Vida entretenida…

La del pianista, director y compositor alemán Andreas Ludwig Priwin.

Priwin nació el 6 de abril de 1929 en Berlín, hijo de una familia judía que tenía conexiones con la música clásica. Algunos se atrevían a decir incorrectamente que eran descendientes del músico checo Gustav Mahler…

Al estallar la Segunda Guerra Mundial, fue expulsado del Conservatorio berlinés en 1938 y su familia emigró, primero a París y luego a Los Ángeles USA-, donde se establecieron cuando Andreas tenía solo 10 años. En 1943, los Priwin se nacionalizaron estadounidenses y adoptaron un nombre que fuera común para su nueva nación. Y así es como Andreas Ludwig Priwin se convirtió en:

André Previn.

Previn transcribió un número de jazz improvisado para el pianista José Iturbi que el intérprete español debía tocar en la película «Festival en México». Durante su graduación de la Secundaria Beverly Hills en 1946, el joven tuvo la fortuna de tocar con el consagrado compositor Richard M. Sherman, quien sería conocido gracias a su aportación musical a clásicos de Disney como Mary Poppins, El libro de la selva y The Many Adventures of Winnie the Pooh. Más tarde y con 18 años, fue contratado como compositor y conductor musical para el estudio hollywoodense MGM estrenó The Sun Comes Up, una de las múltiples películas de la franquicia protagonizada por la perra Lassie; ahí fue la primera vez que el trabajo de Previn pudo escucharse en una sala de cine.

El trabajo no sería del agrado del compositor, señalándolo como “la banda sonora más inepta que cualquiera podría escuchar”, aún así, comenzó una afortunada carrera que se extendería a lo largo de tres décadas.

En 1951, Previn estudiaba composición con Joseph Achron y Mario Castelnuovo-Tedesco cuando se enteró que había sido nominado al Oscar a Mejor Música en un Musical por su trabajo en Three Little Words. Suerte que siguió para el compositor, acumulando once nominaciones en diversas categorías a lo largo de su trayectoria.

Ganó el famoso premio en cuatro ocasiones: en 1959 por su trabajo en el musical Gigi– 1960, por Porgy and Bess en 1964, Irma la Dulce y 1965, por My Fair Lady.

En 1967, Previn fue invitado a convertirse en el director musical de la Orquesta Sinfónica de Houston, en sucesión del maestro Sir John Barbirolli. Solo un año en el cargo, ya que en 1968 se unió a la Orquesta Sinfónica de Londres como conductor principal.

Previn abandonaría la composición en 1971, con la película La pasión de vivir– The Music Lovers, aunque eso no significó que su carrera estuviera finalizada…

Al contrario, su distanciamiento del séptimo arte le permitió desarrollarse aún más en dos de sus grandes pasiones: la música clásica y el jazz. Una de las actividades que acompañaban al cargo de Previn, que desempeñó hasta 1979, era conducir a la orquesta durante especiales televisados por la BBC, titulados André Previn’s Music Night.
En 1976, el afamado compositor fue seleccionado como director musical de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh. En 1985, un año después de su salida de Pittsburgh, Previn se convirtió en el conductor principal de la Royal Philharmonic Orchestra y director musical de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles. Se mantuvo en los cargos hasta 1988 y 1992.

Entre sus composiciones más famosas de la época destacan el musical Every Good Boy Deserves Favour, escrito en colaboración con Tom Stoppard y una sonada para violonchelo escrita para Yo-Yo Ma.

En la década de los noventa, Previn se dedicó al jazz, creando el grupo André Previn Jazz Trio, con el que recorrió Japón, Estados Unidos y Europa.

Su último álbum en el género, Alone- Ballads for Solo Piano, fue lanzado en el 2007 por la compañía discográfica Decca. En 2009 estrenó su segunda ópera Breve Encuentro Brief Encounter, basada en la novela Still Life, de Noel Coward, y la película Brief Encounter, de David Lean.

Sin lugar a dudas tuvo un talento extraordinario para todo tipo de música, once Grammy que ganó lo atestiguan: cinco por grabaciones de música clásica, dos por jazz, dos por bandas sonoras y un último por un disco, Like Young, con canciones que contenían en sus títulos las palabras young o youth. Previn también compuso dos óperas: Un tranvía llamado deseo (1995) y Breve encuentro (2009). Fue además candidato a un Tony y a seis premios Emmy por su trabajo en especiales para televisión.

El eclecticismo de Previn le llevó a que fuera descrito como uno de los mejores y más completos músicos del siglo XX, y a actuar junto a estrellas del jazz como Ella Fitzgerald, además de componer musicales, piezas de orquesta, dos operas y varios conciertos para su quinta y última esposa, la violinista Anne-Sophie Mutter. Grabó con artistas como Shorty Roberts, Russ Freeman, Benny Carter, Dinah Shore o Doris Day.

Falleció la mañana del 28 de febrero de 2018 sin que se conocieran las causas del deceso. Atrás dejó una vida que sobrevivió al nazismo y a los escándalos de Hollywood puesto que se casó cinco veces.

La primera con la cantante de jazz Betty Bennett con quien tuvo dos hijas: Claudia Previn Stasny y Alicia «Lovely» Previn -violinista de la banda irlandesa In Tua Nua.

La segunda con Dory Langan, también conocida como Dory Previn, una letrista con la que colaboró en varias películas nominadas al Oscar .Compuso la canción Beware of Young Girls cuando se casó con Mia Farrow,
La tercera vez fue con la actriz Mia Farrow con la que tuvo tres hijos biológicos: Matthew, Sascha y Fletcher; y dos hijas adoptivas, incluida Soon-Yi, a la que el músico rechazó después de quese pusiera en pareja con Woody Allen.
La cuarta esposa fue Heather Sneddon, con quien tuvo una hija adoptada, Li-An Mary, y un hijo, Lucas Alexander.

Y el quinto matrimonio, en 2002, con la reconocida violinista, Ana Sophie Mutter casi 35 años menor que él, después de haber compuesto un concierto para ella, titulado Anne-Sophie. Se divorciaron cuatro años después.

Su primera esposa Betty Bennett con Mia…

 

En My fair Lady el musical de más éxito del actor Rex Harrison quién rechazó grabar previamente sus números musicales, explicando que nunca había cantado las canciones y por tanto, no podría hacerlo de forma convincente haciendo playback en el rodaje, como habían hecho los protagonistas de los musicales desde el nacimiento del cine sonoro en Hollywood. Para permitir que cantara sus canciones en directo durante el rodaje, el estudio colocó un micrófono inalámbrico en las corbatas, siendo el primer micrófono inalámbrico usado en la historia del cine. André Previn dirigió la versión final de la música escuchando la grabación de voz de Harrison, haciendo que el departamento de sonido ganase un Óscar por sus esfuerzos.
Este musical de 1964 dirigida por George Cukor e interpretada por Rex Harrison y Audrey Hepburn, es una adaptación del musical homónimo de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe que, a su vez, se había basado en la obra de teatro Pigmalión, de George Bernard Shaw. También adaptación de la película británica Pigmalión de 1938.

My Fair Lady recibió ocho Premios Óscar: entre ellos, a la mejor película, al mejor actor y al mejor director. Es considerada la octava mejor película musical. En 2018, fue seleccionada para su preservación en el National Film Registry de Cine de la Biblioteca del Congreso como «cultural, histórica o estéticamente significativa».

ANDRE PREVIN – ANYTHING GOES – YouTube

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«Orientalismo» en el arte

El interés por pintar imágenes «orientales» venía de muy antiguo. Venecia había sido un emporio comercial desde la Edad Media y había traído consigo el gusto por lo exótico de ese mundo lejano, justificada por los viajes de Marco Polo.

El sultán Mehemet de Gentile Bellini-1429-1507

En la «historia del arte», el término se refiere a las obras de los artistas occidentales que se especializaron en temas orientales, durante el siglo XIX. Estos artistas y académicos fueron descritos como orientalistas, especialmente en Francia, donde el uso despectivo del término lo hizo popular el crítico de arte Jules-Antoine Castagnary. A pesar de tal desdén la Sociedad Francesa de Pintores Orientalistas fue fundada en 1893, con Jean-Léon Gérôme como presidente honorario. La formación de la Sociedad Francesa de Pintores Orientalistas cambió la conciencia de los practicantes, ahora podían verse a sí mismos como parte de un movimiento artístico distinto. En Gran Bretaña, el término orientalista identificaba “un artista”.

Se evidenciaron dos tipos de artistas orientalistas: los realistas que pintaron cuidadosamente lo que observaron y los que imaginaron escenas orientalistas sin salir del estudio.

