«El capricho»

… y no hay duda que lo fue.

La Villa Quijano, popularmente conocida como «El Capricho«, es un edificio modernista situado en la localidad cántabra de Comillas. Fue proyectado por Antoni Gaudí y construido entre 1883 y 1885 bajo la dirección de Cristóbal Cascante, por encargo del «indiano» Máximo Díaz de Quijano.

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Una de parentescos y conocidos …

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El hijo ilustre de Comillas fue Antonio López y López 1817-1883, que emigró a Cuba a los 14 años y, al regresar, fundó una naviera, un banco y una compañía de tabacos, actividades que le situaron entre los empresarios más ricos de la España de la época y le hicieron acreedor del título de Marqués de Comillas, dignidad creada expresamente para él por el rey Alfonso XII.

Este» ilustre indiano» y potentado empresario se había convertido en uno de los hombres más poderosos de su época y entre sus objetivos se planteó convertir su villa natal en un elegante destino de vacaciones para la más alta burguesía. Su relación con la burguesía catalana y posiblemente su relación familiar con Eusebi Güell i Bacigalupi hicieron que Comillas se convirtieses en lo que hoy se ha venido a denominar un «Preludio de la Modernidad».

Comillas era la Mallorca o la Marbella del S.XIX…

Aquí se reunía lo más granado de la sociedad del momento incluida la familia real, de hecho Alfonso XII llegó a reunir a su consejo de ministros en Comillas convirtiendo a este pueblo cántabro en capital de España por un día.


El Primer Marqués de Comillas y Grande de España conoce en Cuba a la catalana Luisa Bru cuya familia está emparentada con los Güell, se casan y viven en Barcelona. Posteriormente se trasladan a Comillas, donde encargarán el proyecto del Palacio Sobrellano al arquitecto Joan Martorell quien, a su vez, encargará el diseño de sus muebles a Antoni Gaudí

» El Indiano» 

Denominación coloquial del emigrante español en América que retornaba enriquecido.

El boom llegó entre 1881 y 1959, cuando casi cinco millones de españoles embarcaron rumbo al Nuevo Continente con la esperanza de hacerse de oro. El regreso de los triunfadores disparó el número de emigrantes. Se forjó el arquetipo del «indiano«: varón, entre los veinte y cuarenta años, humilde, soltero y alfabetizado. Esta última característica será determinante a la hora de ascender en las colonias, donde la mano de obra ‘cualificada’ no abundaba.

El nuevo rico… quizás inculto, pero viajado, su traje blanco, su sombrero panameño y su inseparable habano, dueño de un gran coche, y de la casa más ostentosa del pueblo.

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Máximo Díaz de Quijano y Fernández de San Juan 1838-1885 fue uno de ellos.

Enriquecido en Cuba, abogado de profesión, de ideología carlista y aficionado a la muy buena música posiblemente de ahí el nombre «El Capricho» tema musical que varios compositores tenían en su haber o repertorio. Generalmente era una obra de forma libre y de carácter vivo, predominantemente instrumental e Intensa y a veces virtuosísima … Paganini dejó 24 caprichos sin ir más lejos.

Máximo Díaz Quijano fue autor también de algunas canciones para tonadilleras y cupletistas. Su hermana Benita se casó con Claudio López y López, hermano de Antonio, primer marqués de Comillas. El “Boletín del Comercio” de Santander del 16 de julio de 1882 lo cita como “el ilustrado y conocido jurisconsulto que está en Comillas”.

También aficionado a la botánica, de ahí «el invernadero» lo necesitaba para proteger las especies que el recolectaba en sus viajes.

En resumen: el concuñado del marqués decidió construir su residencia en los jardines que rodean al Palacio de Sobrellano.

En 1883 encargó a Gaudí su casa en Comillas.

Sin embargo, el arquitecto y el promotor nunca llegaron a conocerse, puesto que Gaudí diseñó la villa desde Barcelona, dejando la supervisión de la obra a su colega Cristóbal Cascante.

Está dentro de sus primeras obras y dentro de las de «Fuera de Cataluña».

Estas son cuatro:

La Casa Botines – en León.

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Palacio Episcopal de Astorga -Astorga,

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La remodelación del Presbiterio de la Catedral de Palma de Mallorca -Baleares

y en Cantabria el famoso…

» Capricho»

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Esta obra pertenece a la etapa orientalista de Gaudí –1883-1888, periodo en que el arquitecto realizó una serie de obras de marcado gusto oriental, inspiradas en el arte del próximo y lejano Oriente: India, Persia, Japón, así como en el arte islámico hispánico, principalmente el mudéjar y nazarí. Gaudí empleó con gran profusión la decoración en azulejo cerámico así como los arcos mitrales, cartelas de ladrillo visto y remates en forma de templete o cúpula.​

Numerosas soluciones estructurales y ornamentales de la casa responden a la afición del propietario por la música, por ejemplo: las cenefas en el exterior de la casa imitan un pentagrama de girasoles, las barandillas de la torre tienen forma de clave de sol y de semicorchea, en las ventanas del salón principal se usaron contrapesos para el sistema de correderas, que eran campanas tubulares con diferentes densidades y tamaños para poder obtener notas musicales diferentes al abrirse y cerrarse; por último, en el cuarto de baño se encuentran dos vidrieras con dibujos de una abeja» tocando la guitarra»… un «gorrión tocando el órgano«…

Algunos detalles para tener en cuenta

Sin duda que estaban de moda los girasoles.

Entre 1883-1885 se realiza El Capricho Gaudí utiliza girasoles en cerámica para la decoración exterior de la casa…

Con posterioridad Van Gogh, también realiza sus girasoles en si mayoría en Arlés entre 1887-1889 .La serie «Los girasoles de Arlés» fue concebida como un proyecto de doce lienzos destinados a decorar la Casa Amarilla de Arlés, donde vivía Van Gogh. El artista quería convertir la casa en la residencia de un movimiento de pintores. Su único residente fue su amigo Paul Gauguin

Un tributo a la naturaleza y a la música.

La obra está ubicada donde antiguamente albergaba un bosque de castaños en pendiente, la nivelación del terreno lo obtuvo mediante un vaciado parcial de las tierras de la finca conteniendo la pendiente con un muro.

El jardín trasero.

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Gaudí incorporó a su obra dos construcciones anteriores que había en el terreno, un invernadero y un templete, que transformó en el cuerpo central del edificio y en la base de la torre-minarete, respectivamente. Por otro lado, junto al edificio diseñó también los jardines de la finca, en los que incluyó una gruta artificial.​ Un parterre en forma de herradura que servía para que los carruajes pudiesen llegar, descargar a los viajeros y sus equipajes y dar la vuelta fácilmente la vecindad con la Iglesia-Panteón del palacio.

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Tiene planta alargada en forma de «U», con una superficie de 720 m² y una planta de 15 × 36 metros. Contiene semisótano, planta noble y desván, comunicados por dos escaleras de caracol, y con una torre cilíndrica en forma de alminar persa, revestida completamente de cerámica. En su construcción se emplearon diversos materiales, como la piedra, el ladrillo, el azulejo, el hierro y la teja, combinados en diferentes tonalidades, lo que otorga una gran riqueza cromática al conjunto

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En las vidrieras… «detalles musicales»

Las decoraciones de hierro forjado con claves de sol…las cenefas de girasoles aludiendo el pentagrama… las ventana musicales sin duda al arquitecto interpretó muy bien el pedido de su cliente.

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Sobre el camino principal hacia el Palacio Sobrellanos  y entre los árboles aparece La palmera, era el símbolo del «Indiano»…alta, fuerte, majestuosa y eterna.

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La torre tiene «aires» de «Minaterete surrealista»

El interior del Capricho»

Fue una construcción exprés. En solo dos años el proyecto Gaudí se realizó. Cascante Colom lo inició y terminó. Algunas partes quedaron pendientes…

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…como las 4 columnas de la entrada principal… orientadas hacia los cuatro puntos cardinales y las dos de atrás están sin terminar en la decoración de sus capiteles.

Se dice que Máximo Díaz de Quijano y Fernández de San Juan quería entrar inmediatamente a vivir porque regresó enfermo de cáncer cirroideo. Otros comentan… que la culpa pudo ser de la «vida licenciosa » que llevaba el «indiano» el asunto es que solo pudo disfrutar de su «precioso capricho” en Comillas 7 días antes de morir y cuentan …que lo heredó Benita, su hermana.

El panteón de Máximo Díaz de Quijano se encuentra en el magnífico cementerio de Comillas, obra de Domènech i Muntaner. En el año 1904 pasó al hijo de Benita, Santiago López y Díaz de Quijano, quien murió en Barcelona también soltero el 9 de diciembre de 1928. El Capricho pasó a familiares de Juan Antonio Güell y López, conde de Güell, marqués de Comillas y conde de Ruiseñada, hijo de Eusebi Güell i Bacigalupi. 

El edificio cayó en el abandono tras la Guerra Civil, estado en el que siguió, pese a su declaración como Bien de Interés Cultural en 1969.

En 1977, la última descendiente de los López-Díaz de Quijano, Pilar Güell Martos, vendió la propiedad al empresario Antonio Díaz por 16 millones de pesetas. Sus hijos, Antonio y Ernesto, se hicieron cargo del inmueble que fue inaugurado como restaurante con el nombre de «El Capricho de Gaudí» en 1988 tras obras de rehabilitación .

En 1992 fue comprado por el grupo japonés «Mido Development» por 800 millones de pesetas.​ Debido a la crisis económica, el restaurante se vio obligado a cerrar. Por último, el edificio se convirtió en museo y abrió sus puertas al público en julio de 2010.

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Como homenaje al autor de esta genial obra, en un banco en la fachada trasera, se encuentra su estatua en bronce construida por Marco Herreros en 1989.

«El Capricho» es fascinante… para descubrir detalles tras detalles en cada uno de sus rincones e ir de sorpresa en sorpresa, estando todo medido, pensado y calculado para el uso y disfrute de la casa… como debe ser.


La Capilla de san Luis…

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El Palacio de Versalles, desempeñó las funciones de  residencia real desde 1682 hasta 1789.

Ubicado en el municipio de Versalles, cerca de París, en la región Isla de Francia constituye uno de los complejos arquitectónicos monárquicos más importantes de Europa que en el 2018 rebasó los ocho millones de visitantes.

Versalles comprende tres palacios: Versalles, Gran Trianón y Pequeño Trianón, y otros edificios situados en la villa.

Si bien Luis XIII hizo edificar allí un pabellón de caza con un jardín, Luis XIV es su verdadero creador, ya que le dio su amplitud y determinó su destino.

