«El Corpus» Toledano

Tres jueves hay en el año que brillan más que el sol, Jueves Santo, Corpus Christi y el Día de la Ascensión.

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Es la fiesta principal de la ciudad de Toledo- España que desde 1595 viene celebrando la conmemoración del «Corpus Christi» que es el siguiente jueves al domingo de Santísima Trinidad …60 días después del Domingo de Pascua.

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En1991 pasó acelebrase el domingo posterior como festividad del Corpus Christi como actualmente ocurre en muchos lugares del mundo, pero en Toledo desde el 2010 la procesión ha vuelto a celebrarse definitivamente el jueves, acogiéndose al calendario litúrgico hispano-mozárabe.

Muchísimos autores españoles e internacionales de todas las épocas nos han contado sobre ella además de los Cantares populares sobre la tan famosa fiesta, un ejemplo: Sebastián de Horozco, José de Valdivieso, Lope de Vega, Tirso de Molina, Pedro Calderón de la Barca, Eugenio Gerardo Lobo, Clemente Palencia, Ángel Palomino, Juan Antonio Villacañas, Galdós, ElizabethWilhemsen, Blasco Ibañez,  Rafael Fernández Pombo. Cada uno a su manera describen la atracción que La Fiesta ocupa en el ámbito nacional e internacional, declarada en 1980 de Interés Turístico Internacional el «Corpus Toledano».

El establecimiento del Corpus Christi como fiesta litúrgica se llevó a cabo el 8 de septiembre de 1264 un año después de que sucediera el Milagro Eucarístico por el Papa Urbano IV, mediante la Bula Transiturus hoc mundo.

«La Fiesta» de la ciudad

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La catedral de Santa María, llamada también catedral primada es un templo de arquitectura gótica, el opus magnum del país para muchos.

La Dives Toletana, fue declarada: Bien de Interés Cultural y forma parte de los monumentos incluidos por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad desde 1986.

La catedral, alberga en su interior el mayor número de vidrieras medievales conservadas, como las del rosetón del crucero o las de la capilla mayor.

También, el llamado «Transparente«

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La obra maestra del escultor Narciso Tomé, de gran belleza, finalizada en 1732 realizada con mármoles genoveses, jaspe y bronces. Concebido como un retablo, iluminado por los tragaluces del ábside, presenta numerosas figuras y composiciones representando pasajes de la Biblia…

El tesoro catedralicio guarda en sus múltiples vitrinas y relicarios, báculos, ropas y objetos litúrgicos que se destacan por su gran valor histórico. Pero sin duda, lo más espectacular es la imponente custodia de Enrique de Arfe creada para «ostentar» la Santa Eucaristía en su paso por las calles de la ciudad de Toledo el Día de Corpus Christi.

La fiesta de»El Corpus» llegó a la ciudad de la mano del arzobispo don Jimeno de Luna pero la primera referencia documental data de 1372.

En pocos años fue creciendo, hasta el punto de que a finales del siglo XV una «Primitiva Custodia» ya iba acompañada de trompeteros y atabaleros, teas encendidas, ángeles cantores y varios órganos transportados por peones y tocados por un organista. Más curioso aún, ya había gigantones que bailaban al son de la música, acompañados por panzones, diablos y judíos que no podían faltar, además de carros en los que se representaban pequeñas obras de teatro de temática religiosa.

Por1505, en una obra aparecía Lucifer acompañado de seis diablos y se tiraron los primeros cohetes que les encantó tanto como sigue siendo habitual al día de hoy. Estas obras iban acompañadas de una aparatosa escenografía con los efectos especiales de la época.

No obstante, la procesión del Corpus creció en el arzobispado de Toledo mucho más que en cualquier otro lugar, hasta el punto de que comenzó a influir en el resto del reino de Castilla, Aragón e incluso el modelo «se exportó» a América y Filipinas…

Desde el siglo XVII, «el Corpus» es similar a como se sigue haciendo hoy día. Con gigantes, tarasca, música, cohetes, flores, adornos, calles entoldadas, incienso y hierbas aromáticas y, por supuesto, con la concurrencia de una gran multitud.

El casco histórico se convierte en un grandioso escenario.

Una ciudad engalanada

Las calles se cubren con los antiguos toldos que proceden de los gremios de tejedores y sederos. Los propietarios de las casas adornan sus balcones con «reposteros», banderas y otros ornamentos apropiados.

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La Catedral también se ve engalanada con ocho enormes tapices flamencos del siglo XVII, que se colocan en sus muros durante estos días especiales. Incluso son adornadas algunas calles contiguas a las del paso de la procesión, así como los patios de las casas particulares que abren sus puertas a los visitantes, en muchos casos, sólo para esta fecha.

La Vispera

Distintas reuniones de los gremios y hermandades que celebran sus propios actos, como entrega de medallas o admisión de nuevos miembros. Sobre las once de la noche se hace una especie de ensayo con una comitiva oficial donde va el pertiguero vestido de negro, cuya medida de la vara corresponde a la altura que alcanza la famosa «Custodia de Arfe» va midiendo los espacios correspondientes para que nada impida el lucimiento del cortejo al día siguiente.

El recorrido procesional se salpicado de plantas aromáticas y populares como: cantueso, romero, tomillo y con calles repletas de gente hasta altas horas de la noche.

El gran «Día del Corpus»

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Amanece con el «toque de Diana» y el lanzamiento de bombas. Después, la Tarasca, una especie de Dragón en recuerdo de las historias de Sta. Marta, se pasea por la ciudad acompañada de banda y con los gigantones y cabezudos

A las 11:00 hrs. una salva de morteros anuncia la salida de la procesión por la Puerta Llana de la Catedral.

Desde allí, las Cuatro Calles, la popular plaza de Zocodover, la estrecha calle de Alfileritos…

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El cortejo colorido y tradicional

La procesión sigue la tradición en cuanto al orden y distribución de la comitiva, desfilan las numerosas hermandades, capítulos y gremios ,el grupo de niños de primera comunión, que se incorpora detrás de los gremios.

El protocolo sobre el orden de autoridades y símbolos suele ser el mismo cada año y siguiendo tradiciones muy antiguas.

La cruz procesional y Manga Bordada

Regalo del rey Alfonso V de Portugal al arzobispo Alonso Carrillo de Acuña probablemente en agradecimiento al apoyo prestado durante la guerra por la sucesión al trono 1475-1476.
De plata dorada, mide 160 x 80 cms., está fechada hacia 1475, de estilo gótico y anónima.

Se coloca sobre una manga bordada en oro y sedas de1510 de estilo renacentistamandada hacer por el cardenal Francisco Jiménez de Cisneros 1495-1517. Que también realizó una Capilla de Corpus Christi en la Catedral que mantiene el Rito Mozárabe. La manga que se usa para la procesión de Corpus fue bordada en el taller toledano de Montemayor con cuatro escenas: La Asunción de la Virgen. La Adoración de los Reyes. El Martirio de San Eugenio. La Aparición de Santa Leocadia, esta abre la procesión…

La procesión

Dios bendice a su pueblo

Formando dos filas paralelas continuan los «Infanzones de Illescas» encabezados por el alférez portaestandarte, acompañado a su vez por los flanqueadores, que se unen al pendón por un cabo largo… Visten de rojo con birrete del mismo color.

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Los siguientes, son los «Caballeros Mozárabes«, cuyo grupo está compuesto por personas que han demostrado su ascendencia cristiana y que han realizado estudios e investigaciones sobre los mozárabes en Toledo. Visten de azul y en el brazo izquierdo llevan «la cruz de Alfonso VI».

 

 

A continuación, los Caballeros del Santo Sepulcro que datan de 1928 y que constituyen la Guardia de Honor del Primado de España. Visten de blanco, guantes y birrete episcopal de raso también blanco con borlón rojo.

Después van los Caballeros del Corpus Christi, grupo integrado por personalidades hispanoamericanas acreditadas en España y altos cargos del Instituto de Cultura Hispánica, más el acompañamiento del Deán de la catedral. Portan veste color verde, símbolo de esperanza, sobre la cual están cosidas tres cruces que representan las tres naves con que Cristóbal Colón llegó a América, acompañada esta veste de gola blanca, fiador verde hasta las rodillas, chapas plateadas en los zapatos, guantes blancos, birrete verde episcopal, cuyo borlón será dorado en el Preboste y plateado en el de las demás dignidades capitulares, y la venera del Capítulo, consistente en el águila imperial en plata con las tres cruces de sinople verde.

La segunda parte de la procesión comienza con el clero regular y secular, el cabildo primado y la custodia de Arfe a continuación va el actual Arzobispo Primado Don Francisco Cerro Chavez con su séquito y tras ellos las autoridades regionales, provinciales, locales y militares.

La custodia

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Es el centro del cortejo y porta el «Corpus Christi» que sale a bendecir la ciudad y al mundo en cuyo honor se organiza la Procesión y Fiesta.

Su autor: Enrique de Arfe, o Enrique de Colonia el gran orfebre del siglo XVI. Pionero de una familia de gran reputación en la orfebrería castellana. También se destacaron sus hijos, Juan y Antonio de Arfe y su nieto Juan de Arfe.

Encargo del cardenal Cisneros para albergar el Ostensorio de oro -“custodia pequeña”, que perteneció a la reina Isabel la Católica, realizado por Jaume Aimeric y realizado con el primer oro llegado desde América.

Esta magnífica pieza de traza gótica mide 309,5 cm de altura, es de plata dorada y está concebida como una torre gótica de planta hexagonal.

 Los relieves muestran: El Prendimiento de Jesús, San Pedro cortando la oreja a un soldado, Cristo azotado, Jesús camino del Calvario, El Llanto sobre Cristo muerto y la Resurrección y los profetas: Amós, Oseas, Miqueas, Sofonías, Nahúm, Habacuc, Ageo, Zacarías, Malaquías, Abdías, Joel y Jonás.

En un principio se labró en plata pero a finales del siglo XVI el arzobispo Gaspar de Quiroga mandó que se dorase, para hacer juego con la custodia del altar mayor que es de madera dorada.

La custodia tardó siete años en elaborarse y su coste superó los quince millones de maravedíes de los que Arfe recibió, además de los 2.700 reales estipulados, un agregado de 2500 maravedíes que el cabildo catedralicio le entregó en la Navidad de 1523 impresionados por tan exquisito trabajo.
El conjunto descansa sobre una peana de plata con sobrepuestos de bronce, en forma de artesa y sostenida por cuatro ángeles de plata, realizada entre 1741-1742 por el platero de la Catedral Manuel Bargas Machuca, siguiendo modelos del escultor Narciso Tomé.

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«La Chacona» de Bach…

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La Chacona pasacalle o passacaglia fue primitivamente una danza popular española cuyo verdadero origen siempre fue dudoso… probablemente americano, “vino de las Indias”, según un poema de Lope de Vega… o de la palabra francesa “chanson”convertida en “chacon” hasta se piensa que es «quechua» ya que chacón en esa lengua quiere decir «Jefe«…

Apareció en España al final del siglo XVI como danza en tres tiempos, animada y licenciosa, asociada a otra danza del mismo estilo, «la sarabanda«.

En «La ilustre Fregona«, una de las Novelas ejemplares de Miguel de Cervantes, el genio español de las letras, nos da una sabrosa descripción de una Chacona: «bailada por doce lacayos y sirvientas mientras que un muletero canta coplas y refranes acompañado por castañuelas».

En España, aparece en la música del vihuelista ciego de nacimiento,Miguel de Fuenllana, que compuso un Libro de música para vihuela intitulado Orphenica Lyra -Sevilla, 1554, dedicado a Felipe II y también en el Tratado de glosas para viola da gamba de Diego Ortíz de 1553.

