Graffitis…

Estas, son pinturas libres realizadas en espacios urbanos, cargadas de rebeldía y por cierto caracterizadas por su ilegalidad. Según la mentalidad del país o ciudad en cuestión, pueden ser considerados «bellas obras de arte urbano» de gran valor y sentimiento emocional o simplemente: acto vandálico.

Para los“escritores” como se les conoce en el mundo de internet, este término no es usado solamente paradenominar a las propias pintadas sino también, para referirse al propio movimiento artístico y cultural.

En las grandes ciudades, existe una serie de medidas legales para combatirlo, mientras que en otras, han sido financiados e incentivados por el poder público para hacer del paisaje urbano un lugar más alegre y acogedor.

Lo cierto que esta práctica de “graffitear” las paredes no es nueva y desde el primer momento que los seres humanos plasmaron sus inquietudes artísticas lo hicieron así: las cuevas rupestres están llenas de pinturas, inscripciones, grabados, raspados, etc. Pero la práctica continuará a lo largo de todas la historia, desde los murales egipcios pintados en la paredes hasta los grandes murales que adornan algunos de los más modernos edificios, pasando entre otras cosas por la capilla Sixtina (sin ir más lejos). Ahora bien estas manifestaciones artísticas se acompañaron siempre de manifestaciones de dudoso valor estético y que en su gran mayoría pretendían dejar constancia de que alguien estuvo por allí.

Son infinidad los monumentos que aparecen con el clásico “Fulanito estuvo aquí» y una fecha. En la mayoría de los casos estas inscripciones son eliminadas, si bien se conservan con gran esmero si “el Fulanito” es un personaje de gran relevancia.

Pero quizás es la Roma Antigua de la época histórica de la cual nos han quedado más testimonios. En ciudades como Ostia, Pompeya o Roma son muchos los grafitis existentes aún y que nos ofrecen una visión particular frente a las historiografías oficiales. La dramática destrucción de Pompeya ha permitido que las excavaciones posteriores nos revelaran una instantánea de la vida romana de aquel año 79, nos ha mostrado un interesante mundo de grabados y pintadas de lo más diverso: eróticos, religiosos, propagandísticos, ofensivos, vejatorios, amorosos, ofertas sexuales, cultos… en fin, los descubiertos hasta la fecha sólo en Pompeya, son unos 10.000.
De la época moderna, también existen ejemplos de marineros y piratas, los cuales en sus viajes dejaban sus iniciales y marcas sobre las piedras como prueba de su visita…. el famoso «Fulanito estuvo aquí»

Mas cerca de nuestra historia

El Grafiti actual nació en los años 60 y 70, concretamente en Filadelfia EEUU y en barrios como Brooklyn, Bronx de Nueva York. Vagones del metro y fachadas de edificios pasaron a ser patio de recreo para jóvenes americanos que querían dejar su marca por la ciudad y expresar inconformidad con la sociedad.

En esta década destacan los denominados “tags” que eran simples inscripciones repetidas de nombres, sin los estilos característicos que posteriormente fueron apareciendo.
A finales de los setenta, «el Graffiti» alcanza su cota más alta al introducir imágenes que procedían de comics, retratos y dibujos animados. Todo ello produjo tal rivalidad que originó la denominada “Guerra de estilos”, en la que los escritores formaban grupos conocidos como “crews” para aumentar el número de firmas por la ciudad.
En los años ochenta, la MTA (Metropolitan Transit Authority) de Nueva York empieza a endurecer las penas contra los «grafiteros»como: instalar nuevas vallas más sofisticadas en las cocheras de los vagones del metro, aumentar la vigilancia y a restringir la venta de pinturas a jóvenes con el objetivo de erradicar ese boom.

Fue un periodo de decadencia… muchos de ellos viajaron a Europa para dar a conocer esta nueva forma de expresión.

Bristol

Bristol es conocida mundialmente por ser la cuna del «Street art» británico. Su «arte urbano», su agenda de » multiculturalidad» de colorido brillante, ambiente marinero e industrial, convierte a esta ciudad en un destino obligado para aquellos amantes del arte y la cultura.