La capilla

Inicialmente el arquitecto Charles Le Brun y su equipo añadieron al palacete de caza dos alas laterales que, al cerrarse, conformaron la plaza de armas. En una segunda etapa , se añaden las dos alas laterales para dar prioridad visual al jardín, realizado por André Le Nôtre. En la tercera y última etapa , realizada por Jules Hardouin-Mansart, se construyó la capilla real a doble altura y con acceso directo desde el exterior, estando la tribuna real situada en el piso principal.

1710

El plan de Luis XIV siempre fue convertir la capilla del castillo en «el lugar más magnífico de este suntuoso y brillante edificio». Expresión utilizada por la revista francesa Le Mercure galant durante la bendición del oratorio en 1682, cuando toda la corte se estaba trasladando a Versalles.

Cada mañana el rey acudía a ella con su familia para asistir a misa desde la tribuna real, situada en la primera planta. Los cortesanos se agolpaban en la planta baja y permanecían de pie, dirigiendo alternativamente sus miradas hacia el altar y hacia el Rey.

Su estilo es una combinación del barroco y el gusto clásico del interior, que los historiadores de la arquitectura han llamado «clasicismo Barroco» . La capilla no tiene fachada, siendo accesible desde las estancias internas del palacio. Tenía una suntuosa linterna destruida en 1765 por orden de Luis XV. Con 12 metros de altura, que daba al conjunto una belleza incomparable reforzaba la sensación de estiramiento y verticalidad del monumento.

Dedicada a San Luis IX de Francia, patrono de los Borbones y del propio rey, la capilla fue consagrada en 1710. Durante el siglo XVIII, la capilla acogió los principales acontecimientos de la familia real y la corte. El «Te Deum» se cantaba aquí solemnemente con motivo de las victorias militares y del nacimiento de los hijos de la familia real, se celebraban bodas como la del delfín Luis con la infanta María Teresa el 23 de febrero de 1745 o la del delfín – más tarde Luis XVI de Francia – María Antonieta. En la capilla también se llevaron a cabo todas las ceremonias bajo la Orden del Espíritu Santo.

La capilla fue desacralizada en el siglo XIX y desde entonces se ha utilizado para usos seculares y para eventos privados. Aquí se suelen celebrar conciertos musicales y esporádicamente se celebra misa en ocasiones muy importantes.

La primera capilla

La primera capilla del château data del tiempo de Luis XIII, y fue ubicada en un pabellón independiente en el lado noreste del château y siguió el modelo tradicional de Francia. Esta capilla fue destruida en 1665 durante la construcción de la Gruta de Tetis en el jardín, muy importante y necesaria ya que esta era «una cisterna» que alimentaba las fuentes del parque. 

Pasó al pequeño pabellón de la esquina noreste, luego se reubicó en 1672 en la actual sala de los guardias de la reina, antes de trasladarse, cuatro años más tarde, a la gran sala de los guardias del rey, actual sala de la coronación. Pero el Rey Sol ya preveía «la construcción de la capilla final que sería la verdadera coronación de su obra».

La segunda capilla

fue creada durante la segunda campaña de construcción 1669-1672, cuando Luis Le Vau construyó el  château neuf. Cuando la nueva parte del palacio fue terminada, la capilla fue situada en el grand appartement de la reine y formó el colgante simétrico con el salon de Diane en el grand appartement du roi, o gran apartamento del rey. Esta capilla fue usada por la familia real y la corte hasta 1678.

Tercera capilla

Localizada junto a la salle des gardes de la reine, esta capilla sirvió para las necesidades de la vida en Versalles por un corto período de tiempo. Poco después de su construcción, Luis XIV la encontró inconveniente y poco práctica para sus necesidades y las de la corte, y la instaló oficialmente en Versalles en 1682. Ese mismo año, el cuarto fue convertido en las grande salles des gardes de la reine

Cuarta Capilla

La construcción del aile du Nord requirió de la demolición de la Gruta de Tetis, sitio donde la nueva capilla fue creada en 1682. Cuando la cuarta capilla fue construida, el salón de la abundancia, que había servido como entrada del gabinete de medallas en el pequeño apartamento del rey, fue transformado en el vestíbulo de la capilla, llamado así ya que era del nivel superior de la capilla donde el rey y miembros seleccionados de la familia real escuchaban la misa diaria. Esta capilla permaneció en uso hasta 1710, y fue testigo de varios eventos importantes de la corte y la familia real durante el reinado de Luis XIV. Hoy en día el salón de Hércules y el vestíbulo inferior ocupan ese espacio.

La quinta última capilla

Como punto focal de Louis XIV, la quinta y última capilla del château de Versailles es una obra maestra sin reservas.

Su primer arquitecto, Jules Hardouin-Mansart, le presentó el plan definitivo de la futura capilla en 1699; este sustituyó a varios proyectos, el más antiguo de los cuales databa de 1679. Retrasado por la guerra de la Liga de Augsburgo, el trabajo finalmente pudo comenzar pero Mansart no vio el término de su obra, fue su cuñado, Robert de Cotte, quien completó la construcción.

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La construcción de la Capilla Real, requirió más de diez años de trabajo y costó lo suyo al tesoro real.

Fue la Capilla Real está basada en las capillas palatinas tradicionales de dos pisos como la muy famosa Santa capilla de París. Se dedicó a San Luis, el rey cruzado que también santo patrono del Rey Sol. Esta capilla es para Versalles lo que la Santa Capilla es para la Isla de la Cité, donde vivió Luis IX. Algunos autores han observado la relación arquitectónica entre los dos edificios.

Adornado con columnas del orden jónico. La piedra blanca empleada proviene de las canteras de Créteil no se utilizó mármol, salvo para el pavimento policromado y en los escalones que conducen al altar. destaca el monograma «L» Coronado alusivo a San Luis IX y Luis XIV.

Fue el único edificio que rompió la estricta horizontalidad del techo del Palacio, atrayendo algunas de las quejas, incluso por contemporáneos como el duque de Saint -Simon, quien la describió como un «enorme catafalco» y el filósofo Voltaire la describió como una «asombrosa jovialidad» en cambio el fotógrafo de arquitectura Robert Polidori, describió la capilla como el edificio más perfecto del Palacio de Versalles.

La magnificencia del interior fue universalmente reconocida como una obra de arte, e incluso tomada como modelo por Luigi Vanvitelli para su diseño de la capilla para el Palacio Real de Caserta.

El 5 de junio de 1710, el cardenal de Noailles, arzobispo de París, consagró los muros, en presencia de ochenta sacerdotes y de toda la corte.

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El marqués de Dangeau relata la procesión del copón, transportado desde el oratorio a su nueva morada, «fue seguida por el duque y la duquesa de Borgoña, los duques de Bretaña y Chartres, el conde de Charolais. El rey mismo examinó la capilla de arriba a abajo desde el 22 de mayo, y probó la acústica haciendo cantar un motete en el lugar para este propósito».

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Las decoraciones pictóricas y escultóricas representan temas del antiguo y Nuevo Testamento.

Los mejores representantes de entonces Nicolas y Guillaume Coustou flia de escultores que realizaron esta obra para el vestíbulo» Luis XIV cruzando el Rin» Los pintores aplicaron directamente la pintura al óleo sobre el enlucido fresco, tras haber dibujado numerosos esbozos preparatorios.

Ocho puertas y ventanas coronadas por arcadas en las que están esculpidas las figuras de las «Virtudes«, realizadas por los escultores: Poirier, La Pierre, Guillaume Coustou y Poulletie.

Sobre el ala Norte y al lado del Salón de Hércules, unos nichos situados entre las puertas contienen la estatua de la Gloria sosteniendo un medallón de Luis XV, realizada por Vassé, y la estatua de la Magnanimidad, realizada por Bousseau

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El programa iconográfico escultórico también ocupa un lugar preponderante en el decorado de la capilla. El techo de la nave es un fresco de Dios Padre en la gloria que trae al mundo la promesa de la redención, obra de Antoine Coypel, la media cúpula del ábside está decorado con la Resurrección de Cristo por Charles De La Fosse y por encima de la tribuna real-la pintura es el descenso del Espíritu Santo sobre la Virgen y los apóstoles y Jean Jouvenet.

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El altar mayor-

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En el «banco» del altar… la Piedad de bronce dorado de Corneille Van Cleve 1645-1732,que consiguió milagrosamente, escapar a la devastación Revolucionaria. ! discretamente Bellísimo!!

El órgano de la quinta capilla de Versalles fue construido por Robert Clicquot y Julien Tribuot en 1709-1710. Su primera presentación oficial tomó lugar en Pentecost, 8 de junio de 1710, ese mismo año, inaugurado por el entonces organista real Jean-Baptiste Buterne.

Sobrevivió a la Revolución Francesa, primero fue reemplazado por un órgano construido por Aristide écada 30′ del siglo XXCavaillé-Coll, luego luego por uno de Víctor González en la década del ’30 del siglo XX.

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Entre 1990 y 1995, el órgano fue reconstruido por Jean-Loup Boisseau y Bertrand Cattiaux fiel al original, el de Robert Clicquot y Julien Tribuot En el trabajo de órgano de hoy, se reutilizó alrededor del dos por ciento del material histórico del primer órgano Clicquot reutilizando todo lo que se pudo del antiguo barroco de madera y las cañas del registro Plein jeu IV, mientras que las otras varillas y los arrieros siguen siendo una parte integral del órgano de Cavaillé – Coll, ahora en la Iglesia de Saint – Martin en Rennes.

Una restauración

Para el 300 aniversario de la consagración de la Capilla se dispuso una restauración que terminó recientemente en el 2021según algunos informes…

“Hay unas 300.000 hojas de pan de oro concentradas, colocadas en el techo”, dijo Stephane Masi, director del proyecto de las obras de restauración.

“Es hermoso porque habíamos perdido esa decoración durante más de dos siglos, o incluso tres siglos”, dijo. “Ahora vemos de nuevo lo que (el rey) Luis XIV estaba viendo en ese momento, su techo dorado”.

No solo se ha renovado completamente el techo con sus incrustaciones con hoja de oro, sino que el proyecto liderado por Frédéric Didier, arquitecto jefe de monumentos históricos, se extendió a los vitrales con sus marcos de metal también redorados, a la limpieza y reparación de la estructura, y nuevamente a toda la decoración tallada.

Se renovaron las veintiocho estatuas de la balaustrada exterior, todas realizadas en piedra de Tonnerre que representan a los apóstoles, evangelistas, profetas, padres de la Iglesia y las virtudes cristianas, así como los relieves, frisos, cartelas y molduras que decoran las paredes de la capilla…

La administración del palacio está ansiosa por abrir las puertas de Versalles al público, que han estado cerradas debido a la pandemia de coronavirus y se preparan para «aflojar las restricciones sobre los lugares culturales» a partir del mes de mayo 2022.