En Francia, ya al principio del siglo XVII, era una danza de la corte adquiriendo un tono más bien grave. Lully introdujo chaconas o passacaglia al final de sus óperas, es famosa la última de ellas Armida la mencionan como obra de «grandes proporciones». Más tarde Gluck hizo lo mismo al final de su Orfeo y Euridice.

Una de las primeras series conocidas de variaciones instrumentales sobre este ostinato fue compuesta para Chitarrone por Alessandro Piccinini, amigo de Frescobaldi en la corte de los Este en Ferrara-Italia.

Antonio Vivaldi escribió un ejemplo de chacona en el primer Allegro del Concierto para cuerdas RV 157 y otro ejemplo italiano en la Chacona en sol menor para violín, de Tomaso Antonio Vitali, con cada variación, aumenta el grado de dificultad paulatinamente , convirtiéndose en una interesante y compleja pieza de estudio.

En Alemania, Buxtehude, Pachelbel y Bach escribieron chaconas para órgano y en Inglaterra, aunque menos popular, Purcell la incorporó a alguna de sus óperas con éxito.

La antigua «Chacona popular» fue mutando, se fue «refinando» sobrevivió unicamente en Nápoles hasta la mitad del siglo XVIII, bajo el nombre de ciccone y más tarde suplantada por la tarantela.

Un cambio total

De ser una danza repetitiva en la que se desarrolla un tema con variaciones sobre un bajo ostinato, pasó a ser una forma de música rica y compleja, que ha sido utilizada en distintos períodos históricos y que continua siendo objeto de estudio y admiración por su intensidad emocional y exquisita técnica de destreza musical.

Pasaría a ser «Pieza clave» en el repertorio para violín, siendo considerada una de las piezas más complejas compuestas para ese instrumento, debido a que abarca todos los aspectos de la técnica violinística.

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Johann Sebastian Bach compondría su célebre Chacona en re menor para acabar con su famosa Partita para violín solo n.º 2.​ Generalmente ejecutada como obra suelta, y como tal ha dado origen a numerosas transcripciones de todo género.

Esta ha sido y es la Chacona más famosa de la historia de la música, su fecha data de 1720, cuando el maestro estaba en Köthen.

No es de extrañar de un hombre genial

Helga Thoene​ – musicóloga, cuenta que la chacona final la Partita II para violín fue escrita en memoria de su primera esposa Maria Barbara Bach, que había muerto el 17 de julio de 1720, en ausencia del compositor, quien se hallaba de viaje.

Tras analizar la partitura encontró un significado preciso. Es de señalar que era muy frecuente que Bach incluyera enigmas en sus obras, así como mensajes cifrados, que con el transcurso del tiempo han sido descubiertos. El habílisimo compositor no solo conocía a la perfección los tejes y manejes de la música de su tiempo sino, que era un dotado para la armonía que en sus manos lograba combinaciones jamás pensadas… era Bach…era sencillamente:!!un genio!

La musicóloga Thoene descubrió que Bach escribió sus nombres, incluso la fecha de su muerte en la partitura, lo cual confirma que estaba dedicada a su esposa difunta.

La frase inicial de la pieza puede subdividirse en dos secciones:

Una con 17 notas y otra con 20, en clara rerefencia al año de la muerte de mujer 1720.

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El Todos los países nórdicos la nomenclatura musical es la antigua, con letras…. por eso y más sorprendente aún es el hecho de que el valor asignado a las notas suman en total 95…

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el mismo valor númerico del nombre de MARIA BARBARA BACH.

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La letras B-A-C-H transcritas musicalmente forman una célula que el propio autor fue pionero en utilizar como firma.

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Este empleo temático fue ampliamente recreado por sus propios hijos y discípulos:Johann Christian Bach y Johann Ludwig Krebs etc. y hasta por compositores de diversa orientación estética como lo fueron: Schumann, Liszt o Rimsky Korsacov.

El Maestro Bach

La chacona, última danza de la Suite o Partita, que es como se conocen en Alemania las suites, formada por cinco danzas: AllemandaCorrenteSarabandaGiga y Ciaccona.

La estructura de la pieza es: tema con variaciones… ¡Nada más y nada menos que 60 variaciones!

El tema de la obra: sencillo y corto. Pero sobre él… una obra gigante!!!. En cada variación parece ahondar en una forma diferente de entender el tema.

Desde el punto de vista armónico, es igualmente inmenso!!!. Consigue no ser repetitivo en ningún momento a pesar de ser variaciones sobre un mismo tema.

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Es de una belleza sobrecogedora a lo largo de todos sus compases, Bach consigue arrancar del violín las expresiones más profundas de dolor y lamento, pero también de esperanza y consuelo…

No obstante, algunos críticos han querido ver en la obra la expresión de las diferentes etapas del duelo como: negación, ira, negociación, depresión y aceptación,  teoría recogida de la psiquiatra Klüber-Ross.

La Chacona comenzó a decaer tras el periodo barroco, si bien Bach, fue considerado el más grande maestro en este género frecuente por entonces, muchos otros compositores han utilizado la forma de la chacona en sus obras con gran éxito en épocas posteriores .

Las 32 Variaciones en Do menor para piano de Beethoven compuesta en 1806 e impresa por primera vez en Viena en 1807. Es posible que Johannes Brahms, quien interpretó esta obra en público, la haya utilizado como modelo para el final de su Cuarta Sinfonía, que se presenta como una chacona hacia 1880 en la época del romanticismo musical.

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Ciento cincuenta años después de su composición, Brahms escribió demostrando la admiración por esta deliciosa obra:

“La Chacona es para mí una de las obras musicales más maravillosas e impenetrables. Escrita en un solo pentagrama y concebida para un pequeño instrumento, ¡en ella este hombre da vida a un mundo entero de ideas de gran profundidad y de sentimientos muy poderosos! Si quisiera imaginar cómo hubiera escrito y concebido yo esta obra, sé con certeza que la desmedida excitación y el estremecimiento me hubieran vuelto loco. Cuando no se tiene a mano a un gran violinista, tal vez el mayor goce es hacerla sonar en la mente.”

Lo escribió a Clara Schumann su amiga y brillante pianista, al mandarle la transcripción que hizo para la mano izquierda en  ocasión en que ella se había lesionado la mano derecha.

En el siglo XX hubo una especie de resurgimiento de la forma comenzando con Reger -1906 y continuando con Webern -1908, Schoenberg -en Pierrot lunaire, BergWozzeck, segundo acto. Stravinski Septeto, Britten Peter Grimes, segundo acto y en su cuarteto cuerdas de 1945 para conmemorar el 250 aniversario de la muerte de Henry Purcell. Hindemithcuarto Cuarteto de cuerdas y Vaughan Williams Quinta sinfonía, entre otros.

Desafío para intérpretes

En definitiva, la Chacona es una forma de música rica y compleja, que ha sido utilizada en distintos períodos históricos y que continua siendo objeto de estudio y admiración por su intensidad emocional, complejidad y técnica musical.

La Chacona de Bach es también un desafío técnico para los intérpretes, estos deben ser capaces de mantener la atención del oyente a través de las variaciones que no son pocas y de la coherencia armónica. Por esta razón, considerada tradicionalmente como una de las formas más difíciles de interpretar en la música clásica.

Es una de las cumbres del repertorio para violín solo, dado que cubre todos los aspectos de la técnica violinística conocidos en la época del compositor, siendo una de las piezas más difíciles para ese instrumento.

Se incluye habitualmente como pieza obligatoria en las competiciones de violín de todo el mundo.

Esta excepcional chacona ha sido objeto de numerosas transcripciones para diversos instrumentos, especialmente para piano: la de Ferruccio Busoni, de Brahms para mano izquierda, para guitarra: de Andrés Segovia.

Piano y violín- Schumann, para órgano, para orquesta, una famosa grabación de 1930 de Leopold Stokowski así como una para fagot de Arthur Weisberg y hasta de marimba de Rebecca Kite.

Dos interpretes de violín….

La trancripción para piano de Busoni

La del Maestro Segovia

Batallando…

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Los Cicloramas o Cycloramas eran pinturas murales que se desplegaban a 360 grados en auditorios especiales. Eran «vistas Panorámicas» en su momento pintadas.

El público se colocaba en el centro de este escenario móvil que creaba un ambiente de tercera dimensión. Fueron, un entretenimiento popular en Estados Unidos y Europa hasta finales del siglo XIX y primeras décadas del XX.

Algunos eran fijos, ocupando edificios públicos o alas de museos. Otros móviles o intercambiables, viajaban de ciudad en ciudad, como si de un espectáculo se tratara, para enseñar a las gentes el suceso conmemorado.

Lo más importante para que un ciclorama tuviera éxito era el realismo. Para lograrlo, además de contar con un buen narrador y un espacio en el que crear la atmósfera adecuada, la calidad de la pintura era vital, por lo que se solían contratar a experimentados pintores a la hora de dar vida a las panorámicas.

La escuela topográfica inglesa

Con la llegada de Canaletto a Londres en 1746 se potenció notablemente la escuela topográfica de pintores ingleses, quienes comenzaron a popularizar las vistas de Londres con detallados edificios delineados por su pincel.

Canaletto decidió mudarse a la gran ciudad para estar más cerca de su mercado, Inglaterra estaba floreciendo bajo la nueva riqueza, no era para desperdiciar…

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Robert Barker creó la palabra «panorama» a partir del griego pan «todo»- horama «vista» en 1792 para describir sus enormes pinturas.

Barker, nació en Kells 1739 y falleció en Londres 8 de abril de 1806. Planteó por primera vez la idea de panorama en el año 1787 con el objetivo de describir una de sus pinturas, la vista panorámica desde Calton Hill-Edimburgo -Escocia.

Después de su primer panorama Barker patentó su técnica, le dio un nombre francés: La Nàture à Coup d’Oeil.

Con ello y en esa ciudad, abrió en 1787 el primer local de Ciclorama.

Patentó también, un bastidor giratorio para poder pintar un cuadro de tales dimensiones. El efecto se conseguía sumergiendo completamente al espectador en las imagenes. La parte superior del cuadro se escondía con un telón, de tal modo que el espectador, envuelto completamente por la imagen, no tenía ningún punto de referencia exterior al cuadro, los efectos de luz y sonido contribuyeron a crear el entorno ilusorio.

En 1791, inauguró en Londres su primera sala permanente donde el espectador podía contemplar dos cuadros: el más grande medía 86 metros de circunferencia. Barker pintó un segundo con la visión de Londres desde Albion Mills, el cual fue exhibido el 1792 y llamado «un vistazo a Londres y Westminster».

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El segundo panorama era mucho más grande que el primero, y por lo tanto, más espectacular.

Incluso personas que habían dudado de su éxito como Sir Joshua Reynolds, presidente de la Real Sociedad, se rectificó ante la sorprendente obra y expresó que esta «representaba la naturaleza de un modo superior a las limitadas reproducciones de la pintura».

Los temas representados eran paisajes, eventos de la actualidad o batallas que resultaron las más populares.

Los panoramas de Barker tuvieron éxito.

Los conservadores del Museo de Londres encontraron constancia de 126 panoramas que fueron exhibidos en el museo entre 1793 y 1863. ​

En otras ciudades, como Nueva York, se imitaron las panorámicas, también se inventó el panorama giratorio: un lienzo muy largo que se enrollaba y desenrollaba en dos grandes bobinas, de modo que los espectadores veían, encima del escenario, una imagen cambiante que podía describir la historia de una batalla, por ejemplo.

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El punto álgido de estos panoramas fue en por 1830, después se retomó en los años 80 y 90.

La mayoría de los panoramas primitivos que se generaron durante el siglo XIX están hoy desaparecidos, a causa de sus traslados, incendios, sus grandes dimensiones etc.

Pocos han llegado a nuestros días, siendo especialmente famosa el que representa…

La Batalla de Gettysburg...