Consecuencia de la Revolución francesa

Las rivalidades entre Gran Bretaña y Francia, la curiosidad pública por el Cercano Oriente después de la campaña militar francesa en Egipto de Napoleón, y con la publicación por parte del gobierno francés en 1809 de la «Descripción de l’Egypte» de 24 volúmenes -publicados en1809 ilustrando la geografía, arquitectura y costumbres sociales del norte de África.

El término llegó para quedarse. Aunque en el siglo XX y fundamentalmente por motivos de política internacional fue perdiendo adeptos. Se dijo que estaba «pasado de Moda»…y desde la publicación del Orientalismo de Edward Said en 1978, se ha usado para referirse a una actitud occidental con respecto a los países orientales.

Abarcó todas las Bellas Artes: Arquitectura, Ebanistería Literatura, Música, ballet y ópera y en el siglo XX con el cine en grandes éxitos memorables…

En la pintura

Por supuesto, las primeras pinturas orientalistas no eran más que propaganda cultural en apoyo del imperialismo francés. Un ejemplo típico es Napoleón en la «Casa de la Peste en Jaffa «-1804, Louvre- por el artista oficial napoleónico: Antoine-Jean Gros -1771-1835, que según cuentan nunca abandonó las costas de francesas, y mucho menos visitó Palestina en su plaga.

‘Napoleón ante la esfinge’, obra de Jean-Léon Gérôme

Oriente en la palestra política

La invasión de Egipto y Siria que llevó a cabo Napoleón Bonaparte fue entre 1798 y 1801 y como resultado se redescubrió las antiguas civilizaciones de hace miles de años con sus colosales construcciones. Esto acrecentó el interés arqueológico que se multiplicó con el desciframiento del jeroglífico y el cuneiforme. Se reavivó el interés por las costumbres de los pueblos que habitaban en ese lugar. Años más tarde,1821 y 1830 la dura lucha de Grecia contra el dominio del Imperio Otomano. Delacroix , como buen pintor romántico realiza un relato histórico de la guerra de la Independencia griega como La matanza de Chios 1824.

En esa Grecia destrozada y sufriente muere Lord Byron el célebre escritor romántico inglés. Contrajo una fiebre violenta y murió en Missolonghi el 19 de abril de 1824 ​sin haber cumplido su sueño de ver la independencia griega.

Esto, reavivó el interés por los pueblos que habitaban en ese lugar.

Y con«Grecia entre las ruinas de Missolonghi«, actualmente en el Museo de Bellas Artes de Burdeos, Delacroix rinde homenaje a Lord Byron, con fuerte impacto en la época.

Con la invención del ferrocarril y del barco de vapor las distancias se acortaron y se abarataron los viajes. Muchos artistas pudieron desplazarse a países como Turquía, Marruecos, Egipto o la península Arábiga y pintar de primera mano.

Hacia los años 60 las potencias europeas intervinieron cada vez más en la zona en su carrera por «repartirse» el mundo. Abrieron el Canal de Suez y se convirtieron en ocupantes coloniales.

El neoclasicismo– fue la primera gran corriente pictórica que tocó el tema, como medio propagandístico de la grandeza del Imperio francés.

El romanticismo– le siguió… permitía al pintor y a sus compradores expresar sus deseos ocultos o ilícitos como el erotismo que eran mal vistos en los ambientes occidentales.
El academicismo consagró al fin este género a mediados del siglo XIX cuando Jean Auguste Dominique Ingres, presidente de la Academia francesa, pintó sus escenas de «baños turcos» y «odaliscas». Se convirtió en un género más de la pintura donde ensayar, fundamentalmente, «el desnudo», «el color», «la luz» y los «tipos populares».

Jean-Auguste-Dominique Ingres 1780–1867 , conocido por sus trabajos meticulosos, pulidos, al igual que el barón Gros, Ingres, nunca viajó al oriente pero cautivó a su público con sus «concubinas desnudas» e imaginó escenas de un «Harén turco«, como The Turkish Bath 1863, Louvre. Obra, consideraada por muchos que marca el comienzo del «Modernismo»

y La Grande Odalisque 1814 del mismo autor y en el mismo museo.

Que admiraban estos artistas Orientalistas?

Los paisajes de luz deslumbrante. Está la anécdota famosa de Van Gogh en una carta a su hermano Teo. Cuando llega a Arles le escribe maravillado: «!Esto es oriente!»… Los pintores nórdicos con sus cielos permanentemente oscuros, grises, estaban impresionados por «la Luz», «Las vistas urbanas», «los desiertos», «los fantásticos de los ropajes», las «encarnaciones»…

Estos motivos orientales encontraron su camino en el «Arte decorativo» de muchas casas en Inglaterra y Francia. John Frederick Lewis. Vida de un Harem en Constantinopla-1857.

The Peacock Room de James Abbott McNeill Whistler

Lugar de violentos contrastes

«Tipos populares» personajes cubiertos de harapos como sultanes lujosamente vestidos. Las tapadas y sumisas mujeres de los mercados como los «voluptuosos desnudos» de las mismas en los baños…sus combates feroces con espadas y el reposo sensual de los harenes… y los temas como «el esclavismo«,» la gente en la calle«.

En Francia

Delacroix– Inicialmente realiza «relato histórico», contextualizándolo en la guerra de la Independencia de Grecia como La matanza de Chios -1824. Pero desde 1832 que visita Argelia y Marruecos, sucumbe ante «el exotismo» y los «temas costumbristas».

Estos le permiten desarrollar todo el colorido, el movimiento y la pasión que siente y lo expresa en su pintura. En Mujeres de Argel -1834, refleja el interior de un harén pero, a diferencia de Ingres, modera la carga sensual de la escena y se centra en captar la penumbra de la sala, las encarnaciones de las pieles y las exóticas ropas.

El orientalismo inglés

Uno de los primeros artistas interesados por obtener de primera mano imágenes de Oriente fue el ilustrador y pintor romántico escocés David Roberts y su fascinación por Egipto.

Tras su viaje por Egipto y Próximo Oriente ente 1838-39 se convirtió en el difusor de la gran civilización de los faraones rescatando paisajes arqueológicos bellísimos, pero también trajo consigo vistas de las ciudades musulmanas y de sus tipos que causaron conmoción en Inglaterra por su viveza y exotismo.

                 

De muchísimo éxito fue: Lawrence Alma-Tadema -Dronryp, 1836-Wiesbaden- 1912- un pintor neerlandés neoclasicista de la época victoriana, afincado en Inglaterra desde 1870. Fue nombrado Sir en 1899 y recibió en 1905 la Orden del Mérito Británica… gran ayuda a su ascenso social.

Conocido por sus detallistas y suntuosos cuadros inspirados en el mundo antiguo. Aunque el romanticismo ya estaba superado, artistas como él siguieron pintando sobre aquellos pasados gloriosos, lugares exóticos y épocas casi mitológicas y lo encuadraron en el» orientalismo victoriano«. Eso si, tenía una técnica exquisita insuperable!!!

y con un asombroso detallismo. Maestro de las texturas, sus metales y cerámicas son prodigiosos,sus mármoles parecen materializarse en el lienzo, despertó la admiración de sus contemporáneos por utilizar esos colores brillantes tan delicadamente trabajados.

Roba de los Románticos y del Art Noveau, sus trabajos fueron estudiados con detenimiento por los modernistas europeos.

El tratamiento arqueológico ejecutado por Alma-Tadema en sus pinturas también le llevó a polemizar con las teorías de Winckelmann– 1717 · Stendal, Alemania 1768-Trieste -Italia-considerado el fundador de la Historia del Arte y de la Arqueología como disciplina moderna, puesto que coloreó el mármol de «Fidias mostrando el friso del Partenón» -1868 frente a la pureza del blanco defendida a muerte por el arqueólogo alemán.

Una vez más, la Historia del Arte tiene un artista que fue injustamente infravalorado después de su muerte. Recién hoy a más de un siglo de su muerte Alma-Tadema vuelve a gozar del respeto que merece, y es reconocido como lo que fue un Gran Pintor.
Su pasión por su arte se confundió con su propia vida, un tanto excéntrica, pues compró una suntuosa residencia en Londres que decoró a modo de villa pompeyana. .