El «aduanero»

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Henri Julien Félix Rousseau –

Nació en Laval región de Los países del Loira 1844 – París 1910 llamado «El aduanero Rousseau» por su trabajo en los servicios de aduanas en París, fue un  pintor francés, y uno de los máximos representantes del «arte naíf». Ridiculizado por la crítica en su época, fue reconocido por su talento autodidacta y calidad artística, ejerciendo gran influencia en varios artistas de vanguardia.

Si vamos al caso…tampoco tuvo el oficio de aduanero, ese apodo se debe a Alfred Jarry y procede de su empleo como recaudador en una oficina de arbitrios de París. Fue al jubilarse, en 1885, cuando optó por dedicarse plenamente a la pintura.

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Pese a carecer de formación artística, desde sus inicios, bastante tardíos, manifestó una gran destreza tanto en la estructuración de sus composiciones como en el empleo del color, expuso por primera vez en el Salón de los Independientes en 1886, se ganó la admiración de figuras de la pintura contemporánea como Seurat o Gauguin. También lo alabaron Kandinsky, Picasso, Signac y Delaunay. Estos dos últimos formaron parte del reducido grupo de solo siete personas que acudió a su entierro.

Por la exuberancia de sus escenas, muchas ambientadas en selvas o en parajes naturales, se cree que estuvieron inspiradas en las descripciones de la naturaleza mexicana que le hicieron soldados que regresaron tras la campaña francesa en apoyo del emperador Maximiliano. Es muy factible que sea así dado que él no salió fuera de Francia.

Lo interesante y único caso, es que participó constantemente en el difícil «Salón de los Independientes» que tanto criticaban todos por sus exigencias, desde 1886 y hasta su muerte en 1910.

Admiraba el formalismo de la pintura academicista, pero su propia obra se caracteriza ante todo por la ingenuidad, el calor humano y la percepción poética. Coleccionaba imágenes impresas que luego usaba como referentes para sus pinturas, llegó a dominar la difícil técnica del óleo.

En sus comienzos Rousseau pintó escenas parisinas y retratos, y entrando ya en la década de 1890 comenzó a poner énfasis en su estilo personal por el que hoy es más conocido, realizando obras muy originales, maduras como también llenas de fantasía: escenas tropicales en las que mostraba figuras humanas acompañadas de bestias salvajes inspiradas en animales de zoológico o en álbumes infantiles, como el reconoció.

En 1893 Rousseau, aunque ignorado o ridiculizado por los críticos, se dedico plenamente a la pintura. Vivió de una pequeña pensión y de los retratos que pintaba a sus vecinos, y fundó una pequeña escuela donde enseñaba arte y música. Formalmente carecía de instrucción artística,

Su producción coincidió con el apogeo de los «Impresionistas», el surgimiento del «fauvismo» y las primeras experimentaciones «cubistas», pero su obra, como se puede apreciar no puede catalogarse en ninguna de esas corrientes. Eso también explique «el porque» de las enormes y fuertes críticas que recibió… de «bruto», «Ignorante», entre las más frecuentes y suaves.

«La gitana dormida» 1897, cuyo paisaje desolado, irreal, interrumpido sólo por las figuras de una joven yacente y un león situado junto a ella, fue una de las primeras muestras de su capacidad para crear mundos de un onírico lirismo. Dalí, tomó mucho de él…

 La obra mide 204,5 x 298,5 cm. Presenta un retrato casi surrealista de Yadwigha, la joven polaca que vivió un romance con Rousseau, desnuda sobre un sofá a la izquierda del cuadro, mirando por encima de un paisaje de follaje selvático exuberante, incluyendo flores de loto, y animales, incluidos aves, monos, un elefante, un león y una leona y una serpiente. Las formas estilizadas de las plantas de la selva se basan en observaciones de Rousseau en el Museo de Historia Natural de París y su Jardín des Plantes. El brazo izquierdo del desnudo señala a los leones y un negro encantador de serpientes que se enfrenta el espectador tocando su flauta, apenas visible en la oscuridad de la selva bajo la tenue luz de la luna llena. Una serpiente de vientre rosado se desliza a través de la maleza, su forma sinuosa refleja las curvas de la cadera de la mujer y su pierna.

Rousseau realizó desde 1905 una serie de obras con extraordinarias escenas selváticas «El león hambriento», «La encantadora de serpientes», «El sueño de Yadivigha» cuya apelación a un perdido paraíso natural influyó no sólo en el «Arte naif», sino en numerosas corrientes imaginativas de la pintura posterior.

El sueño de Yadivigha o simplemente El sueño

“El sueño ” o «La Rêve:» es una pintura sensacional que reúne en si misma toda la magia y fantasía del arte del Aduanero Rousseau, pintor descrito como naif, primitivista, salvaje se exhibió por primera vez en la Salon des Indépendants entre el 18 marzo al 1 de mayo de 1910, pocos meses antes de su muerte el 2 de septiembre de 1910, una de las últimas obras del artista.

Si bien fue admirada por muchos artistas modernos incluyendo Henri Matisse, Pablo Picasso  y Wassily Kandinsky y en recibir elogios de la crítica,  no impidió que su autor muriera en la pobreza y que lo enterraran en la tumba de un pobre.MUS-FAPC2020_500

«Retrato de mujer» es la obra que compró Picasso por 5 francos…

«Artista inclasificable»

Quizás  fue el más personal y desinhibido de todos los artistas surgidos inmediatamente después del ocaso del impresionismo. El explicaría su obra con este sugerente discurso: “La mujer en el sofá sueña que ha sido trasladada a este bosque y escucha el sonido de la encantadora de serpientes…”

Las fuentes de sus obras exóticas son complejas… sentía gran admiración  por “Las flores del mal” la famosa obra de Baudelaire, las poesías de su amigo Apollinaire, este lo apreciaba por su extraordinario «talante» entre ingenuo y orgulloso y una total fascinación por la naturaleza salvaje tan típica de los artistas bohemios de finales del siglo XIX.

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Rousseau pudo haber tomado algo de inspiración de la novela de Émile Zola Le Rêve, que trata sobre el amor entre un pintor y una bordadora. Mientras Rousseau pintaba esta obra, mantenía una relación sentimental con Leonie una muchacha que atendía una tienda.

Ante la sospecha de que algunos espectadores no entenderían la pintura, Rousseau escribió un poema para acompañarla titulado:

«Inscription pour la Rêve»

Yadwigha en un hermoso sueño
Se ha dormido suavemente
Oye el sonido de un piccolo oboe
Interpretado por un bien intencionado encantador [de serpientes].
Mientras la luna se reflejaba
En los ríos [o las flores], los árboles verdes,
Las serpientes salvajes escuchan
Las alegres melodías del instrumento.


El marchante de arte francés Ambroise Vollard compró la pintura de Rousseau, en febrero de 1910. Luego fue vendida a través de las galerías Knoedler de Nueva York al fabricante de ropa y coleccionista de arte Sidney Janis en enero de 1934. Janis vendió el cuadro a Nelson A. Rockefeller en 1954, quien la donó a la Museo de Arte Moderno de Nueva York para celebrar el 25 aniversario del Museo.

Se encuentra actualmente expuesta en el MoMA.

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En Venecia…siempre algo más!!!

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La fantástica ciudad tiene muchas historia para contar y sin duda todas interesantes porque viven de sus tradiciones milenarias. Es así como su Carnaval, super famoso, donde todos se disfrazan con máscaras y vestimentas del siglo XVII al XVIII y que dura cerca de un mes.

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Fiesta de San Marcos – 25 de abril – santo patrón de la ciudad. celebrada con una gran regata de góndolas que va desde Sant´Elena hasta Punta Della Dogano.

También la Bienal de Venecia – mediados de mayo hasta octubre, es una muestra internacional de arte en la que se exponen obras de todo el mundo, de diversas disciplinas.

Fiesta del Redentore, del tercer domingo de julio… Venecia celebra el final de la peste del año 1576. Cuando la peste terminó, se construyó la Iglesia de IL Redentore en Guidecca. Se realiza un enorme puente de barcos desde la orilla de Venecia hasta la iglesia, donde tiene lugar un espectáculo de fuegos artificiales.

Festival internacional de Cine de Venecia, en septiembre se realiza en la isla del Lido desde 1932, con la presencia de directores y artistas de todas partes del mundo. La Regata Storica 1º  domingo de septiembre compiten gondoleros y remeros de Venecia, Amalfi, Génova y Pisa las antiguas repúblicas que dominaban el mar Mediterráneo. En las góndolas decoradas, se embarcan personas en traje de época, y el desfile a lo largo del Gran Canal recuerda el regreso de Catarina Cornaro a Venecia cediendo Chipre a la República Veneciana, en 1496. Luego del desfile se realiza la competición.

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La Maratón de Venecia  4º domingo de octubre, un recorrido de 42 kilómetros entre Stra, cerca de Padua hasta el centro de la ciudad donde los corredores atraviesan 14 puentes, uno de ellos flotante.

La Fiesta della Salute -21 de noviembre Se celebra el fin de la peste de 1630. Un puente de barcas atraviesa el Gran Canal hasta la Iglesia de la Salute, donde se hacen ofrendas a la Virgen. La iglesia fue construida precisamente para agradecer a la Virgen por liberar a Venecia de la peste.

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Pero La Sensa  1er Domingo después de de Ascensión – Es la ceremonia del “casamiento”  de Venecia y el mar.  Esta fiesta se originó en épocas del Dux Ziani. El Dux viajaba en barca hasta la boca del puerto de San Nicoló, donde arrojaba un anillo al mar. La fiesta duraba 15 días. En la actualidad es el alcalde de la ciudad quien reproduce el viaje y arroja el anillo.

Después Vogalonga, se celebra el primer Domingo después de la Sensa – Esta fiesta que nació en 1974, a instancias de la familia Rosa Salvas, que decidió unir en una gran carrera no competitiva a remeros expertos y ciudadanos a los que simplemente les gustara remar. El recorrido va desde San Marco hasta la isla de Burano. Cada año participan miles de remeros, de todas partes del mundo, con cualquier tipo de embarcación.  Esta fiesta ayudó a recuperar la construcción y restauración artesanal de barcos como oficio.

