puede observar en las diferentes copias anteriores a 1715, entre las que se destaca la obra de Gerrit Lundens 1622-1686 en la National Gallery de Londres. 

Actualmente se lo ve así en el Museo…

«Inspiraciones varias» que generó esta obra

También y en homenaje, a tan importante conmemoración, el director de cine británico Peter Greenaway rodó una película dedicada al cuadro titulada Nightwatching,​ protagonizada por Martin Freeman en el papel de Rembrandt y Emily Holmes como su segunda esposa, Hendrickje. Se presentó en el Festival Internacional de Cine de Venecia el 6 de septiembre de 2007 y su estreno comercial en los Países Bajos fue el 24 de enero de 2008.

 El segundo movimiento de la Sinfonía nº 7 de Gustav Mahler, la ópera De Nachtwacht compuesta por el músico neerlandés Henk Badings de 1942, sin dejar de mencionar las canciones Night Watch de King Crimson o The Shooting Company of Captain Frans B. Cocq  del grupo «Ayreon» fueron inspirados por esta obra de…

El Libro de Kells

También conocido como Gran Evangeliario de San Columba, o de san Columbano,  un manuscrito ilustrado con motivos miniados, realizado por monjes celtas hacia el año 800 en Kells en la abadía de Kells, en el condado de Meath -Irlanda. Allí se conservó durante la Edad Media, la abadía fue fundada a principios del siglo IX, en la época de las invasiones vikingas.
El libro –considerado la pieza principal del cristianismo celta y del arte hiberno-sajón, a pesar de estar inconcluso, es uno de los más suntuosos manuscritos iluminados que han sobrevivido a la Edad Media.

El manuscrito contiene una gran cantidad de motivos ornamentales de una gran complejidad que actualmente los utilizan los diseñadores para aplicar especialmente en orfebrería.

Hay documentación del año 1006 que informa del robo del libro  en el siglo XI, según los Anales de Ulster, sustraído de la sacristía, donde se guardaban las copas y otros accesorios litúrgicos y no de la biblioteca de la abadía. Aunque recuperado muy pronto, pero sin muchas de sus piedras preciosas y el oro que se cree que tenía en la portada y en el estuche que lo contenía. También ese robo puede ser la explicación a la falta de algunas hojas al principio y al final de la obra.

Tenía un fin sacramental y no educativo.

Un evangeliario tan grande y lujoso

Estaba destinado al altar mayor de la iglesia, y usarse solamente para leer pasajes de los Santos Evangelios en misa, por lo tanto era un manuscrito para el uso litúrgico.

En el siglo XII, un eclesiástico y cronista erudito, Giraldus Cambrensis, dijo sobre el Libro de Kells: «Míralo de cerca y penetrarás en los mayores secretos del arte, encontrarás allí ornamentos de tanta complejidad, tanta riqueza de entrelazados nudos y líneas que pensarías que es el trabajo de un ángel en lugar de la de un ser humano «.

Página introductoria al Evangelio según san Juan, folio 292

Esta es una bella «página tapiz» o sea profusamente diseñada y de las más complejas que posee.

El libro tiene 33 cm. de largo y 25 cm. de ancho y el espesor de las hojas es muy desigual, algunas con un espesor similar al del cuero y otras con un espesor finísimo. Las miniaturas dibujadas son más ricas y numerosas que cualquier otro manuscrito de esa época en las islas de Irlanda y Gran Bretaña.

El Libro de Kells contiene el texto de los cuatro Evangelios en latín según la Vulgata, sin ser una copia exacta de esta última se encuentran numerosas variantes … principalmente cuando se usan traducciones latinas más antiguas en vez del texto de San Jerónimo. Estas variantes se encuentran sistemáticamente en todos los manuscritos medievales de Gran Bretaña, y presentan diferencias de una obra a otra.

En efecto, los monjes, a falta de un ejemplar preexistente, sin duda trabajaban de memoria.

Según la historiadora de arte Francoise Henry participaron en su escritura como mínimo tres amanuenses, a los que ha denominado la “Mano A”, “Mano B” y “Mano C”.

Este es el folio 285 de «La Mano A«. Esta habría realizado principalmente los folios 1 a 19º y 276º a 289º, antes de retomar su trabajo desde el folio 307º hasta el fin del manuscrito. El amanuense «Mano A» utiliza a menudo una tinta de color marrón bastante habitual por entonces en Europa, y escribe entre dieciocho y diecinueve líneas por página.

La Virgen María con el Niño del folio 7  una de las más antiguas imagen que se conoce en el mundo occidental.

«La Mano B» se reconoce desde el folio 19ºal 26º y del 124º hasta el 128º. t

Tiene tendencia a utilizar letras minúsculas, prefiere una tinta roja, malva o negra y escribe un número variable de líneas en cada página.

Un ejemplo el folio 29

A «la Mano C«, finalmente, se le atribuye el resto del manuscrito, ha contribuido a la obra de una manera bastante dispersa: tiene tendencia a usar más minúsculas que «Mano A», sin embargo usa la misma tinta marrón y escribe casi siempre diecisiete líneas por página.

