El Cristo de Würzburgo

Neumünster es una de las 60 iglesias que hay en Würzburg- Baviera – Alemania, denominada la «ciudad de las iglesias» porque alberga en relación al número de habitantes, muchos más templos que otras grandes ciudades del país.

Neumünster_Würzburg_facade_-_DSC02776

Esta bella y barroca colegiata, se encuentra el en lugar donde los tres santos patrones de Würzburg murieron como mártires al final del siglo VII: san Kilian y de sus compañeros irlandeses, san Kolonat y san Totnan. Posteriormente se construyeron oratorios y a principios del siglo XI una iglesia más grande.

artworks-000233112080-3k6yee-t500x500

La iglesia fue destruida, reconstruida y modificada muchas veces, hasta tomar su forma barroca de hoy con planta de doble cabecera con torres a los lados de los dos ábsides. Del edificio original no quedan más que el transepto y el coro oriental. La imponente cúpula barroca y la fachada de arenisca roja, es obra de J. Dientzenhofer, datan del siglo XVIII. El interior alberga numerosas obras de arte, entre ellas una ‘Virgen’ -1493 del escultor del siglo XV Tilman Riemenschneider, trabajó en otros templos de la ciudad.

En el atrio, a la izquierda, se conserva la pila bautismal y cuatro tablas de la ‘Vida de María’.

En la cripta oriental, de estilo románico, se conserva una estatua de ‘Santa Ana’, de 1417.

En la cripta occidental, de estilo gótico primitivo, se conserva el sarcófago de St. Kilian del siglo VIII, protector de Franconia, asesinado en el año 689 por orden de la duquesa Gailina, y sepulturas de obispos.

Durante la II Guerra Mundial, el 16 de marzo de 1945, dos meses antes de la rendición de Alemania, la ciudad fue bombardeada por la aviación británica, y aunque tan sólo duró 20 minutos destruyó más del 80% de los edificios de la ciudad. El centro barroco de la ciudad se perdió de forma irreversible, pero los principales monumentos han sido lentamente reconstruidos por ejemplo la fortaleza de Marienberg se terminó de reconstruir en la década de los ’90.

Neumünster.Würzburg.640.22528

Destacan:

La cúpula: un gran fresco rococó, obra de Giovanni Battista y Dominikus Zimmermann en 1724, ambos arquitectos, famosos «estucadores» y pintores del período Rococó Alemán, también el ábside sobre el altar mayor y otras obras más pequeñas de los Hermanos Zimmermann.

27811341-iglesia-colegiata-de-neumünster-en-würzburg

El altar mayor

Tilman Riemenschneider, escultor alemán activo en la ciudad de Wurzburgo desde 1483. Fue en su época uno de los escultores más prolíficos y versátiles del periodo de transición entre el Gótico tardío y el comienzo del Renacimiento, y un auténtico maestro en la escultura de materiales tales como la piedra y la madera. Su figura artística ha sido equiparada a la de Durero.

Un pequeño patio: antiguamente era el centro del claustro románico del que solamente queda una pared.

En este jardincito, bajo un tilo, la tumba del famoso trovador Walther von der Vogelweide 1170-1231. El más famoso poeta y minnesänger alemán de la Edad Media. Durante todo el año suele haber flores… sobre la lápida conmemorativa hay cuatro cuencos para granos y agua para aves. !Hermoso detalle!!!

El Cristo famoso

Este Crucifijo tiene algo distinto y curioso de estilo gótico del siglo XIV… el Crucificado tiene sus manos libres de los clavos y cruzadas sobre el pecho.

Una hermosa historia

 

21205623628_e0488e0b59_c

Explica la posición de sus brazos.

Entró un ladrón a robar por la noche al templo. Cuando se acercó al gran Crucifijo vio que sobre la cabeza del Señor había una valiosa corona

El ladrón no dudó ni un instante en robarla y obtener un buen dinero, sin importarle que cometía un robo sacrílego. Consiguió una escalera y subió para quitársela.

Cuando trató de tomar la corona, sintió que dos manos lo abrazaban, eran las manos del Cristo que lo estaban abrazando.

Quedó mudo de terror. Sus ojos, miraban de frente los ojos de Jesús a escasos centímetros de distancia.

No podía soltarse del abrazo, estuvieron largo tiempo mirándose los dos… cara a cara.

La mirada de Jesús acabó por convencerlo. Empezó a pensar que por sus pecados Cristo estaba crucificado.

Al darse cuenta del mal que estaba haciendo, empezó a llorar con verdadero arrepentimiento. Pidió perdón por sus múltiples pecados y fue el mismo ladrón quien se abrazó fuertemente al cuerpo herido del Crucificado…así los encontraron al amanecer.

images

Año Xacobeo!!!

1595411750689

Santiago Apóstol, llamado –el mayor, es patrono de España, de Galicia y de su caballería, así también de los curtidores, veterinarios y de varias ciudades en el mundo que llevan su nombre.

La Catedral de Santiago de Compostela es su principal Santuario, donde están las reliquias del Apóstol.

Miles de personas peregrinan allí cada año, deseosas de recorrer el Camino de Santiago, que muestra a una muy bella Galicia.

catedral-santiago-de-compostela-2609-1

El famoso «Camino de Santiago»

Surge la peregrinación a Santiago, tras el descubrimiento del sepulcro del apóstol alrededor del año​ 813. Numerosos cristianos del norte de la península comenzaron a peregrinar a la hermosa ciudad que aún mantiene su encanto medieval para mostrar su devoción al santo. Esta costumbre, se convirtió en tradición, expandiéndose el fenómeno del Camino de Santiago a toda Europa y en todo el mundo, por lo que la ciudad santa se convirtió en uno de los centros de peregrinación más importantes de la cristiandad.

En el año 1222 el Papa Calixto II decidió implantar el Año Santo Compostelano, celebrándose cada año en el que el 25 de julio cayera en domingo.

En cada «Xacobeo» se otorgan indulgencias a todos aquellos peregrinos que en Santiago de Compostela cumplan los requisitos de visitar la catedral, recibir los sacramentos y rezar una oración.
En el siglo XVII el patronato de España le fue concedido al santo. Fue obra del Papa Urbano VIII, bajo el reinado de Felipe IV: el apóstol Santiago el Mayor fue reconocido oficialmente como único patrón de España que desde 1627 compartía con Santa Teresa de Jesús.

El Rey presente en las fiestas

Desde 1646, por obra de Felipe IV, está institucionalizado el Voto de Santiago, que siguiendo la tradición de los reyes cristianos del norte de la Península en los tiempos de la Reconquista, daba una ofrenda por parte de los reyes, príncipes y del arzobispo de Compostela a la Iglesia de Santiago cada 25 de julio. Esta ofrenda sigue teniendo lugar a día de hoy, aunque de forma simbólica, en la celebración de la misa en el Día del Apóstol.

Esta decisión se hizo conjuntamente con el reconocimiento por parte de la Iglesia de que sus restos estaban enterrados en Compostela y estableciendo además que la festividad de Santiago Apóstol se celebrara cada 25 de julio. «Dios hizo a Santiago, Patrón de España, que no existía entonces, para que cuando llegue el día pudiera interceder por ella y volverla otra vez a la vida con su doctrina y con su espada», afirmó en una ocasión el célebre don Francisco de Quevedo.


!Santiago!!! y !cierra España!


En la tradición militar de España, el grito de guerra «¡Santiago «y «Cierra España!» ha sido utilizado por los soldados desde la Reconquista hasta la época moderna antes de cada carga en ofensiva.

El significado de la frase por una parte: invocar al apóstol Santiago, que según la leyenda se apareció durante la Batalla de Clavijo para combatir junto a los cristianos, y por otro, la orden militar «Cierra» en términos militares significa: trabar combate, embestir o acometer.

Los peregrinos a Compostela podían obtener el perdón general de todos sus pecados, un perdón que podía extenderse a todo el año cuando dicha fiesta coincidía en domingo, es decir, cuando era un Año Santo Compostelano.

Las Fiesta Xacobeas

La Historia Compostelana y en el Códice Calixtino citan celebraciones en la catedral como: responsos, himnos, antífonas, etc. una procesión.
A nivel popular por el Apóstol se celebraba la fiesta del cendal, bien documentada en el siglo XVI pero de procedencia muy antigua.

Se trataba de un concurso hípico, organizado por el ayuntamiento en un campo abierto sito enfrente de la capilla de San Caetano que todavía esta. Al vencedor de la carrera se le envolvía la cabeza con un cendal, tela de seda muy delgada y trasparente, recorriendo triunfante las calles de la ciudad hasta la catedral donde el deán le hacía entrega de 500 maravedíes.
También los juegos de cañas y sortija de la Plaza del Obradoiro. El juego de cañas consiste en que equipos formados por doce jóvenes de la nobleza compostelana, montados a caballo, hacían una carrera mientras se lanzaban cañas entre sí, con la única protección de un escudo. El jugador más hábil era el que conseguía librarse de la cañas y a su vez golpear a sus contendientes con sus lanzamientos. Su origen está en los torneos de caballeros medievales y en el deseo de eliminar cualquier peligro de lesión, transformándolos en un juego ritualizado de reglas estrictas.