De la fiesta de la Senza o  Sposalizio del Mare, hay mucha y muy bella información… los siglos de soberanía marítima de la República, la hizo muy respetada por las comunidades de la Cuenca del Mediterráneo y admirada por diversos pueblos por el espíritu de sus habitantes siempre al frente…siempre pioneros…siempre adelante…

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Canaletto -Giovanni Antonio Canal-

El paisajista veneciano más reconocido de su tiempo. Esta pintura realizada entre 1729 y 1732 representa el «regreso del Bucintoro en el Día de la Ascensión». Este barco , era una preciosa «Galera» que salía a mar abierto una vez al año para una ceremonia que toda la ciudad acompañaba con verdadera devoción. Se festejaban la victoria de Venecia contra los piratas dálmatas en el año 998.

En recuerdo de aquel histórico acontecimiento, la República Veneciana se vestía de gala para celebrar su enlace con el mar Adriático. Como símbolo de la unión, el Dux, a bordo de su embarcación oficial, llamada «Bucintoro», navegaba desde la laguna hasta mar abierto. El máximo dignatario, ataviado con manto púrpura, piel de armiño, espada ceremonial y demás atributos, arrojaba su anillo de oro a las aguas mientras declamaba en latín: «Desposamus te, mare, in signum veriperpetuique domini» –Te desposamos, mar, como signo de dominación perpetua. Mientras una multitud de personas y embarcaciones reciben el regreso de la galera al muelle. Hermosa vista de la ciudad, con el Palacio Ducal, el «campanile»y la basílica de San Marcos que es el patrono de la ciudad.

Aquello que Canaletto comenzó con gran maestría en el siglo XVIII lo continuó Guardi … Este pinta La partida de la gloriosa nave.

Francesco Guardi-1712-1793

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La gran galera ceremonial que utilizaba el Dux de Venecia para celebrar aquella fiesta anual, conocida como Sposalizio del Mare, la unión simbólica de la República Serenísima con el mar, su pulmón, su fuente de riqueza, su razón de ser por entonces tenía un protagonista absoluto «el Bucintoro«.

La oficialización dela fiesta a cargo del dux Sebastiano Ziani y confirmada en el 1176 por el papa Alejandro III. El caso es que el Dux abordaba al Bucintoro y se sentaba en el trono que había a popa, escoltado por el legado pontificio y el embajador de Francia. Los miembros del Senado también se acomodaban en los 90 asientos reservados para ellos. A la orden del Almirante de Venecia, se soltaban amarras y 168 remeros, 4 por cada uno de los 42 remos…y empezaba el desfile.

La Bellísima nave se deslizaba esplendorosa por el Gran Canal exhibiendo su espectacular decoración. A lo largo de sus 35 metros de eslora por 7 de manga se superponían: una cubierta inferior, en la que se alojaban los remeros, y una superior, la reservada a las autoridades y dignatarios, que dejaba boquiabierta a la gente: una sala badalquinada forrada de terciopelo rojo -violeta o púrpura en la zona dedicada al Dux como signo de status superior. Llevaba el escudo veneciano tallado y 48 vanos sostenidos por cariátides. La proa decorada por un conjunto escultórico en el que se alternaban sirenas, tritones, ángeles y delante, el león alado veneciano el símbolo de san Marcos. Todo revestido de brillante pan de oro. !!La maravilla absoluta!!

Algunos afamados pintores visitaron la ciudad y nos dejaron sus estupendas impresiones.

Joseph Mallord William Turner
El pintor inglés, la visitó en varias oportunidades. Los suaves reflejos de los edificios y los barcos en la laguna veneciana muestran sus habilidades como pintor marino … Muy diferente a los impresionistas y a todos…pero exquisito!!

Édouard Manet
Manet pintó este gondolero cuando visitó Venecia en 1875 nos dejó su obra de arte impresionista…casualmente a él se le atribuye ser «Padre del impresionismo»

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Renoir

El pintor francés en 1888, pintó una vívida imagen del Palacio Ducal incluye la bandera italiana en el centro de la pintura… cada color tiene un significado que representa al país: el verde, de los campos y la esperanza de un país unido y libre, el blanco que representa la nieve de los Alpes y el rojo que simboliza los múltiples volcanes de Italia. ¡Crea un contraste sorprendente en la obra!

Claude Monet

Fiel a su puro estilo Impresionista de siempre… también la visitó varias veces en su larga vida.

Pablo Signac
Como neoimpresionista o puntillista, pintó el Gran Canal de Venecia al estilo del puntillismo en 1905. ¡La luz del sol de la tarde parece brillar a través de los puntos individuales! En el fondo: de Santa María de la Salutte.

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Franz Richard Unterberger

Pintor paisajista austríaco 1838-1902 también pintó la bella ciudad. Sus pinturas más famosas son de Venecia le encantaba pintar esa neblina romántica y soñadora. Pintó esta imagen desde  «Schiavoni», un paseo muy popular en la Venecia de1864…

 

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Retrato innovador…

Es el «Triple retrato» o «Retrato en tres posiciones» de Carlos I-Rey de Inglaterra e Irlanda desde el 27 de marzo de 1625 – 30 de enero de 1649 realizado por Anton Van Dick en 1635- óleo de 88,4 x 99,4 cm. si se quiere… pequeño … pero !!!Grandioso!!!

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No es este el retrato habitual de un monarca. Normalmente se muestra al retratado: armado o a caballo, en decir: en notable posición de poder.

El rey, Carlos I de Inglaterra 1600–1649, manda a Van Dick ejecutar esta pintura para enviársela a Italia al famosísimo escultor Gian Lorenzo Bernini, para que este realizara su retrato en mármol, a partir de este cuadro.

Anton Van Dyck nació en Amberes, el 22 de marzo de 1599 y murió en Londres, el 9 de diciembre de 1641.

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El pintor, puso todo su empeño en esta obra considerada nada menos que la mejor de su carrera.

Pintó al rey en tres posturas diferentes: de frente, perfil derecho y tres cuartos del perfil izquierdo.

La vestimenta también es diferente en cada una de ellas cambiando hasta las texturas y los brocados del cuello. Lo único que aparece en los tres casos es el lazo azul de la Orden de la Jarretera. Esta es la orden de caballería más importante y antigua del Reino Unido, fundada en 1348 por el rey Eduardo III, inspirada por la leyenda de los caballeros de la mesa redonda. Es considerada el pináculo en el sistema de honores británico.

 Van Dyck era entonces el pintor más destacado después de Rubens, con quien no rivalizó para nada porque ambos artistas se movieron en campos distintos: mientras el último se centró sobre todo en la pintura religiosa y mitológica, Van Dyck se especializó en el retrato y es precisamente por sus retratos que se le recuerda a pesar de ser autor de otro tipo de obras.

Vivió en Italia donde tomó buena parte de su estilo, el manejo del claroscuro, siendo también admiradas sus obras por las representaciones de las telas y el colorido tan envidiado de los venecianos. Regresó en 1628 a su ciudad natal y cuatro años más tarde se trasladó a Londres, allí se dedicó casi exclusivamente a producir retratos, cuya demanda le obligó a dirigir un importante taller, localizado en Blackfriars, en las afueras de Londres donde permaneció hasta su muerte con el cargo de pintor de Carlos I. Más de cuatrocientos retratos de la monarquía y la aristocracia londinense dan pruebas de aquellos años.

Murió el 9 de diciembre de 1641, fue sepultado con todos los honores en la Catedral vieja de San Pablo.

Su influencia en el arte

El pintor consiguió que una imagen con un propósito meramente utilitario se convirtiera en uno de sus retratos más conocidos.

Es notable la influencia que Van Dick tuvo de la obra «Triple retrato de un orfebre,» de Lorenzo Lotto, el pintor renacentista que hizo por 1530- óleo sobre lienzo hoy en Kunsthistorisches Museum. Esta obra podría ser un retrato de Bartolomeo, Antonio o Vettore Carpan, tres hermanos orfebres conocidos por el pintor, y los tres rostros representados ”Tre visi”… en italiano y esto haría referencia a «Treviso » ciudad natal de Lotto.

Otra suposición el famoso “paragone”: en el Renacimiento, era habitual que los artistas se enredasen en larguísimas discusiones filosóficas que comparaban la pintura y la escultura, tratando de dilucidar cuál de las dos disciplinas era más noble o perfecta. Quizás Lorenzo Lotto quiso aportar su granito de arena a esta discusión y demostrar que la pintura también podía representar una figura tridimensional, vista desde diferentes ángulos, de forma fidedigna, anticipándose unos cuantos siglos a los pintores cubistas.

El mismo, Van Dick influenció para un retrato similar del cardenal Richelieu ejecutado por Philippe de Champaigne de 1642, hoy en National Gallery El usto de Bernini

El papa Urbano VIII se encargó de enviar la escultura terminada a la reina, Enriqueta María, con la esperanza de suavizar las relaciones entre Inglaterra y el mundo católico.

La obra de Bernini gustó mucho en la corte inglesa, no solo por la exquisitez del trabajo, sino también por el parecido que guardaba con el Rey. El rey Inglés recompensó a Bernini con joyería de más de 4.000 escudos romanos…cifra más de 60 veces el salario promedio anual de un trabajador en Roma.

Aunque se conserva alguna copia, por desgracia el busto original se perdió en un incendio en el Palacio de Whitehall en 1698.

El triple retrato, por su parte, permaneció en manos de Bernini y sus herederos hasta principios del siglo XIX cuando volvió a Inglaterra al ser requerido por la Familia Real.

Desde entonces, Carlos I en su retrato innovador cuelga de los muros del Castillo de Windsor.

El Cristo del Santo Spirito

Existe una sencilla y bella escultura de madera policromada que se atribuye a Miguel Ángel Buonarroti posiblemente terminada en 1492 que los estudiosos habían perdido absolutamente de vista y que reapareció 1962.

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Volvieron las investigaciones en el 2001 para confirmar la atribución de la obra a Miguel Ángel. Quizás fue hecho para el altar mayor de la Iglesia de Santa María del Santo Spirito en Florencia-Italia.

Michelangelo Buonarroti (1475–1564)

En madera policromada, presentó el cuerpo de Cristo inusualmente desnudo, prescindiendo del «paño de pureza» y siendo así aún más realista, como solían ser ejecutados los condenados a la cruz.

La obra

La realiza según el evangelista san Juan pero con algunas alteraciones, el cuerpo de un adolescente, sin resaltar la musculatura, pero el rostro barbado de un adulto. Sin la «corona de espinas» que narra san Juan 19, 2-5

«Los soldados tejieron una corona de espinas y se la pusieron sobre la cabeza. Lo revistieron con un manto rojo, y acercándose, le decían: «¡Salud, rey de los judíos!», y lo abofeteaban. Pilato volvió a salir y les dijo: «Miren, lo traigo afuera para que sepan que no encuentro en él ningún motivo de condena». Jesús salió, llevando la corona de espinas y el manto rojo. Pilato les dijo: «¡Aquí tienen al hombre!».