No se hace realmente popular hasta el año 2000, gracias a las obras del famoso Bansky, las cuales, hoy en día están valoradas en más de 12 mil libras.
Pero Bristol no es sólo Banksy, también acoge a otros artistas como Nick Walker, Cheo, 3dom, Phlegm, Rowdy, Andy Council, Inkie o Hicks, cuyas obras gozan actualmente de un extraordinario valor artístico.

Como en la mayoría de los países siempre ha existido cierta controversia entre su valor y funcionalidad, sin embargo, en tan sólo cinco años, la actitud de políticos y los medios de comunicación ha cambiado completamente, pues ha pasado de considerarse en principio como vandalismo y destrucción del patrimonio, a concebirse como un beneficio económico y cultural para la ciudad.
El cambio en la mentalidad vino a raíz de la aparición de una de las obras má conocidas de Banksy en una de las calles más concurridas de la ciudad, Park Street… calle de la universidad.

En junio del 2006, Park Street. Banksy pintó un hombre desnudo colgando de la ventana… y el marido celoso asomado buscándolo.

Esto, suscitó una fenomenal polémica puesto que lo llevó a cabo en un edificio perteneciente al ayuntamiento!!!!

Sin embargo, tras una entrevista por televisión local al demócrata Gary Hopkins en la que admitía que “le parecía divertido y entretenido”, el municipio decidió someterlo a una encuesta online.

Resultado: el 93%de la población querían dejarlo…y así se hizo.

Banksy

Empezó su afición «graffitera» en las ciudades de Bristol que según dicen, es donde nació y Londres por los años 90′ en plena explosión del street art y se creía… que formaba parte del grupo graffitero neoyorquino DBZ.

Con ideas revolucionarias en contra del gobierno, del sistema social -político y capitalista – con que fue plasmando todas sus obras …y no solo en su país, sino en otras partes del mundo.

Se dicenn…muchas cosas: que nunca se le vió trabajar… que lo hacía sin el estrés propio de pintar graffitis por las calles a escondidas de la policía. La verdad no se sabe ciertamente, pero si, que utilizó un método alternativo: las famosas plantillas para los Stencils que ha utilizado desde el año 2000. Este sistema es rápido, prolijo e impactante que es lo que busca todo «graffitero»

Donde realmente empezó a hacerse famoso fue en Los Ángeles – USA. En el año 2003 el grupo de música Blur sacó el disco Think Tank con una portada hecha por él, cuyo original se vendió 4 años después por 90.000 €. Consiguió entrar en el museo del Tate pero de una manera no muy ortodoxa. Se le ocurrió la idea de añadir graffitis a cuadros antiguos hechos al óleo en museos famosos.

Entró al museo con un disfraz que no dejaba ver su rostro y puso uno de sus cuadros en la pared mientras nadie le miraba. Le puso al cuadro una de las cintas de la policía que utilizan cuando se ha cometido un crimen. Después de esta hazaña ascendió a la fama.

La leyes

Con objeto de controlar la invasión “grafitera” y evitar la destrucción del patrimonio urbano, existen:

Criminal Damage Act 1971 (Ley de daños criminales, 1971)Establece que toda persona haciendo un grafiti sin su previo permiso
correspondiente puede ser multada con 5000 libras para aquellos daños equivalentes a menos de 5000 y si se considera ser un daño superior, se remitirá al tribunal de la corona que este dará lugar a sentencias como la pena de cárcel.

Ley de Orden Público 1986.Toda aquella persona con permiso previo del ayuntamiento y del dueño de la propiedad, podrá llevar a cabo un grafiti, salvo que muestren imágenes o palabras que inciten por ejemplo al odio racial, en este caso podrá ser considerado ilegal.