El Ayuntamiento proveía la seda de sus libreas y demás ropajes. Los participantes jugaban a la sortija, otro juego de destreza que consiste en ensartar, galopando a caballo, en la punta de una vara, una sortija pendiente de un poste o de una cinta.
De 1531 data la primera noticia de la celebración de una Corrida de toros en la Plaza del Obradoiro el 25 de julio, organizada por el Ayuntamiento con el apoyo del gremio de los carniceros de la ciudad que luego vendían la carne de los toros para cubrir los gastos del festejo. Se intuye que la lidia tiene un origen mucho más antiguo.
En 1545 aparece por primera vez la iluminación de la plaza con candelas. Tales luminarias son el precedente más antiguo de los hoy conocidos como «Fuegos del Apóstol».

cabezudos

“quema del castillo”.

Se documenta durante los siglos XVII y XVIII y son el precedente de las actuales fachadas neomedievales que se
queman hoy en dicha fiestas.

El diseño de dichas estructuras y diseño, uno diferente cada año, se concertaba con el Maestro Mayor de Obras de la catedral, el cual también se encargaba de su programa iconográfico alusivo: por ejemplo en 1701 se representa la “Traslación del Apóstol”, en 1706 la “Batalla de Clavijo” o en 1710 la “Venida del Rey Almanzor”.

«En los fuegos de 1699 el cohetero Sebastián Gómez Cancela diseña para el castillo de dicho año, un gran número de troneras y “brebarías”, mientras que para iluminar el cielo factura docenas de voladores, cohetes de luces, cohetes de
culebrillas, pies de cabra, cohetes de corneta, cohetes de tres y cuatro truenos, cohetes de palenque, cohetes de cuatro y cinco subidas, cohetes de cuerda, carretillas de chispa, carretillas dobles, alcancías y granadas. Las torres del Obradoiro se adornaron con luminarias de papel y banderas»
. Como precaución, se cuenta que se adquirió un carro de ramas verdes y escobas con que apagar el fuego…

El 25 de julio, se reservaba para los oficios religiosos en el interior de la catedral, los cuales se enriquecieron a partir de 1643 con la ceremonia de la Ofrenda Real de 1.000 escudos de oro al Patrón de las Españas.

Por de 1855 y a causa de la Desamortización de los bienes de la Iglesia y la perdida de medios económicos del cabildo catedralicio compostelano para organizar las fiestas, se hizo cargo la Comuna Compostelana.

Un Cambio Radical

Comenzaron los Castillos de pirotecnia en diversos estilos… cada año uno diferente que lo realizaba el arquitecto comunal del momento.

En 1897, último Año Santo del siglo XIX, el arquitecto municipal Daniel García Vaamonde dibuja una espectacular catedral gótica dedicada a la “Conmemoración del Triunfo de la Fe y del Cristianismo” que, por su elevado coste, no se llegó entonces a realizar entonces.
El arquitecto, justifica la elección de estilo gótico de la siguiente manera:

“Consultadas las [fachadas] elevadas con análogos motivos desde mediados del presente siglo, observase a la vez que fueron aumentando en importancia y grandiosidad, y que se inspiraron unas en el estilo del Renacimiento, otras en el Greco-romano, la última, la inaugurada en el año de 1880, en el Árabe. Ninguna en el estilo por excelencia del arte cristiano, en el Ojival. El historial, pues, de las fiestas celebradas en las presentes generaciones indica, por si solo, el estilo que adoptamos, indicación que toma gran valor si se advierte que las fiestas de este año son dedicadas a la memoria del Apóstol Evangelizador de España, en la privilegiada época del Perdón, y que han de celebrarse al pie de nuestra grandiosa Basílica. De modo que ya se atienda a los antecedentes, ya al motivo, ya al sitio en que han de elevarse las fachadas, está razonado, y aún pudiera decirse que impuesto en el caso presente, el estilo eminentemente religioso, dentro de una composición que recuerde algo siquiera de las concepciones inspiradas en la vía del espíritu y en el horror a la materia, cual se inspiraron con admirable maestría las suntuosas catedrales que nos legó la Edad Media. Además, las geniales tracerías del estilo adoptado se prestan perfectamente a ser seguidas por el fuego de artificio, abrillantándolas con los hermosos colores de que dispone la pirotecnia moderna en sus múltiples variantes y combinaciones, y que semejarán los límpidos y lúcidos matices con que el sol ilumina a través de las vidrieras ojivales los espacios destinados al recogimiento y a la oración”.


En el año 2000 el Ayuntamiento Compostelano patrocinó la construcción de nueva fachada para las fiestas del Apóstol recuperando el diseño de García Vaamonde realizado mas de un siglo atrás. Cuenta saldada del Municipio

Felicidades España!!!!

Genial!!!

LaloSchifrin

Nacido como Boris Claudio – Lalo Schifrin, el 21 de junio de 1932 en Buenos Aires, comenzó a tocar el piano impulsado por su padre Luis Schifrin, primer violinista de la Orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires, quien fuera uno de sus primeros maestros, junto a Enrique Barenboim, padre del consagrado Daniel Barenboim.

Tras cursar el bachillerato en el Colegio Nacional de Buenos Aires y, luego, algunas materias de Derecho, ingresó al Conservatorio de París, donde incursionó profesionalmente en locales nocturnos de jazz, frecuentados por intelectuales como Julio Cortázar. A los 18 años, se lanzó a recorrer el mundo y a formarse por varios países en los que osciló entre el cine, el jazz y la música clásica. Estudió, entre otros, con Olivier Messiaen y Charles Koechlin. En Francia donde empezó su carrera profesional como pianista de jazz y arreglista. Grabó varios discos de «música latina», los discos de «Vogue» o la etiqueta de Eddie Barclay.

118603155_3853243618035379_7559525914434338194_n

En los’50, en Buenos Aires. formó una big band, y conoció al trompetista Dizzy Gillespie, quien llegó al país con Quincy Jones. Escribe para piezas Gillespie hace arreglos para grandes bandas –«Gillespiana Suite», «El Nuevo Continente». Este es el principio de éxito. Arreglos para el sello Verve – para Stan Getz, Count Basie, Sarah Vaughan, Jimmy Smith, Luiz Bonfa, Cal Tjader. The Verve es propiedad de la Metro Goldwyn Mayer.

“Lo que me encanta es que el cine es magia. Nada de lo que pasa en la pantalla es cierto.
Todo es ficticio. El compositor tiene que ayudar a que se produzca esa magia. La música tiene que engañar al público. Eso forma parte del arte del cine y me encantó «

Lalo Schifrin se mudó a Hollywood, a escribir un número impresionante de bandas sonoras de películas y series de televisión, llevó una carrera paralela como músico «clásico» como director de orquesta y compositor y en el mundo del Jazz.

Lalo tardó tres minutos en escribir su famoso tema. Hace dos años, en una entrevista con Dana Schuster para New York Post, minimizaba su trabajo: “La orquestación no es un problema para mí. Es como escribir una carta. Cuando escribes una carta, no tienes que pensar qué gramática o qué sintaxis vas a usar, simplemente escribes una carta. Y así fue”.

131124044926_lalo_schifrin_304x171_laloschifrin

También se restó importancia cuando dialogó con Jon Burlingame para Los Angeles Times: “Era sólo trabajo. Me gusta lo que hice, pero no creo que sea una obra maestra. Es una tontería tratar de escribir un hit. Si a la gente le gusta, hasta el punto de abrazarla, genial. Eso no ocurre con demasiada frecuencia. Le sucedió a David Raksin con Laura y a Henry Mancini con dos o tres temas”.

Lalo también cuenta que Bruce Geller, el productor de la serie, le pidió que escribiera una obertura emocionante, que cuando la gente esté en la cocina preparándose algo y la oiga sepa al instante de qué se trata. “Quiero algo identificable, reconocible”, le encargó. Según parece, lo ha logrado.

5bf443ef3e155

El único argentino con una Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, ganador de cuatro premios Grammy (de veintidós nominaciones), la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le entregó un Oscar Honorífico en 2018, después de haber sido nominado en seis ocasiones.

Misión imposible que lo consagró

Mission Impossible 1966 – 1973 Opening and Closing Theme – YouTube

reconocimiento internacional

Recibe los premios con humildad y admite que tiene un don. Le habían pedido suspenso él compuso lo que definió como “jazz criminal”. El single de «Misión Imposible» vendió de inmediato más de medio millón de copias en los Estados Unidos, fue número 1 en Europa y Australia y séptimo en el ranking británico.

Su primer contacto con el cine fue en Buenos aires en 1957 cuando incluyeron sus canciones en Venga a bailar el rock, de Carlos Stevani. Convocado por Fernando Ayala y su socio Héctor Olivera, para la música de El jefe de1958.

En 1964 en la televisión estadounidense con Caravana, a la que siguieron La hora de Alfred Hitchcock, Ben Casey, El agente de CIPOL, Centro Médico y Valle de pasiones, hasta llegar a Misión imposible que lo consagró.

Compuso la banda sonora de más de 100 películas, como Harry el sucio, The Cincinnati Kid, Cool Hand Luke y Bullitt. Series como Mannix, Starsky y Hutch.

Dirigió la Orquesta Sinfónica Nacional Argentina, las orquestas Filarmónica y Sinfónica de Londres, y la Filarmónica de Israel.

Tocó con Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Stan Getz, Count Basie, John Faddis, Louie Bellison, Kenny Burrell y James Moody, entre otros.

Colaboró con los arreglos musicales para: los tres tenores: José Carreras, Plácido Domingo y Luciano Pavarotti.

«Cuando era joven sí tenía un ego grande, pero cuando uno va creciendo, va aprendiendo. De hecho, una de las razones de mi éxito es que siempre tengo algo más que aprender, nunca se llega. Ese es el secreto».