Excentricidades aparte, su trabajo y su figura fue un referente en las grandes producciones cinematográficas del «primer Hollywood«, influyendo enormemente en» los decorados» de las películas de:

Ben Hur (1926) de William Wyler

Considerado el padre del cine moderno –Intolerancia (1916) de David W. Griffith

                                                           Quo vadis? de Mervyn LeRoy

Cecil B. DeMille, conocido por sus películas espectaculares, como El rey de reyes, Los diez mandamientos 1956, Cleopatra 1934- Sansón y Dalila, El mayor espectáculo del mundo por la cual ganó el premio Óscar a la mejor película y la segunda versión de Los diez mandamientos, la séptima película más taquillera de todos los tiempos y la primera de la lista que se basa en la Biblia. Jessie J. Laskey, coguionista de los 10 Mandamientos con Cecil B. De Mille, describe como el productor mostraba a sus diseñadores las pinturas de Alma Tadema para indicarles el aspecto de lo que él quería conseguir.

España

En 1860 estalla un conflicto bélico entre España y el reino de Marruecos y la Diputación de Barcelona decidió enviar a Mariano Fortuny– Reus 1838-Roma, 1874 -en ese momento becado en Roma, como corresponsal gráfico. Debía realizar la crónica de la guerra en dibujos y pinturas, debía inmortalizar dos importantes batallas: la de Wad Rass y la de Tetuán.

Fortuny aunque empieza a recopilar imágenes e información sobre las batallas, pronto se siente subyugado por el ambiente, las costumbres y especialmente por»la luz cegadora» de África y pospone su proyecto inicial. En poco más de dos meses de estancia en Marruecos se ejercita en la realización de apuntes rápidos que interpretan y expresan el movimiento con toques certeros de color. Son apuntes, dibujos y acuarelas al aire libre, de la vida y costumbres de aquel país africano.

El vendedor de tapices, 1870                       

                       El café de las golondrinas, 1869.

Fortuny volvió dos veces más a Marruecos y cada vez, regresó más cautivado por los efectos puramente plásticos y pictóricos de «la luz». Su orientalismo se diferencia del de los otros cultivadores del género no por la temática, sino por su tratamiento a base de pinceladas sueltas, pinceladas de «impresión».

Hacia finales del siglo XIX la popularidad del orientalismo como movimiento artístico empezó a decaer aunque las imágenes y los temas siguieron influyentes hasta bien entrado el siglo XX, inspiraron los viajes y las obras de grandes como:

Pierre-Aguste Renoir–

                                               

Mujer de Argel u Odalisca presentado en el Salón de París de 1870

Henri Matisse

                                              

Su estadía en el Norte de África fue un «Antes y un después»                                  Marroquí de verde 1913 -actualmente en el Museo Ermitage 

y  Paul Klee

 Klee luego de un viaje a Túnez quedó fascinado por la calidez y los colores del lugar. “El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre… el color y yo somos una sola cosa. Yo soy pintor.», escribió en su diario de viaje.

Ad Parnasum 1932 Óleo sobre tela

Una lección de vida

Agnès Varda nació el 30 de mayo de 1928 en Ixelles, Bélgica. Murió el 29 de marzo de 2019. Fue fotógrafa desde 1948 y cineasta desde 1954 hasta su muerte. Le gustaba definirse, «visual artist». Como fotógrafa de teatro en 1950 logró retratar a: Dalí, Calder, Visconti, Fellini por mencionar a algunos.

En 1954 fundó su productora, Ciné Tamaris. Con el tiempo, Ciné Tamaris recuperó los derechos de reproducción de todas las películas dirigidas por Agnès Varda y la obra completa de Jacques Demy, restauró copias y las editó en DVD.

Destacó como artista de la Nouvelle vague, la crítica utilizó este término para designar a un grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950.

En 1951 compró una casa en la calle Daguerre, en el distrito XIV de París, y la habitó hasta su muerte. En ella filmó escenas de sus películas, tanto documentales como recreadas, nunca enseñó el interior, solamente el patio, que se convirtió en una de las localizaciones más reconocibles del cine de autor francés contemporáneo.

Algunas de sus obras

Esta es una obra del año 2000- Los espigadores y la espigadora –Les glaneurs et la glaneuse, se centra en la actividad de espigar, concebida de tres formas distintas: como un modelo de producción cinematográfico, como una actividad económica, como una forma de denuncia de la sociedad de la opulencia y despilfarro que genera el capitalismo. !Todo un tema!

Inspirada en el cuadro de Millet … campesinas humildes en las grandes plantaciones. La postura del espigador es la misma. Antes se agachaban en el campo, y ahora entre las basuras. Antes recogía espigas y ahora manzanas, patatas, relojes, televisores, juguetes…son los espigadores actuales de este mundo consumista.

Premios que ha recibido este documental: European Film Awards 2000, French Syndicate of cinema critics 2001, Festival de Montreal 2000.

Una de sus películas, Daguerréotypes -1975, está rodada íntegramente en su calle, dentro del límite que le permitía alcanzar un cable de 85 metros como ella decía»«mi cordón umbilical» enchufado en su casa.

El daguerrotipo fue el primer formato fotográfico, cuyo nombre surge de Louis Daguerre, que da nombre a la calle Daguerre, en el distrito 14 de París: la casa Agnès. Sigue dos máximas en el film: la quietud de la cámara necesaria para que el daguerrotipo fuese perfecto, y como consecuencia, el retrato de cada uno de los personajes con los que se encuentra.

Varda se fija así en tenderos, peluqueros, carniceros y demás personalidades vitales que conforman un barrio como comúnmente conocemos ellos son el objeto a fotografiar.

La «única directora- mujer» en un grupo de personas unidas por lazos profesionales y de amistad, que empezara a dirigir antes que el resto con su idea fija: hacer películas baratas en Francia en los inicios de la década de 1960, época de millonarias producciones cinematográficas, de grandes cambios sociales, años de polémicos filmes y de lucha con la televisión.

Su primera película… en blanco y negro

Pocos meses después de la muerte de Varda, una foto que la mostraba filmando su debut en el largometraje La Pointe Courte (1955) sirvió como plantilla para el cartel oficial del festival del 72º Festivalde Cannes.

Se inspiró en una novela de William Faulkner. Fue apoyada por  Alain Resnais–  director, guionista del cine de la «Nueva Ola» francesa. Los dos únicos actores profesionales de la película, Silvia Montfort  y Philippe Noiret.

La segunda y la cuarta son dos encargos, cortometrajes documentales sobre los castillos del Loira y el turismo de playa.

La tercera, L’Opéra-Mouffe -1958, un cortometraje que hoy llamaríamos «experimental»: embarazada de su hija Rosalie, plantaba una silla en la calle Mouffetard, desde la que filmaba sentada las idas y venidas de la gente, se percibe la necesidad irrefrenable de moverse, de hacer algo, de rodar una película a cualquier precio y con el presupuesto que sea.

Una feminista en serio

Agnès Varda acompañó el auge del movimiento feminista en Francia y del mundo con sus películas. En ‘La felicidad’ 1965, plasmó la angustia femenina en una sociedad que tipifica a través de los medios de comunicación y productos de consumo el rol de la mujer.

Feminista antes del propio feminismo, se quejaba de lo poco conseguido.. «El prototipo de maniquí continúa. Tengo la impresión de que no hemos avanzado tanto. Las portadas de las revistas siguen llenas de mujeres cosificadas. Siempre será un asunto de ricos contra pobres, de capital contra trabajo», Su cine siempre transparente y consciente de su lugar.

Con ‘Réponses de femmes’ 1975, una suerte de» manifiesto colectivo» mujeres de todas edades y condiciones respondían a la pregunta:¿Qué es una mujer?. Y en «Una canta, otra no» de 1977, llevó a cabo una suerte de «musical feminista» aquí la relación importante de las protagonistas, la amistad se mantiene entre ellas a lo largo de los años.

Con la colaboración de Jane Birkin, rodó dos de sus títulos más desconocidos e insólitos, que rompían con los tópicos de la mujer de 40 años, ‘Jane B. par Agnès V‘ 1988 y ‘Kung Fu Master’ 1986, esta última una inesperada historia de amor en la ficción entre Birkin y el amigo adolescente de su hija. En 1991 filmó su biografía con el título alemán Jacquot.

Personajes de la talla de Corinne Marchand, Catherine Deneuve, Viva, Sandrine Bonnaire, Gerard Depardieu o incluso Robert De Niro van desfilando en imágenes inéditas se atreven a sentarse junto a Agnès para compartir vivencias.