The Clean Neighbourhoods and Environment Act 2005 (Ley de barrios y medio ambiente limpios, 2005). Esta ley otorga pleno poder a las autoridades locales para mandar una multa a cualquier persona pillada haciendo un grafiti. Mientras que el individuo está sujeto a la notificación de multa fija ningún proceso penal pueden ser llevados en contra de él durante 14 días. Esta ley establece una multa de 75 libras, aunque la autoridad local puede especificar una pena mayor o menor si lo estima sea necesario.

Independientemente de su ilegalidad, en ocasiones esta depende de la opinión del dueño de la superficie a la que se ha aplicado dicho grafiti. A menudo se han dado casos de algún grafiti aplicado sin permiso y el dueño ha decidido mantenerlo e incluso ha tomado medidas para conservarlo.
La ley también establece que es ilegal vender pinturas en aerosol para personas menores de 16. Con el fin de evitar una fuerte multa el menor tiene que demostrar que se tomaron las medidas razonables para confirmar la edad de la persona al comprarlo.

Banksy Versus Bristol Museum.

Un éxito en Bristol ha sido la exposición de “Banksy versus Bristol Museum” que tuvo lugar en el Bristol Museum & Art Gallery en junio del 2009.

Se dice que Banksy se coló en el museo y lo transformó durante la noche, colocando pinturas, stencils y esculturas al lado de otras históricas.
Además, convirtió la entrada en una sala de esculturas en la que demostraba un gran talento e ingenio. Particularmente, llamó la atención una furgoneta de helados quemada que bombeaba una banda sonora y un helado derretido de su techo.

Una ruta alternativa por la ciudad….!!! Ver los grafitis!!!

De Bansky… y de los otros… que ya son muchos y muy buenos!!!

En pocos días las colas alrededor de la manzana no tardaron en formarse, atrayendo a 300.000 visitantes de todas partes del mundo.En tan sólo tres meses de duración, la ciudad recaudó unos 10 millones de libras.
Según el Bristol Evening Post, la intervención de Banksy no sólo ha supuesto beneficios económicos para la ciudad sino que también, ha supuesto un pequeño cambio en la cultura y en la concepción del arte urbano y ha hecho de Bristol lo
que es hoy, la capital del grafiti del Reino Unido.

BRISTOL’S UPFEST 2022

Y lograron un Festival donde se inscriben participantes y ciudadanos ofrecen sus propiedades para que las utilicen los «graffiteros», bueno…no son los más, por eso se utiliza un predio donde los participantes más de 300 artistas de todo el mundo demuestran sus cualidades artísticas.

Resultado: agregaron más de 80 murales a la ciudad con una gran atracción del público, quienes pasaron un fin de semana increíblemente colorido y para la memoria…

!!! Inolvidable!!!

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Odiosos retratos!!!

Jean- Auguste Dominique Ingres -1780-1867 fue alumno brillante de Jacques Louis David, pintó algunos de los retratos más memorables y admirados de la historia, pero… en su faceta de académico consideraba que el retrato era un género inferior a la pintura histórica... no le daba importancia, lo despreciaba abiertamente le costaba aceptar encargos, volvía locos a los que posaban… demoraba años en terminarlas… pero es en ese género donde obtuvo la gloria de ser uno de los mejores retratistas en la historia del arte.

Ingres constituye un claro exponente del Romanticismo, por más que todos pretendan que sea un «neoclásico».

Romántico en cuanto a los temas, el trazo abstracto, las tintas planas y de intenso colorido.Fiel a la pulcritud del clasicismo del acabado perfecto.

Es un vivo ejemplo de «Orientalismo«, pues muchos de sus cuadros, especialmente desnudos femeninos, están dominados por el exotismo propio del siglo XVIII-XIX.

Escribió: «La expresión en la pintura requiere una profunda ciencia del dibujo», y estaba convencido de que la mejor manera de adquirirla era copiar de las fuentes clásicas y según la tradición: de Rafael.