Tenía más de cuarenta años cuando hizo la banda de sonido de Operación Dragón para Bruce Lee, que logró interesarlo en las artes marciales. Bajo su dirección Lalo Schifrin llegó a ser cinturón negro y sigue practicando.

7fcfcafcec3cfec17a93b65287f5fd4c

Su obra, «Concierto para tuba y orquesta», que estrenó en marzo de 2018 con la Orquesta Sinfónica de Redlands, Schifrin lo hizo a medida para Gene Pokorny, intérprete de tuba de la formación de Chicago dirigido por Ricardo Muti quién además, le pidió una orquestación de «Misión Imposible» para ese evento.

OIP

Explicó que «la tuba es más bien un instrumento de acompañamiento, pero Pokorny es un virtuoso que la ejecuta utilizando una técnica como si tocara trompeta. Es muy fornido y puede acumular mucho aire en los pulmones y eso es necesario para tocar mi concierto».

Junto con la Orquesta Sinfónica de Londres, Schifrin editó el álbum «Impresiones sinfónicas de Omán», una suite en ocho movimientos basada en la música tradicional del sultanato.

«La música de Omán es una de las más antiguas del mundo islámico, y sus orígenes pueden ser rastreados hasta la civilización mesopotámica. Hice una investigación sobre los ritmos y las melodías folklóricos que me atrajeron y los mezclé con mi propia producción. Era un gran desafío porque las melodías son muy cortas y compactas, y los ritmos muy complejos debido a la influencia africana, pero había un ambiente de magia irresistible y eso facilitó mucho las cosas»,

«Jazz Across The Americas: Argentina – A Tribute To Lalo Schifrin«,

No pudo estar en París para recibir el lauro, por una cuestión de edad tampoco pudo disfrutar en directo del «Jazz Across The Americas: Argentina – A Tribute To Lalo Schifrin», que en enero pasado mereció dos noches en el Symphonyspace de Broadway.

«Me da mucha satisfacción que mi trabajo sea reconocido, no soy narcisista pero me gusta que lo que hago sea reconocido y más si se trata de colegas. De hecho primeramente hubo una encuesta entre los músicos de cine de toda Europa y la gané por unanimida

Allí confluyeron, bajo la batuta del contrabajista y compositor Pablo Aslán, colaborador de Schifrin en numerosas oportunidades, y la cantante Sofía Rey, el pianista y compositor Arturo O’Farrill al frente de su Afro Latin Jazz Orchestra y otros argentinos -el pianista Leo Genovese, el baterista y percusionista Franco Pinna, el guitarrista Juancho Herrera y Gabriel Senanes como director invitado.

«No pude ir tampoco pero así es la vida. Sí estuvo mi hermana y me dijo que fue algo inolvidable y caluroso», comentó

Schifrin atraviesa la pandemia por coronavirus: «como todo el mundo con esta experiencia, aislado. Pero estoy bien. Yo por lo general vivo en mi estudio: trabajo, compongo, practico el piano. Mi vida sigue igual, lo único es que no puedo ver a mucha gente. La única persona que viene es un copista que pasa mis partituras a la computadora, pero no nos cruzamos».

«Rara Avis»…

groussac

Una historia increíble … pero real es la del francés Paul Groussac nacido en Toulouse, Francia, en 1846.

18 años más tarde, desembarcó en Argentina. Totalmente audaz, sin conocimiento alguno de la lengua castellana pero con infinito coraje y deseos de aprender rápidamente.

En su primer año aprendió el idioma, mientras cuidaba ovejas por San Antonio de Areco en la provincia de Buenos Aires. Un año más tarde regresó a la ciudad Capital y ejerció la docencia.

Por 1870 obtuvo una cátedra de matemáticas en el siempre famoso Colegio Nacional de Buenos Aires, fundado por Bartolomé Mitre a solo dos años de haber llegado.

Y fue allí donde conoció a José Manuel Estrada y Pedro Goyena, hoy próceres ,dos hombres de letras y gran participación política ambos dirigían «las tertulias «de la “Revista Argentina”, de las que Groussac formó parte.

Prontamente escribió en diarios y revistas, y se convirtió en director de la Biblioteca Pública de Buenos Aires, hoy Biblioteca Nacional, creada por Decreto de la Junta de Gobierno de la Revolución de Mayo el 7 de septiembre de 1810. Inaugurada el el 16 de marzo de 1812 por el Dr, Mariano Moreno actual prócer nacional.

Es la principal biblioteca argentina y una de las más importantes de América y estuvo en ese puesto nada menos que por 45 años.

8e59230f86c91cd25895a4c7826458ba

Su gestión resultó increíble.

Bajo su mandato, y en el propio año de su asunción -1885, la Biblioteca alcanzó nada menos que el carácter de Nacional. Fue Paul Groussac quien sentó las bases de tal institución, y quien inauguró su anterior edificio, situado sobre la calle México.

borges-y-paul-groussac-un___FdyCza4mI_720x0__1

Fue allí, en el corazón del querido barrio de San Telmo, que la Biblioteca Nacional funcionó hasta el año 1992 a modo de gratitud, se rebautizó el edificio : “Anexo Sur Borges-Groussac”

Paul Groussac había visto vida pasar por delante de su escritorio toda la historia argentina.

Groussac-transas

El nacimiento de la Unión Cívica Radical, la inauguración de la Avenida de Mayo, la fundación del Partido Socialista, la aparición del tranvía eléctrico, la apertura del nuevo Teatro Colón, los festejos del Centenario de la Independencia, la sanción de la Ley Sánez Peña, y hasta el desarrollo de la Primera Guerra Mundial como telón de fondo, entre tantísimos e importantísimos otros acontecimientos.

D_NQ_NP_641927-MLA28149037914_092018-O

Todo ello vio pasar Paul Groussac y quiso dejar huella de “Los que pasaban”, tal y como tituló a su libro publicado en 1919. Decidió contar la historia del país que lo había acogido, desde su llegada a Buenos Aires hasta el estallido de la primera Gran guerra internacional.

th

AMMS_f5466c389911e6524cc4524fb107ace4

José Manuel Estrada y Pedro Goyena, sus referentes de juventud, hasta Carlos Pellegrini, Nicolás Avellaneda y Roque Sáenz Peña.

Durante su gestión …

Contribuyó a la sistematización creando, entre otros, un Catálogo Metódico de la Biblioteca Nacional, un Catálogo de documentos del Archivo de Indias, un Catálogo de revistas y periódicos y un Repertorio Cronológico y Alfabético del Catálogo de Documentos; también fundó dos publicaciones, La Biblioteca y Anales de la Biblioteca.​

Amplió el patrimonio bibliográfico… aumentado en gran cantidad en 1893 la Biblioteca contaba con 62.707 volúmenes, y construida una nueva sede en el número 564 de la porteña calle México.

Entre 1900 y 1915 Groussac organiza los Anales de la Biblioteca, una publicación en 10 volúmenes que dedicada a “documentos relativos al Río de la Plata” y en la cual también participa activamente.​

La-Literatura-Argentina_01_tapa

La Revista de la Biblioteca ​

Fundada en 1886, publicaba artículos sobre historia, ciencias y letras, en ella escribieron grandes intelectuales de la época.

A partir del primer número, Groussac fue publicando allí una completa historia de la Biblioteca Nacional, fruto de sus investigaciones historiográficas. En 1898, a raíz de la polémica con Norberto Piñeiro sobre el Plan de operaciones, Groussac recibe un» llamado de atención» del ministro de Justicia Culto e Instrucción Pública, quien le recuerda que Piñeiro es en ese momento era diplomático argentino y que la revista La Biblioteca, desde la cual el francés atacaba a este último, recibe fondos de la nación. En respuesta al ministro, Groussac anuncia el cierre de la publicación​ que contaba en ese momento con 8 números y efectivamente desapareció ese año.

Su libro Del Plata al Niágara, escrito en 1893 y publicado en 1897, Groussac rechaza el modelo de país de Estados Unidos, con sus ciudades desarrolladas y homogéneas, y su sociedad democrática e igualitaria, la que calificó de «niveladora». Según el historiador Marcos Cantera Carlomagno, Groussac fue quien inició el antiamericanismo.

Los diarios y revistas también fueron emisarios de sus palabras. “La Nación”, “La Prensa” y “El Diario”, por el lado argentino, y “Le Courrier Français”, por el lado de Francia y bajo su propia dirección, publicaron hartos artículos de su autoría. Muchos de ellos, bajo diversos seudónimos.

Como crítico, Groussac fue muy conocido por su carácter despiadado e intratable, y por su sarcasmo fulminante.

9789879350331

Sólo que su pluma no sólo se limitó al ámbito político. Paul Groussac fue activo partícipe de discusiones literarias, en las que no quedaban afuera ni Shakespeare ni Cervantes. Ni los grandes músicos quedaban fuera de sus conocimientos … amaba a Beethoven es más, a su esposa, la conoció cuando interpretaba una Sonata de Beethoven en Santiago del Estero su provincia natal y había contraído matrimonio en 1879, la joven santiagueña perteneciente a la alta sociedad, Cornelia Beltrán Alcorta, hija de José Lino Beltrán Talavera y de Mercedes Alcorta Aranda, pariente de Amancio Alcorta y del músico Alberto William. La había conocido en uno de sus viajes como inspector nacional de educación.

unnamed

Llegó a concebir una obra treatral, “La Divisa Punzó”. Escrita en febrero de 1922, estrenada en el Teatro Odeón con una sala repleta.

tmb1_787170_201810201854300000001

Antigua fotografía de 1920 en una visita a Mar del Plata.