Jean-Claude Drouot -François es un joven carpintero casado Claire Drouot -Thérèse, con dos hijos A pesar de que su vida conyugal con Thérese es placentera, cuando conoce a Emilie, Marie-France Boyer no puede evitar sentirse atraído por ella y acaban teniendo una aventura. El verdadero problema es que no consigue aclararse con sus sentimientos: ama a su mujer y también a su amante…

Utiliza todas sus opciones estéticas como en el cuadro de Manet con música de Mozart. El paisaje y sus colores. Thérèse e Emilie, dos mujeres muy similares, son el antecedente y consecuente del papel de François que huye de una mujer a otra con una alegría despreocupada.

Le Bonheur película importante en la carrera de Agnès Varda, puesto que ganó el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín en 1965. Pero, al igual que Cleo de 5 a 7,es sólo otra película de transición para ella…

Nunca dejó de filmar y fotografiar

En ningún momento deja su trabajo por el contrario aprovecha sus dos estancias en Los Ángeles – California -USA.

En 1958, Jacques Demy y Agnès Varda se conocieron en un festival de cortometrajes en Tours. Se casaron en 1962. Tuvieron un hijo juntos, Mathieu Demy -nacido en 1972, y Demy adoptó a la hija de Agnes, Rosalie Varda nacida en 1958, de su relación con Antoine Bourseiller.

En la primera, entre 1967 y 1970, acompañaba a Jacques Demy–  director, letrista y guionista francés. Estuvo casada desde 1962 a quien después del éxito mundial de Los paraguas de Cherburgo -1964 y Las señoritas de Rochefort -1967, se le abrían las puertas del fabuloso Hollywood. Cuando murió con 59 años en 1990, Agnès dedicó títulos como ‘Jacquot de Nantes’ -1991 y ‘Les demoiselles ont eu 25 ans’ 1993 y a preservar la memoria de sus películas e infancia del director.

Aprovechó su estancia en Estados Unidos para filmar algunos trabajos…

Un cortometraje autobiográfico Uncle Yanco-primera película californiana, Agnès Varda ahonda en su propia historia familiar. El corto documental muestra a la directora rastreando a un pariente emigrante griego que nunca había conocido, descubriendo a una artista y alma afín llevando una vida bohemia en Sausalito.

Un documental sobre los Black Panthers – 1968 que parte del arresto de Huey Newton, uno de los fundadores de Panteras Negras, tras el supuesto asesinato de un policía. El film se centra en las protestas que congregaron a más de 5000 personas, en las que se produjeron durísimos enfrentamientos entre la policía y los manifestantes…

Un largometraje, Lions Love-1969-Tres actores, Viva, Jim y Jerry, en el camino difícil de la madurez, viven en una casa alquilada en una colina de Hollywood. Los tres tienen melenas de león. Vivirán a su manera el asesinato de Robert Kennedy a través de lo que muestra la televisión, mientras que sus amigos tienen otros problemas. El televisor también es una «estrella» de la película.

La segunda estancia en Los Ángeles, entre 1979 y 1980, que se produce dentro del contexto de una crisis de pareja, se salda con dos largometrajes también autoproducidos, dos caras de la misma moneda: Mur Murs-La gran mayoría de las escenas de la película son tomas de murales, en la ciudad de Los Ángeles, a menudo con el pintor o modelo del mural escenificado frente al mural para efectos dramáticos. La película alterna entre la narración de voz en off de Agnès Varda y los comentarios sobre los murales proporcionados por los creadores ,así como los comentarios proporcionados por los lugareños que viven en la zona. La película también incluye varias actuaciones musicales, incluyendo la banda punk chicana Los Illegals. La película se centra en el trabajo de artistas chicanos y la violencia del Estado. La cineasta sugiere …que los murales de hecho… murmuran entre sí. 

Documenteur-1981 Una ficción documental rodada en las mismas localizaciones de Mur-Murs. Reflexiona sobre el proceso de enajenación y marginación de una mujer divorciada recién llegada a Los Ángeles con su hijo. Usa distintas convenciones de ficción y no ficción en su exploración de las relaciones entre las personas y la ciudad.

En 1995 y homenaje a su esposo «El universo de Jacques Demy» una película de culto que se exhibe en centros especializados, centros de arte y festivales como el Festival de cine San Sebastián. Además es una sección específica en la Cinemateca Francesa.

Caras y lugares – Trailer español (HD) – YouTube

Fue precisamente en Berlín donde anunció que se retiraba de la dirección. De la mano del artista visual JR– Jean René estrenó el magnífico documental Caras y lugares, una radiografía de la forma de entender la vida de esta mujer risueña cargada de una energía y un sentido del humor especial. El filme narra la creciente amistad entre ambos artistas mientras transitan por pueblos alejados de las grandes ciudades francesas. Un estilo de road movie que tomó dos años en realizarse y que, fundamentalmente, trata de una búsqueda de personas…fotografiar gente común para luego intervenir espacios públicos con dichas fotografías.

“Rostros y lugares”, fue nominado a un OSCAR, Varda, entonces de 89, la persona de mayor edad postulada al Premio de la Academia, También nombrado mejor documental en los Premios Spirit del Cine Independiente.

Su hija Rosalie Varda cuenta…

El Día Internacional de la Mujer jornada que no le gustaba a Agnès Varda. “Mi madre decía que eso significaba que había 364 días para los hombres”, dice su hija Rosalie. “Nunca lo celebró. Algo más de la mitad de la población mundial es femenina, ¿y solo tenemos un día de fiesta? “No me gusta cuando me dicen que mi madre influyó en las nuevas generaciones de cineastas. ¿Cineastas mujeres? ¿Son distintas por su género? Mi madre ha influido a hombres y mujeres por igual. Habrá alguna mujer que haya hecho cine siguiendo su ejemplo, cierto, pero su arte, y el arte en general, influye a un espectador independientemente de su género. De ahí que mi madre no participara en festivales de películas hechas por mujeres. Porque ahí no está la lucha, sino que tenemos que batallar en las escaleras del Palacio de festivales en Cannes”.

Rosalie se refiere, que en mayo de 2018 Agnès Varda y la actriz Cate Blanchett en la alfombra roja del certamen francés, rodeadas de 80 cineastas, realizaron un manifiesto que reclamaba la paridad en la industria cinematográfica.

Con sus hijos

Frases de Agnes…

«Nunca he rodado historias burguesas», comentaba para el que quisiera escuchar. «Nunca me he fijado en las vidas de los ricos…»,

«He preferido dedicarme a retratar a estibadores, a vagabundos, a la gente que no tiene poder. Es eso lo que me interesa».

«Desde el principio siempre quise hacer un cine radical. He tratado de decir a las mujeres: ‘Salid de las cocinas y de las casas; haceos con las herramientas para hacer películas’. Mis películas son una escuela de modestia; siempre estoy al servicio de las personas a las que filmo».

«El prototipo de maniquí continúa. Tengo la impresión de que no hemos avanzado tanto. Las portadas de las revistas siguen llenas de mujeres cosificadas. Siempre será un asunto de ricos contra pobres, de capital contra trabajo»

En el Festival de Berlín, Agnès Varda se despedía de la incomodidad de los premios. «La verdad es que es algo ridículo», decía regañando al entrevistador, «porque no tengo dinero para hacer mis películas, no paran de agasajarme. Hay un desequilibrio entre mi vitrina de trofeos y el rendimiento económico. Tengo leopardos, osos, perros, un león dorado… Incluso recibí un premio que era un poquito de tierra de todos los países de Europa. Muy bonito. Pero inútil».

«Me llamaban la abuela de la Nouvelle Vague, pero ahora digo que soy la dinosaurio de la Nouvelle Vague».

«Mi preocupación», decía «es encontrar formas divertidas de volver a inventar lo real. Eso es todo. No quiero estar encasillada, pero me encasillan. Dicen que soy un poco gran cineasta, que soy un poco gran fotógrafa… Siempre insisten en el ‘sólo un poco’. Digamos que he tenido tres grandes vidas, aunque la más oficial es la del cine… Busco reinventar la realidad».

Dos meses antes de su muerte, presentó en la Berlinale 2019 esta suerte de carta de despedida, un ensayo testamentario con su visión del arte… y de la vida. Una auténtica clase magistral de cine, ella la llamaba «escritura de cine», con su particular visión personal llena de entusiasmo y mucha sapiencia. Un repaso sin precedentes para un legado cinematográfico histórico, un relato que recopila sus inspiraciones, sus formas de trabajar y su fuerte compromiso con el público.

Varda por Agnès – YouTube

Agnès Varda, fue una cineasta libre. Agnès Varda ha logrado una libertad que envidian cineastas la industria cinematrográfica, una libertad que admiran y aspiran mujeres artistas de todo el mundo, frente a tantos puristas obsesionados por no venderse, ella nos recuerda que lo fundamental es no dejarse comprar.