La policromía, realizada con colores muy tenues y unos leves hilos de sangre resbalan de la herida del costado en armonía con la simplicidad de la talla de la escultura. Se dio por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación en el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una espesa capa de pintura que lo hacía casi irreconocible.

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Buonarroti fue huésped del convento de Santa Maria del Santo Spirito -Florencia-Italia cuando tenía diecisiete años, tras la muerte de su protector Lorenzo de Medici «el Magnífico» . Aquí pudo realizar estudios anatómicos de los cadáveres procedentes del hospital del convento; a cambio, se dice que esculpió el crucifijo de madera que se colocó sobre el altar mayor. Hoy el crucifijo se encuentra en la sacristía octogonal del templo obra del arquitecto Giuliano da Sangallo el 3 de diciembre de 1489 y completada por Simone del Pollaiolo en 1492 la misma fecha de esta obra.

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El número de clavos muy debatido.

Las primeras representaciones de la crucifixión muestran solo dos clavos, utilizados en las palmas de las manos. Más tarde, Cristo aparece crucificado con tres clavos, uno para los dos pies en diversas manifestaciones artísticas.

Según la tradición iconográfica cristiana más reciente, el número de clavos ha aumentado a cuatro, dos para las manos y dos para los pies.

El evangelista san Juan no dice nada sobre los clavos

San Juan 19,16-18

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«Entonces Pilato se lo entregó para que lo crucifiquen, y ellos se lo llevaron. Jesús, cargando sobre sí la cruz, salió de la ciudad para dirigirse al lugar llamado «del Cráneo», en hebreo «Gólgota». Allí lo crucificaron; y con él a otros dos, uno a cada lado y Jesús en el medio».
El letrero de la cruz Juan 19,19-22

«Pilato redactó una inscripción que decía: «Jesús el Nazareno, rey de los judíos», y la hizo poner sobre la cruz. Muchos judíos leyeron esta inscripción, porque el lugar donde Jesús fue crucificado quedaba cerca de la ciudad y la inscripción estaba en hebreo, latín y griego. Los sumos sacerdotes de los judíos dijeron a Pilato: «No escribas: «El rey de los judíos». sino: «Este ha dicho: Yo soy el rey de los judíos»». Pilato respondió: «Lo escrito, escrito está» «.

Aquí el artista favoreció la interpretación del Evangelio de Juan 19,19 .

La desnudez de la figura es fiel a los Evangelios.

La ropa de Cristo que fue quitada por los soldados romanos… como cumplimiento del Salmo 22,18 «Partieron entre ellos mis vestidos, y echaron suertes sobre mi vestidura».

Todos los escritores de los Evangelios sugieren la desnudez, mientras que el evangelista san Juan 19, 23-24 proporciona más detalles.

«Después que los soldados crucificaron a Jesús, tomaron sus vestiduras y las dividieron en cuatro partes, una para cada uno. Tomaron también la túnica, y como no tenía costura, porque estaba hecha de una sola pieza de arriba abajo, se dijeron entre sí: «No la rompamos. Vamos a sortearla, para ver a quién le toca.» Así se cumplió la Escritura que dice: Se repartieron mis vestiduras y sortearon mi túnica. Esto fue lo que hicieron los soldados».

La herida del costado

También está presente la herida de lanza infligida en el costado de Jesús por un soldado romano. Su sangre se ve aquí goteando de la herida en su lado derecho.

Esto demuestra el conocimiento que los romanos tenían sobre las técnicas de martirio… quizás fuera la peor muerte que se le podía dar a una persona.

Pero, relacionado con «la lanzada«, hay otro tema que hubo controversia igual que el número de clavos: fueron tres o cuatro… sobre todo teológica y artísticamente.

«El costado donde se produjo la herida»: derecho o izquierdo. Siempre está representada la lanzada en el costado derecho pero esto tampoco está acorde con una explicación técnica.

Los soldados romanos, cuando iban al combate, iban protegidos en su parte izquierda con un escudo grande, que tenía la función de proteger el lado del corazón. Por ello, eran entrenados para provocar una herida mortal en la parte izquierda de su adversario. Cuando el soldado se encuentra frente a Cristo, si éste era diestro… lo más normal, tendría su escudo en el brazo izquierdo y la lanza en la derecha, lo lógico es que le clavara la lanza en el lado izquierdo, por la posición que ocupa y por lo aprendido durante los entrenamientos.

Tradicionalmente: “diestro” tiene connotaciones positivas mientras que “siniestro” lo opuesto, negativas. Los términos diestro y siniestro tuvieron un papel importante a lo largo de la historia en la representación iconográfica y más aún en este momento de la Pasión de Cristo.

Se pudo producir el cambio, teológicamente hablando debido a un canto de la época pascual:

“Vidi aquam egredientem de templo a latera dextro, alleluia, et omnes ad quos pervenit aqua ista salvi facti sunt et dicent: alleluia, alleluia” Vi agua fluyendo del lado derecho del templo, aleluya, y todos aquellos a quienes llegaba el agua eran salvados y dirán, aleluya, aleluya».

Una paráfrasis de Ezequiel 47,1. «El templo», es el propio Cristo.

En el siglo XXI, aún se criticará a aquellos artistas que decidieron situar «la lanzada» en el lado izquierdo o poner más o menos clavos…con corona o sin ella… desnudo o vestido, con cartel o sin él… sea como sea y por el autor que sea es Cristo crucificado que sigue entre nosotros…

Zurbarán…Jacob y sus hijos

JACOB

Como se usaba por entonces, Zurbarán, el excelente pintor español, realizó una serie de cuadros pintando a Jacob y sus doce vástagos. Las llamadas «Series»… varios cuadros de idénticas proporciones como fueron los 12 apóstoles o «Apostolados» realizados por «El greco»…o bien las «Santas» que el mismo Zurbarán realizara. Esta era una serie de hermosas jóvenes lujosamente ataviadas de la sociedad sevillana retratadas con los atributos de santas mártires de la Iglesia. Trece óleos de grandes proporciones-197×101 centímetros cada uno.

No se sabe muy bien cuál era el destino de esta colección conocida como «Las doce tribus de Israel», pintada en torno a 1640 en Sevilla por el artista español, bien pudo ser un encargo de una orden religiosa o de rico mercader judío.

Los hijos de Jacob, cada uno de ellos con el atributo que lo identifica según el Antiguo Testamento.

Jacob y sus esposas:

Hijos de Lía: Rubén, el primogénito, Simeón, Leví, Judá, Isacar y Zabulón.

Con Raquel: José y Benjamín, este el duodécimo hijo, no fue obra de Zurbarán sino de Arthur Pond, un artista, copista y crítico de arte del siglo XVIII. El original se vendió al duque de Ancarta y se preserva en el castillo Grimsthorpe, en Lincolnshire, a unas dos horas de Bishop Auckland, el pueblo que da nombre a la histórica residencia de los obispos de Durham.

de su criada Bilá: Dan y Neftalí.

Y con Zilfá, la criada de Lía. Gad y Aser.

Una Suposición…

Entre 1640 y 1645, los galeones llegaban desde América cargados de oro y zarpaban con las bodegas llenas de productos españoles, entre otras cosas, obras de arte.

Zurbarán empezó a producir pinturas religiosas para el mercado americano. Ya en 1638 reclamaba el pago de una suma que le debían a Lima- Perú. Un siglo después, la colección reaparece en un barco español apresado por piratas ingleses.

Actualmente..

Las tribus de Israel en Auckland, condado de DurhamInglaterra.

No extraña para nada que las tres series conservadas mantengan las características compositivas más notables de Zurbarán: la presentación de figuras imponentes capaces de reproducir el efecto de la imaginería procesional.

Magnífico tratamiento de la pintura en los tejidos y del color, ya lo había demostrado en otras oportunidades !Un especialista en «tejidos» exquisitos y «Telas» ricamente labradas! Herencia de sus ancestros dedicados al comercio textil.

Dominio en el efecto de la tridimensionalidad como consecuencia de su manejo del claroscuro.

Folclorismo apreciable en los rostros quizás con intención deliberada de estimular la fe y la devoción de los creyentes a partir de la presentación de los patriarcas del Antiguo Testamento según las tendencias estéticas del momento.

Los distintos personajes se identifican por los atributos que les caracterizan a cada uno de ellos, entresacados del pasaje bíblico que recoge las palabras que Jacob les dedicó:

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Ruben «mi primogénito eres tu mi vigor y las primicias de mi virilidad…», su símbolo es la columna.

Judá «…cachorro de León es Judá… no se irá de Judá el báculo, el bastón de mando…», sus símbolos son el león y el cetro.
Dan «…juzgará a su pueblo… sea Dan una serpiente junto al camino…», su símbolo es la serpiente.

Simeón «…hermanos que llevaron al colmo la violencia con intrigas…», el símbolo de Simeón es la espada.

Leví-El de Leví el Turíbulo.

Neftalí «… es una cierva suelta que da cervatillos hermosos…», su símbolo es el ciervo.

Gad «…atracadores le atracan, pero él ataca su retaguardia…», su símbolo es su indumentaria militar.

Aser «…tiene pingue pan, y da manjares de rey…», su símbolo es la cesta de pan.

Isacar «…es un borrico corpulento…», su símbolo es el asno y el saco cargado a sus espaldas.

Zabulón «…habita en la ribera del mar y es tripulante de barcos…» su símbolo es el ancla…».

José «…un retoño es José, retoño junto a la fuente… por él Dios tu padre, pues él te ayudará…!
sean para la cabeza de José, y para la frente del consagrado entre sus hermanos…»,
su símbolo es él cetro.

Benjamín «lobo rapaz, de mañana devora su presa, y a la tarde reparte el despojo…»; su símbolo es el lobo.

Jacob lo pinta Zurbarán como un anciano encorvado de larga barba blanca.
Según señala Paul Guinard, Zurbarán se inspiró para este ciclo en los grabados flamencos, indicando como fuentes los «Sacrarum Antiquitatum Monumenta», editados por Plantin- Amberes- 1577, con grabados de Luis Hillemess de Anderilach, y los bustos de los hijos de Jacob de Karel Van Mander y Jacques Gayn y la serie de personajes de pie en el campo de Crispín Van der Broek, grabados por Pieter Jode.

Por largos caminos…

Un ambicioso plan que se concreta.

Convertir el Castillo en un centro turístico-cultural especializado en arte religioso y pintura del Siglo de Oro español un centro de la Historia del Arte Español y la cultura española en el Reino Unido.