El sarcasmo, la fiereza y el despojo de Groussac no pasaron desapercibidos para Borges, escritor de la “Revista Sur”, fundada por Victoria Ocampo, en aquellas páginas destaca al fallecido Paul.

Lo que pervive de Groussac es el prodigioso arte del desdén, las astucias de la refutación, los procedimientos retóricos que permiten equiparar ciertas formas irónicas a la alta poesía. La otra se refiere a la tradición satírica. Su maligno esplendor engrandece la olvidada obra de Paul Groussac.

Borges, lo recordó bajo el título de “ Arte de injuriar”1933 un artículo en la revista Sur y entre 1955-1973 Borges ocupó el puesto de Groussac como director en la Biblioteca Nacional.

Trabajó incansablemente por un país que no era el suyo… pero lo amaba como tal.

Fruto_vedado_-_Paul_Groussac.pdf

El poeta nicaragüense Rubén Darío le dedica a Groussac una obra intitulada Coloquio de los Centauros, en la que se lee:

«Por suma ley un día llegará el himeneo que el soñador aguarda: Cinis será Ceneo; claro será el origen del femenino arcano: la Esfinge tal secreto dirá a su soberano.»

Su póstuma reputación fue apoyada por menciones frecuentes en los ensayos críticos de Jorge Luis Borges, quien escribió inclusive su necrología.

En el ensayo autobiográfico La ceguera, Borges mencionó la influencia de Groussac sobre Alfonso Reyes el escritor poeta y pensador mexicano, a quien apreciaba mucho:

«Alfonso Reyes me dijo: Groussac, que era francés, me enseñó cómo debe escribirse en castellano.»

Portada de la primera edición de Fruto vedado, libro de Groussac publicado en 1884.

Notable

Los tres directores de la Biblioteca Nacional ejercieron el cargo estando ciegos: José Mármol, Paul Groussac y Jorge Luis Borges.

José Mármol el famoso autor de «Amalia» fue director de la entonces Biblioteca Pública de Buenos Aires entre 1858 y 1871. En el año que asumió el cargo ya tenía problemas de visión, en 1861 perdió la de su ojo derecho. Su situación fue empeorando, cuando murió estaba prácticamente ciego, era todavía director de la biblioteca. Borges, no veía prácticamente nada cuando su gestión comenzó y Groussac…como Mármol, ejerció el cargo hasta su muerte, pasó los últimos 4 años de su vida ciego. En su Poema de los dones, Borges nombra a Groussac y describe esta circunstancia excepcional que los identifica.

La actual Biblioteca Nacional

15998538130-Biblioteca-Nacional-773x458

Paul Groussac, como buena «rara avis» que era, supo ganarse con creses todo lo alcanzó.

En el año 1925 perdió el ojo izquierdo, y, para colmo de males, un glaucoma afectó también su ojo derecho. De modo que la ceguera fue su destino final cuatro años más tarde. En 1929, un 27 de junio y a los 83 años de edad, falleció en Buenos Aires, fue sepultado en el Cementerio de la Recoleta y años más tarde trasladado a su mausoleo definitivo erigido en el Cementerio de la Chacarita.

Se ganó con honores, su presencia en la «Vitrina de la historia argentina».

Barroco… si los hay

España fue uno de los pilares fundamentales de la Contrarreforma de la Iglesia y Los Jesuitas defendieron las indiscutibilidad del dogma, el poder de la Iglesia y tomaría este estilo para sus futuros templos.

El arte en este período será utilizado como argumento convincente del catolicismo. Nunca un estilo alcanzó tanta y prolongadas resonancias en la plástica popular. El Barroco español es una mezcla de ornamentación abundante y sobriedad pero a diferencia del barroco europeo es emotivo.

Después de la época de la severa austeridad del Escorial, el Barroco parece dispararse de manera explosiva en innovaciones llenas de fantasía creadora ya que cada autor es diferente lo que hace prácticamente imposible una agrupación por escuelas.

El caso de la Iglesia -Museo de San Nicolás de Bari y San Pedro Mártir de Valencia no fue el único, muchos templos se agiornaron de alguna manera a este nuevo estilo que lo invadió todo en pocas décadas y por más de un siglo.

Voltes_de_l'església_de_sant_Nicolau,_València

Algo de la historia de san nicolás...

Los musulmanes llegaron a Valencia por 718- y varios siglos después por 1238 bajo el mandato de Jaime I se reconquistó la ciudad. En1239 según el historiador Esclapes esta era una ermita que fue dedicada a San Nicolás obispo.

San Nicolás, originalmente fue obispo de Mira-Turquía y por invasiones árabes posteriores sus restos fueron llevados a Bari-Italia tomando de esa ciudad el nombre.

San Pedro Mártir fue un santo dominico de la ciudad de Verona – Italia que murió mártir.

Fueron precisamente los dominicos los que dedican esta Parroquia a San Nicolás Obispo, patrón de la Orden, pues su fundador, Santo Domingo de Guzmán, por aquel entonces escribía las Constituciones de la Orden de Predicadores en el Convento de San Nicolás de Bari de Bolonia -Italia.

Iglesia_de_San_Nicolás_de_Valencia_11

La parroquia, está en el Centro Histórico de la ciudad, en la calle de Los Caballeros 35 y tiene 41, 34m de longitud con una altura 8,60 por 13,m. de ancho declarada Monumento Histórico Artístico Nacional desde 1981. Su aspecto exterior es de una sencilla iglesia que quizás puede pasar desapercibida… El gótico, fue el estilo de los templos que eligieron los predicadores acorde con el pensamiento de su fundador: Santo Domingo de Guzmán.

Por 1419 Alonso de Borja el futuro papa Calixto III realiza la construcción del ábside, la sacristía y dos capillas contiguas al ábside.
En 2455 se amplía la planta hacia los pies terminándose en 1746 quedando un templo gótico de una nave con capillas y bóveda de crucería simple.

Más tarde, se dedicó un altar a San Pedro Mártir, puesto que se produjo un milagro salvando la vida a un recién nacido, la devoción en Valencia por este santo creció tanto, acabando cotitular de la Parroquia. Mantiene en su Altar Mayor, la titularidad de ambos santos pero popularmente se la llama…de San Nicolás.

La transformaciónLa fiebre del Barroco

El templo, por fuera, presenta un estilo gótico del siglo XV, mientras que su interior está decorado en estilo barroco del XVII.

Desde 1690, gracias al arquitecto Juan Bautista Pérez Castiel, Arcos y bóvedas se rellenan con estucos, dando como resultado una bóveda «diferente». Aristas, arcos y bóvedas góticos quedan suavizados, preparando la superficie para recibir la decoración pictórica.

Antonio Palomino había sido invitado a Valencia por el canónigo Victoria, es el momento en el que el pintor desarrolla su actividad en la ciudad. Trabaja en la Basílica de Nuestra Señora de los Desamparados, en la iglesia parroquial de los Santos Juanes y también en San Nicolás. Para esta última diseña un complejo programa iconográfico, hábilmente adaptado al espacio arquitectónico, basado en la vida de los dos santos titulares de la parroquia, que será ejecutado por su discípulo: Dionís Vidal. La etapa de la decoración barroca se hace 1697-1700 –

En los siglos XVII y XVIII Valencia experimenta cambios urbanísticos que afectan de manera sustancial a los antiguos edificios religiosos. San Nicolás también vive su transformación.

1454598773_537034_1454599358_sumario_normal_recorte1

Autorretrato de Dionisio Vidal, quien pintó los 2.000 m² y su maestro  pintor y tratadista  Antonio Palomino vestido de negro, quien la diseñó.

Església_de_sant_Nicolau_de_València,_volta_amb_frescos

Aberturas ficticias sugieren la vista del cielo. Cada tramo que forma la bóveda narra un episodios de la vida de ambos santos. En el presbiterio, una gloria de ángeles, doctores de la iglesia y arquitecturas fingidas. Acompañan las escenas de la vida de los santos, una pléyade de imágenes alegóricas. Casi 2000 m2 de pintura al fresco.

La profusa decoración …no da respiro a nadie

La bóveda de los dos santos ... se representaron sus milagros y muerte

La bóveda se divide en 12 lunetos, seis a cada lado, que ilustran vida y milagros de los titulares del templo

San Nicolás Obispo. En el lado derecho, mirando el altar mayor -sur.

San Pedro Mártir. Lado izquierdo -norte.

Luneto 1

San Nicolás– curación de la anciana inválida – San Pedro Mártir– Pedro de Verona- de niño, recita el Símbolo de la Fe a su tío hereje.

Luneto 2

San Nicolás – el milagro de las tres doncellas –Fr. Pedro recibe el hábito dominico de manos de Santo Domingo de Guzmán en el Convento de San Nicolás, de Bolonia

Luneto 3

San Nicolás– la resurrección de un niño – Pedro de Verona cura a un niño mudo.