«Cachaça»

La historia de la cachaça, la famosa bebida brasilera, comienza a partir del siglo XVI, con la llegada de la caña de azúcar traída del sur de Asia por los portugueses.

Pero la bebida destilada en si, muchísimo tiempo atrás en el antiguo Egipto, se usaba para curar varias molestias inhalando el vapor de líquidos aromatizados y fermentados, directamente del pico de una pava… los griegos registraron el proceso que pasó a los romanos como «ácqua ardens», que significa agua que se enciende o»agua ardiente».

En Brasil…

La cachaça habría surgido en los ingenios de caña de azúcar de la capitanía de São Vicente, por 1540

esta fue una de las capitanías hereditarias establecidas por el rey Juan III en 1534, con vistas a incrementar el poblamiento y defensa del territorio. Lo mismo que la capitanía de Pernambuco, obtuvo su prosperidad económica gracias al cultivo de la caña de azúcar.

La bebida era producida a partir de los residuos de la fabricación de «la raspadura», y levaba el nombre de ‘garapa azeda’ -guarapo agrio. Considerada un producto secundario de la industria azucarera, no tenía en sus comienzos ningún tenor alcohólico, y solía servírsela como suplemento alimentario para las cabras y ovejas. En los ingenios del nordeste brasileño, el guarapo también les era dado a los esclavos con la primera comida del día, para que éstos soportasen el duro trabajo de los cañaverales. A mediados del siglo XVI la cachaça pasó a ser producida en alambique de barro y posteriormente en alambique de cobre con el nombre de Aguardiente.

Existen numerosas diferencias con el ron caribeño especialmente el llamado: «Rhum Agricole» de las Islas Martinique. Tiene un sabor vegetal muy característico. Este estilo de ron se suele confundir con la Cachaça.

La gran diferencia …

El Ron –Rhum se elabora a partir de la melaza de la caña de azúcar, que es la cristalización del jugo de la caña, mientras que la cachaça se elabora a partir del jugo de ésta.

Con el perfeccionamiento de la calidad y de la producción, la cachaça dejó de ser solamente una bebida servida a los esclavos y pasó a formar parte de la mesa de los «Señores de los Ingenios», atrayendo de esta manera a muchos nuevos consumidores.

Este hecho se convirtió en una amenaza para los intereses portugueses, debido a la disminución del consumo de la Bagacera y de los vinos portugueses en la colonia, lo que produjo varias veces la prohibición a la producción y a la comercialización de cachaça sin conseguir los resultados esperados.

La Corte portuguesa resolvió cobrar un impuesto sobre el producto convirtiéndose en su principal fuente de ingresos.

En el transcurso de los últimos cinco siglos, esta bebida ha estado presente en los más importantes momentos de la vida de Brasil. Durante el movimiento conocido como Inconfidência Mineira, al final del siglo XVIII, la cachaça se transformó en símbolo de la “brasileñidad” y de la resistencia contra la dominación portuguesa.

Una anécdota que currió en la Revolución Pernambucana de 1817. Dicen que el padre João Ribeiro Pessoa, uno de los líderes de este movimiento, reemplazó durante las misas el vino proveniente de Porto, por la genuina cachaça, como forma de demostrarles a sus fieles su apoyo a la revuelta que tenía como objetivo la independencia de Portugal.

Años más tarde, Don Pedro I

Brindó por la independencia con un cáliz de cachaça, gesto que fue repetido por el ex presidente Fernando Henrique Cardoso

durante las celebraciones de los 500 años del descubrimiento del Brasil en el año 2000.

El gobierno federal promulgó dos decretos: el 3062/01 y el 3072/02 que establecen la denominación ‘cachaça’ como oficial y exclusiva del aguardiente de caña producido en Brasil, en un esfuerzo por proteger la marca y divulgarla en el mercado internacional.

Tipos de Cachazas

Cachaza Artesanal

La cachaça artesanal se produce en pequeños lotes y generalmente es ligeramente añejada.La elaboran miles de pequeños productores repartidos por todo el Brasil, siendo considerados como los mejores los del estado de Minas Gerais y también Sao Paulo, en la ciudad de Pirassununga. Paraty, situada cerca de Rio de Janeriro,  fue la primera en obtener el Certificado de Denominación de Origen que garantiza las técnicas de producción y calidad. Fue tal la importancia de Paraty en la producción de este aguardiente, que se popularizó el término licor de Paraty para referirse a la cachaça.

La ciudad le debe a esta bebida su desarrollo tenían más de 150 destilerías donde se producía la mejor cachaça del país. Su graduación alcohólica va de 38% a 54%, pudiendo adicionársele hasta 6 grs de azúcar por litro. Cuando el azúcar adicionado es superior, va de 6 grs hasta 30 grs por litro, y recibe el nombre de “Cachaça Abocada”. Las “cachaças envejecidas” son aquellas que han estado no menos de 1 año añejándose en barricas o toneles de madera. El agente de fermentación, es una harina de maíz llamada fubá, y la destilación es del tipo pot -en recipiente de cobre.

Hermosa vista de la ciudad Paraty

El 5 de julio de 2019, una porción territorial comprendida entre el municipio de Paraty e Ilha Grande, en Angra dos Reis, ubicada en la región del estado brasileño de Río de Janeiro conocida como “Costa Verde”, fueron reconocidos internacionalmente, es el primer sitio mixto brasileño a integrar la lista de los Patrimonios Mundiales de la UNESCO.

Cachaza Industrial

Esta elaborada en grandes cantidades mediante un proceso mucho más automatizado y no tiene ningún añejamiento, factor que también la diferencia del rhum agricole con la que se la suele confundir.

La cachaza industrial es elaborada por medianos y grandes productores principalmente ubicados en las afueras de São Paulo. Emplean el proceso de destilación continua y el producto se vende a los embotelladores sin añejamiento.

El 90% de la cachaça que se produce en el país, se consume allí.

Las mejores

Sagatiba Preciosa: se puede considerar a esta cachaça como una de las mejores del mundo. Por el precio es «Una Joya», alrededor de tres mil euros, y su tiempo de destilación desde 1982 casi 40 años no son pocos! Sólo apta para coleccionistas o paladares acordes con el bolsillo del comprador.

Cachaça Mangaroca: ejemplo de una buena cachaça con destilación en Brasil y con embotellamiento en Europa.

Las de los estados Minas Gerais y São Paulo, en la ciudad de Pirassununga, son consideradas las mejores. El agente de fermentación comúnmente es una harina de maíz llamada fubá, y la destilación es del tipo pot -en un recipiente de cobre. Generalmente estas Cachaças son añejadas para mejorar su sabor y calidad.

Como lo como son: Pitú -de Pernambuco, Velho Barreiro -de Sao Paulo, Três Muínho de Minas Gerais, Coqueiro de Río de Janeiro, Ypioca -de Ceará,

Hoy, varias marcas de alta calidad figuran en el comercio nacional e internacional y están presentes en los mejores restaurantes y bodegas residenciales a través de Brasil y del mundo. La cachaça suele beberse en cócteles, siendo el más conocida «la caipirinha» hecha con: solamente azúcar, hielo picado, el limón que se usa cortado en gajos es un limón más pequeño y de color verde que es originario de Brasil y cachaça la mas famosa bebida del país y en los bares de todo el mundo.

También es común beber la cachaça sola, ya sea de un solo trago, o saboreándola si es de una calidad superior.

Existe el «Día Nacional de la cachaça«, que rememora el levantamiento que se dio el 13 de septiembre de 1661, exigiendo la ruptura de un decreto que prohibía producir esta bebida en el territorio.

También se ha creado la «Academia Brasileña de la cachaça«, que como en la Academia de las Letras, está formada por 40 académicos expertos en cachaça, cuyos asientos son vitalicios y considerados la máxima autoridad a la hora de puntuar y elegir las mejores cachaça del país licor que es el tercero más consumido a nivel mundial y se exporta a 50 países.

Existe más de 400 nombres populares para referirse a la cachaça en Brasil, algunos…

Cobertor de pobre – Café Branco – Gasolina – Forra Peito – Maria Teimosa – Remedio – Purina – Venenosa – Tira Vergonzha

El mausoleo de Adriano

Publio Elio Adriano -117-138, hijo adoptivo de Trajano. Se caracterizó por ser un emperador culto, que admiraba profundamente a la cultura helénica.