Los icónicos retratos de Jacob y sus hijos decoran desde 1756 el comedor del Castillo de Auckland principal sede del anglicanismo en el noreste de Inglaterra, propiedad de la diócesis de Durham.

Durante más de 800 años fue residencia oficial del obispo de Durham desde 1832 hasta julio de 2012 con un parque de 3.2 km² antiguamente era utilizado por los obispos para actividades cinegéticas, con sucesivas remodelaciones en su estilo gótico georgiano de finales del Siglo XVIII. Los lienzos fueron adquiridos por el obispo Trevor allá por 1756 por 125 libras a un rico comerciante judío llamado James Méndez.

La colección formada por 13 piezas de idénticas medidas. El duodécimo hijo, Benjamín, no es obra de Zurbarán sino una copia de Arthur Pond, un artista, copista y crítico de arte del siglo XVIII.

Según Rowena Hackwood, directora de la Fundación: “Sus invitados tenían que sentarse bajo la fulminante mirada de los patriarcas de Israel. Fue un acto de protesta” el obispo Trevor se rebeló contra el gobierno y los parlamentarios que acababan de repeler una recién aprobada ley de emancipación de judíos residentes en Inglaterra. “Estaba furioso. Colocó los retratos en su comedor para criticar la falta de tolerancia. Son símbolo de quienes están dispuestos a defender los derechos de las minorías”, celebra Hackwood.

Las pinturas escaparon por la década del 2000 del mercado de subastas gracias a la intervención del financiero y filántropo Jonathan Ruffer, quien invirtió cerca de 18 millones de euros en el rescate.

«Los Hijos» ya viajaron a visitar «la tierra prometida» a una exposición en Jerusalén y también a otras latitudes, tienen convenio con el Museo del Prado de Madrid… y se le siguen sumando instituciones prestigiosas.

Finalmente…

Quedó inaugurado el Museo del Castillo de Auckland donde asistieron el Príncipe Carlos y la Reina Leticia, Ruffer, que llevaba meses trabajando en esta visita, no pudo estar presente tras contagiarse de covid-19…

Además de los» hijos de Jacob» se pueden apreciar valiosas obras españolas.

Obras religiosas de José de Ribera con su cuadro «San Francisco», Bautista Maíno con «San Antonio de Padua«, o la «Madre Dolorosa» de Jerónimo Espinosa, Velázquez, con el «Cardenal Pamphili», cedido por el Museo de la Sociedad Hispánica de Nueva York, o «Felipe IV caza de jabalí», del mismo artista y prestado por la National Gallery de Londres. La colección se complementa con otros préstamos, incluidas obras del Museo y Biblioteca de la Hispanic Society de Nueva York que nunca antes se habían mostrado en el Reino Unido.

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Sumamente interesante es » el detalle» que el visitante camina sobre un dibujo del río Guadalquivir por Sevilla, sus meandros hasta su desembocadura al recorrer sus salas…

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Rembrandt …

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Es también una plaza situada en el centro de Ámsterdam en honor al famoso pintor Rembrandt van Rijn. El vivió cerca de esta plaza entre 1639 y 1656. Aquí estaban las murallas para proteger la ciudad en la Edad Media y una Regulierspoort o puerta de entrada a la ciudad. En 1655, la ciudad se había expandido fuera de esta zona y comenzó a atraer granjeros que traían productos lácteos y avícolas para venderlos en la ciudad y se conoció como Botermarkt o «mercado de mantequilla».

Cada otoño, la plaza alojaba una feria… los puestos de los granjeros eran sustituidos por orquestas de baile y carpas de circo. El mercado continuó con este nombre hasta 1876, cuando se trasladó una estatua de Rembrandt, obra del escultor Louis Royer realizada en 1852, es de hierro, fundida de una pieza. Es la estatua más antigua de Ámsterdam en un espacio público. La estatua está sobre una base de granito gris que tiene una réplica de su firma.

A comienzos del siglo XX, la plaza se convirtió en un centro de pintores nocturnos, jóvenes y trabajadores y continúa siendo popular entre residentes y turistas.

Como parte de las celebraciones del 400º aniversario del nacimiento del artista en 2006, se expuso alrededor de la estatua de Royer una representación de bronce de su cuadro, «Ronda de noche», realizada por los artistas rusos: Mijaíl Drónov y Alexander Taratýnov.

Al finalizar la conmemoración las estatuas serían trasladadas a los jardines del castillo de St. Gerlach, cerca de Maastricht.

Pero la famosa representación del famoso cuadro estuvo expuesta durante tres años antes de trasladarse a Nueva York, Moscú y Oranienbaum. En 2012, volvieron a la plaza para regocijo de los visitantes. En enero de 2013, la Fundación de Emprendedores de Rembrandtplein comenzó una recaudación de fondos para mantener las esculturas en la plaza durante todo el año…

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El famoso cuadro últimamente tuvo un a excelente restauración donde le agregaron los trozos que se le habían quitado siglos antes…arriba y en ambos laterales, volviendo a las dimensiones originales. El cuadro es una de las» joyas» de la exposición permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam, pinacoteca especializada en arte neerlandés.

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En «estilo barroco» y de  considerables dimensiones 3,5 x 4,3 metros, ya que fue encargado para decorar la sede de los «Arcabuceros de Ámsterdam.»

Su nombre original es: «La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh». Tres personajes se destacan sobre el resto de los componentes del cuadro: la niña, el capitán Frans y el teniente Willem,  estandartes y las lanzas marcando las diagonales y los puntos de fuga del cuadro. En la posición central el capitán Frans Banninck Cocq, quién dirige la acción con sus gestos, con un brazo da una orden a su compañía y con la otra señala al espectador haciéndolo parte de la  escena. Rembrandt generalmente utiliza este truco que tanto nos agrada.

La niña es considerada por muchos  críticos de arte como el personaje principal del cuadro: es el personaje femenino destacado de la obra y aparece como un foco de luz, como referencia, muchos dicen que es la fallecida esposa del pintor que murió ese mismo año que se pintó el cuadro…tiene un gran parecido.

El teniente Willem, al lado de la del capitán, marcha unos pasos detrás de su compañero. Rembrandt quiso disimular la diferencia de altura, dando un color más vivo a las ropas del teniente en contra punto del negro utilizado para el capitán.

Cuando las tropas napoleónicas ocuparon los Países Bajos y Napoleón puso a su hermano Luis como rey de Holanda en 1806, el Ayuntamiento se convirtió en Palacio Real que aún hoy mantiene esta función.

Los magistrados municipales trasladaron el cuadro a la Trippenhuis, es decir, la casa de la familia Trip. Inmediatamente, Napoleón ordenó su vuelta a palacio y se mantuvo allí hasta la caída del Imperio Napoleónico. Tras esto, volvió a la Trippenhuis ya convertida en el Rijksmuseum, Galería Nacional de Arte de los Países Bajos las obras que se terminaron por 1885.

  Em la II Guerra Mundial, para salvar el patrimonio artístico durante el conflicto, los fondos más importantes del Rijksmuseum fueron depositados en diferentes búnkers denominados Refugios Nacionales construidos en las dunas de Heemskerk y Zandvoort. En 1942, los cuadros se trasladaron a los refugios de Steenwijk y Maastricht. La «Ronda de noche» estuvo oculta durante cinco años siendo su último emplazamiento un búnker en el subsuelo de la capital del Limburgo separada de su marco y enrollada en un cilindro. El 25 de junio de 1945,  volvió a Ámsterdam, siendo restaurada en el taller propio del Rijksmuseum.

 Aquí, los integrantes del aparentemente bullicioso grupo de «Arcabuceros de Amsterdam»…

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1. Frans Banninck Cocq 1605-1655, capitán.

2. Willem van Ruytenburch 1600-1652, teniente.

3. Jan Cornelisz 1610-1650, portaestandarte.

4. Reijter Engelen 1588-1651, sargento.

5. Rombout Kemp 1597-1654, sargento.

6. Mosquetero. 7. Hombre con capa y espada. 

8. Herman Wormskerck, con escudo y espada. 

9. Mosquetero con Furket und Lunte. 

10. Mosquetero cargando su arma. 

11. Niño con cuerno de pólvora y un casco de gran tamaño.

12, 13, Niña en oro y se vislumbra otra en azul. 

14. Joven del que se ve el casco disparando.

15, 16, 17. cabezas de un hombres. 

18. Hombre con casco, escudo y espada. 

19. Cabeza de un hombre. 20. Piquero. 

21. Cabeza de un hombre. 

22. Hombre con casco cerca de un mosquete. 

23. Piquero -¿Wallich Stellingwou?

 24. Hombre soplando la pólvora de un mosquete que acaba de disparar.

25. Piquero ¿Jacob de Roy?. 26. Cabeza de un piquero. 

27. Mosquetero. 28. Cabeza de un hombre. 29. Piquero. 

30. Tamborilero, probablemente Jacob Jorsizrommler

31. Cabeza de un hombre. 32. Mosquetero sin sombrero eliminado hacia 1715. 33. Hombre con sombrero eliminado hacia 1715. 34. Niño igualmente eliminado por entonces.

El emplazamiento original para el que fue pensado el lienzo en las épocas del pintor fue la sede municipal de la Compañía de Arcabuceros de la capital holandesa. Este edificio fue destruido y reemplazado a mitad del siglo XIX por el actual hotel Doelen. En 1715, La «Ronda de noche» se trasladó al Ayuntamiento de Amsterdam en la plaza Dam. Lamentablemente le fue cortada una franja en ambos laterales y arriba, eliminando a tres de los personajes de la escena.

Su aspecto original se puede observar en las diferentes copias anteriores a 1715, entre las que se destaca la obra de Gerrit Lundens 1622-1686 en la National Gallery de Londres. 

Actualmente se lo ve así en el Museo…

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«Inspiraciones varias» que generó esta obra

También y en homenaje, a tan importante conmemoración, el director de cine británico Peter Greenaway rodó una película dedicada al cuadro titulada Nightwatching,​ protagonizada por Martin Freeman en el papel de Rembrandt y Emily Holmes como su segunda esposa, Hendrickje. Se presentó en el Festival Internacional de Cine de Venecia el 6 de septiembre de 2007 y su estreno comercial en los Países Bajos fue el 24 de enero de 2008.