Luneto 4

San Nicolás – la resurrección de los tres niños- Por su predicación, Pedro de Verona obtiene la conversión de los oyentes

Luneto 5

San Nicolás – enfrentamiento con Arrio en el Concilio de NiceaSan Pedro Mártir – el martirio de San Pedro de Verona

Luneto 6

San Nicolás– muerte del santo – San Pedro Mártir sobre su sepulcro

En el presbiterio los Dos santos titulares del Templo…

contexto_historico_san_nicolas_1

Las pinturas tenían alterada su policromía

Gianluigi Colaucci, director de la última restauración de la obra de Miguel Ángel en la capilla Sixtina del Vaticano, participó en el proyecto de la capilla de San Nicolás y la bautizó como la Capilla Sixtina valenciana.

El restaurador italiano ha elogiado el “excelente y rápido” trabajo realizado por el equipo interdisciplinar del IRP de la UPV en esta recta final. “Antes de la restauración, era imposible ver prácticamente nada; el trabajo realizado hasta hoy ha puesto al descubierto una riqueza cromática exquisita. Estoy convencido de que esta iglesia va a ser mucho más visitada después de este proyecto”.

El equipo multidisciplinar del departamento de conservación y restauración de bienes culturales de la Universidad Politécnica de Valencia fueron los encargados de llevar adelante este proyecto dirigidos por la catedrática Pilar Roig y financiados por la Fundación Hortensia Herrero. Para su perfecta restauración se utilizaron técnicas muy avanzadas por los investigadores de la Universitat Politècnica de València han hecho uso de bacterias “educadas” en laboratorio para limpiar las obras de arte, rayos láser para la recuperación de zonas más resistentes a la limpieza, ultravioletas e infrarrojos que han permitido comprobar si había repintes o no, micro emulsiones y geles quelantes, y estratigrafías para ver las capas de pinturas y materia acumuladas.

1454606715_549922_1454613832_album_normal

La primera en Limpiarse con este sistema fue La Santa Madre de la Iglesia sobre la puerta de entrada al templo

«Ha sido una restauración hecha por la sociedad civil. No es el Estado quien debe implicarse en la protección del patrimonio», señala Antonio Corbí, su párroco, quien agradece la labor de mecenazgo de la fundación que preside la empresaria Hortensia Herrero, esposa del propietario de Mercadona, Juan Roig.

La Obra abrió al público el 30 de julio del 2020 mostrando, sus casi 2.000 medros cuadrados de frescos pintados por Dionís Vidal es el conjunto pictórico más grande de España con una restauración inusual en la ciudad de Valencia considerada única, sin precedentes.

Recetarios de cocina…

Recetas son recetas… y a no dudar…

babilonian-recipe

El libro de cocina más antiguo que se tiene noticia, se compone de tres tabletas de arcilla cuneiforme, datadas 1700 a.C., provenientes de Mesopotamia y actualmente en la Universidad de Yale.

Este tratado de cocina tan especial, menciona como base de la alimentación en Mesopotamia unas papillas espesas tipo polenta y líquidas. También cita una masa para galleta que permite realizar diversas preparaciones que todavía se conocen en Líbano y en Túnez. La mantequilla, la leche, el pescado fermentado algo parecido al nuoc-mâm asiático o al garum romano son ingredientes básicos y consta que el ajo, la cebolla, el puerro y la cerveza aparecen en casi todas las recetas.

«Caldo rojo
No lleva carne. Pones agua. Pones grasa.
Salado. Intestinos o tripas. Sal en granos sin calcular. Cangrejo en migas.
Cebolla. Samidu. Cominos. Coriandro. Puerro. Ajo prensado.
Después de mojar la carne en la sangre, lo juntas todo en el caldero. «

Recetario de Marcus Gravius Apicius-1541

Considerado el primer gastróno

Caius-Apicius-Gastronomo

» Para preparar el flamenco (y el loro).
Escaldar el flamenco, limpiar y vaciarlo. Colocarlo en un caldero, añadir agua, sal, eneldo y un poco de vinagre. Llevar a ebullición. Terminar la cocción con un manojo de puerros, coriandro y añadir mosto concentrado para darle color. En el mortero, picar pimienta, cominos, coriandro, raíz de laserpitium, menta, ruda, mojar con vinagre, añadir dátiles y caldo de ave braseada, dejar espesar la salsa. Cubrir el flamenco con la salsa y servir. El loro se prepara de la misma manera. «

apicius_1541

«Tortilla de sardinas.
Limpiar sardinas quitándoles la piel y los huesos. Romper y batir huevos. Mezclarlos con la mitad del pescado. Añadir caldo, vino y aceite. Calentar. Cuando está en su punto, añadir el resto de las sardinas, dejar a fuego lento un momento para que la mezcla cuaje. Darle la vuelta encima de un plato, verter salsa de vino caliente, salpicar con pimienta y servir.»

Guillaume Tirel, llamado Taillevent (132?-1395), fue el cocinero medieval más famoso de Francia. Cocinero para varios reyes franceses, plasmó su arte culinario en un texto llamado «Le Viandier».

Viandier_de_Taillevent

En realidad, no se sabe exactamente si Taillevent creó realmente las recetas o si realizó una recopilación de las que conocía. Sin embargo, Le Viandier no deja de ser el texto culinario más difundido de la época.

399px-Le_livre_de_Taillevant

Con Taillevent, la cocina empieza a considerarse una ciencia, con sus reglas y sus leyes. En general, se trata de una cocina muy rica y elaborada, que utiliza mucho las especias ; pero hay también platos más sencillos, en particular, en el caso de los platos «magros» de Cuaresma.

Alrededor de 1486, Le Viandier entró en imprenta sin una fecha o lugar de portada, pero esto era sin duda París.

Receta del Té

Recetas del Jesuita que volvió de China -1664

«Té con huevos«
El jesuita-dijó a Mr. Waller que allá proceden a menudo de esta manera. Para casi una pinta de infusión, coger dos yemas de huevos recientemente puestos, y batirlas muy bien con un azúcar muy fino en cantidad suficiente para esta cantidad de licor. Cuando estén bien mezclados, verter el té encima de los huevos y el azúcar, y revolver todo bien. Bébalo caliente. Eso es para cuando llega a casa después de realizar gestiones fuera y tiene mucha hambre y no es hora ni conveniente de hacer una comida consistente. Eso satisface todas las necesidades del estómago, vuela de repente a través de todo el cuerpo y en las venas, da muchas fuerzas y preserva durante un buen momento de la necesidad de comer. Mr. Waller descubrió que todos estos efectos se deben a los huevos. Dijo que aquí dejamos el agua caliente demasiado rato encima del té, lo cual hace que se disuelven las calidades saludables de la hierba.

El agua no debe permanecer encima del té más que el tiempo de decir el «Psalmo del Miserere» muy despacio. Entonces verterla encima del azúcar o el azúcar con huevos. Es cuando tiene la parte espiritual del té, que es mucho más activa, penetrativa y natural. Puede coger un poco más de hierba, aproximadamente una dracma de té servirá para una pinta de agua, lo que corresponde a tres bebidas ordinarias. »

Sir Kenelm Digby 1603-1665

Diplomático inglés, apasionado por temas tan diversos como: la cocina, la medicina, la esgrima, la astrología, la alquimia, la literatura o la filosofía natural y… un retrato de Van Dick.

kenelm_digby_1603-1665_by_anthony_van_dyck

Escribió para su propio uso el libro The Closet of the Eminently Learned Sir Kenelme Digbie Knight Opened, pero gracias a su mayordomo y a su hijo se publicó por primera vez en 1669 después de su muerte.

closet_of_sir_kenelme_digbie_title_page

«Caldo portugués, tal y como se hacía para la Reina»
Haga un caldo muy bueno con magro de ternera y oveja, y una gallina o un gallo joven. Cuando ha hecho espuma, ponga una cebolla troceada y, si le gusta, un diente de ajo, un poco de perejil, una ramita de tomillo, menta, un poco de melisa, semillas de cilandro rotas, un poco de azafrán, un poco de sal, pimienta y un clavo. Cuando la preparación ha hervido, y que el caldo está bueno, lo puede beber así, o eche un poco de caldo encima de unas lonchas de pan tostado, y cocerlo, hasta que el pan haya bebido todo el caldo ; entonces, añadir un poco más de caldo, y cocer, y proceder así poco a poco, para el pan se impregne y se hinche, si echa el caldo de una sola vez, el pan no se hinchará y crezca como una jalea y entonces, tendrá una buena sopa. Puede añadir raíces de perejil o puerros, col o endivias, cuando el caldo hierve, y con tiempo suficiente para que se hagan tiernos. En verano, puede poner lechuga, acereda, verdolaga y borraja, o cualquier hierba aromática que le guste. Pero las hierbas verdes le quitan fuerza y cremosidad a la sopa»

Anna Christina Warg 1703-1769.

719px-cajsa_wargs_kokbok

Warg fue cocinera y gobernanta de casa poderosas de Estocolmo. El libro, publicado por primera vez en 1755 y reeditado unas catorce veces hasta 1822, traducido al alemán y el finés-es un tratado de economía doméstica, además de recetas de cocina y diversos consejos para llevar el hogar. Se trata de un documento valioso ya que describe la cocina sueca antes de la introducción de las patatas, que todavía hoy constituyen un ingrediente básico en ese país.

Amelia Simmons – primer libro estadounidense

OIPsimmons-american-cookery1

Enteramente gestado en Estados Unidos- American Cooke

Fue redactado por una mujer, Amelia Simmons, y se publicó en 1796.