Desarrolló una intensa actividad constructora, centrada en ofrecer una imagen poderosa del emperador, acueductos, termas y teatros y construyó en Tibur -Tívoli- la famosa y bella Villa Adriana. Restauró el Panteón de Agripa destruido por un incendio, escribió poemas en latín y en griego. Le decían «el grieguito» por su pasión por la cultura griega.

Adriano fue el primer emperador con barba y si algo se sintió Adriano a pesar de no serlo, fue ser griego. Favoreció a la Hélade como ningún otro emperador, tratando de devolverle su antiguo esplendor, y esta lo acepto como a su hijo predilecto. Adriano fue viajero, poeta y guerrero, amante del arte y de la filosofía y, probablemente, como indicaba Balzac, un hombre solo.

Adriano tenía otra visión no centralizada en Roma. Pasó su reinado visitando cada una de las provincias para fortalecer la estabilidad del imperio. Estabilidad sostenida con un ejército preparado y con fronteras físicas. Había mandando a construir las fronteras del imperio en señal de paz.

A los 62 años la salud de Adriano comenzó a flaquear, probablemente por tuberculosis. Sabía que no era santo de la devoción de los romanos. ¿Quién sería su sucesor si no tenía hijos ni parientes cercanos varones? Decidió que lo mejor era nombrar como su sucesor a un senador de 51 años llamado Antonino Pío. De esta manera instalaba un nuevo sistema gubernamental: el «Cargo de Emperador«. De padres a hijos, no tenía razón de ser, el priorizaba el criterio de buscar a la persona adecuada para el cargo.

Adriano mandó erigir su Mausoleo en la zona conocida como Ager Vaticanus, a la orilla derecha del Rio Tíber el área de «horti Domiziani». Es obra de Demetrian.  Fue enterrado primero en Las Bayas, cerca de Pozzuoli su finca que había pertenecido a Cicerón. Después, sus restos trasladados a Roma y enterrados en los jardines de Domitia, cerca del mausoleo. Tras la finalización deL Mausoleo en el 139, por su sucesor Antonino Pío, su cuerpo fue cremado y sus cenizas fueron colocadas allí junto con los de su esposa Vibia Sabina y su primer hijo adoptado, Lucio Elio, quien también murió en el año 138.

El Mausoleo actualmente

En el primer nivel están las tumbas de los emperadores y la rampa para acceder directamente a la Ciudad del Vaticano.

En el segundo nivel están las cárceles y los depósitos para almacenar alimentos en el caso que en Roma ocurriera una hambruna. 

En el tercer nivel están todos los fines militares en caso de una guerra. Existe una interconexión con todos los cuartos desde el patio llamado Cortile dell’Angelo, donde se expone el antiguo arcángel, se llega a las habitaciones papales y salas de uso actualmente museístico -desde 1901 se exponen en 58 salas armas, pinturas, muebles, otros objetos y exposiciones temporales y documentos sobre el edificio. 

En el nivel cuatro, los apartamentos que usaron como habitaciones con pinturas realizadas a los papas que habitaron en el monumento con frescos manieristas de Perino del Vaga, Giulio Romano y otros artistas de la escuela de Rafael. Las llamadas salas-La Sala Paulina es un magnífico ejemplo con frescos realizados por Perin del Vaga., Clemente VII, Clemente VIII y León X. Aquí se encuentran también las logias de Sangallo y de Donato Bramante y  otras salas como la de Amor y Psiche, la de Perseo, la de los Festoni, la del Tesoro, la de las Columnas y la de la Rotonda. 
Se ha instalado una cafetería en la actualidad con espléndidas vistas. 

En el nivel cinco se encuentra una terraza con vista de Roma y del Vaticano, además se encuentra el Arcángel San Miguel y la Campana de la Misericordia.

El edificio …y algo de su historia
Consta de un gran recinto rectangular construido en ladrillo y revestido con mármol blanco de Carrara. Sobre la base se construyó un cilindro de 64 metros de ancho y 20 metros de alto con piedra volcánica rojiza, siendo recubierto con gruesos bloques de piedra blanca calcárea -travertino de Tívoli, de la que aún se pueden apreciar algunos restos. Su aspecto era el de una gran mole de color blanco. En el gran tambor que albergaba el recinto fúnebre donde estaba escrito un precioso, poema del mismo emperador Adriano…

«Pequeña alma, blanda, errante
Huésped y amiga del cuerpo
¿Dónde morarás ahora
Pálida, rígida, desnuda
Incapaz de jugar como antes…?«.

Era habitual desde la época etrusca construir tumbas de forma cilíndrica y plantar jardines o árboles -cipreses sobre ellas, con varias estatuas de mármol y adornos de bronce, y una columnata circular y sobre todo el edificio. Una cuadriga de bronce dorado con el emperador Adriano en lo más alto.

Para la comunicación con el Campo de Marte se construyó el puente que originariamente se llamó Pons Aelius, en honor a su familia, hoy: Sant’Angelo inaugurado en el 134. Este, salvaría al Vaticano de los saqueos de los visigodos de Alarico en el 410 ,donde se perdieron las urnas y cenizas depositadas en el edificio y en el 537, sufrió saqueos por el ataque de los ostrogodos del Rey Vitiges, perdiéndose las estatuas y los adornos de bronce y el de los vándalos de Genserico en el 455.

Sufrió varias modificaciones a lo largo del tiempo.

El puente es peatonal sobre el río Tíber y fue Bernini en el siglo XVII el encargado de su decoración que consiste en varias estatuas de ángeles a los dos lados del puente.

En el interior del Mausoleo hay una rampa helicoidal que conduce al lugar más importante: una estancia cuadrada donde se encontraban las cenizas de Adriano y su familia y en la que también fueron depositados los restos de los emperadores: Lucio Aelio Vero, Antonino Pío, Marco Aurelio, Cómodo, Septimio Severo, Geta, Caracalla . Esta estancia poseía una gran magnificencia, estaba revestida de mármoles, hoy perdidos.

De sepulcro a fortaleza -271 al siglo VI d.C).
Pocas décadas después de la muerte de Adriano, el Imperio Romano se vio afectado por una difícil situación político-militar a causa de las invasiones bárbaras y la lenta infiltración del cristianismo. A partir del año 271 Aureliano-270-275 decidió dotar a la capital del imperio de un nuevo sistema defensivo, “un circuito fortificado realizado para proteger la ciudad en caso de invasiones extranjeras». Se trata de unas «Murallas de ladrillo» que rodeaban el perfil de la colina y que abarcaban una superficie de 19 Km. El mausoleo de Adriano pasó a formar parte del sistema defensivo en calidad de puesto fortificado cercano a las murallas, hasta que en el 402 aproximadamente, con la amenaza de los godos, Honorio -395- 282 amplió la muralla incluyendo el Mausoleo como bastión de guerra.

Siglo VI hasta el siglo XII–Sant’Angelo

Es en este tiempo, el monumento funerario adquiere la denominación actual y empieza a estar relacionado con el culto a San Miguel Arcángel. Fue el papa Bonifacio IV quién consagró el mausoleo como iglesia dedicada a San Miguel ordenando la edificación de una capilla, para recordar que el Arcángel se apareció en la cima del edificio para indicar el fin de la peste durante el pontificado de Gregorio I -590-604. La primera estatua fue en mármol de Raffaello da Montelupo, Entre 1577-1753 coronó la fortaleza la estatua del arcángel de Guglielmo della Porta, en mármol y con la alas de bronce, que aún se exhibe en uno de los patios, el llamado Cortile dell’Angelo. Sustituida en 1753 por la actual, de bronce del flamenco Peter Anton von Verschaffelt, basándose en un boceto de Bernini y restaurada entre 1983 y 1986.

La función defensiva de Sant’Angelo comienza a adquirir cada vez más importancia durante la edad media. Muchas familias importantes de Roma se disputan su posesión como símbolo de preeminencia. Los Teofilatto, los Crescenzi o los Pierleoni, los Orsini cumpliendo varias funciones simultáneamente: fortaleza, residencia, tribunal y prisión.

Alrededor del siglo XII adquiere también la denominación de Castellum.

Fortaleza de los Papas
En Sant’Angelo desde el siglo XIII hasta el XVI se fueron realizando intervenciones sobre la antigua estructura del mausoleo, reaprovechando algunos elementos pero destruyendo otros. Sant’Angelo estuvo bajo varios pontificados como son:

Pontificado de Nicolás III -1277-1280.

Hijo de una de estas familias poderosas los Orsini, unió para siempre al Castel Sant’Angelo con el Palacio Vaticano, mediante un corredor de 800 metros llamado Passetto di Borgo.
Este pasillo fue clave para la supervivencia del Papa Clemente VII en el saqueo de Roma de 1527.