Ingres no es, en sentido estricto, neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo clásico, romántico y superrealista.​

Algunas de sus obras se enmarcan en el llamado «Estilo trovador» dentro de la pintura romántica francesa. Este se caracteriza por tratar temas históricos que evocan el pasado no clásico con anécdotas edificantes inspirándose además en las miniaturas de los Libros de horas de Fouquet.​.. un ejemplo:

La Muerte de Leonardo da Vinci en brazos de Francisco I

En este sentido se opuso a pintores como Eugène Delacroix, quien creía que la fuerza expresiva del color lo era todo. Para Ingres las pinceladas no debían verse. El cuadro tenía que ser » liso como la piel de una cebolla » … y increíble es que lo lograba.

Algunas muestra de su insuperable arte

En sus retratos, Ingres no busca representar un ideal de belleza, solo busca la expresividad «allá donde se pueda resaltar un elemento de lo bello».

Napoleón I en su Trono Imperial -1806-

Lo describió como un ser todopoderoso con vestimentas suntuosas, o en otras palabras, un «gobernante divino.»

La pintura es exquisita con detalles increíbles, similar a los pintores del Renacimiento del Norte como Jan Van Eyck. Incluso la pose de Napoleón es similar a la de ‘El Todopoderoso’ en el «Altar de Gante » de Van Eyck.

Y aunque hoy en día se considera una increíble obra de arte, nada más ver las diferentes texturas: piel,terciopelo, bronce, oro etc. en la época del pintor…no fue bien recibida.

Actualmente en el Musée de l’Armée, Hôtel des Invalides, en París.

Retratos de la Familia Riviere 1805-1806

En esta primera etapa de su carrera se ganaba la vida principalmente a través de encargos de mecenas adinerados. Philibert Rivière, fue un exitoso funcionario de la corte bajo el imperio de Napoleón que buscó conmemorarse a sí mismo, a su esposa e hija a través de una comisión con el entonces joven artista en franco ascenso.

La familia vivía en las afueras de París, en St. Germain-en-Laye , Mademoiselle Caroline Rivière tendría 15 años en el momento en que fue retratada, Ingres la describió como la «hija deslumbrante».

El retrato de Mademoislle Rivière describe una feminidad juvenil de contextura delgada… de serena belleza. La pintura está representada en tonos brillantes y contrasta con el paisaje primaveral blanco azulado, cuya frescura pretendía reflejar la juventud de la modelo.

Típico de los retratos contemporáneos de Ingres, Caroline carece de precisión anatómica.

Su cuello es demasiado alargado y el puente de su nariz se extiende demasiado, quizás pretendía enfatizar la naciente pureza y sencillez de su juventud. En la pintura se vislumbra la tragedia,…la jovencita murió poco después que se completó el trabajo.

Según el historiador de arte Robert Rosenblum, el pintor utiliza una perspectiva en: «niveles horizontales aplanados contra los cuales la figura parece recortada nítidamente como si estuviera en bajorrelieve». 

Se exhibió, junto con los otros dos retratos de la familia en el Salón de 1806 , pero fue mal recibido por su «percibido  gótico « y similitud con Jan van Eyck y otros artistas de la pintura holandesa, «Les Primitifs Flamands» que en ese momento estaban siendo redescubiertas.  

Hoy en día, la pintura suele verse como un pico en la carrera artística del pintor, en este trabajo, Ingres introduce un vínculo emocional entre el arte figurativo y el paisajístico, y el paisaje acuático detrás de la modelo evoca ritmos con muchos de los temas visuales presentados en la rica imaginería del primer plano.

La Grande Odalisque -1814–

La Grande Odalisque -1814–
Sin duda el desnudo más famoso de Ingres: La Grande Odalisque, se exhibe en el Louvre, es una hermosa mujer tendida sobre lujosas telas sobre un diván. Si bien su cuerpo manierista no es anatómicamente correcto con sus largas líneas curvas y su posición …complicada!!! razones por las que no fue bien recibido cuando se exhibió en el Salón, Ingres a pesar de todo logró crear una sensual obra de arte.

Encargada por Carolina Bonaparte, una de las hermanas de Napoleón Bonaparte con el fin de formar pareja con un segundo desnudo, fue expuesta en el Salón de París de 1819, y pasaría a su actual localización, el Museo del Louvre de París, en el año 1899.