El famoso pavo asado de Thanksgiving Day, una valiosa fuente de información sobre los orígenes de la cocina de ese país.
«Para rellenar y asar un pavo
Una libra de pan de trigo rallado, 3 onzas de sebo de ternera, 3 huevos, un poco de tomillo, mejorana, pimienta y sal, y ciertas personas le añaden un cuarto de pinta de vino. Llevar el ave con eso y cocerla, colgarla en un buen fuego constante, rocíando a menudo con sal y agua, y asar hasta que el pecho eche vapor ; poner un tercio de libra de mantequilla al jugo, espolvorear harina encima del ave y rociar con el jugo ; servir con cebollas hervidas y salsa de arándanos, mangos, encurtidos o apio .Ciertas personas no ponen hierbas finas, y añaden perejil con patatas.

Hervir y hacer un puré con 3 patatas, mojarlas con mantequilla, añadir hierbas finas, pimienta, sal. Rellenar y asar. «

Marie-Antoine Carême o Antonin Carême  1785–1833

220px-M-A-Careme

Gastrónomo y chef francés, considerado uno de los padres de la alta cocina haute cuisine.

Carême realizó muchos adelantos, la fabricación de diversos utensilios y  mejoras en las normas de higiene. A su vez, los fondos y las salsas de Carême se consideran  «la base» de lo que es la cocina en la actualidad.

Introdujo del famoso uniforme blanco, tomó esta medida cuando visitó las cocinas rusas, se espantó al percatarse del desorden y la falta de higiene que tenían dichos cocineros.  El uso de gorro inspirado en los tocados que utilizaban las damas de la corte austríaca.

Fue uno de los primeros en preocuparse por fomentar una adecuada nutrición. Es conocido por haber sido el primer estudioso europeo de las salsas en la cocina francesa en su obra L’art de la cuisine française 5 volúmenes, 1833–34.

Jean Anthelme Brillat-Savarin -1755-1826

jean_anthelme_brillat-savarin

Famosísimo gastrónomo francés. Alcalde de un pueblo cerca de los Alpes antes y después de la Revolución Francesa.

Era un hedonista total!. Aunque publicó varias obras de economía política y de derecho, es recordado por su Physiologie du goût, ou méditations de gastronomie transcendante -Fisiología del gusto, o Meditaciones de gastronomía trascendente- Se publicó por primera vez, sin nombre del autor, en 1825, dos meses antes de su muerte.

En 1838, se volvió a publicar el texto, acompañado de un prólogo famoso del escritor Honoré de Balzac : Traité des excitants modernesTratado de los excitantes modernos.
Más que un libro de recetas, el tratado de Brillat-Savarin recoge meditaciones sobre las técnicas culinarias, ingredientes, los placeres de la mesa, la gula e incluso sobre la forma de comer de distintas clases sociales.
Se le considera el padre de las dietas bajas en hidratos de carbono, ya que consideraba que el azúcar y la harina blanca eran causa de la obesidad y en su lugar, proponía el consumo de ingredientes ricos en proteínas… un adelantado sin lugar a dudas.

Honoré de Balzac1799-1850

hbalzac

Balzac  escribe La comedia humana- uno de los mayores proyectos narrativos de la historia de la literatura.

En 1830, Balzac publicó un estudio sobre los excitantes modernos y en este encontramos un texto llamado la Fisiología Gastronómica.

“El glotón ignora el principio elemental de la gastronomía, ¡el arte sublime de masticar!”

Otro texto sobre «el café» el escritor dice:

“Mucha gente atribuye al café el poder de otorgar ingenio; pero todo el mundo puede comprobar que los aburridos aburren aún mucho más después de haberlo ingerido”.

Balzac_Couverture_Edition_1851_Gallica

Balzac tenía puntos de vista muy peculiares sobre los efectos del alcohol en el destino de los pueblos, escribía: “Los cereales han creado pueblos de artistas, mientras que el alcohol ha aniquilado a las razas de América. Para mí, la aristocracia Rusa está sostenida por el alcohol.”

Salpimentar el trozo de corzo y ponerlo en una fuente de barro,  agregar la cebolla trozada, la zanahoria cortada en rodajas, el tomillo, la hoja de laurel, la pimienta, el ajo. Cubrirlo con el vino  dejándolo en adobo durante 24 horas. Darle la vuelta de vez en cuando. Luego, sacarlo y limpiarlo. Cortarlo en dados grandes. Poner la fuente  con la maceración al fuego hasta que se reduzca a una cuarta parte. En un sartén, freír en  el aceite caliente el tocino cortado en dados. Cuando esté dorado sacarlo con una espumadera y reservarlo. Dorar  en el aceite la carne sazonada con sal y pimienta. Se pasa por un colador la maceración reducida y se agrega a la carne junto con los dados de tocino. Hacer un ramillete con el laurel, la rama de tomillo, y el  perejil, atarlo bien y agregarlo a la carne. Tapar la cazuela y dejar cocinar por dos horas a fuego lento hasta que la carne esté tierna. Si se seca demasiado agregarle un poco de caldo.  Freír media cebolla, 1/2 zanahoria y un diente de ajo hasta que se doren. Añadir el puré de tomate y un poco de la salsa de la carne. Mezclar bien y agregar la sangre. Incorporar el chocolate rallado y una pizca de nuez moscada. 10 minutos antes de terminar la cocción, agregar el civet y cocinar durante otros 15 minutos moviendo de vez en cuando la cazuela para que no se corte la sangre y ligue bien. El civet no debe moverse con espátula, sino sacudir cada tanto la cazuela. Servir muy caliente.

Tiene frecuentes referencias a la comida en sus obras aseguraba: «aún no se conoce un hombre que se haya entristecido con una buena comida.”

Alejandro Dumas- 1802-1870

AMMS_54e597b9f083e7aefa4ddf1ba03c4048

dumas-cenando

En 1869, Dumas, agotado y arruinado va a Bretaña a descansar, quizás para compensar su falta de apetito, empieza a escribir su Grand Dictionnaire de cuisine . dirigido tanto a los especialistas como a los neófitos.

La cocina siempre ocupó un gran lugar en la vida de Dumas : siempre organizaba fiestas, cenas fabulosas no desdeñaba ponerse al frente de los fogones… Su obra narrativa está plagada de referencias gastronómicas, como por ejemplo: los banquetes de los Mosqueteros o las cenas refinadas de Monte-Cristo…

Alexandre Dumas cenando con: Eugène Delacroix, Georges Sand, Charles y Marie Nodier – Grabado anónimo del S. XIX

dumas-grand-dictionnaire-cuisine

El Grand Dictionnaire de cuisine es una guía más que un manual.

El objetivo de Dumas era iniciar en el «arte de la cocina», animando a sus lectores se acerquen a los fogones y desarrollen su propia creatividad e inventiva…

Tostadas de anchoas
«Freír en aceite unas rebanadas de pan, finas y largas. Prepararlas en una bandeja vertiendo encima una salsa hecha con aceite de oliva virgen, zumo de limón, pimienta, perejil y cebollino. Colocar encima de las rebanadas filetes de anchoas que habrá lavado previamente con vino blanco. «

» Huevos con parmesano
Ponga todos los huevos que quiera en una cazuela, con parmesano, un poco de pimienta, nada de sal. Batir los huevos como para hacer tortilla ; hacer cinco tortillas pequeñas. Pongan encima parmesano rallado. Enrollar la tortilla y colocarla en la bandeja que piensa utilizar para servir. Echar por encima el parmesano. Limpiar la bandeja. Colocarla al horno o con una tapa. Sólo hace falta un cuarto de hora para glasear y cocer el parmesano, pero sobre todo hay que servirlo caliente. «

Pellegrino Artusi 1820-1911

pellegrino_artusi

Crítico literario, escritor y gastrónomo italiano nacido en la provincia de Emilia-Romaña. La familia Artusi se trasladó en 1865 a Florencia y Pellegrino decidió dedicarse a sus dos pasiones: la literatura y la gastronomía. Al principio no tiene demasiado éxito y en 1891 publica, pagando él los costos, un libro, el primero en recoger en un solo volumen recetas de las diferentes provincias italianas y hace de su autor «el padre de la cocina nacional italiana».

artusi-scienza

» Gnocchi alla romana
Estas bolas de masa hervida, que he modificado y dosificado de la siguiente manera, espero que les gusten a los que las vayan a probar. Si esto ocurre, haga un brindis a mi salud si yo estoy vivo, o envíeme un requiescat si he muerto.
Harina, 150 gramos.
Mantequilla, 50 gramos.
Queso gruyere, 40 gramos.
Queso parmesano, 20 gramos.
Leche, medio litro.
Huevos, 2.
Se dice que en la mesa el número de invitados no debe ser menor que el número de las Gracias, ni más que el número de las Musas. Si no conoce el número de las Musas, duplique la dosis. Deje que la mezcla cuaje y luego, hacer bolas pequeñas en una bandeja que pueda ir al fuego y sazonar con el resto de la mantequilla en pequeños trozos, y el queso parmesano por encima, pero no en la superficie, dado que el parmesano, con el fuego, suele hacerse amargo. Se doran debajo de una tapa de hierro o en la olla y se sirven calientes. «

Auguste Escoffier 1846 – 1935

escoffier

 Cocinero, restaurador y escritor culinario francés, que popularizó y actualizó los métodos de la cocina francesa tradicional.