Se trataba de la parte exterior de la muralla y les permitía refugiarse aquí en caso de peligro…finalmente se hicieron inseparables y el Castel Sant’Angelo sirvió como residencia papal durante 500 años, albergando también los archivos del Vaticano y el Tesoro.

Bonifacio IX -1389-1404-: La nueva vida del castillo

Nicolás V y Alessandro VI: Sant ́Angelo desde 1447 hasta 1503.

Julio II en el castillo de -1503-1513-

Clemente VII -1523-1534 se refugió en el Castel Sant’Angelo durante el Saco de Roma de 1527.

Pablo III -1543-1549- y el renacer del castillo.Era un Farnesio consiguió transformarlo en una magnífica residencia con mínimas aportaciones por parte de los sucesores.

Otras funciones de Sant’Angelo

Se usó como almacenes de granos y aceite. Como cárcel…tribunal… hubo famosos casos en como el de Beatrice Cenci que fue decapitada un 11 de setiembre de 1577 en la plaza del Puente de Sant’Angelo condenada por el entonces Papa Clemente VIII por haber matado a su padre. Giacomo Puccini, tomó el tema para su opera TOSCA en el último y dramático acto donde la protagonista desesperada en fuga se lanza al vacío desde la muralla de este castillo todo esto con la magnífica y música del compositor italiano.

E lucevan le stelle,
Ed olezzava la terra
Stridea l’uscio dell’orto
E un passo sfiorava la rena.
Entrava ella fragrante,
Mi cadea fra la braccia.

O dolci baci, o languide carezze,
Mentr’io fremente le belle forme disciogliea dai veli!
Svanì per sempre il sogno mio d’amore.
L’ora è fuggita, e muoio disperato!
E muoio disperato! E non ho amato mai tanto la vita!
Tanto la vita

E lucevan le stelle Luciano Pavarotti 1978 english captions – YouTube

Prisioneros famosos… los humanistas: Platina y Pomponio Leto, el filósofo Giordano Bruno, considerado herético por la Iglesia y condenado a muerte por sus teorías revolucionarias. Giuseppe Balsamo, conde de Cagliostro. Encerrado por brujería en 1789, fue cárcel exclusiva de este famoso aventurero y alquimista. Compuesta por tres habitaciones: una central, más amplia, y dos laterales conocidas como Gabinetto del Delfino y della Salamadra y Gabinetto de la Cicogna. En el siglo XVIII, pasó a ser prisión de lujo para detenidos importantes y muchos patriotas italianos durante la Unificación de Italia. Últimamente se le han restaurado los frescos estampados sobre un fondo blanco, la decoración de la celda simula una arquitectura abierta hacia paisajes llenos de figuras fantásticas, obra de Luzio Luzi y Perin del Vaga realizada entre 1545 y 1546, en el último período renacentista.

Un pisionero de excepción: Benvenuto Cellini, orfebre y escultor, acusado de haber robado objetos papales. Se dice que consiguió escapar de la prisión en 1539 en una fuga espectacular, bajando con una cuerda por el espacio de la letrina externa.

Muchos prisioneros nunca salieron con vida de las mazmorras víctimas de la potente familia de los Borgia, como el cardenal Giovanni Battista Orsini, acusado de haber intentado envenenar al Papa Alejandro VI.

En el Castillo Sant’Angelo se han ambientado muchas obras de la literatura, del cine y del teatro. Entre ellas, Ángeles y demonios de Dan Brown.

San Pedro del Vaticano y el Castell Sant’Angello vista de Rudolf Wiegmann 1834

En 1870 pasó a manos del Estado y finalmente, en 1925 se abrió el Museo Nazionale de Castel Sant´Angelo en el castillo. Guarda varias obras de arte, como las pinturas San Girolamo Penitente (1509), de Lorezo Lotto, o Cristo Bendicendo y Sant Onofrio (1493), de Carlo Crivelli.

«Solamente una vez…»

Difícil entender a seres que teniéndolo todo, riqueza, fama y reconocimiento del mundo entero, renuncien absolutamente a todo por una realización superior. La mayoría de las veces es una incomprendida determinación para el común de las personas: la llamada de Dios a través de la vida religiosa, tal fue el caso del tenor mejicano José Mojica.

José Mojica nació el 14 de septiembre de 1895 en San Gabriel, Jalisco-México. Siendo niño, al morir su padre, se mudaron con su madre a la Ciudad de México donde estudió en el Colegio Saint Marie. Más tarde se matriculó en la Escuela Nacional de Agricultura pero su preparación no llegó a su debido fin pues el colegio fue cerrado a consecuencia del movimiento revolucionario.

Entonces descubre: la ópera. Con el profesor José Eduardo Pierson tomó clases de canto al mismo tiempo que en el Conservatorio Nacional de Música. Debutó como tenor el 5 de octubre de 1916 en el Teatro Arbeu de la Capital azteca con: «El barbero de Sevilla» de Rossini.

Con muy poca experiencia como tenor en México, en 1917 se trasladó a Nueva York en plena Primera Guerra Mundial con apenas 500 dólares en el bolsillo. Allí, a la par de realizar audiciones trabajó como lavaplatos en restaurantes para poder subsistir mientras le llegaba la tan deseada «oportunidad». Esta, con el tiempo se le presentó aunque en papeles secundarios en una compañía de ópera, pero para él, ya era una ventaja.

Fue en una de esas presentaciones que el gran tenor italiano Enrico Caruso de gira por los Estados Unidos, lo escuchó cantar y entusiasmado por su talento le ayudó a ingresar a la compañía de Ópera de Chicago. Desde entonces su carrera como tenor y actor solo conoció ascensos en los escenarios de los Estados Unidos y el mundo.

Con el paso del tiempo se convirtió en un actor de moda trabajando en el Metropolitan Opera House. Cantó al lado de los grandes del momento: con Mary Garden ,»Pelleas et Melisande», de Claude Debussy, saltó a la fama de manera espectacular. Después al lado de Amelita Galli-Cursi, Lilly Pons y otras notables figuras. Posteriormente fue contratado en exclusiva por la firma Edison, con la que grabó numerosos discos de varias obras operísticas y música tradicional mexicana.

En 1926 conoció en la ciudad de Nueva York a María Joaquina de la Portilla Torres, mejor conocida como María Grever, y accedió a grabarle una muy emotiva canción que la lanzaría a la fama como compositora, ésta fue «Júrame«, convirtiéndose en su primer intérprete.

En 1930 comenzó su incursión en el cine sonoro siendo en Hollywood donde tuvo su oportunidad. La película en la que debutó fue «El precio de un beso»,– o «Ladrón de amor» de James Tinling y Marcel Silver y la actriz con la argentina Mona Maris.

Actuó en más de 10 películas. Las mejores fueron «El rey de los gitanos»-1932 «La cruz y la espada»-1937 en donde curiosamente y de manera profética interpreta a un fraile franciscano y en «El capitán aventurero» -1938, estas últimas realizadas en México.

José Mojica deleitó al público de su época, adelantándose de ese modo a estrellas estadounidenses como Nelson Eddy o Howard Keel.

De las películas que rodó en Los Ángeles se recuerdan «Cuando el amor ríe», «Hay que casar al príncipe», «La ley del harem», «El caballero de la noche». Participó en «La canción del milagro» -1939, de Rolando Aguilar.

El éxito artístico y económico le permitió comprar La Antigua Villa Santa Mónica, en San Miguel de Allende, Guanajuato – México para regalársela a su madre, doña Virginia, quien la habitó desde 1930 a 1940 cuando muere. Este doloroso hecho, afectó en gran medida al exitoso Tenor y Galán de cine José Mojica. Sus apariciones en los escenarios fueron cada vez menores… descubre el misterio del llamado de Dios a la vida religiosa.

Su verdadera vocación

En el año 1942 ingresó al Seminario Franciscano del Cuzco– Perú, adoptando el nombre de Fray José Francisco de Guadalupe. El 13 de julio 1947 se ordenó sacerdote en el Templo Máximo de San Francisco de Jesús, en la ciudad de Lima, donde cantó su primera misa 7 días después de su ordenación.

Sus superiores lo comisionaron para fundar «Un seminario» en Arequipa, y para realizar esa encomienda el padre Mojica obtuvo recursos haciendo algo que hacía muy bien, ¡cantar! y lo hizo por Radio Belgrano de Buenos Aires en 1949 y dando conciertos semanales en 7 países durante 2 años 1950-1952.