El toque de «orientalismo» en este trabajo, el pañuelo en la cabeza y el abanico de plumas de pavo real, pipa y quemador de incienso a los pies de la modelo y la suntuosidad de las telas y con sus drapeados.

Condesa de Haussonville

Repite sus principales trucos a la hora de realizar un retrato aristocrático. La dama que encarga el lienzo está situada de pie, algo poco habitual, pues Ingres muestra a sus modelos recostadas entre lujosos almohadones, como odaliscas de la Francia moderna, la riqueza de las telas, la minuciosidad de los detalles es la misma de otros retratos.

Ingres pone gran énfasis en la sencillez de la personalidad de sus damas, con peinados simples, sin maquillaje y con grandes ojos que miran directamente al espectador, obligaba a sus clientes a «posar» durante horas, cambiar miles de veces la postura hasta que el artista consideraba que tenían la pose ideal.

Sin duda dotaba a sus retratos de una extraordinaria elegancia, a la vez de plantear una relación amistosa y directa del «personaje» con su espectador.

Monsieur Bertin

Louis François Bertin,– Era el fundador del periódico «Journal des Débats», contrario a la Constitución francesa nacida de la Revolución. 

Encargado y adquirido por Bertin en 1832, fue legado a su hija Louise después de su muerte. Ella a su vez se lo lega a su sobrina Marie Bertin esposa de Jules Bapst director del Journal des débats. La última propietaria Cécile Bapst, vendió el retrato al Louvre en 1897.

El cuadro de 116 cm por 96 cm. Sobre un fondo marrón iluminado desde la derecha del cuadro. Está retratado en tres cuartos sobre una silla cuyo brazo se ve el reflejo de la ventana…

La gama cromática es limitada: el negro de las vestiduras y el marrón oscuro del fondo. Viste chaqueta y unos pantalones negros, con un chaleco marrón en satén sobre una camisa blanca cuyo cuello supera, y de un corbata del mismo color. Se percibe también un par de catalejos que sale del bolsillo derecho de los pantalones. De este entorno oscuro, destaca su rostro presenta una expresión dura que observa directamente al espectador.

En la parte baja de la pared, una guarda con motivo griego, en lo alto a la derecha está escrito L.F. BERTIN.

En la esquina superior izquierda aparece la firma y fecha del cuadro: J.INGRES PINXIT 1832 .

Lo representa de manera poco habitual, tal es así, que en la época llegó a considerarse vulgar: con las manos, con los dedos abiertos, apoyadas en los muslos. No obstante, es esa postura decidida la que proporciona la clave de la personalidad del retratado, más que su rostro.

Ingres, marcó un  hito en cuestión de retratos con esta obra.

La Baronesa -Betty de Rothschild -1805-1886- casada con el banquero James Mayer de Rothschild, era una de las mujeres más ricas de Europa y protectora de las artes parisinas más destacadas. Su belleza y elegancia eran ampliamente conocidas y celebradas, sirviendo incluso de inspiración a Heinrich Heine para su poema «El Ángel». Para la elaboración del cuadro, Ingres trató de infundir símbolos de la riqueza material de Betty así como de la dignidad, gracia y belleza característicos del arte renacentista, especialmente de Rafael, buscando al mismo tiempo el empleo de la técnica de Jan van Eyck. Esta combinación, de acuerdo con los historiadores de arte, es la que sitúa a Ingres lejos de sus contemporáneos modernistas.

Es considerado uno de los trabajos más logrados del pintor, siendo descrito como «quizá la imagen más suntuosa y accesible de la opulencia de mediados del siglo XIX».

El retrato permaneció colgado en el Salón de Rothschild hasta su muerte en 1886, si bien en 1867 fue prestado para una exhibición póstuma de Ingres en París, siendo exhibido de nuevo públicamente sólo en dos ocasiones más.