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El 1 de julio de 1863 ocurrió la primera batalla, la real y dura que cobró tantas vidas. Duró tres días. Se la recuerda como «aquella en la que hubo más bajas en toda la Guerra Civil estadounidense: alrededor de cincuenta mil y fue la que cambió el rumbo a favor de la Unión».

Veinte años después, el pintor francés Paul Philippoteaux, realizó una gran pintura, la segunda batalla, la que narraban lo ocurrido entonces.

Philippoteaux nació en París el 27 de enero de 1846, su padre, Henri Félix Emmanuel Philippoteaux también pintor. Ambos, conocidos por sus panoramas ó vistas de 360 grados que constituían atracciones populares en francia.

Auténticos espectáculos

Walter Benjamin – filósofo, sociologo y crítico literario dice sobre estos espectáculos: «los panoramas son contemporáneos de los pasajes parisinos y, también, de las grandes exposiciones que transformaron la contemplación en consumo

Benjamin-dice además: en su intento de producir efectos sobre los cambios en la naturaleza que se representaba, los panoramas le abrieron camino no sólo a la fotografía sino también al cine mudo y sonoro.”

Sin ir más lejos,Daguerre, el inventor de los daguerrotipos, anterior a la fotografía… empezó como pintor de panoramas.

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A Paul Philippoteaux, lo contrató un grupo de empresarios de Chicago, le encargaron pintar el Ciclorama de Gettysburg en 1879. En un folleto que acompañaba la exhibición de uno de los cicloramas en Filadelfia, se lee de Philippoteaux “reconocido por los críticos como el más grande pintor histórico del mundo” pasó varios meses en el campo de batalla de Gettysburg, haciendo bocetos, dibujos y consultando mapas oficiales, antes de regresar a París donde pasó dos años pintando el cicloroama.

El fotógrafo local, William H. Tipton creó una serie de fotografías panorámicas tomadas desde una torre de madera erigidas a lo largo del campo de batalla. Las fotos, pegadas juntas, forman la base de la composición. Philippoteaux también entrevistó a varios supervivientes de la batalla, incluyendo generales de la Unión. Philippoteaux reclutó un equipo de cinco asistentes, incluyendo a su padre, para crear la obra final. Se tardó más de un año y medio en completarse. La pintura acabada fue de casi 100 metros de largo y pesaba seis toneladas .

Exhibido en un edificio a prueba de fuego, es, sin duda, la más grande y permanente atracción turística jamás mostrada en Filadelfia.”

En 1912 una de las versiones del ciclorama se instaló en un edificio en Gettysburg

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Treinta años después, la pintura fue comprada por el National Park Service, con la intención de exhibirlo en el Parque Militar Nacional de Gettysburg.

En 1958 Richard Neutra reconocido arquitecto famosísimo por sus emblemáticas obras en todo el mundo, empezó a trabajar junto con Robert E. Alexander arquitecto también, en el diseño para un edifico que, además de exhibir el ciclorama, tendría oficinas administrativas del parque.

El edificio se inauguró el 19 de noviembre de 1962.

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Comienza… otra batalla.

No sólo era entre dos grupos con ideas distintas sobre qué conservar y cómo hacerlo, sino que entre líneas dejaba ver la oposición entre lo natural y lo artificial, la verdad y el espectáculo o la realidad y su representación…todo un tema.

Barbara Lamprecht– escritora, escribió que “la forma del Cyclorama, refiriéndose al edificio-era dramática: un largo rectángulo terminaba en un cilindro puro masivo, mediado por arcos circulares a los flancos.Lemprecht agrega «que la necesidad de una visión sin obstáculos de toda la circunferencia del lienzo requirió de innovaciones en la ingeniería que hacen pensar en la tienda de un circo, a partir de un techo suspendido por cables.”

En el National Park Service se pensó que el edificio de Neutra y compañía alteraba el sitio original del suceso, impidiendo entender el lugar que la pintura de Philippoteaux representaba. Además, al edificio le hacía falta una restauración que exigía una inversión considerable. Se decidió demolerlo.

El Registro Nacional de Sitios Históricos valoró que el edificio de Neutra podría ser catalogado y la Comisión de Bellas Artes se opuso a la demolición.

En el 2005, la pintura se retiró para ser restaurada y se instaló luego en otro edificio.

En el 2007, Herbert Muschamp arquitecto y crítico de arquitectura, escribió del edificio en riesgo de ser demolido:

«No hay necesidad de entrar en el Cyclorama para apreciar su considerable mérito. El edificio es una cápsula del tiempo de un periodo de optimismo sobre la capacidad humana para arreglar sus disputas por medios civiles. Su estado actual simboliza perfectamente la decadencia de esos ideales de la postguerra».

En el 2012, el National Park Service ganó la batalla legal y obtuvo la autorización para demoler el edificio de Neutra.

El 8 de marzo del 2013, a los casi 50 años de haberse inaugurado, se iniciaron los trabajos de demolición y tres días después el cilindro de concreto proyectado por Neutra caía al suelo levantando una gran nube de polvo.

Las batallas de Gettysburg, es un caso en el que se opusieron no sólo dos visiones de la historia sino la preservación de sitios históricos.

Muschamp, escribió cinco años antes de la demolición del edificio y habla de la terca defensa del contexto original de quienes pedían demoler el edificio y de que sus argumentos eran los mismos que se habían usado siempre al buscar demoler una construcción: su poca funcionalidad para el momento o lo costoso de su manutención…

Pero también hay otra lectura posible…

Quienes terminaron demoliendo el edificio y trasladando la pintura de Philippoteaux a otra construcción cercana, daban cierto privilegio a una supuesta realidad sobre su representación: consideraban mejor ver un terreno natural donde ocurrió una famosa batalla que la pintura de esa batalla dentro de un edifico moderno ocupando ese sitio.

Lo cierto es que a la tan cuestionada pintura le quedó solo el record del»cuadro más grande del mundo» el llamado Ciclorama de Gettysburg de1883, donde se describe el clímax de la contienda durante la guerra civil estadounidense y más aún, la carga de Pickett, el ataque final de la caballería confederada.

Otras obras del mismo autor son: el«Cyiclorama de Jerusalén»​ donde desarrolla el tema de la Crucifixión de Cristo de 1895, sobreviven tres copias, todas ellas en centros de peregrinación:

Una en Saint Anne de Beaupre -Quebec- Santuario canadiense, otra en Altötting -Alta Baviera, Alemania, y en Einsiedeln -Suiza.

Este último, Panorama de Einsiedeln terminó trágicamente el 17 de marzo de 1960, cuando durante tareas de renovación se desató un incendio y tanto el edificio como la pintura fueron completamente destruidos. Inmediatamente se inició una replica tanto del edificio como del panorama que actualmente se ve así…

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Así se ve actualmente el Campo de Batalla de Gettysburg..

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Gettysburg National Military Park, Gettysburg, Pennsylvania

La Raya verde

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El Fauvismo, es uno de los movimientos sorprendentes del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento.

Se apega a la libertad total de la naturaleza. Más expresivo que realista, los colores, el gusto por el arte africano-negro y la influencia que tuvo en las obras sucesivas.

Este gusto por “lo otro”, pone al fauvismo en un ambiente de vanguardia.

La denominación de Fauves se aplicó a Matisse y a sus amigos en el Salón de Otoño de 1905, donde coinciden con los primeros expresionistas alemanes, de los cuales ellos eran una variante mediterránea que manifestaba sencillamente y sin trasfondo dramático y transcendental, la “joie de vivre” ilusión por la vida, de los artistas, expresión que es, precisamente, el título de otro cuadro de Matisse. El acto de presentación de las obras de estos artistas, provocó un considerable escándalo de la crítica.

El nombre de fauvismo pertenece a Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas…el comentario se propagó y no sólo bautizó al movimiento con esta crítica despectiva, sino que a Matisse le quedó la fama legendaria de «animal pisoteando las convenciones académicas».

Los más destacados miembros de esta corriente fueron : Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen.

En principio, el desprecio y la crítica negativa se impuso en la descripción y comentario de las obras de este estilo. Sin embargo, lo que empezó siendo un término despectivo, fue asumido por este conjunto de artistas y el movimiento fauvista se convirtió en el grupo de vanguardia de París.

Ciertamente chocaron desde la primera exposición

En aquel momento, el público no vio nada armonioso, tampoco la crítica.

Se caracteriza por la utilización de colores muy vivos, de una forma libre, sin que hayan de ser fieles al objeto representado. El dibujo, esquemático y geométrico, los colores fuertes y contrastados, además de arbitrarios, zonas de color distintas y poco realistas. A penas existe protagonismo de la luz, y una total ausencia de perspectiva.

El color es, indudablemente, el protagonista.

Una anécdota que se cuenta…

En cierta ocasión, una espectadora que visitaba una exposición dedicada a la obra de Matisse fauvista de ley, le recriminó, que una mujer que se exponía no se parecía en nada a lo que trataba de representar… él le respondió: “señora, no es una mujer, es un cuadro”. Esa respuesta nos puede dar una idea de cómo el artista entendía la pintura y la libertad que tenía para representar la naturaleza.

La raya verde de Matisse

Amélie Noellie Matisse-Parayre haciendo caso omiso a toda tradición cromática.

Como reza el título del cuadro, una línea verde cruza el rostro de su mujer de la frente a la barbilla, y es esa línea la verdadera protagonista de la obra al hacerla interactuar con los demás colores como un todo armonioso.

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Óleo y témpera sobre lienzo 0,40 x 0,325.
Fauvismo
1905 -1906 – Copenhague, Museo Real de Bellas Arte

La intención de Matisse al pintar este cuadro, no era reflejar el rostro de su esposa, sino reproducirlo tal y como él lo veía en la interioridad de su alma.

Amélie, seria y en posición de posar, ofreciendo un aspecto de tranquilidad y al mismo tiempo en tensión…

El color es absolutamente novedoso quizás por ello en el Salón de Otoño de 1905, donde fue exibida la obra, la gente huyó despavorida al ver semejante «monstruo».

Un cambio total!!!

El cuadro causó estupor en la mayoría de los coetáneos.

Matisse la veía así. Como reza el título del cuadro, una línea verde cruza el rostro de su mujer y es quizás esa línea la verdadera protagonista de la obra, al hacerla interactuar el artista con los demás colores como un todo armonioso.

El elemento provocador

Esta obra, acaba con el retrato burgués… sustituido por un icono decorativo, típico estilo Matisse. Prescinde del método de representación tridimensional encaminado a crear una expresión especial o una determinada fisonomía, como si el rostro fuera un objeto psicológico que hay que descifrar.

Cuando Sarah Stein presentó la obra -que le había entusiasmado hasta el el punto de adquirirla de inmediato -a sus amigos en San Francisco, EEUU en 1906, estos se mostraron consternados y vieron en ella » un desvarío » , » la caricatura de un retrato «, un « cuadro demencial «…

«Matisse pinta a su mujer con una gruesa raya verde, que se extiende a lo largo de toda su nariz» -escribió en 1910 un periodista-esto por mucho que sea para el público una imagen sorprendente, condena sobre todo al propio pintor para siempre, sostiene que hay que verla desde esta perspectiva tan extraña y horrible «

Del mismo modo que Picasso pudo contestar a quienes designaron su retrato de Gertrude Stein de 1906, acusándole de traicionar a su modelo, respondió con las palabras » Un día se le parecerá «… al final, se impuso la veracidad del cuadro de Matisse:
» Cuando ví por primera vez a la señora Matisse-declaró Pierre Schneiderreconocí de inmediato aquella mujer que 45 años antes había posado para «La raya verde»

Para el autor, lo importante era la sencillez y la claridad, sin olvidar lo principal para un fauvista: el color.