El folio 30 » incipit «- inicial  que da comienzo al Evangelio de  san Marcos y el folio  34 – llamado también el Monograma de la Encarnación, compuesto por las letras Xi -Χ y Ro -Ρ, que son las dos primeras letras de la palabra Cristo -ΧΡΙΣΤΟΣ en griego.

La X, primera letra en griego del nombre de Cristo, recorre casi media página. La letra griega “p” rho, termina en la cabeza de un hombre pelirrojo, Jesucristo, mientras la letra “iota”, se une, a través de la letra “rho” a la cabeza de Jesús. 

Según Claude Médiavilla, especialista en caligrafía, este sería probablemente «la pieza de iluminación más compleja nunca realizada […] Ha debido exigir muchas semanas, quizá meses, de un trabajo arduo para el cuerpo y la vista».

El diseño

Una miniatura a toda página que contiene los cuatro símbolos de los evangelistas, seguido de una página en blanco.

El libro fue diseñado para que cada uno de los Evangelios tenga un elaborado programa decorativo de introducción. Luego el retrato del evangelista con un tratamiento decorativo suntuoso. El Evangelio de Mateo conserva tanto su retrato Evangelista ( 28v folio) y en su página de símbolos de los evangelistas.

En el Evangelio de Marcos no se encuentra el retrato Evangelista, pero conserva sus símbolos folio129v. El Evangelio de Lucas faltan tanto el retrato y la página de símbolos de los Evangelista.

El Evangelio de Juan, como el Evangelio de Mateo, conserva su  retrato y su página de símbolos de los evangelistas- folio 290.

Se supone que los retratos de Marcos y Lucas y la página de símbolos para Lucas existían… pero se ha perdido. El uso de los cuatro símbolos de los evangelistas en frente de cada Evangelio es llamativo, seguramente destinado a reforzar el mensaje de la unidad entre los cuatro Evangelios.

El estilo iconográfico podría tener influencias de modelos ortodoxos o coptos. A lo largo de todo el libro se encuentran iniciales decoradas con pequeños personajes humanos o zoomorfos entrelazados según la tradición celta, como en las cruces de piedra que aún quedan y se pueden apreciar.

Los pigmentos necesarios para realizar las ilustraciones fueron importados de Europa y Asia. El negro se obtuvo de velas, el rojo de un mineral llamado rejalgar, el amarillo del oropimente, el verde de la malaquita y el azul del lapislázuli. Las miniaturas dibujadas son más ricas y numerosas que cualquier otro manuscrito de esa época en las islas de Irlanda y Gran Bretaña.

Algunos errores en el texto

Varias diferencias entre el texto del Libro de Kells y el normalmente aceptado por los Evangelios, por ejemplo:

En la genealogía de Jesús, empieza en Lucas 3,23, el libro de Kells nombra erróneamente un antepasado adicional.

En Mateo 10,34b, debería poner «non veni pacem mittere, sed gladium» -no he venido a traer la paz, sino la espada. Sin embargo, en vez de «gladium» – «espada», en el manuscrito de Kells se ha escrito «gaudium» que significa «alegría»… Probable distracción del copista.

A lo largo de los siglos ha sido encuadernado varias veces. Durante la encuadernación del siglo XVIII, las páginas se acortaron y se perdieron partes de algunas ilustraciones. En 1895, otra encuadernación que se rompió rápidamente y algunas hojas que se habían desprendido se conservaron por separado.

La Abadía de Kells fue disuelta en el siglo XII como resultado de las reformas Eclesiásticas y la Iglesia de la abadía se transformó en una Parroquia, que conservó la obra. El manuscrito permaneció en Kells hasta 1654, cuando la caballería de Oliver Cromwell fue acuartelada en la ciudad. El gobernador de entonces, envió el libro a Dublín para mayor seguridad.

El manuscrito fue presentado a los universitarios del Trinity College en 1661 y nunca ha abandonado ese lugar, salvo por alguna cesión para exposiciones temporales.

Desde el siglo XIX se puede ver en exposición permanente en la Vieja Biblioteca –Old Library del Trinity College en Dublin- Irlanda,  Dos de los cuatro volúmenes en exhibición pública, uno abierto a una página decorada y el otro a una página de texto típica. Se ha insistido mucho y desde siempre en mostrar este precioso libro al público con facsímil en varias oportunidades del siglo pasado, inclusive actualmente se digitalizó esta valiosa obra para poder apreciarla virtualmente…

https://digitalcollections.tcd.ie/concern/works/hm50tr726?locale=en

En la biblioteca, además de los textos de célebres irlandeses como Oscar Wilde, James Joyce o Bram Stoker están: el Documento de la Independencia de Irlanda, el Arpa de Brian Boru y algo singularmente curioso que ocurrió en la realidad… la cerveza Guinness, utilizaba el mismo logo antes de que se convirtiese en símbolo nacional, y de hecho lo tenía registrado, por lo que el gobierno irlandés tuvo que cambiarle posición para evitar la coincidencia.