 El segundo movimiento de la Sinfonía nº 7 de Gustav Mahler, la ópera De Nachtwacht compuesta por el músico neerlandés Henk Badings de 1942, sin dejar de mencionar las canciones Night Watch de King Crimson o The Shooting Company of Captain Frans B. Cocq  del grupo «Ayreon» fueron inspirados por esta obra de…

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El Libro de Kells

También conocido como Gran Evangeliario de San Columba, o de san Columbano,  un manuscrito ilustrado con motivos miniados, realizado por monjes celtas hacia el año 800 en Kells en la abadía de Kells, en el condado de Meath -Irlanda.book-of-kells2-1024x662 Allí se conservó durante la Edad Media, la abadía fue fundada a principios del siglo IX, en la época de las invasiones vikingas.
El libro –considerado la pieza principal del cristianismo celta y del arte hiberno-sajón, a pesar de estar inconcluso, es uno de los más suntuosos manuscritos iluminados que han sobrevivido a la Edad Media.

El manuscrito contiene una gran cantidad de motivos ornamentales de una gran complejidad que actualmente los utilizan los diseñadores para aplicar especialmente en orfebrería.

Hay documentación del año 1006 que informa del robo del libro  en el siglo XI, según los Anales de Ulster, sustraído de la sacristía, donde se guardaban las copas y otros accesorios litúrgicos y no de la biblioteca de la abadía. Aunque recuperado muy pronto, pero sin muchas de sus piedras preciosas y el oro que se cree que tenía en la portada y en el estuche que lo contenía. También ese robo puede ser la explicación a la falta de algunas hojas al principio y al final de la obra.

Tenía un fin sacramental y no educativo.

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Un evangeliario tan grande y lujoso

Estaba destinado al altar mayor de la iglesia, y usarse solamente para leer pasajes de los Santos Evangelios en misa, por lo tanto era un manuscrito para el uso litúrgico.

En el siglo XII, un eclesiástico y cronista erudito, Giraldus Cambrensis, dijo sobre el Libro de Kells: «Míralo de cerca y penetrarás en los mayores secretos del arte, encontrarás allí ornamentos de tanta complejidad, tanta riqueza de entrelazados nudos y líneas que pensarías que es el trabajo de un ángel en lugar de la de un ser humano «.

Página introductoria al Evangelio según san Juan, folio 292

Esta es una bella «página tapiz» o sea profusamente diseñada y de las más complejas que posee.

El libro tiene 33 cm. de largo y 25 cm. de ancho y el espesor de las hojas es muy desigual, algunas con un espesor similar al del cuero y otras con un espesor finísimo. Las miniaturas dibujadas son más ricas y numerosas que cualquier otro manuscrito de esa época en las islas de Irlanda y Gran Bretaña.

El Libro de Kells contiene el texto de los cuatro Evangelios en latín según la Vulgata, sin ser una copia exacta de esta última se encuentran numerosas variantes … principalmente cuando se usan traducciones latinas más antiguas en vez del texto de San Jerónimo. Estas variantes se encuentran sistemáticamente en todos los manuscritos medievales de Gran Bretaña, y presentan diferencias de una obra a otra.

En efecto, los monjes, a falta de un ejemplar preexistente, sin duda trabajaban de memoria.

Según la historiadora de arte Francoise Henry participaron en su escritura como mínimo tres amanuenses, a los que ha denominado la “Mano A”, “Mano B” y “Mano C”.

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Este es el folio 285 de «La Mano A«. Esta habría realizado principalmente los folios 1 a 19º y 276º a 289º, antes de retomar su trabajo desde el folio 307º hasta el fin del manuscrito. El amanuense «Mano A» utiliza a menudo una tinta de color marrón bastante habitual por entonces en Europa, y escribe entre dieciocho y diecinueve líneas por página.

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La Virgen María con el Niño del folio 7  una de las más antiguas imagen que se conoce en el mundo occidental.

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«La Mano B» se reconoce desde el folio 19ºal 26º y del 124º hasta el 128º. t

Tiene tendencia a utilizar letras minúsculas, prefiere una tinta roja, malva o negra y escribe un número variable de líneas en cada página.

Un ejemplo el folio 29

A «la Mano C«, finalmente, se le atribuye el resto del manuscrito, ha contribuido a la obra de una manera bastante dispersa: tiene tendencia a usar más minúsculas que «Mano A», sin embargo usa la misma tinta marrón y escribe casi siempre diecisiete líneas por página.

El folio 30 » incipit «- inicial  que da comienzo al Evangelio de  san Marcos y el folio  34 – llamado también el Monograma de la Encarnación, compuesto por las letras Xi -Χ y Ro -Ρ, que son las dos primeras letras de la palabra Cristo -ΧΡΙΣΤΟΣ en griego.

La X, primera letra en griego del nombre de Cristo, recorre casi media página. La letra griega “p” rho, termina en la cabeza de un hombre pelirrojo, Jesucristo, mientras la letra “iota”, se une, a través de la letra “rho” a la cabeza de Jesús. 

Según Claude Médiavilla, especialista en caligrafía, este sería probablemente «la pieza de iluminación más compleja nunca realizada […] Ha debido exigir muchas semanas, quizá meses, de un trabajo arduo para el cuerpo y la vista».

El diseño

Una miniatura a toda página que contiene los cuatro símbolos de los evangelistas, seguido de una página en blanco.

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El libro fue diseñado para que cada uno de los Evangelios tenga un elaborado programa decorativo de introducción. Luego el retrato del evangelista con un tratamiento decorativo suntuoso. El Evangelio de Mateo conserva tanto su retrato Evangelista ( 28v folio) y en su página de símbolos de los evangelistas.

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En el Evangelio de Marcos no se encuentra el retrato Evangelista, pero conserva sus símbolos folio129v. El Evangelio de Lucas faltan tanto el retrato y la página de símbolos de los Evangelista.

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El Evangelio de Juan, como el Evangelio de Mateo, conserva su  retrato y su página de símbolos de los evangelistas- folio 290.

Se supone que los retratos de Marcos y Lucas y la página de símbolos para Lucas existían… pero se ha perdido. El uso de los cuatro símbolos de los evangelistas en frente de cada Evangelio es llamativo, seguramente destinado a reforzar el mensaje de la unidad entre los cuatro Evangelios.

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El estilo iconográfico podría tener influencias de modelos ortodoxos o coptos. A lo largo de todo el libro se encuentran iniciales decoradas con pequeños personajes humanos o zoomorfos entrelazados según la tradición celta, como en las cruces de piedra que aún quedan y se pueden apreciar.

Los pigmentos necesarios para realizar las ilustraciones fueron importados de Europa y Asia. El negro se obtuvo de velas, el rojo de un mineral llamado rejalgar, el amarillo del oropimente, el verde de la malaquita y el azul del lapislázuli. Las miniaturas dibujadas son más ricas y numerosas que cualquier otro manuscrito de esa época en las islas de Irlanda y Gran Bretaña.

Algunos errores en el texto

Varias diferencias entre el texto del Libro de Kells y el normalmente aceptado por los Evangelios, por ejemplo:

En la genealogía de Jesús, empieza en Lucas 3,23, el libro de Kells nombra erróneamente un antepasado adicional.

En Mateo 10,34b, debería poner «non veni pacem mittere, sed gladium» -no he venido a traer la paz, sino la espada. Sin embargo, en vez de «gladium»«espada», en el manuscrito de Kells se ha escrito «gaudium» que significa «alegría»… Probable distracción del copista.

A lo largo de los siglos ha sido encuadernado varias veces. Durante la encuadernación del siglo XVIII, las páginas se acortaron y se perdieron partes de algunas ilustraciones. En 1895, otra encuadernación que se rompió rápidamente y algunas hojas que se habían desprendido se conservaron por separado.

La Abadía de Kells fue disuelta en el siglo XII como resultado de las reformas Eclesiásticas y la Iglesia de la abadía se transformó en una Parroquia, que conservó la obra. El manuscrito permaneció en Kells hasta 1654, cuando la caballería de Oliver Cromwell fue acuartelada en la ciudad. El gobernador de entonces, envió el libro a Dublín para mayor seguridad.

El manuscrito fue presentado a los universitarios del Trinity College en 1661 y nunca ha abandonado ese lugar, salvo por alguna cesión para exposiciones temporales.

Desde el siglo XIX se puede ver en exposición permanente en la Vieja BibliotecaOld Library del Trinity College en Dublin- Irlanda,  Dos de los cuatro volúmenes en exhibición pública, uno abierto a una página decorada y el otro a una página de texto típica. Se ha insistido mucho y desde siempre en mostrar este precioso libro al público con facsímil en varias oportunidades del siglo pasado, inclusive actualmente se digitalizó esta valiosa obra para poder apreciarla virtualmente…

https://digitalcollections.tcd.ie/concern/works/hm50tr726?locale=en

En la biblioteca, además de los textos de célebres irlandeses como Oscar Wilde, James Joyce o Bram Stoker están: el Documento de la Independencia de Irlanda, el Arpa de Brian Boru y algo singularmente curioso que ocurrió en la realidad… la cerveza Guinness, utilizaba el mismo logo antes de que se convirtiese en símbolo nacional, y de hecho lo tenía registrado, por lo que el gobierno irlandés tuvo que cambiarle posición para evitar la coincidencia.




Entretenida «Premier»

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La “Sinfonía Nº 7 en la mayor” Op.92 de Ludwig van Beethoven fue compuesta entre el otoño de 1811 y el 13 de mayo de 1812,  en la ciudad bohemia de Teplice y dedicada por el autor al conde Moritz von Fries

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Se estrenó el 8 de diciembre 1813 en la Universitätsaal de Viena, dirigida por el propio autor, en un concierto benéfico destinado a los soldados austríacos y bávaros heridos en la batalla napoleónica de Hanau del 30 de octubre. La audiencia, interpretó esta Sinfonía como la representación musical de la reciente victoria contra Napoleón, la alegría del pueblo por haber recobrado la libertad y la paz.

Originalmente, había pensado en dar a conocer la Sinfonía en una academia de las “Venerables Ursulinas”, pero finalmente se estrenó en la sala de la universidad de Viena, junto con la “Sinfonía Wellingtons Sieg oder die Schlacht bei Vittoria- op. 91. Esta última, “Sinfonía de la batalla”, fue compuesta entre agosto y noviembre de 1813 por sugerencia del mecánico Johann Nepomuk Mälzel, inventor del metrónomo, como una especie de homenaje musical por la derrota de las tropas de Napoleón en Vitoria, la ciudad española, hecho ocurrido el 21 de junio de 1813.

Anton Schindler, el secretario personal de Beethoven, cuenta que hubo ovaciones del público incluso antes de que la Sinfonía concluyera. «Las explosiones de júbilo durante la interpretación excedieron cualquier cosa que haya visto antes en una sala de conciertos»,

Cuatro días más tarde hubo que repetir íntegro el programa ejecutado en el concierto de beneficio, que incluía también «a Victoria de Wellington». El Allegretto de la Séptima, según Spohr, «fue exigido da capo» también en esta segunda ocasión.