Creó muchos platos famosos. En 1893 inventó el postre Melba en honor de la soprano australiana Nellie Melba. También puso nombre a los Tournedos Rossini en honor del compositor italiano Giácomo Rossini. En 1889 Escoffier y Ritz abrieron el Hotel Ritz en Paris, en 1899 el hotel Carlton de Londres, donde Escoffier introdujo por primera vez el menú «a la carta».  En 1902 Escoffier publicó su primer libro de éxito- La Guía Culinaria, que contenía 5.000 recetas. Alrededor de 1920 Escoffier se convirtió en el primero cocinero que recibió la Legión de Honor y en 1928 se le nombró Oficial de la Legión.

Gran parte de la técnica de Escoffier se basaba en la de Antoine Carême, el fundador de la haute cuisine francesa, pero el gran logro de Escoffier consistió en simplificar y modernizar el estilo elaborado y decorado de Carême.

Junto con las recetas que innovó, otra de sus contribuciones fue elevar la categoría social y el respeto a la profesión de cocinero, introduciendo disciplina y sobriedad donde antes había rudeza y embriaguez.

Organizó sus cocinas con el sistema de brigadas, con cada sección dirigida por un jefe de partida. También cambió la práctica del «servicio a la francesa» por el «servicio a la rusa», servir los platos en el orden en que aparecen en la carta. 

CondesaEmilia Pardo Bazán 1851-1921

Retrato de Emilia Pardo Bazán 1896, del pintor Joaquín Vaamonde Cornide.

Emilia_Pardo_Bazan_1896-e1622108623489

R2cbe4166341e299792c46217494c8b04

La escritora, confiesa su temor  que se vayan olvidando los recetarios tradicionales españoles .

«Hay que apresurarse a salvar las antiguas recetas», escribe.
Incluye recetas de platos como migas o hasta percebes, que en su momento eran una «comida vergonzante», dejando claro que   merece la pena, que son valiosas.

En su segundo libro-de 1918, sigue intentando ser fiel a la comida y a las tradiciones, visto desde el siglo XXI, es una especie de visionaria de la cocina y el slow food.

 Como bien decía «Hay platos de nuestra cocina nacional que no son menos curiosos ni menos históricos que una medalla, un arma o un sepulcro».

EUjOJ1RXYAE5set

Petrona Carrizo de Gandulfo1898-1992– Argentina- santiagueña su obra: «El libro de Doña Petrona» fue un éxito editorial durante décadas. Su 1ra edición fue en 1934 llegó a vender más libros que el célebre Jorge Luis Borges. Llegó a ser toda una institución en la TV Argentina con su ayudante: Juanita, a tal punto en que las familias de entonces usaban la muletilla: «Aquí no hay ninguna Juanita…. hacetelo vos»

La antigua receta de «las poderosas»

AMMS_643acb1d91080308b32c0a589a7cecb2

Empanadas santiagueñas– grandes

Relleno: 1 k de grasa de vaca, 1 k de cebolla, pimentón, ají molido, 1 cucharada de agua, sal 1 k de carne tierna, comino, 1 cucharada de vinagre, 5 huevos duros, 100 g de pasas de uva sin semilla.

Cocinar la cebolla picada en la grasa y, antes que se dore, agregar 1 cucharada de pimentón y 1 de ají molido, la cucharada de agua y sal. Cocinar 1 minuto, retirar y dejar enfriar. Reservar. Cortar la carne a cuchillo en pequeños daditos. Pasarla rápidamente por agua hirviendo y colar. Extenderla en una fuente grande para que se enfríe. Condimentar con sal, comino, vinagre y ají molido.

masa:
• 1 kg. de harina 000
• Sal muera (una taza de agua caliente y una cda. de té de sal gruesa)
• 200 gr. de grasa.
Poner sobre la mesada en forma de aro la harina, en el centro colocar la grasa y un poco de sal muera. Comenzar a mezclar desde el centro agregando el resto de la harina hasta formar la masa. Dejar descansar la masa 30 min, estirar fina y cortar las tapas de 16/18 cm de diámetro. Apilar enharinando levemente.
ARMAR LA EMPANADA: Tomar una tapa, colocar 1 cda. de la cebolla, sobre esta 1 cda. de carne y alrededor de unas pasas de uvas, un poco de huevo duro picado y un poquito de aceitunas, humedecer el borde, doblar al medio, presionar y hacer «el repulgue».
Colocar en una chapa limpia y poner en el horno temperatura mediana unos 20 min aprox. Sacar del horno: Deben estar bien dorada
s.

Kitchen-Utensils6

Horowitz… un «fenómeno»

Vladimir_Horowitz_1986

Vladimir Samoliovich Gorowicz, era su verdadero nombre. Había nacido el primero de octubre de 1904, no en Kiev como muchos han señalado sino en Berditchev, suburbio industrial situado a un centenar de kilómetros de la capital ucraniana.

AMMS_c79e87e463f0105b55e48e914c8f57b7

Pasada la guerra bolchevique, fue aprovechado por el Estado. Junto con el violinista Nathan Milstein, ambos de ascendencia judía, rusos y notables intérpretes, eran emblema de lo que era capaz de producir el nuevo régimen estalinista.

Les fue organizada una gira, primero por el país y luego por Alemania, donde Horowitz decidió quedarse e iniciar su carrera internacional.

Comenzó su aprendizaje de piano a temprana edad, primero a cargo de su madre que había sido pianista competente. En 1912 ingresó al conservatorio de Kiev, donde estudió con Vladímir Puchalski, Serguéi Tarnovski, y Félix Blumenfeld. Se graduó en 1919 interpretando el Concierto para piano nº 3 de Rajmáninov, y su primer recital como solista tuvo lugar en 1920.

Cuenta la leyenda que después de escucharle interpretar su Concierto nº3 para Piano y Orquesta, una de las cumbres de la música clásica del siglo XX, Rachmaninov anunció que nunca más lo volvería a tocar en público.

En 1925, las autoridades soviéticas le autorizaron a salir de la URSS para un curso de aprendizaje, pero él convirtió el viaje en una gira por toda Europa occidental en la que se destapó como el nuevo Rubinstein.

En enero de 1926 Vladimir Horowitz ofrece su primer recital en Berlín y causa una enorme impresión, de tal manera que es invitado a tocar en Londres, París y Nueva York. Al año siguiente, las autoridades soviéticas le reclaman participar en el Concurso Chopin de Varsovia, representando a la URSS, pero Horowitz no se presenta y así se hace pública su renuncia a regresar a tierras soviéticas.

Le bautizaron como «el tornado desatado de las estepas». Se centró, en el repertorio romántico.

En 1928 actuó en Nueva York y entusiasmó a Manhattan en el Carnegie Hall el 12 de enero de 1928 interpretando el Concierto para piano Nº 1 de Chaikovski con la dirección orquestal de Sir Thomas Beecham, quien también hacía su debut en ese país.

Según cuentan en este concierto, los dos primeros movimientos fueron “manejados” por el director inglés de manera un tanto “abúlica” y Horowitz se dio cuenta que el público “se le escapaba de sus manos”. Al entrar al 3er. movimiento, “allegro con fuocco” decidió “caer pero con todos los honores” y arrancó con todo su potencial.

Beecham y la orquesta apenas si lo podían seguir. Al final del concierto Horowitz comentó jocosamente¡terminamos casi juntos!”

Los comentarios especializados en los periódicos fueron muy elogiosos. Olin Downes destacó en el New York Times: “hace años que un pianista no ha desatado semejante furor en el público en esta ciudad”.

Durante la II Guerra Mundial participó en EEUU en conciertos para recaudar dinero, y en 1944 le fue otorgada la ciudadanía norteamericana.

El «Pianismo» de Horowitz

A lo largo de su carrera artística autorizados comentaristas, decían de Vladimir Horowitz que este no era un músico que tocaba piano, sino un soberbio pianista que sabía hacer la mejor música y aun hoy afamados pianistas admiran su arte y capacidad de interpretación única de este histórico gigante.

Además de su fabulosa técnica, destacaba su entusiasmo emocional y riqueza tonal. No en vano Joaquim Kaiser, musicólogo y crítico musical alemán, le puso el sobrenombre de “el Dios del piano”.

Horowitz se comprometía y compenetraba emocionalmente con la obra para poder crear una interpretación artísticamente verosímil.

La posición de sus manos en el piano no era para nada convencional. Las mismas estaban como achatadas sobre el teclado, con los dedos bastante estirados y sin la redondez que sugieren los pedagogos.

La excepción era su dedo meñique el cual siempre completamente curvado. Sólo se estiraba cuando debía ser utilizado al tocar su correspondiente nota.

Muchos se han preguntado en cómo era posible tocar de esa manera tan poco convencional?

Lo hizo … y logró cerrar la boca a los supuestos «sabios» de la técnica pianística.

Horowitz podía hacerlo y ejecutar cualquier cosa de esa forma. A diferencia de otros, “sólo” tocaba con las manos, no existían movimientos adicionales de su cuerpo… apenas algunas expresiones en su rostro, pero nada más. El estado emocional de sus ejecuciones pasaba directamente desde su “interior” a los dedos y era suficiente.

El prestigioso pianista y pedagogo Boris Berman en su libro Desde la banqueta del pianista 2010, menciona esa cualidad.

Monique Deschaussèes, pedagoga 1998 de su libro El intérprete y la música que justifica las actitudes de Horowitz

El secreto de su “magia” residía en su empeño de hacer “cantar” al instrumento, de originar toda clase de sonoridades y que, el misterio de su “técnica” consistía en su obsesión por buscarlas, anulaba su propio egocentrismo para que su mundo interior, sus vivencias personales e incluso su concepción de la existencia, pudieran ser plasmadas en su interpretación.