Aunque al principio Matisse se sintió decepcionado por la recepción que tuvo este cuadro, su ánimo se levantó cuando fue adquirido por la familia Stein, a la que pertenecían los famosos coleccionistas Gertrude y a su hermano Leo. Gertrude, en particular, fue una gran defensora de las vanguardias, e inmortalizada por Picasso.

Henri Matisse

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Nació en el norte de Francia, en Le Cateau-Cambrésis en 1869. Su familia se dedicaba al comercio y desde muy joven su padre esperaba que se dedicara a la jurisprudencia para lo cual lo envió a París en 1887. Tras una enfermedad empezó a pintar y descubrió así su vocación abandonando sus estudios. Se inscribió en la Académie Julian y en 1892 ingresó en la Escuela de Bellas Artes pero empezó a frecuentar el taller del pintor simbolista Gustave Moreau.

Durante estos años conoció a otros jóvenes pintores con los que más tarde fundarían el Movimiento de los Fauvistas. Por esos años su estilo era más bien tradicional hasta que tuvo ocasión de conocer la pintura de Signac y desde entonces el color se volvió el principal elemento de su pintura. Al mismo tiempo y luego durante toda su carrera siguió practicando el dibujo con gran virtuosismo. Los tiempos del movimiento fauvista fueron cortos y después de la disolución del grupo Matisse siguió trabajando fundamentalmente con el color.

La formación de Matisse fue lenta y la alterna con viajes a Londres e Italia. Hasta 1899 su producción gira en torno a los impresionistas, pero a partir de esa fecha, y hasta 1904, período conocido como oscuro, recibe la influencia de los nabis y de Cézanne y realiza bodegones y paisajes de gran solidez estructural y planos de color.

«Mujer con sombrero» paisaje de «Colliure» «y «La Alegría de vivir»

En 1904 pinta Lujo, calma y voluptuosidad, en el que sigue el neoimpresionismo, pero ya se anuncia el fauvismo, que estallará en el verano de 1905 en Colliure. Esta obra fue muy criticada por Denis, que la define como «esquema de una teoría». Unos meses después, en el Salón de Otoño, expone una obra —que fue adquirida por los hermanos Stein, Mujer con sombrero, en la que es apreciable la evolución del método cromático que le lleva a descubrir que la interacción de los colores planos dota de coherencia a la obra; en 1906 pinta «La alegría de vivir», que puede ser considerada una obra tradicional en cuanto al tema, pero absolutamente moderna y libre por su factura.Se encuentra en la Fundación Barnes-Philadelphia (Estados Unidos)Técnica: Óleo (176 x 240 cm.

Obras posteriores

«La Danse»  Dos versiones. La de 1910 en el Hermitage, San Petersburgo (Rusia)  Óleo (260×389 cm.)

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Lo interesante como siempre el color !!!. Ocre – rojizo para las figuras danzantes que contrasta fuertemente con el fondo azul-verde, complementarios, aislándolas del mismo y generando un espacio propio.

Obra creada para su amigo Shchukin. El dinamismo generado por las formas crea un espacio «real» pese a la ausencia de un modelado volumétrico de los cuerpos así como de cualquier elemento de perspectiva.

La obra se la ha relacionado con ‘La consagración de la primavera’, el ballet que el compositor Stravinski strenó con la compañía de Serguéi Diáguilev, «Les Ballets Russes», presentados en París en la década de 1910 en el teatro de los Campos Elíseos de París.

En el pulso tenso y palpitante de las cuerdas que acompañan ‘La danza de las doncellas’, el compositor evoca, como lo hace Matisse, «lo dionisiaco«.

Los cuerpos de ‘La Danza’, eran considerados !!Una amenaza !!!.

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 En «La danza» de 1909  en el Museo de Arte Moderno, New York la primera versión

Hasta hicieron una parodia de sus obras!!

 Un grupo de estudiantes de arte representó un juicio conla efigie del «pintor salvaje».

Se acusó a Henri Matisse de “asesinato artístico, incendio pictórico, degeneración del color, uso criminal de la línea y aberración estética.Fue declarado culpable.

La parodia concluyó con una hoguera en la que ardieron varias reproducciones de sus obras, entre las que figuraba Desnudo azul.

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Otra obra de polémica

La Habitación roja -Hoy, la pintura forma parte de la colección permanente del Museo del Hermitage.

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Considerada por muchos la obra maestra de Matisse, «La habitación roja» destaca por carecer de un punto focal, una de las ideas propuestas por el impresionismo.

La crítica no era partidaria de Matisse en esos primeros años: sus cuadros eran «monstruosidades infantiles sin sentido ni vergüenza» o «mensajes peligrosos salidos de un manicomio». Se dijeron de él cosas como «grotesco, primitivo, animal, diabólico, bárbaro y canibalesco»…

Pero a pesar de esto, todo el mundo se acercó a ver estas innovadoras pinturas.

En Montmartre, Picasso y su banda escribieron en las paredes: «¡Matisse te vuelve loco!», «¡Matisse es más peligroso que el alcohol!».

Shchukin el empresario ruso y coleccionista, le dijo a Matisse: «El público está contra ti, Henri, pero el futuro es tuyo» y le encargó este cuadro, pero en tonos azules destinada a decorar su comedor, pero Matisse no quedó satisfecho con el resultado. Por ello, decidió volver a pintarla de rojo, su color favorito y protagonista de la composición.
La mesa se confunde con la pared, el paisaje es casi abstracto, la perspectiva … ya no rechazada, sino directamente violada!!!

El cuadro es una pura decoración pictórica!!

A raíz de la influencia del cubismo sus esquemas se volvieron más geométricos. Realizó varios viajes a España y Marruecos los cuales le indujeron a experimentar con colores mediterráneos abriendo en su obra una nueva sensibilidad.

En 1917 se instaló en Niza, lugar donde residiría hasta el final de su vida y desde el cual desarrolló las numerosas facetas que caracterizan su obra, llegando a ser considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX.

Últimos años

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En 1941 su salud sufrió un duro revés que le dejó en una silla de ruedas, pero que no le impidió seguir con el mismo espíritu creativo.

Enfocó su creatividad hacia un nuevo lenguaje al que llamó “pintar con tijeras”, nunca este trabajo significó para el artista una renuncia a la pintura, sino un paso más en su creatividad.

Este nuevo lenguaje visual elaborado a base de recortes de papeles pintados fueron la razón de su actividad en una Europa ensombrecida por la Segunda Guerra Mundial.

Sus asistentes, dirigidos por Lydia Delectorskaya, pintaban hojas en blanco con gouache de vivos colores y, siguiendo las instrucciones del maestro, las pegaban en las paredes del estudio y de su habitación.

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Matisse cortaba el papel en diferentes formas para crear composiciones…

Desnudos Azules es una serie triunfal de cuatro desnudos. Cada uno fue cuidadosamente planeado por Matisse, quien creó estudios en sus cuadernos y pasó varias semanas haciendo los arreglos de papel cortado a su gusto. Así como se basaba en colores limitados en sus pinturas, estos trabajos en papel cortado también favorecen los tonos sólidos. Inspirado por su visita a Tahití veinte años antes, Matisse creó volumen usando formas superpuestas, demostrando una vez más su ojo para la vanguardia. Matisse falleció en Niza en 1954 apenas dos años después de terminar esta innovadora serie.

También Henri-Émile-Benoît Matisse dejó su firma en el diseño y ornamentación de la Capilla del Rosario del pueblo de Vence, en sus murales, el altar, el vía crucis pintado sobre las losas y los vitrales concebidos a partir de las plantillas de los recortes. Aquellos bocetos a golpe de tijera le ayudaron a imaginar sus composiciones transformadas en un vidrio que proyectaba sus colores en el blanco de la cerámica de la iglesia.

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!! Que tenemos aquí !!!

En la bella ciudad de Tuy- en la siempre verde Galicia -España y a orillas del río Miño que sirve de límite con Portugal se encuentra …

El Monasterio de Santo Domingo de Tuy

La iglesia se empezó a construir hacia el año 1329 y lentamente fue concretándose. Se terminó hacia 1524.

Es un edificio gótico de una nave de tres tramos, posteriormente » rehecha» en estilo neoclásico por el siglo XVIII, con crucero, triple ábside y robustos contrafuertes…

Las bóvedas… de arista y crucería.

La fachada principal, neoclásica, cuenta con una torre-campanario, mientras que la portada del brazo sur del crucero es gótica, con arquivoltas apuntadas. En cuanto al claustro …ha sido reconstruido modernamente.

En cuanto a la escultura… cabe destacar «los canecillos» –cabezas de vigas de tradición románica que sostienen las cornisas, así como los bajorrelieves de la portada gótica, con una escena de la Epifanía en su tímpano.

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Conserva la cabecera y el crucero de estilo gótico…los sepulcros de familias de la nobleza tudense que tiene pertenecen al mismo estilo.

Dos magníficos retablos barrocos

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El altar mayor, es obra del escultor y retablista oriundo de Redondela- Pontevedra, Antonio del Villar considerado como «el mejor de cuantos trabajaron en la Diócesis de Tuy en la etapa barroca».

Se destaca por su grandiosidad, obra de 1744 con santos dominicos:

Sto. Domingo, San Telmo, San Jacinto, Santo Tomás, Santa Catalina y Santa Rosa.

32 años más tarde lo mandan a dorar, obra que realizaron artista portugueses de la ciudad de Braga – Manuel da Silva y Josef Duarte Carvallo por 1775.

El otro retablo, dedicado la Virgen del Rosario, ubicado en el crucero sur, realizado por un «anónimo» portugués por 1740…

Único en España

Posee una bellísima representación en su ático de la muy afamada Batalla de Lepanto ocurrida el 7 de octubre de 1571…

Desde todo punto de vista es «diferente»… !UNICO!

Un retablo Mariano espectacular !!!

Seguramente, el retablo fue encargado por la Cofradía del Rosario y muestra:

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Composición que cuenta con todos los detalles…

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Santo Domingo de Guzmán recibiendo el Santo Rosario de manos de la Virgen, enlo más alto del ático.

San Pío V rezando de rodillas ante el Cristo de la Victoria

Los contendientes

La flota cristiana conducida por Don Juan de Austria a la izquierda y la flota otomana con Ali Pacha al frente, a la derecha…

Debajo:

La Virgen con el rosario y el niño, a su padre, San Joaquín y a su esposo, San José.

Detrás de las imágenes se pueden ver que todas las hornacinas estan pintadas con motivos florales, posiblemente recordando que en sus comienzos el Rosario eran cuentas de rosas

Rodeando la hornacina central: querubines!! no podían faltar en un retablo barroco que se precie y están representadas en circulos, claramente pintados, las escenas de los quince misterios del Santo Rosario, por entonces eran: misterios Gozosos, Dolorosos y Gloriosos para que los fieles puedan rezarlo sin dificultad…

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La Batalla del Golfo de Lepanto

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Fresco en Museo Naval Vaticano

En Lepanto, se enfrentaron:la armada del Imperio otomano, contra una coalición organizada por el papa Pío V, llamada Liga Santa, formada por el Imperio español, los Estados Pontificios, la República de Venecia, la Orden de Malta, la República de Génova y el Ducado de Saboya

Ocurrió el 7 de octubre de 1571 actualmente, día de la Virgen del Rosario de gran importancia, puesto que era el periodo en el que Europa estaba desgarrada por sus propias guerras de religión tras la Reforma Protestante.

Todos recordamos a Lepanto porque fue ahí donde participó Miguel de Cervantes Saavedra, el escritor cumbre de la literatura española, que resultó herido y perdiéndo la movilidad de su mano izquierda, lo que le valió el sobrenombre del «manco de Lepanto«.