Algunos años antes, el músico quiso dedicar su Sinfonía «Heroica», al famoso francés. Pero cuando supo que este se había coronado emperador, el compositor rompió la página con la dedicatoria. Se dice que cuando Napoleón avanzaba con sus tropas por Europa, Beethoven exclamó: «¡Es un lástima que no domine el arte de la guerra como domino el de la música! ¡Lo derrotaría!»

Beethoven consideró su Séptima Sinfonía como «uno de los productos más felices de mis débiles fuerzas», Un crítico de Leipzig expresó entonces lo que dos siglos después piensan muchos melómanos: «Sencillamente hay que escuchar esta obra para apreciarla en su plenitud. Porque su espíritu y sus cualidades no pueden expresarse con palabras».

Hay que tener en cuenta…

Que para el estreno, el propio Beethoven dirigía una orquesta fantástica!!! repleta de notorios músicos que ofrecieron sus servicios desinteresados para realizar este concierto. Músicos ilustres que con seguridad se divirtieron con este acontecimiento además de demostrar su indiscutible valía tales como:

Louis Spohr

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Fue compositor,  eximio violinista y director de orquesta alemán. 

Giacomo Meyerbeer,

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Compositor alemán, favorito del público parisino por la composición de óperas en el estilo Grand Opera, del cual fue un de los creadores. En los Tambores

Mauro Giuliani,

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Compositor y guitarrista italiano. Tocaba el violoncello

Johann Nepomuk Hummel,

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virtuoso pianista, compositor, profesor y director austrohúngaro. Fue considerado como uno de los mejores compositores y pianistas de su época. A cargo de los tambores en el concierto…

Ignaz Moscheles,

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Compositor y pianista virtuoso bohemio, cuya carrera después de sus inicios estuvo basada principalmente en Londres. En el estreno Moscheles tenía a su cargo los platillos.

Domenico Dragonetti,

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 Contrabajista y compositor veneciano

Andreas Romberg

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 Virtuoso del violín, compositor y director de orquesta alemán.

y Antonio Salieri

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Compositor de música sacra, clásica y ópera, y director de orquesta italiano. Estuvo a cargo de la Batería.

 Spohr cuenta que para ese entonces Beethoven sufría ya de severa sordera  no alcanzaba a escuchar cuando la orquesta tocaba pasajes muy delicados, de modo que el compositor perdió varias veces el camino en su propia partitura. Pero la orquesta no se perdió gracias a que Salieri, se encargaba de «controlar» desde su puesto.

Su orquestación para esta obra requería: dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagots, dos trompas en La, dos trompetas en Re, timbales y la cuerda habitual.

Las Sinfonías consta de cuatro movimientos… Mas o menos así debió sonar en aquella oportunidad …pero con instrumentos antiguos… y con un director muy especial…

El primero- Poco sostenuto vivace

Es el más dilatado de los Proemios que haya escrito Beethoven para sus sinfonías está aquí.

Después de una introducción lenta, poco sostenuto, con acentos secos de la orquesta, que contiene una bucólica frase del oboe, repetida por los violines, se presenta el primer tema del vivace de modo rítmico e impetuoso. Al final del movimiento, en la reexposición, el tema principal se transforma en una variación serena y hermosa. Entre los muchos momentos felices de esta sinfonía está la asombrosa y emocionante coda del primer movimiento, en la que Beethoven hace subir a los cornos a un registro agudo poco usual en sus partituras, con un resultado brillante.

Su célebre segundo movimiento

 Allegretto, que tuvo que ser repetido a petición del público en su estreno, dominado por un ostinato de seis notas, una característica del maestro…poco pero bueno… con estructura de marcha, en forma ternaria. Motivo triste, que contrasta con la alegría del primer movimiento, va recorriendo los distintos grupos instrumentales hasta llegar a un vibrante tutti de la orquesta.

Uno de los más notables movimientos de la literatura sinfónica de todos los tiempos, el compositor propone un acorde misterioso y seductor como inicio de un discurso musical de enorme belleza, con un contenido armónico y rítmico que parecía estar adelantado cincuenta años a su tiempo.

Este cautivante movimiento, con su sencilla melodía sostenida sobre un ritmo constante, y variado principalmente a través de una instrumentación cambiante, se convirtió en el trozo predilecto desde siempre. Cautivó al público, que interpretó aquella música sublime como un lamento por los soldados caídos en la Batalla de Leipzig.

El ritmo reaparece al iniciarse el siguiente movimiento, presto en forma de scherzo

El tercero

Aunque en realidad la indicación del autor sea simplemente Presto, es tenso y vigoroso, y está surcado por repentinas explosiones tempestuosas. El tema del trío, que reaparece dos veces, deriva de un himno de peregrinos oriundo de la Baja Austria.

Aquí Beethoven emplea la técnica de la repetición. El tema inicial es brusco y brioso, jugando con la repetición de las notas. El trío usa un tema de raíz popular sobre un pedal, nota larga sin interrupción de los violines. Este tema se repite dos veces de forma grandiosa y solemne por el tutti de la orquesta. Luego se vuelve, como era de esperar, al primer tema del scherzo, pero la repetición continúa al escucharse de nuevo completamente el trío y volver al scherzo. Cuando todo parece indicar que se va a repetir el trío por tercera vez, es abreviado drásticamente en forma de coda.

El último movimiento

Un frenético Allegro con brío, en forma sonata que suscitó duras críticas por entonces.

El tema principal es una variante precisa del ritornello instrumental. No se sabe si Beethoven se inspiró en la canción popular irlandesa Nora Creina , en los ritmos de csárdás o en la marcha triunfal Le Triomphe de la République , escrita por François Joseph Gossec lo que si se sabe … que originó polémica.

Es el movimiento más complicado, ofrece una variedad rítmica increíble: estructuras téticas y anacrúsicas sucediéndose alternativamente en varias ocasiones, ritmos de puntillo en ostinato, animadas síncopas y sforzati sobre partes débiles del compás otorgan a la composición una energía increíble.

el Allegro con brío tan cuestionado pero fantástico…

Según el historiador de la música Glenn Stanley, «Beethoven explotó la posibilidad de que una sección de cuerda pueda realizar tanto angularidad como contraste rítmico si se usa como un fondo similar al obbligato«, particularmente en la coda, que contiene un ejemplo, raro en la música de Beethoven, del marcado dinámico fff «fortisimo«.

En la parte del desarrollo, el tema principal se presenta quebrado por la inserción de acordes graves y oscuros, pero pronto vuelve a presentarse de modo limpio. Antes de la repetición, la flauta nos anticipa el primer tema. La sinfonía acaba con una coda brillante de una gran fuerza rítmica.

Comentarios lapidarios… si que los hubo

El carácter tormentoso del cuarto movimiento llevó a Carl Maria von Weber a declarar:Beethoven «maduro para el manicomio…»

El padre de Clara Schumann, Friedrich Wieck, especuló que «esta sinfonía sólo podía componerse de forma infeliz, en estado de ebriedad, es decir, el primer y el último movimiento».

Un crítico inglés, señaló:
«…es imposible descubrir en la obra ningún esquema, ni advertir ninguna conexión entre sus partes. Parece haber sido concebida como un enigma, pero más bien nos atrevemos a pensar que es una burla, un engaño, una estafa.»

El musicólogo Martin Geck escribe en su libro sobre Beethoven y Malher que es “la proclamación del ethos” de los movimientos finales de las sinfonías tercera , quinta , sexta y novena de Beethoven pero no aparece en el final de la séptima sinfonía: “Con su tema principal [ …] se dirige más a los sentidos que a la mente, alienta a dejar ir en lugar de coleccionar, está más orientado a la expresión física que a la sublimación interior ”.

También, Harry Goldschmidt trabaja la semántica política de esta“ figura final frenética ”: “Un conmovedor Beethoven ya no compuso el movimiento final. Al final, los enemigos son literalmente ‘conducidos en parejas’ en figuras de escalera gigantes que cruzan toda la orquesta.»

Con justa razón reaccionó Romain Rolland contra el crítico que afirmó que Beethoven estaba ebrio cuando compuso ese movimiento: «Ciertamente que es la obra de un ebrio, pero ebrio de poesía y de genio».

Se puede entender a la joven Bettina von Arnim cuando le escribió al poeta Egmont que mientras escuchaba esta música se había imaginado «tener que adelantarse a los pueblos con una bandera ondeante’. […] Así aparece la Sinfonía mayor de Beethoven […] como su gran llamado a la liberación de los pueblos »

El más poético y romántico que Robert Schumann: «Es la más alegre de las bodas; la novia es una doncella celestial con una rosa en su cabello: sólo una. Mucho me equivocaría si en la introducción no se produjera la reunión de invitados, saludándose unos a otros… si las alegres flautas no nos recordaran que en toda la villa… reinaba la alegría por causa de la novia Rosa… Ahora, la aldea ha quedado silenciosa… puede ser que sólo revolotee una mariposa, o que caiga un capullo de cereza… el órgano empieza a tocar, el sol brilla en lo alto, y un rayo diagonal juega con las partículas de polvo en la iglesia; resuenan las campanas… Ahora el sacerdote se dirige al altar y habla primero a la novia, luego al más feliz de los mortales, y discurre sobre las obligaciones del contrato nupcial… y ahora les pide el «sí»… No dejéis que continúe describiendo esta imagen; hacedlo vosotros mismos a vuestra manera en el finale…».

En su libro Beethoven and his Nine Symphonies, Sir George Grove escribió: «La fuerza que reina a lo largo de este movimiento es literalmente prodigiosa, y recuerda al héroe de Carlyle, Ram Dass, que tiene ‘fuego suficiente en su vientre para quemar el mundo entero.,’

Wagner sostuvo siempre que era la «Apoteosis de la Danza»

Donald Tovey, escribiendo en sus ensayos en el análisis Musical, comentó en este movimiento «furia Bacchic» y muchos otros escritores han comentado» danza-energía que gira«.

Publicada en el Allgemeine Musikalische Zeitung: La Séptima era la más melodiosa, agradable y accesible de las sinfonías de Beethoven.

Descrito como “el más grande compositor de nuestro tiempo” (Wiener Allegemeine Zeitung, finales de 1813).

Alabada como la “más melodiosa, agradable y comprensible” sinfonía compuesta hasta entonces (Wiener Allegemeine Zeitung, comienzos de 1814).

Gustav Mahler después de una ejecución de la Séptima en el año de 1899, afirmó:

«El último movimiento de la sinfonía tuvo un efecto dionisíaco sobre el público. Todos salieron de la sala de conciertos como embriagados y así debe ser»…

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