Durante la ocupación alemana de Francia, el cuadro fue confiscado a los nietos de Betty como propiedad judía, siendo devuelto a la familia en junio de 1946 y exhibido el mismo año en París junto con otras obras repatriadas. Fue exhibido, asimismo, en la exposición por el centenario de la obra de Ingres en 1967-1968 en el Petit Palais en París.

Madame Moitessier-1856, Ingres -Londres, National Gallery.

Este retrato, sirvió a Picasso como inspiración para pintar casi ochenta años después, su Mujer con libro y mantiene la misma estructura compositiva.

Ingres desplaza ligeramente el reflejo en el espejo para mostrar el perfil griego de la modelo, indicando así que su físico corresponde al canon clásico de belleza femenina descrito por Baudelaire.

La absoluta perfección técnica y estilística de la pintura de Ingres es la marca evidente del academicismo del siglo XIX. El espejo, el jarrón, los muebles y las joyas y las vestiduras de la protagonista, un recurso técnico para crear profundidad… esta duplicación también le permitía exhibir su habilidad pintando la imagen reflejada. Muchos pintores del siglo XIX, como Whisteler y Manet, adoptaron este recurso por diversas razones. El sucesor de Ingres fue Degas, que admiraba y emulaba sus dotes de dibujante. Matisse y Picasso transmitieron su legado al siglo XX.

Baudelaire, seducido por la pintura de Ingres considera que «una de las cosas que distinguen el talento de Ingres es su admiración por la mujer.»

Representada como una diosa cuyo perfil griego se refleja en un espejo paralelo, pero vestida con toda la opulencia del Segundo Imperio, con un lujoso vestido de chintz estampado de flores y joyas ostentosas, que cubre un cuerpo voluminoso de contornos curvos, cuyas carnaciones presentan el aspecto liso y luminoso del alabastro.

La pose, con el índice apoyado en la cabeza, se inspira en el mural descubierto en Herculano… la representación meticulosa y realista de las telas, joyas y de la porcelana oriental. Grandeza intemporal y ostentación burguesa con rigor pictórico, propio de Ingres ya lejos del agotado neoclasicismo.
Ingres, concentrado en su trabajo, exigía de su modelo largas horas de inmovilidad, tanto es así que el vestido fue cambiado más de una vez. El pintor había comenzado este cuadro en 1847; en 1849 la muerte de su esposa sumergió al pintor en una gran depresión sintiéndose incapaz de pintar. Esta versión fue retomada en 1852. Cuando acabó la obra cuatro años más tarde, la modelo tenía treinta y cinco años…

La princesa de Broglie -1853

Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn -1825-1860

Pese a no pertenecer a la realeza, ambos eran llamados príncipe y princesa respectivamente. Pauline era poseedora de una gran inteligencia así como de profundos sentimientos religiosos, siendo además una mujer aficionada a la lectura y dedicando parte de su vida a escribir textos. Su timidez era ampliamente conocida; considerada extremadamente bella y encantadora, sus allegados solían evitar mirarla directamente a los ojos con el fin de no avergonzarla.

Albert, quien sentía devoción por su esposa, comisionó la pintura a Ingres tras haberse sentido impresionado por el retrato de 1845 de su hermana, la condesa de Haussonville. Albert contactó a Ingres alrededor de 1850 con el fin de encargar el cuadro.

El pintor cenó con la familia Broglie en enero del mismo año, y de acuerdo con un testigo ocular, «parecía estar muy feliz con su modelo».

Influenciado por los métodos de trabajo de Jacques-Louis David, Ingres llevó a cabo varios estudios preparatorios, como puede apreciarse en el estudio conservado en el Museo Bonnat, los estudios pueden datarse de 1850, año en que el traje de noche que Pauline se puso de moda.
Este trabajo fue la idea de su esposo Albert de Broglie, vestida con un espléndido vestido de raso azul adornado con delicados encajes blancos. El uso de joyas ornamentales, aretes, un collar, pulseras y anillos, una vez más, da testimonio de las impresionantes habilidades técnicas para pintar con increíbles cualidades realistas.