Estaba muy orgulloso de haber combatido allí, ya que la calificó como «la más memorable y alta ocasión que vieron los pasados siglos, ni esperan ver los venideros».Además, introdujo la historia en el Quijote, su obra cumbre, a través de la narración del cautivo…

En la historia de la guerra naval, Lepanto marca el último gran enfrentamiento en el mundo occidental que se libró casi en su totalidad entre naves de remo!!! específicamente las galeras y galeazas que eran descendientes directas de los antiguos barcos de guerra.

Ciertamente, fue la mayor batalla naval de la historia occidental desde la antigüedad clásica, con más de 400 barcos de guerra.

En las décadas siguientes, el galeón y la táctica de la línea de batalla desplazarían para siempre a la galera marcando el inicio de la «Era deVela».

La victoria de la Liga Santa, marcó el punto de inflexión de la expansión militar otomana en el Mediterráneo, si bien, las guerras otomanas en Europa continuarían durante otro siglo.

El Papa Pío V agregaría a las Letanías Laurentanas la «jaculatoria»: Nuestra Señora de las Victorias y el día 7 de octubre se honraría a Nuestra Señora del Santo Rosario y Felipe II de España utilizó la victoria para reforzar su posición de «Rey defensor de la cristiandad».

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Santa desalineación Batman!!!!

La Catedral de Saint-Corentin está ubicada en la población bretona de Quimper- Francia, capital del departamento de Finisterre, fue fundada en tiempos de los romanos y en el año 495 se convirtió en un obispado. La palabra bretona kemper significa «confluencia de dos ríos»hace referencia al Steir y al Odet.

Es una de las ciudades más elegantes de la Bretaña Francesa sin lugar a dudas…

Cuando se construyó el templo, se eligió para ello el anterior emplazamiento de un antiguo santuario románico dedicada a Nuestra Señora, edificada el siglo XI.

El desvío de la nave se produce por la falta de alineación entre el coro y la nave plantea una serie de interrogantes y múltiples interpretaciones.

Una hipótesis quizás la más probable: por la configuración del terreno, “desalineación” para evitar el suelo húmedo excesivamente inestable próximo al río. Otros dicen que un río subterraneo les obligo el desvío…
Otra, para conectar el edificio a la capilla románica de la «Victoria», que era entonces una estructura independiente y un símbolo importante -memorial de la victoria del conde de Cornualles Alain Canhiart sobre su soberano Alain III en 1031 antes de convertirse en la capilla axial. También, la presencia del palacio episcopal al sur y el urbanismo naciente, con sus ejes como la rue Kéréon y la plaza en la que no se podía colocar en ángulo la fachada de la catedral, lo que prohíbe extender el eje gótico del coro e impone para mantener la orientación de la nave románica.

Quimper, es hoy una de las poblaciones más bellas de la región, punto de referencia de la cultura celta, sus pintorescas construcciones, sus calles empedradas y sus casas de entramado de madera.  La ciudad es conocida por su cerámica y loza, que son marcas registradas de la región desde el siglo XVII y por las imponentes torres gemelas de la catedral de St. Corentin,

La Catedral está consagrada a Nuestra Señora y a san Corentin, patróno de Quimper y primer obispo de la ciudad.

Según la leyenda, el rey Gradlon quien fue coronado como rey de Cornouaille en el año 388 que conoció a San Corentin en la montaña Mėnez-Hom y quedó tan impresionado por la fuerza de su fe religiosa que invitó al ermitaño a aceptar convertirse en el obispo de Quimper .

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La catedral, reemplazó la antigua iglesia romana que tenía una capilla anexa llamada «Chapelle de la Victoire», donde fue enterrado Alain Canhiart en 1058.

En 1239 cuando se construyó la primera parte de la catedral, el obispo Rainaud canciller de Pedro I, duque de Bretaña le dio un fuerte impulso. Las obras avanzaron al principio a muy buen ritmo, pero posteriormente se vieron ralentizadas debido a dificultades de índole técnica, financiera y también política, ya que el siglo XIV está fuertemente marcado en Bretaña por las distintas Guerras de Sucesión de Bretaña y su correspondiente acompañamiento de grandes epidemias.

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La fachada, comenzó en 1424, las obras duraron en total veintiocho años -portada de Sainte-Catherine.Las cúpulas de la naves se terminaron entre 1486 y 1493.

Durante la Revolución francesa, la Catedral fue transformada en templo dedicado a la Razón, y tanto el mobiliario como los objetos sacros, fueron quemados. El edificio no fue devuelto a su anterior uso religioso hasta el Concordato de 1801, momento en que se reemprendieron los trabajos interrumpidos en su construcción.

Algunas leyendas que se cuentan

Durante el incendio de 1620, los habitantes de Quimper vieron la obra de una criatura demoníaca de color verde que por cierto le llamaron el «Diablo verde de Quimper» se le veía danzando entre las llamas. Después de un buen rato de infructuosa lucha contra el fuego, los canónigos decidieron echar en el brasero un pan de centeno que contenía una hostia y rociar el fuego con agua bendita. El fuego se apagó y el demonio de Quimper-Corentin desapareció. El pan de centeno se habría encontrado intacto en medio del campanario en ruinas.

En su interior se guardan

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Las reliquias de San Corentin se veneraron en la catedral hasta el siglo IX cuando el clero, temiendo las invasiones normandas, las enviaron al obispo de Aleth, que las llevó a París en 965, junto con las de otros santos. Fueron depositadas en la iglesia de San Bartolomé de la ciudad, para luego dividirse entre la abadía de Marmoutier y la de San Víctor de París, siendo estas últimas profanadas y desaparecidas en la Revolución Francesa. Con los años fue devuelto solo un brazo a Quimper, en el siglo XVII, que igualmente se perdieron nuevamente con la Revolución. En 1809 aparecieron en Crouseilhes en unos fragmentos oseos que habían estado escondidos que el obispo de Quimper, que los llevó solemnemente a la catedral donde se veneran desde 1886 en la capilla.


El pórtico sur fue realizado por el taller ducal de Folgoët. Las antiguas vidrieras fueron hechas por Allain Cap, un famoso pintor de vidrio.

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En el sigloXIX, monseñor Graveran, decidió reemprender el proyecto de las agujas, que sólo habían sido esbozadas por Claude de Rohan. Para obtener financiación para esos trabajos, impuso a los fieles una contribución de un sueldo unidad monetaria del momento anual, por el plazo total de cinco años. Finalmente, el 10 de agosto de 1856 se terminaron las torres y se retiraron los andamios.

Fue Monseigneur René Nicolas Sergent que estuvo entre 1855 y 1871 quien presionó por un altar a la altura de la grandeza de la catedral y Mon.Boeswilwad , el arquitecto jefe de «Monuments Historiques» se encargó del proyecto. Encargó al orfebre Placide Poussielgue-Rusand famoso por entonces, la realización del altar.

Poussielgue-Rusand también trabajó en los altares de las capillas Sacrė-Coeur, Sainte Anne y Saint Pierre, así como en el elaborado relicario que se dice que contiene el brazo de Saint Corentin.

De hecho, el altar de Poussielgue-Rusand se exhibió en la Exposición Universal de 1867 y fue regalado a la ciudad de Quimper por Napoleón III. En consecuencia, el altar se conoce como L’autel d’Or o también L’autel Napolėon . Este altar mayor fue consagrado por Monseigneur René Nicolas Sergent en 1868.

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Con el obispo Francois de Coetlogon entre 1668 y 1706 se realizó el púlpito data de 1680 y es obra del carpintero Jean Michelet y del escultor Olivier Daniel. En el hay una serie de paneles decorados con escenas de la vida del santo patrono de la ciudad.

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Hay cuatro estatuas de mármol en la catedral: la estatua llamada «Vierge Mère dite Notre Dame d’Espérance», esta del escultor Auguste Ottin y que data de 1846, la estatua de Buors que representa a Sainte Anne; la estatua de Sainte Thérèse de Lisieux y la estatua de Juana de Arco. La única estatua en granito es la talla en el trumeau del portal oeste que representa al «Cristo Sauveur du Monde».

También estatuas talladas en madera: el San Cristóbal del escultor Mingham en madera policromada.

 El órgano de la Catedral y el retablo que representa a Sainte Catherine con espada y calavera, Sainte Marguerite con dragón y dos abadesas.

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En el período 1870-1883 Yann Dargent completó los frescos en las naves laterales.

El » Vitrail de saint Anselme «, en un nuevo «gótico» con 20 medallones, representa escenas de la vida de San Anselme. Anselme fue el abad de Bec-Hellouin en Normandía y luego arzobispo de Canterbury. Los medallones incluyen que tomó las órdenes benedictinas a la edad de 28 años, se convirtió en arzobispo de Canterbury, su visita a Urbain 11 y su muerte. Anselme era el santo patrón de Monseigneur Anselme Nouvel de la Fleche . La ventana no estaba firmada, pero se atribuye a Hirsch y está fechada en 1873.

Tradición ceramista

En 1690, un provenzal: Jean-Baptiste Bousquet creó la primera fábrica de cerámica. Hoy en día, es famosa por los objetos que elabora, todos decorados a mano y firmados por los artistas.

Mediante alianzas y adquisiciones, las numerosas fábricas de loza en el barrio de Locmaria, e inspirada en la cultura bretona, la fabricación de la loza alcanzó su apogeo en el siglo XIX, con una manufactura única, con la que pronto compitieron nuevos protagonistas en este mercado en expansión y popularidad. A principios del siglo XX, tres grandes marcas son conocidas en toda Francia: la Grande Maison de la Hubaudière, Porquier-Beau y Henriot. se han reunido, en el siglo XX, en una única fábrica.
La empresa ha heredado las colecciones de varias familias de fabricantes de loza.

Desde 1991 en una antigua fábrica está, el Museo de la Loza presenta el proceso de fabricación, así como la evolución del estilo de Quimper, reconocible por sus personajes bretones rodeados de un decorado vegetal azul, verde, amarillo, rojo y violeta.

El fábrica de loza Henriot-Quimper perpetúa el arte de la loza pintada a mano y la tradición de la “decoración a la pincelada”, hecha a mano alzada.

En los talleres de la fábrica, los visitantes pueden descubrir las etapas de la fabricación, desde el pan de
arcilla hasta la cocción final.

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Entre sus dos torres se encuentra la estatua ecuestre del mítico rey de Bretaña: Gralon (Gradlon).

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La gallega «Sinsombrero»

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Ana María Gómez González, nombre real de Maruja Mallo,  nació en Viveiro-Lugo Galicia – España, 1902 – y muere en Madrid en 1995. Ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, fue la única mujer que superó el examen de ingreso en 1922.

También pasó por la Academia Libre de Julio Moisés Fernández de Villasante.

Destacaba por su activismo, su posición feminista, su fuerte personalidad y audacia provocadora contra las imposiciones sociales del momento. Ante todo, renegó de los roles asignados a la mujer en su época.

María Zambrano dijo de ella: «cometió uno de los errores más destructivos e imperdonables: ser libre».

«Las sinsombrero».

«Los alegres» años veinte en Madrid…

Eran un grupo de mujeres artistas españolas nacidas entre 1898 y 1914. El nombre viene de una anécdota contada por la propia Maruja Mallo. Ella, junto a Margarita Manso, Salvador Dalí y Federico García Lorca decidieron cruzar la venerada «Puerta del Sol» y quitarse el sombrero en público como metáfora …de quitarle la tapa a la cabeza y liberar las ideas.

Borges escribió un artículo al respecto titulado “Los intelectuales son contrarios a la costumbre de usar sombrero”.

Quitarse el sombrero, sobre todo para las mujeres, significaba abandonar «el corsé «de la vieja época y expresar su disconformidad con el papel de esposas, madres que la sociedad les había impuesto.

“Nos apedrearon llamándonos de todo”, contó tiempo después Maruja Mallo.

«Las sinsombreros» un símbolo de rebeldía y liberación… !!Todo un atentado para la sociedad del momento!!!