Helen Epsen relata que el mismo Horowitz afirmaba sentirse fracasado si percibía que no se comunicaba correctamente con el público. Él mismo reveló… que era el silencio sepulcral de la sala quien le desvelaba si existía vínculo emocional entre él y sus espectadores…basta con ver los antiguos videos donde los «cameraman» enfocaban al público más que al pianista…

Vladimir Horowitz plays Rachmaninoff sonata No. 2 op. 36 – YouTube

Con las manos sobre el teclado en posición que muy pocos pueden darle fuerza a la ejecución, Horowitz «atacaba como una cobra», según expresión del músico y crítico Harold C. Schonberg, uno de los críticos musicales más reconocidos de The New York Times, el ha escrito:

«No importaba lo difícil y complicada que pudiera parecer una pieza, Horowitz hacía que su sonido fuera fácil».

Harold C.Schonberg destacó los estupendos fortissimos y el tono con que interpretaba Horowitz.

«Lo más importante era transformar el piano, en un instrumento de canto», explicó en cierta ocasión el propio pianista, que se consideraba asimismo como «un romántico del siglo XIX».

Demostró la capacidad que mantendría durante toda su vida, emocionar a su audiencia.

Horowitz – Scriabin: Etude for piano in C# minor, Op. 2 no. 1 – YouTube

La primera grabación en Europa, en 1930, incluyó el estreno mundial del Concierto para piano n.º 3 de Rajmáninov, con la orquesta sinfónica de Londres dirigida por Albert Coates.

Hasta 1936 Hórowitz continuó grabando obras de piano solista a través de HMV, incluyendo su famosa interpretación de 1932 de la Sonata en Si menor para piano de Liszt. A partir de 1940 las grabaciones vuelven a realizarse en los Estados Unidos: su primera grabación del Concierto Nº1 para piano de Chaikovski con orquesta dirigida por Toscanini. En 1959 la RCA editó su concierto en directo de 1943 con el mismo director, que algunos críticos consideran de calidad superior grabación posteriores.

Vladimir-y-Wanda-Horowitz-en-Nueva-York-en-1935-©-Getty-Bettmann-Contributeur

ArturoToscanini

Hipocondríaco en grado sumo, analistas de su comportamiento, afirman que múltiples y dramáticas experiencias vividas en su juventud y en su patria dejaron en él una profunda huella de neurosis que jamás superó. Decía sufrir de apendicitis, flebitis, problemas estomacales, gripes varias, depresiones y cien males más, que lo llevaron a cancelar a lo largo de su vida multitud de compromisos artísticos y a alejarse por períodos prolongados de los escenarios. Su madre murió de una apendicitis tratada tardíamente. Dos de sus hermanos murieron, uno en el frente de batalla, otro «suicidado» en un asilo siquiátrico.

Durante la revolución de 1918 recordaba Horowitz: «En 24 horas mi familia, que vivía acomodadamente, lo perdió todo. Vi con horror cómo arrojaban mi piano, libros, partituras, muebles y vestidos por las ventanas». Traumáticas también las relaciones que sostuvo con su suegro, el gran Arturo Toscanini.

Varias «depresiones» lo obligaron a retirarse de los escenarios. La más prolongada duró 12 años, a partir de 1953. Esta terminó el 9 de mayo de 1965, con su legendario recital de regreso en el Carnegie Hall de Nueva York, que agotó sus 3.000 localidades en menos de dos horas. La cola congregó a cientos de jóvenes ante las taquillas desde el día anterior. Y es famosa la pregunta que escuchó un periodista de The New York Times a la policía: “¿Es esto algo Beatle?”.

Horowitz plays SchumannTraumerei in Moscow – YouTube

Hasta su muerte conservó el título de ser el mejor intérprete de Liszt y Scriabin y su versión del tercer concierto de Rachmaninof -que lo estudiara con el propio compositor, jamás ha sido igualada.

Vladimir Horowitz plays Liszt: Consolation No. 3 (1987) – YouTube

Sus digitaciones vertiginosas y la sonoridad que extraía del instrumento hacían que sus interpretaciones se escucharan como una gran orquesta sinfónica. Era un arquitecto que construía sobre cada partitura las más emotivas, sublimes y grandiosas sonoridades, con una profundidad y concepción de estilo inigualables. Un poeta épico del teclado, pero por sobre todo un gran romántico. Una personalidad pianística y musical única e irrepetible.

Horowitz Rachmaninoff 3rd Concerto Mehta NYPO 1978 – YouTube

Horowitz era un pianista super honesto que interpretaba con tanta claridad que cualquier persona hubiera adivinado un error. Pero el error jamás quedó registrado, y sus notas y los aplausos del público aún resuenan en Leningrado, donde actuó en 1986. Destacó por su virtuosismo y el extraordinario uso del color.

Para el joven pianista austriaco Ingold Wunder, Horowitz combinaba la mejor clase de «pianismo» y un gusto único para la música y la interpretación, que nunca fue mediocre… «Hacía suyo todo lo que tocaba».
A cada aparición suya después de años de ausencia de los escenarios, Vladimir Horowitz le aumentaba varios ceros a los honorarios que cobraba, convirtiéndose en el artista más costoso del mundo, inclusive por encima del ya muy famoso Luciano Pavarotti.

Cada contrato incluía una lista interminable de exigencias que todos cumplían con tal de verlo actuar.

Programa-para-el-recital-de-1978-de-Horowitz-en-el-Carnegie-Hall

La comida que ingería el día del concierto era de suma importancia para él, hasta tal punto que siempre quería su plato preferido: un lenguado fresco, al ser posible, pescado en la Bahía de Nueva York, el cual debía ser preparado por su cocinero y de la misma manera en que lo hacía en su propia casa. Se decía… que estaba delicado del aparato digestivo. Para que esto se cumpliera este requisito, el hotel donde se alojaba debía reproducir de manera casi idéntica el ambiente de su propio hogar neoyorkino.

El día de sus conciertos las ventanas de su dormitorio debían “tapiarse” con papel de aluminio para que no entrara la luz y también tener el teléfono desconectado para que no lo molestaran: descansaba hasta el mediodía.

Solo aceptaba dar conciertos si estos eran a las cuatro en punto de la tarde, ni en la Casa Blanca aceptó modificar el horario….y la sala debía permitir el acceso de 1800 personas como mínimo, la cual debía estar completamente vacía el día anterior al espectáculo para poder acudir y practicar en ella a cualquier hora del día.
Su exigencia era tan alta que, a la hora de colocar el piano sobre el escenario debía ser en aquella zona en la que, según él, tuviese mejor acústica. Se dice que en el Carnegie Hall de Nueva York hay un punto marcado por un tornillo fijo, que llegó a recibir el nombre de “el tornillo de Horowitz”, era el punto exacto donde había que ubicar su piano que era hecho especial para él.

En su última aparición en París llegó al extremo de fijar hasta la temperatura de la habitación del hotel, que debía tener 23 grados centígrados. Ni uno más, ni uno menos…

Viajaba como los grandes señores del siglo XIX. Lo acompañaban su esposa Wanda Toscanini, su hija Sonia, el empresario, el afinador, un funcionario de la casa Steinway, su valet, su cocinero y su médico de cabecera. Llevaba filtros para purificar el agua, ollas, sartenes, cacerolas, y una provisión de pollos y lenguados, usando hasta el final levita para los conciertos.

En su última aparición en Londres… la audiencia lo aclamó durante más de cuarenta minutos, Horowitz regaló tres «Bises»: un vals chopiniano, La polonesa heroica y el increíble Traumerei de las «Escenas infantiles», de Schumann. a ese público enloquecido…

La ejecución de sus propios arreglos en obras como “The Stars and Stripes Forever” de John Philip Souza , las “Variaciones sobre un tema de Carmen” de Bizet o la “Marcha Nupcial” de Mendelson, han constituido verdaderos impactos a tal nivel, que el público prácticamente se enloquecía con él.

Si bien Horowitz también mostraba aspectos interpretativos de verdadera profundidad, en general al público le interesaba ver más bien la “acrobacia” de su ejecución. En realidad estas obras, y muchas otras más no formaban la “parte central” de sus conciertos dado que eran reservadas únicamente para los “bises”.

Según el pianista y director de orquesta austríaco Ingold Wunder: Horowitz combinaba la mejor clase de «pianismo» un gusto único para la música y la interpretación, que nunca fue mediocre. «Hacía suyo todo lo que tocaba».

Ganó 26 premios Grammy y cada uno de sus recitales era un acontecimiento –con el riesgo de que finalmente no se celebrara–, de manera que el mercado de la reventa se hacía de oro gracias a él.

Piero Rattalino en su Historia del piano dijo de él que tenía «una asombrosa incapacidad de envejecer». Entraba en el escenario como un anciano con problemas de movilidad hasta que se sentaba el piano y tocaba con un inesperado arrebato juvenil.

Vladimir Horowitz murió, el sábado 5 de noviembre del año 1989 a los 85 años de edad, de un infarto en su casa de Nueva York. Fue enterrado en la tumba familiar de los Toscanini, en Milán por su propio deseo de estar junto a su querida hija Sonia. Su funeral se llevó a cabo en la mismísima Scala de Milán.

Con la muerte del muy especial Vladimir Horowitz desapareció un coloso de la música…para los que lo conocieron y escucharon el más grande virtuoso e intérprete del teclado de todos los tiempos…el «Dios del piano»

Horowitz