Pauline murió en 1860 a los treinta y cinco años. Tras su deceso, su esposo publicó tres volúmenes de sus ensayos sobre historia religiosa. Albert ,quien se convirtió en el XVIII Primer Ministro de Francia en 1873, vivió hasta 1901, no se volvió a casar, conservó el retrato, en recuerdo de su esposa, envuelto en tela y oculto tras una cortina de terciopelo, permitiendo su exhibición únicamente en exposiciones selectas. Tras su muerte, la obra pasó por varios miembros de la familia hasta que en 1958 fue vendida al Museo Metropolitano de Arte a través del banquero y coleccionista de arte Robert Lehman, encontrándose expuesta actualmente en el ala Lehman del Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York.

Esos «vinos generosos»…

Ya lo decía Alfonso «el Sabio»…

«Quemad viejos leños, bebed viejos vinos, leed libros viejos, tened viejos amigos.»

Omar Jayam -1048 -1131. Matemático, astrónomo y poeta persa, nacido en Nishapur, la entonces capital selyúcida de Jorasán -actual Irán. Sibarita, místico, profeta y mucho, mucho más reformó el calendario musulmán, y cultivó el Derecho y las Ciencias Naturales. Entre su obra poética, destaca un corpus llamado Rubaiyat, formado por series de 4 versos escritas en «farsi». En su poesía, Jayam canta a la vida, insta a disfrutar de sus placeres y en ella podemos encontrar versos dedicados al vino…

“¡Bebe vino! Lograrás la vida eterna.
El vino es el único capaz de restituirte la juventud.
¡Divina estación de las rosas, del vino y de los buenos amigos!
¡Goza del instante fugitivo de tu vida!”

«El vino siembra poesía en los corazones.»

…lo decía Dante Alighieri

Charles Baudelaire y El Alma del Vino

El bohemio poeta Baudelaire, una de las figuras más destacadas de la literatura francesa, también escribió un maravilloso poema sobre vino, titulado «El Alma del Vino».

Yo iluminaré los ojos de tu mujer arrebatada;
A tu hijo le devolveré su fuerza y el ánimo

Y seré para ese frágil atleta de la vida
El ungüento que fortalece los músculos de los luchadores.

Jorge Luis Borges

El vino fortificado, o generoso es aquel que en su elaboración, incorpora procesos especiales para aumentar su estabilidad y aumentar su graduación alcohólica, sin perder por ello su condición de derivado 100% de la uva manteniendo una graduación alcohólica entre los 15º y 22º.

Todos estos vino excelentes, mantienen la denominación de origen…

El Madeira y el Oporto de Portugal… la Manzanilla.. Jerez … de España, el Marsala en Sicilia, el Banyuls  de Francia.

El Madeira…

Según cuentan era el vino preferido de Shakespeare y de Thomas Jefferson quizás sea cierto… pero lo que sí es verdad en el siglo XVI ocurrió el matrimonio de Carlos II de Inglaterra con la princesa portuguesa Catalina de Braganza. Con el contrato nupcial los ingleses recibieron el derecho a asentarse en Madeira la bella isla portuguesa, en el archipielago de Las Azores, además de otras amplias concesiones comerciales.

El Oporto

Porto o Port, fortificado también… vinos que nacieron en los siglos XVI y XVII y se producen en los viñedos de la Región del Alto Duero- Portugal.

En 1678, Inglaterra y Francia entran en guerra, ocasionando escasez de vino en el reino británico. Para hacer frente a la escasez, Inglaterra recurrió a los vinos de Portugal, su aliado de tres siglos.

El vino del valle del Douro comenzó a hacerse popular en Gran Bretaña, en tiempos donde el vino francés era escaso o inexistente. Una versión sobre el origen del vino de Oporto dice que en 1678, comerciantes de Liverpool adoptaron una técnica utilizada en un monasterio en Lamego para modificar el vino. Esta técnica consiste en añadir brandy al vino durante la fermentación, interrumpiendo así el proceso de fermentado.