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Aguada de Dalí titulada Sueños noctámbulos (1922), actualmente en la Fundación Dalí de Figueras, aparece representada Maruja Mallo junto a una reproducción del propio Dalí.

La Generación del 27.

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Los integrantes de la llamada Generación del 27. Este grupo, eminentemente literario, gravitaba en todos los ambientes artísticos, con una explicación muy sencilla: se formó en la Residencia de Estudiantes madrileña, en la que vivían poetas, pintores, cineastas…

 

Ortega y Gasset, le encargó trabajos para la Revista de Occidente,fue la única exposición que organizó la mencionada publicación, Ramón Gómez de la Serna, escribió sobre ella un ensayo literario… Pablo Neruda, Pablo Picasso al que Maruja admiraba como ocurre siempre con los maestros con todos ellos compartió, en un momento u otro, trabajo, amistad y admiración artística.

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Guardaba relación con los círculos y las publicaciones literarias del momento en Madrid, la ya citada revista de Ortega en la que conoció a Marañón y Pérez de Ayala entre otros; Cruz y Raya, dirigida por José Bergamín y en la que colaboraba de manera destacada el filósofo Xavier Zubiri, el teatrillo de Pío Baroja llamado El mirlo blanco, que se representaba en su casa…la tertulia de Benavente en el madrileño café El Gato Negro…las reuniones en la casa de las flores de Neruda y la Residencia de Estudiantes y tantos otros lugares …

En 1932… 

Maruja Mallo se mudó a París gracias a una beca concedida por la Junta de Ampliación de Estudios.

En Francia expuso en galerías como la Pierre Loëb y cultivó relaciones de amistad con artistas como: André Breton, Paul Éluard, René Magritte, Max Ernst, Giorgio de Chirico y Andy Warhol.

Junto a la poeta Concha Méndez, paseaban por el centro de Madrid pegando su cara a los cristales de las tabernas como manera de «protesta» por no poder entrar en ellas…

Fue la única mujer en formar parte de la Cofradía de la Perdiz liderada por Lorca donde se reunían los sábados a comer perdices.

En su pintura, con fuertes influencias cubistas, podemos apreciar dos etapas:

Una más colorista y con referencias a temáticas mágicas, como vemos en la serie Verbenas, y otra más sombría. Además, también era escenógrafa y trabajaba la cerámica. Esta etapa influyó en el cine de Buñuel, el inicial y surrealista de Un perro andaluz.

Antro de fósiles y la otra con Josefina Carabias considerada una de la primeras periodistas -mujeres de España

Cuando comenzó la Guerra Civil, Mallo escribió y denunció los horrores cometidos por los golpistas en Galicia y, tras ello, se exilió en Argentina. Consiguió llegar al país gracias a un salvoconducto ofrecido por la escritora chilena Gabriela Mistral por entonces embajadora de su país en Portugal.

Allí, su talento fue ampliamente reconocido y alternó Buenos Aires con periodos en Nueva York, su amigo Andy Warhol le invitaba a participar de la intensa vida cultural de la ciudad.
En mayo de 1948 ganó el Primer Premio Pictórico de la XII Exposición de Nueva York con la obra titulada Cabeza Negra. Después se sucedieron sus exposiciones en Nueva York y París, donde logró una gran repercusión tanto en la prensa como en la crítica.

Sus últimas obras

Mallo volvió definitivamente a España tras unos 63 años de exilio…se enfrentó a un cruel anonimato. Su obra había sido olvidada y nadie la recordaba como integrante de la Generación del 27. Había regresado a un país que había cambiado radicalmente, pero no estaba dispuesta a claudicar. Así que se creó una imagen más moderna y progresista, acorde con los tiempos de la Transición que estaba viviendo España.

A mediados de los años 80, su obra alcanzó cierto reconocimiento en los circuitos de arte madrileños, y participaba en programas de televisión y de radio, asistía a tertulias, galerías, museos y bares, hasta encumbrarse como musa del movimiento artístico madrileño.

Algunos reconocimientos

En 1982- Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes, concedida por el Ministerio de Cultura​ y el Premio de Artes Plásticas de Madrid.

En 1990, Medalla de Oro de la Comunidad de Madrid.

En 1991 la Medalla de Galicia no era para menos…

Maruja Mallo murió a los 93 años de edad, siendo reconocida como una figura mítica y legendaria. Su obra ha sido expuesta en diversos museos alrededor del mundo, pero sin duda, su gran talento consistió en vivir en libertad.

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Maruja Mallo ocupó por derecho propio los espacios masculinos del arte y fue una influencia clave en las obras de Dalí, Lorca o Buñuel. De hecho, muchos historiadores/as afirman que el triángulo Dalí-Lorca-Buñuel fue en realidad un cuadrado con Maruja Mallo como cuarta punta a la que, sin embargo, se le negó este lugar en la Historia.

Una mujer vital, feminista, curiosa, noctámbula, cósmica, cosmopolita, perfeccionista y meticulosa, gran conversadora, rigurosa, contradictoria, solitaria, expansiva, celosa de su intimidad y amante de la naturaleza.Toda una referencia internacional en pintura surrealista figurativa.

Perfeccionista y meticulosa, su obra no fue tan amplia, unos 90 a 100 lienzos, pero logró un importantísimo reconocimiento.

Una Maruja que fascina. Una pintora universal!!!

La verbena- 1927

Quizás sea su obra más popular son cuatro «verbenas»… la primera, sucede en honor a San Isidro.

Es un óleo de 119×165 centímetros y se exhibe en la actualidad en el Museo Reina Sofía de Madrid.

Es un cuadro de su época más optimista, una celebración de los felices años 20. Maruja nos muestra cómo es la sociedad madrileña de aquellos años, si bien también deja traslucir cierta crítica. Así, la artista incluye una serie de personajes revueltos en un aparente caos recreando una escena de claras reminiscencias surrealistas.

Este cuadro forma parte de una serie de cuatro óleos dedicados a las fiestas madrileñas y que expuso en 1928 en las salas de la Revista de Occidente, bajo el auspicio de Ortega y Gasset.

Por entonces, con 25 años, en 1927 año importantísimo que dio el nombre a una generación

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La obra tiene una iluminación de atardecer con un fondo de lago, pirámides y bosques.

En palabras de la historiadora Emilia Bolaño, es “un intento de retratar a la sociedad madrileña de la época con un poquitín de ironía. Barracas, artefactos de feria, espejos deformantes, tiovivos, músicos, gigantes y cabezudos, marineros de permiso, terrazas la guardia civil… Un caos ordenado que refleja el barullo de las verbenas populares, pero con gran alegría”.

Mujeres de todas las razas y edades, con mantones bordados, vestidos diversos y marineros recién desembarcados que acuden a la fiesta perfumada de rosas y manzanas acarameladas.

La obra se descompone en variadas escenas sumanente dinámicas: un aeroplano, mesitas de café rodeadas de un parterre de rosas, un tullido, el guardia civil y su mujer… Pierrots, gnomos, y muchachas con faldas cortas, el escándalo del los años 20…

García Lorca dijo que “sus cuadros son los que he visto pintados con más imaginación, emoción y sensualidad”.

La historiadora Paloma Esteban Leal sostiene que hay “agudo sentido crítico” traducido en “fina sátira”.

“Su labor en la pintura ya no sólo fue una gran aportación en el terreno artístico, sino que configuró y marcó el camino hacia la profesionalización de la mujer en el mundo del arte“, escribió José Manuel González poniendo el acento en“su arrolladora personalidad y éxitos conseguidos en un momento histórico donde el papel de las mujeres estaba reducido a las tareas domésticas y maternidad”.

Maruja Mallo, “Mitad ángel, mitad marisco”, como dijo de ella Dalí, es alguien especial que tiene su residencia en el vasto paseo que va desde el cielo al mar empapada de espiritualidad. Ella es un poco de todas las mujeres! desde las que abrazan el aire, las que corren hacia el mar, las que juntan caracolas, las que rien y hasta aquellas que se enconden detrás de una máscara.

André Breton adquiere su cuadro «espantapájaros»en 1932. Hoy considera da una de las obras más representativas del surrealismo.

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Almodovar, el conocido cineasta, pone en su último film » Dolor y Gloria » el bello Racimo de uvas que Maruja pintó en 1944

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«Avis»… !Rara si las hay!

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Apodado de esa manera por su predilección por las aves, fue un artista !!!Total!!!

Fue un pintor cuatrocentista y matemático italiano que destacó por su obra pionera en la perspectiva visual en el arte.

Trabajo perfectamente en diversas técnicas del arte durante toda su vida mostrándose interesado en la perspectiva y en la posición de las figuras en el espacio en el volumen luz y sombra, y tantos perfiles se destacan en estas.

Digamos que fue un perfeccionista y estudioso ejemplar del Renacimiento italiano, muy influido por el tratado de Alberti, Della Pittura, donde además de la perspectiva se aludía al uso de formas regulares puras y a otras concepciones pitagóricas.

Puede verse esta influencia en la diferencia entre sus frescos en Santa María Novella, de poco después de 1430 -La Creación y La Caída del Hombre, de estilo gótico, y los ejecutados en 1444-46 El Diluvio y La embriaguez de Noé, que siguen las recomendaciones de Alberti al pie dela letra.

Los ciclos de las Historias del Génesis y de las Historias de Noé, pintados sobre el llamado claustro Verde, de Santa Maria Novella permiten apreciar la imaginación del artista en toda su plenitud, a pesar de las fuertes alteraciones que los murales presentan.

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Sus espléndidos logros

Uccello, fue aprendiz de Ghiberti cuando este diseñaba sus primeras puertas del baptisterio de Florencia allá por 1400.

Hasta una edad relativamente avanzada para su época, más de 40 años, fue decorador en un estilo gótico tardío realizando:

Mosaicos de San Marco enVenecia, ciudad donde vivió entre 1424- 143.

Allí realizó su famoso dodecaedro estrellado y el otro para la Iglesia de San Pantaleón de la misma ciudad,.

Trabajó también como vitralista realizando la vidriera en la Catedral de Florencia en 1435 «la Resurrección de Cristo» una obra de gran perfección.

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Es a partir de 1436 cuando Uccello da muestras de incorporar la perspectiva a sus obras, con el fresco del Monumento ecuestre a Sir John Hawkwood 1436.

El fresco del condotiero inglés John Hawkwood

Encargado en 1436 por la Basílica de Santa María del Fiore de Florencia.

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Hawkwood, luchó por Inglaterra en la Guerra de los Cien Años y más tarde en la «Gran Compañía» que hostigó al Papado de Aviñón.

Tras tomar el mando de la «Compañía Blanca» o «Gran Compañía» después de que la dirigiera Albert Sterz en la década de 1360, cruzó los Alpes para luchar como mercenario de Juan II de Montferrato que mantenía una guerra con la ciudad de Milán.

Se menciona esta obra como una  «propaganda florentina» por la apropiación de soldados extranjeros como héroes florentinos. También ha sido interpretado un producto de competición  entre los Albizzi y los Médici en el Renacimiento florentino.

El fresco, es el trabajo más antiguo que se puede adjudicar a Uccello en la región de Florencia, fue restaurado la primera vez por Lorenzo di Credi, quién añadió el marco bien renacentista.

Su máximo logro sin duda: La Batalla de San Romano realizada por 1450.

La batalla

Cada una de las tres tablas pintadas en témpera muestra momentos distintos de la batalla en cuestión ocurrida 1 de junio de 1432 en San Romano cerca de Pisa, entre los florentinos, que resultaron victoriosos, guiados por Nicolás de Tolentino y los sieneses, liderados por Bernardino della Carda.​

Recientes investigaciones apuntan que el ciclo de pinturas no fue, un encargo de Cosme de Médicis, sino de Lionardo Bartolini Salimbeni, que tuvo un papel destacado en la apertura de hostilidades con Siena.

Aparentemente el formato era diferente. Las tres escenas de la batalla fueron compradas por Lorenzo de Médicis para su palacio en Florencia, descritas en un inventario de su dormitorio en 1492.

Actualmente hay replicas en el dormitorio renacentista de Lorenzo…

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Son tres paneles y como sucedió con otras tantas obras famosas…hoy están separados en tres museos distintos:

En la National Gallery.

Niccolò Mauruzi daTolentino en la batalla de San Romano.

La descripción de la secuencia de acontecimientos es solo un pretexto para una expresión detallada del movimiento.

Interesante detalle

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En el fondo,  un paisaje de la Toscana,  sus montañas en terrazas,  la siega: estación del año en la que tiene lugar la batalla, junio, y otra actividad más: la caza, donde perros, animales y personajes secundarios, se activan en una serie de episodios aislados al margen de la acción principal. 

Las figuras se presentan en escorzos, esto es, mediante la representación deformada del motivo bajo el efecto de una perspectiva inusual, lo que permite representar situaciones dramáticas. Puede verse en el cadáver de un soldado que yace en el suelo en una posición similar a la del Cristo muerto de Mantegna, pero boca abajo en lugar de boca arriba…

Dos jinetes ligeramente inclinados y vistos de espalda de la parte derecha del cuadro. Algunos caballos se muestran de espaldas o perfil, ensayando relieves pictóricos.

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En la Galería Uffizi.

Niccolò Mauruzi da Tolentino desmonta a Bernardino della Carda en la batalla de San Romano.

Gracias al recurso de la Perspectiva, Uccello crea sensación de profundidad en el espacio.

Esta masa de caballeros e infantería, le permite ejercitar satisfactoriamente su obsesión con la representación de la forma pura de acuerdo con las leyes de la óptica. Uccello sigue fielmente los principios de la perspectiva arquitectónica pero, a diferencia de otros pintores de su tiempo, no usa su conocimiento extenso de la perspectiva para colocar esta escena en un espacio claramente definido, sino que representa la batalla contra un fondo relativamente oscuro.

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Destaca la presencia de los mazzochi, sombreros florentinos de diferente aspecto que el artista describe detalladamente.

También describe con minuciosidad las suntuosas armaduras de los soldados, lamentablemente, Uccello usó un compuesto que con el tiempo resultó dañado quitándole brillantez.

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En el Louvre

El contraataque de Michelotto da Cotignola en la batalla de San Romano.

Los guerreros esperan el asalto, con uno de ellos preparando su arma.

El centro de la tabla del Louvre está ocupado por Micheletto da Cotignola sobre un caballo negro dando la señal de ataque.

Tiene una actitud de mando y una grave expresión en el rostro, que contrasta con el gesto embravecido del caballo. El ejército empieza a moverse y a la izquierda la caballería carga contra el enemigo, bajando las lanzas en posición de ataque.

De esta manera Uccello triunfa al crear la ilusión de un ímpetu general orquestado por las lanzas y los caballos.

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Como en otras obras de este artista, se presentan mezclados elementos medievales y renacentistas como el tratamiento escultórico de los volúmenes, los escorzos de las figuras con variadas perspectivas, junto a otro elementos de tradición gótica, como los colores brillantes y el refinamiento decorativo en particular de las figuras y del paisaje, la perspectiva es dada por las lanzas de los combatientes.

Las figuras de los hombres y de los animales son geométricas y precisas, aunque irreales como los colores que usa: los caballos son rojos, blancos y azules. Esa luz y colores irreales puede que estén inspirados en algún relato caballeresco. Uccello hace de la perspectiva que amaba una fiesta!!!

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Usando formas geométricas puras para representar la realidad, los contornos de las figuras y los objetos están formados por círculos… en un asombroso precedente desde el remoto Renacimiento al cubismo del s.XX y más concretamente, a la pintura de Fernand Léger.

En la iglesia de Corpus Domine.

Uccello marchó a Urbino en 1465 y allí permaneció unos cuatro años con su hijo Donato como colaborador.

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Realizó en el banco del retablo mayor seis escenas con la historia de la Hostia profanada del s XIII, por encargo de la cofradía Corpus Domini. Actualmente en la Galleria nazionale delle Marche. 

Columnas abalaustradas pintadas en rojo cinabrio separan las escenas. En la Edad Media se utilizó este color para iluminar manuscritos, y como colorante para el lacre etc. sumamente importante por entonces puesto que era abundante en la región toscana.

Se aprecian alternancias cromáticas y formalismos de color que buscan crear efectos ópticos. Las figuras son anamórficas, diferentes según el punto de vista del espectador, y alternan las recortadas y las volumétricas. Uccello desfiguró la realidad en un intento de experimentar con ella.

Esta predela representa un magnífico ejemplo de coordinación narrativa del pintor, tanto por la complejidad del tema como por la variedad de la composición, dejando en segundo plano las curiosidades de fisonomías o de materias, o las tentativas naturalistas, para desembocar en una coreografía elegante, que oculta totalmente todo énfasis milagroso para convertirse en documento de vivencia cotidiana, donde la presencia de lo sagrado es asimilado en un ritual donde la realidad y el milagro coexisten de forma natural.

La cacería nocturna

Al final de su vida, Uccello vuelve al manierismo gótico con su cacería nocturna de 1470 en tempera sobre madera, 65 x 165 cm, donde muestra una perspectiva unificada.

El efecto fantástico está acentuado incluso por el uso de cielos y fondos oscuros, sobre el que resaltan luminosas las figuras, bloqueadas en posiciones antinaturales.

La escena transcurre de noche, con una debil luna menguante en el centro y en un bosque.

Dos árboles centrales rígidos, no hay ramas intermedias, las copas todas elevadas.

La disposición de las figuras también es irreal, parecen recortadas y pegadas sobre la tabla, cruzándose a veces en zigzag unas con otras. Los colores rojizos salpican la obra. 

El panel actualmente en el Ashmolean Museum de Oxford es sin ninguna duda, la obra del Quattrocento florentino más rica de efectos y de pasajes cromáticos, una pintura que debía parecer verdaderamente desconcertante para sus contemporáneos.

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Influyó directamente en el pintor del siglo XIX también obsesionado por las matemáticas como él: Seurat en su :Après-midi à la Grande Jatte de 1884-86, también usa formas simples, en su caso para poder clarificar los contornos que, por fuerza, tienen que estar difuminados debido al uso de minúsculas pinceladas de colores brillantes su famoso «puntillismo» del que se le considera «el Padre»

La Batalla Nocturna de Paolo Uccello- de 1470.

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«¡Oh, qué asunto tan dulce la perspectiva!»

Vasari en su Vidas atribuye a Uccello esa expresión.

A la perspectiva lineal de los artistas de su tiempo, Uccello prefiere la perspectiva natural y descriptiva apreciada ya por Ghiberti y que tenía su origen en las concepciones medievales de la óptica.

Dice Vasari: «Representó con tanto empeño y tanto arte a los muertos, la tempestad, el furor de los vientos, la caída del rayo, los árboles arrancados de cuajo y el pavor de los hombres, que no es posible alabarlo bastante… trató las figuras mediante las líneas perspectivas y pintó mazzocchi y otros elementos, por cierto bellísimos.»

El artista enseñó a dibujar y pintar a su hija Antonia (1446-1491), pero no existe documentación de sus trabajos, sólo se sabe que se convirtió en monja carmelita.

La herencia de Uccello es inmensa y principalmente relacionada con el uso de la perspectiva, que posteriormente fue utilizada por grandes artistas, como Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer y Piero della Francesca .

A vuelo de pájaro…

El libro

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El libro, se remontan a las primeras manifestaciones pictóricas de nuestros antepasados, la pintura rupestre del hombre del paleolítico y a la forma sencilla de preservar y transmitir su cultura, sus creencias y conocimientos, tanto en el espacio como en el tiempo.

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Supone por un lado, determinar la forma de garantizar la integridad intelectual del contenido de la obra y la conservación del soporte en el que fue plasmada, o sea: encontrar el medio por el cual se mantendrá inalterada la intención o finalidad para la cual se concibió la obra… fue todo un desafío!!!

El mundo del Libro antiguo

Los primeros libros en China corresponden al siglo VI a. C., los jiance o jiandu, rollos de finas tiras de bambú o madera grabados con tinta indeleble y atados con cordel. Estos textos servían principalmente a causas institucionales, obra de funcionarios civiles o militares.

Egipto creó el papiro y lo exportó a todo el Mediterráneo, se usaba para plasmar textos en Egipto, Grecia y Roma. La fabricación del papiro era complicada y dado que las láminas de papiro estaban hechas de dos capas superpuestas, por cada cara discurría una veta distinta, de ahí que se denomine recto donde el grano discurría de forma horizontal y verso en donde el grano discurría en vertical, sin embargo solo se escribía en la cara interna que era la más lisa. Las láminas se pegaban para hacer los famosos «rollos».

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Desde Confucio en adelante 551-479 a. C. los libros se convirtieron en importantes instrumentos de aprendizaje, tratados de filosofía, medicina, astronomía y cartografía etc.

En el período de los reinos combatientes en China 475-221 a. C. La seda se usó como soporte para escribir. La tela era ligera, resistente, absorbía bien la tinta y proporcionaba al texto un fondo blanco, sin embargo era mucho más cara que el bambú, por esto, se hacía una copia en bambú antes de grabarse en seda los textos importantes.

En los griegos, aparece el comercio de los libros alrededor del siglo V a. C. en el apogeo de la literatura. Obras de poesía, historia y otras ramas en tiempo de Socrátes y Aristófanes.

Los libros eran manufacturados comercialmente, ya empezaba una exportación a ultramar.

Por otro lado, las copias de los libros eran alquiladas a altos precios y aquellas personas que poseían dinero podían pagar copistas privados para copiar los textos deseados.

Algo notable, la distribución de las obras no implicaba ganancias económicas para sus autores las más difundidas y favoritas de los griegos,eran: la Ilíada y la Odisea de Homero, seguido de Demóstenes y Eurípides​.

En Atenas, los libreros tenían tiendas públicas y en ellas se reunían ordinariamente los literatos para leer los libros nuevos que se escribían

A mediados del siglo VIII dC los chinos inventaron la impresión xilográfica, o grabado en madera, promovió una rápida y temprana propagación.El primer libro impreso chino que se ha encontrado es el Sutra del diamante del 868 d. C.

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A partir del siglo I d. C. el pergamino comenzó a competir con el papiro. Se cree que aquel surgió en Pérgamo, en la actual Turquía, tenía la ventaja de resistir condiciones de humedad, era más duradero y podía doblarse sin romperse, también podía rasparse para limpiarlo y ser reutilizado.

La invención del papel según la tradición china, se atribuye a un eunuco de la corte imperial llamado Cai Lin en el 105 d. C. Usando nuevos ingredientes -trapos viejos, cáñamo, corteza de árbol y redes de pescar creó un método de fabricación de papel muy similar al que se usa hoy en día. Pero tardó cientos de años en reemplazar al bambú y la seda, fue hasta finales del siglo IId. C. que la corte imperial lo usó en cantidades importantes. Esta innovación no se propagó fuera de China hasta el 610 d. C. aproximadamente, y alcanzó Europa a través de España recien en el siglo XII.

Monumento al libro en Cincinnati Ohio

Entre los romanos se conocían los copistas de libros, llamados librarii,  bibliopolæ vendedores de libros y los glutinatores encargados de pegarlos generalmente eran esclavos.

En tiempo de la república las personas acomodadas tenían en sus casas copistas o secretarios, esclavos o libertos, para copiar los manuscritos nuevos.