El éxito de este tipo de vino en Gran Bretaña, llevó al establecimiento de varias casas vinícolas en Portugal, de origen británico.

Para el siglo XVIII, había un monopolio británico de facto sobre la producción de oporto.

«El oporto vintage» es el oporto de mayor calidad y de mayor precio. Es el único oporto que envejece en botella. Suele considerarse que el oporto vintage está listo para ser consumido al cabo de unos 30 o 40 años, tras lo cual su calidad tiende a decaer. Hay botellas de cosechas del siglo XIX todavía en perfectas condiciones de consumo. El oporto más antiguo que se tiene constancia es un Ferreira de 1815.

El Jerez

La famosa frase acuñada por Alexander Fleming el Nobel de Medicina que descubrió la Penicilina lo dice TODO:

«Si la penicilina cura a los vivos, el Jerez resucita a los muertos»

En el Marco del «sagrado» Jerez se conoce con el nombre de «sacristía» a un tipo de estancia particular que existe dentro de algunas bodegas. En ellas se guardan los mejores vinos que atesoran las bodegas, cuyo consumo se reserva a familiares, amigos y empleados de confianza del bodeguero y se agasaja a los compradores o personalidades que eventualmente visitan la bodega. A los pequeños «cachones» de botas que albergan las sacristías se les llama «altares», siguiendo el símil litúrgico al que son tan afectos los bodegueros que también da nombre a este tipo de estancia y a las bodegas catedrales.​

Barriles con cristal para ver «la Flor» del vino.

El jerez-sherry-xérès hace referencia a una amplia gama de vinos españoles de ciudades andaluzas de Jerez de la Frontera, producido en todas sus especialidades: el fino, la manzanilla, el amontillado, el oloroso, el palo cortado, el Pedro Jiménez, el moscatel, el Pale Cream, el Medium y el Cream. Asimismo en la zona se produce el Vinagre de Jerez y el Brandy de Jerez.

El Marsala,

Otro vino fortificado de Denominación de Origen DOC producido en Sicilia – Italia en la provincia de Trapani para los lugareños es el «Rey de los vinos»  

Los griegos fueron los primeros en el cultivo de la vid en el puerto de Marsala, seguido de los fenicios hacia el 800 antes de Cristo, y posteriormente los romanos.

Sin embargo, su época moderna inicia al ser re-descubierto por casualidad en 1773 por el comerciante inglés John Woodhouse al navegar por las costas sicilianas y una tormenta lo obligó a refugiarse en el puerto de Marsala.

Woodhouse fascinado por la calidad de esta bebida, decidió enviar 60 Pipas a Inglaterra. La Pipa esta era una medida «sidrera» se refiere a un tonel de madera de castaño con capacidad de 450 litros iniciando de este modo su comercialización.

Calificado por el almirante Horatio Nelson como:

“Un vino digno de la mesa de cualquier gentil hombre”.

En 1812, inicia su exportación a América y Australia y para 1870, su comercio prosperó con la producción anual de más de 50.000 barriles.

Posteriormente, en 1929, la firma Cinzano compra las tres empresas establecidas y asume la producción y comercialización de Marsala bajo la marca Florio.

En 1931 el Estado Italiano promulgó una ley para delimitar la zona de producción del Marsala, lo que llevó a ser el primer vino italiano que identifica un territorio.

Un vino de Banyuls

Su proceso de producción es similar al proceso de producción del oporto, y es conocido en Francia como mutage.  El alcohol es añadido al mosto para parar la fermentación, cuando los niveles de azúcar son todavía altos, preservando el azúcar natural de la uva. Los vinos entonces son madurados en barricas de roble o en botellas expuestas al sol, lo que hace que el vino se caliente y se oxide proceso conocido como «maderización».

Es un vino naturalmente dulce, de postre del suroeste de Francia, cualquiera de los vinos dulces que provienen de la región de la ciudad de Banyuls-sur-Mer.

Banyuls es considerado uno de los mejores y más complejos vinos de Francia.