Pero en tiempo de Augusto los vendedores de libros, bibliopolæ, se introdujeron en Roma y comenzaron a verse tiendas de libros, que solían estar cerca de la entrada de los templos y de los edificios públicos, y en particular en el foro romano. Estos, fijaban en sus puertas los títulos de las obras que tenían en venta para que con un golpe de vista pudiese cualquiera enterarse de lo que había en ellas.​

El vendedor de libro, en la Ludwig-Metzger-Platz, en Darmstadt, Alemania.

La administración cotidiana produjo un flujo constante de documentos, la alfabetización rudimentario era habitual, incluso en las clases bajas, lo que provocó que en el siglo I d. C. hubiera un crecimiento del público lector, ya no se escribía para un círculo de amigo íntimos, sino para un público anónimo, pero la clase alta siguió conservando la cultura literaria oral tradicional.

En el siglo III d. C. empezó el declive del imperio romano y las invasiones bárbaras causaron una contracción de la cultura escrita. Muchas instituciones escolásticas cayeron, a excepción de las mantenidas por la iglesia cristiana.

 

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Apareció el códice, este fue el nombre que le dieron los romanos a la tablilla de cera para escribir y que terminó designando a los libros con páginas. Sin duda, ​una de las más importantes y perdurables revoluciones de la historia del libro.

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Era más fácil de manejar que los rollos, podía utilizarse ambas caras del papel, lo que le permitía contener más texto.

Aunque el códice tenía claras ventajas, el rollo siguió en uso durante varios siglos. La monarquía inglesa los continuó usando para registrar sus leyes hasta la edad media.​

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Los historiadores citan lo escasos y caros que eran los libros en Europa.

Saint-Loup, abad de Ferrleres, envió dos de sus monjes a Italia el año 855, con el solo objeto de sacar una copia del Tratado de la Oratoria de Cicerón y de algunos otros libros latinos, de los cuales no poseía sino algunos fragmentos.

En el siglo XII  un ejemplar de la Biblia y otro de las cartas de San Jerónimo eran poseídos en común por varios monasterios en España, que usaban simultáneamente.

La copia de los manuscritos era pausada y lenta, una copia de la Biblia sacada en cinco meses se consideró como un prodigio de velocidad. En el siglo XV  no se prestaban los libros sino con muchas garantías y seguridades solían estar encerrados o bien encadenados con seguros cerrojos.

Con el fin de que las obras se conservaran y reprodujeran, se acostumbraba que cada novicio copiara, antes de profesar, el libro que el superior le señalaba. Gracias a esa costumbre muchos libros preciosos de la antigüedad, han llegado salvos hasta nosotros.

Los monasterios contribuyeron con este y otros medios a la conservación de muchos escritos y documentos preciosos que se salvaron, en medio de la borrasca universal.

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La aparición de la imprenta de tipos móviles en 1444, obviamente revolucionó el proceso de la fabricación, aunque siguió por largo tiempo «la scriptoria«, la imprenta hizo relativamente más sencilla.​

El comienzo del movimiento humanista, la reforma luterana impulsaron el crecimiento de la industria del libro, puesto que vieron en él un medio de difusión masivo. También en las universidades se desarrolló un mercado más amplio para los libros entre las élites intelectuales laicas y religiosas.

El libro impreso

Un importante negocio internacional, los libreros e impresores fueron ante todo empresarios.

Pero también debe su expansión a algunos monarcas y religiosos que la apoyaron. En 1468 el papa Paulo II ordenó imprimir las epístolas de san Jerónimo, por su parte el rey de Francia Carlos VII mandó a Nicolás Jenson a Alemania para aprender la técnica de impresión, con el tiempo los más importantes soberanos en Europa protegieronsu desarrollo.

La superioridad de la imprenta sobre la xilografía fue incuestionable, la escritura era regular, impresión a ambas caras, rapidez de impresión y la posibilidad de volver a utilizar los caracteres para imprimir otros textos.​

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El libro comprendido como una unidad de hojas impresas, formaban un volumen ordenado hasta 1801fueron los famosos: Incunables s. XV, Los Renacentistas del s. XVI Los Barrocos del s. XVII,los Neoclásicos del s.XVIII después los Ilustrados del s. XIX en adelante.

En la actualidad con el acceso a la información en otro tipo de fuentes, Internet, libro electrónico etc. cambia la historia…

No obstante, contemplando los avances tecnológicos de última generación que prácticamente recien comienzan, el valor del libro es inmenso y perdurable a través del tiempo, por todo lo que representó y representa para la historia de la humanidad ávida de la tan preciada información y del admirado progreso.

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Monumento a la quema de libros efectuada por los Nazis en Mayo de 1933 en Bebelplatz -Berlin

«La casa giratoria»…

Estaba ubicada en la esquina de Paraná y San Lorenzo, en plena barranca del barrio Nueva Córdoba en la Ciudad de Córdoba- Argentina en uno de sus terrenos más altos a metros del zoológico cordobés.

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En su momento la casa ofrecía una vista panorámica espectacular de toda la ciudad con las sierras de fondo.

La casa, muy famosa por entonces, comenzó a girar el 10 de julio de 1951 tras cuatro años de construcción.

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Abdón Sahade era un empresario textil inmigrante, de nacionalidad siria, que tenía conocimientos de ingeniería y arquitectura, y con su Casa Giratoria lograba su objetivo de «hacer algo grandioso para Córdoba».

La innauguración en 1951

Esta obra por demás novedosa de Sahade, patentó el invento y lo registró en varios países –Argentina, Brasil, Inglaterra y Francia– como “Primera casa giratoria del mundo”…. si bien se conoce la Villa Girasole, de estructura mucho más complicada construida entre 1929-1935 por el ingeniero Angelo Invernizzi en Marcellise, cerca de Verona-Italia.

De más está decir, su inauguración despertó gran interés general y los periódicos de la época se hicieron eco del acontecimiento definiéndola como “La vivienda del futuro”, “Una construcción revolucionaria”, “Arquitectura y excentricidad”, etc.

Foto Museo de la industria

El proyecto tenía como principal objetivo: crear una vivienda que pudiera rotar siguiendo el movimiento de sol y poder aprovechar la luz natural desde el alba hasta el atardecer, como también poder tener una configuración para cada estación del año.

La planta de la casa de forma circular, de 16 m de diámetro, compuesta por: un recibidor, sala de estar y comedor que ocupa la parte central, a ambos lados se ubican tres dormitorios, dos baños, cocina y lavandería, sumando una superficie de 180 m². En el subsuelo, circular y de igual diámetro, la sala de máquinas, a la que se accede desde una escalera exterior.

Toda una innovación en el país …

La vivienda de aparente construcción tradicional, con muros portantes de ladrillos huecos de fabricación artesanal para aligerar el peso. El techo es inclinado a cuatro aguas con cubierta de tejas, con dos tanques de agua, uno encima de cada baño, diametralmente opuestos para equilibrar el peso.

La plataforma de hormigón armado está apoyada y sujeta a una estructura de soporte de forma circular con perfiles metálicos, compuesta de tres anillos concéntricos unidos por vigas radiales.

El anillo interior y el medio son rieles circulares como vías de ferrocarril que giran sobre ruedas de vagones de tren que están montadas sobre bases de hormigón armado: 4 ruedas en el anillo central y12 ruedas en el anillo interior.

El último anillo y de mayor diámetro, es dentado y está vinculado a 2 motores dispuestos diametralmente opuestos, también montados sobre bases de hormigón.

Funcionamiento

Se activan los motores con una palanca que está en una habitación interior de la vivienda que permite el movimiento del edificio en ambos sentidos de giro y se genera por la conexión de los dos motores de 3,75 CV cada uno, que mediante un sistema de engranajes reductores transmiten el movimiento al anillo dentado.

La casa pesa 140 toneladas y para rotar 360º requiere 55 minutos, lo que hace una velocidad de 1 metro por minuto aproximadamente.

El movimiento, es lento, silencioso, casi imperceptible para no perturbar el normal desenvolvimiento de sus habitantes. Una anécdota cuenta que su propietario hacía reuniones y sin decirlo ponía a girar la casa, porque en el interior no se advertía el movimiento.

Algo importante

La casa estaba conectada a los servicios públicos de distribución de agua, electricidad y saneamiento, lo que implica que en cada una de esas instalaciones debía haber un punto de conexión con las acometidas que fueran compatibles con el giro de la estructura.

Para que todo esto fuera factible dichas uniones fueron ubicadas en el centro de la estructura.

Amenaza de demolición

Si bien llegó a ser declarada como:» patrimonio arquitectónico y cultural», en 2002 se aprobó una ordenanza municipal para demolerla y levantar un edificio -la Torre Elysee que actualmente ocupa el lugar original.

Con el paso del tiempo la zona fue cambiando sus características residenciales. Comenzaron a construirse edificios en altura producto de la especulación inmobiliaria. Y fue en ese contexto en el año 2002 se aprobó la ordenanza municipal para demolela con el objeto de levantar un nuevo emprendimiento residencial.

Vecinos e instituciones se pusieron en acción para evitar la autorizada demolición. Al fin, se reglamentó una propuesta para el traslado de la vivienda completa al Museo de la Industria de la ciudad.

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Su histórico traslado

A pesar de ser declarada patrimonio arquitectónico-cultural, su presencia empezó a diluirse con el paso del tiempo. “A partir de los edificios que se fueron construyendo en Nueva Córdoba, la casa fue perdiendo protagonismo en una ciudad que se iba levantando en altura” Sahade nieto.

Trasladar el edificio en una sola pieza significó un gran desafío realizado en el 2004.

Las autoridades del museo no estaban de acuerdo en que se trasladara solamente su base móvil, la reglamentación proponía el traslado de su base metálica al Museo de la Industria.

“El sistema de engranaje no iba a tener ningún valor museológico si no se trasladaba con la casa en sí. Por más que pareciera una locura, la única solución que les di fue que movilizaran la construcción entera: las bases y la casa”, confiesa Jorge Amidei, encargado del Museo de la Industria.

Desafío si los hay

A pesar de los riesgos que esto implicaba, finalmente se logró que la casa sea trasladada de forma completa y en una sola pieza.

Previo a esto, hubo que hacer una serie de estudios y un importante trabajo de ingeniería para evitar posibles accidentes y complicaciones.

El 22 de abril de 2004 se inició la mudanza definitiva de la casa desde la zona más encumbrada del barrio Nueva Córdoba hasta el barrio General Paz, donde se encuentra el Museo de la Industria.

Para ello, se recurrió a un camión y a un carretón con 128 ruedas computarizadas con amortiguación hidráulica se logró que la casa recorriera los 2,6 Km. Por otro lado, debió generarse una suerte de «estructura antisísmica en el interior» de la casa,asegurada con bastidores metálicos para evitar su derrumbe a lo largo del trayecto. Alrededor de 60.000 personas presenciaron la mudanza.

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Después de 12 horas de incertidumbre, la casa llegó intacta al Museo de la Industria, en donde le esperaba su nueva estructura base: su lugar definitivo.

Según testigos presenciales, la imagen de la casa avanzando por las calles de la ciudad era impactante. Una multitud acompañó su traslado desde su salida desde las calles Paraná y San Lorenzo. Lentamente pero firme, la construcción, rodeada por la gente avanzaba como si se tratara de una procesión, al mismo tiempo que era observada desde ventanas y balcones balcones.

“No solamente cobró historia lo que fue la casa en su lugar original, sino que también tuvo un valor agregado con su traslado”, dice orgulloso Amidei ante el esfuerzo colectivo y trabajo en equipo de ingenieros, técnicos y calculistas.

La casa giratoria se reinauguró en el nuevo predio contiguo al Museo de la Industria el 2 de septiembre del 2008. Actualmente se puede visitar y constituye una de las piezas más importantes del mismo.

La otra casa giratoria…

Es la Villa del Ingeniero italiano Angelo Invernizzi en Marcellise cerca de Verona – Italia… realizada entre 1929 /35