Pero no sólo recurrió a su «don del canto», sino que también aprovechó su talento para actuar llegando a participar en una película española «El pórtico de la Gloria» -1953, producida por Cesáreo González y dirigida por Rafael J. Salvia, quien además escribió el guion inspirado en un argumento del propio Mojica. Pero sus cantos, grabaciones y presentaciones no eran para una falsa gloria mundana, sino que llevaban un objetivo muy elevado y específico !La Gloria de Dios!.

También se valió de esos grandes dones cuando en 1958 un terremoto destruyó el inmueble del Colegio Seráfico de San Francisco y para reconstruirlo-

Mojica escribió un libro con la historia de su vida y de su conversión, titulado «Yo Pecador» que sirvió de argumento para la película homónima en la cual participó. La película realizada en México con grandes actores como: Libertad Lamarque, Pedro Armendáriz, y muchos otros de primer nivel.

En 1969 vuelve a México por un motivo muy especial. El Instituto Nacional de Bellas Artes le rindió un homenaje en ocasión de sus 50 años como cantante, fue la última visita a su patria.

Ese mismo año es entrevistado por el cantante Pedro Vargas, donde cuenta que, mientras se encontraba rodando “Melodías de América”, le dice a su amigo Agustín Lara, el célebre compositor mexicano, que esa sería su última película porque quería ingresar a un convento franciscano. Le confiesa que era una decisión que tenía muy bien pensada desde mucho tiempo atrás, incluso desde su infancia y juventud. Esa misma noche, Agustín Lara conmovido por la decisión de su amigo, compuso la bella melodía que fue la última canción que José Mojica cantó como artista. “Solamente una vez”.

Solamente una vez…
Ame en la vida.
Solamente una vez…
Y nada más.
Una vez, nada más
En mi huerto brillo la esperanza.
La esperanza que alumbra el camino
De mi soledad.

Una vez, nada más…
Se entrega el alma.
Con la dulce y total
Renunciación…
Y cuando ese milagro realiza
El prodigio de amarse.
Hay campanas de fiesta que cantan
En el corazón.

Muchos creen que la letra habla del amor de una pareja, o hasta de un episodio en la vida sentimental de José Mojica, pero en realidad se trata de su renunciación al mundo para entregarse de manera plena y total al amor de Dios.

Una sordera progresiva lo llevó a retirarse, dejar de cantar. Continuó su vida religiosa en Lima – Perú, en el muy famoso Convento de San Francisco, el que tiene las catacumbas más grandes de américa y bajo los cuidados de su comunidad siguiendo los pasos de san Francisco de Asís en la pobreza total.

Muere a los 79 años de edad el 20 de septiembre 1974 por causa de una hepatitis.

Memorias…

Existen «memorias» inmortales como las que cuenta Plinio…que Ciro II sabía de memoria el nombre de todos los soldados de su ejército, o que Temístocles conocía los nombres de los 20.000 ciudadanos de Atenas, mientras que Mitrídates Eupator administraba justicia en los 22 idiomas de su imperio.

Se cuentan también la anécdota del genial Mozart, que escuchó el extenso «Miserere» de Allegri obra polifónica que se interpretaba en Semana Santa en la Capilla Sixtina cuya partitura no podía sacarse del Vaticano so pena de condena eterna… Mozart, fue capaz de repetirlo de memoria días después. El Papa, ante semejante prodigio, perdonó al joven genio lo que se consideraba «un sacrilegio».

Marcelino Menéndez y Pelayo, es célebre, porque podía recitar de memoria El Quijote, y el filósofo John Stuart Mill igual de memorioso recitaba seis de los Diálogos de Platón. Dicen que el beato José de Ávila no se quedaba atrás con su memoria… sabía toda la Biblia.

Otro caso extraordinario es el de Hans Eberstark, 1928-2001 lingüista austríaco y traductor quien dominaba 15 lenguas y conocía de memoria las primeras 12.000 cifras decimales de Pi.

Hasta hace poco, el japonés Hideaki Tomoyori poseía la marca mundial en esta especialidad poco común: ha recitado de memoria las primeras 20.000 cifras decimales de Pi.

Así es que la «memoria perfecta» ha sido descrita magistralmente por Jorge Luis Borges en un cuento titulado «Funes el memorioso». A raíz de un trauma cerebral, Funes adquiere una memoria perfecta, que se convierte en una desgracia, al impedirle pensar, pues, como inteligentemente propone Borges, “pensar es olvidar diferencias, es generalizar, abstraer. En el abarrotado mundo de Funes no había sino detalles, casi inmediatos”.

Pero pocos son los que saben…

que Serguei Rajmáninov el célebre músico, compositor, director e intérprete ruso también poseía una memoria insólita, podía escuchar una pieza musical, incluso una sinfonía, y reproducirla al día siguiente, al año siguiente o una década después.

Aleksandr Ziloti- pianista compositor y director de orquesta, le dio una pieza larga y exigente para aprender, como son las Variaciones y fuga sobre un tema de Händel de Johannes Brahms. Dos días después, Rajmáninov la tocó «con absoluta perfección artística».

Aleksandr Goldenweiser dijo de él:» Cualquiera que fuera la composición que se mencionara piano, orquesta, ópera u otra- de un compositor clásico o contemporáneo, si Rajmáninov la había escuchado en algún momento, y sobre todo si le gustaba, la tocaba como si fuera una obra que había estudiado a fondo». No en vano en un año dio casi 1000 conciertos en los Estados Unidos!!! algo verdaderamente increíble!!! que solo un genio de memoria prodigiosa puso hacerlo.

Gran sorpresa…

Es un estudio publicado en 2020 que evaluaba la novedad e influencia para 900 composiciones de piano clásicas escritas por 19 compositores entre aproximadamente 1700 y 1900, Serguéi Rajmáninov aparecía en primera posición como el compositor más innovador, seguido de Johann Sebastián Bach, Johannes Brahms y Félix Mendelssohn. Sus obras eran las más innovadoras tanto comparadas con las de los otros 18 compositores como comparando sus últimas obras con las primeras.

Al fin se hace justicia!!!

Esto demuestra lo poco valorado que fue este destacado compositor e intérprete… a pesar del rotundo éxito que tuvo. Como siempre pasa, luce más lo que entra por los ojos, belleza, simpatía… glamour y demás…

Era sobrio por demás, formal y callado. Muy alto, y frente al público siempre mantenía una expresión severa y misteriosa…. podría denominarse una persona «gris»…que «no ponía caras» ni» miradas lánguidas al techo» mientras ejecutaba las obras en el piano, pero su fuerza era impresionante y la emoción que transmitía estaban en su mente prodigiosa y en sus manos, grandes más de lo habitual, con las que conseguía increíbles y velocísimos despliegues sobre el teclado. Su técnica de mano izquierda era inusualmente poderosa. Donde la interpretación de otros pianistas se volvía borrosa por el uso excesivo del pedal o deficiencias en la técnica, las texturas de Rajmáninov eran limpias, claras, bellas y transparentes como el cristal.

El escultor Serguéi Konénkov decía: “El rostro de Rajmáninov es el sueño de un escultor. Era tan sencillo y al mismo tiempo, absolutamente único e inimitable… Hay rostros en nuestra vida que con solamente verlos una vez, ya no los olvidamos jamás”.

Sólo Józef Hofmann y Josef Lhévinne compartieron este tipo de claridad con él.

​ Los tres tenían a Antón Rubinstein como modelo para este tipo de interpretación: Hofmann como alumno suyo, Rajmáninov por escuchar su famosa serie de recitales históricos en Moscú mientras estudiaba con Zvérev​ y Lhévinne de escuchar sus interpretaciones.

Su interpretación estuvo marcada por la precisión, el impulso rítmico y el notable uso del staccato. Aplicó estas cualidades en la música de Frédéric Chopin, incluida la Sonata para piano en si bemol menor. Su repertorio, a excepción de sus propias obras, consistió principalmente en obras virtuosas del siglo XIX además de música de: Johann Sebastián Bach, Ludwig van Beethoven, Aleksandr Borodín, Claude Debussy, Edvard Grieg, Franz Liszt, Félix Mendelssohn, Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Schubert, Robert Schumann y su admirado Piotr Ilich Chaikovski.

Se le ha tachado injustamente de conservador, de anti-novedoso cuando en realidad era todo lo contrario de lo que se piensa.

Su música tan personal, nacida del corazón, que no necesita la utilización de nuevos recursos ni persigue una originalidad en el lenguaje. Su música es típicamente rusa, él siempre argumentaba que nunca se proponía hacer música rusa, sino que su música es así simplemente porque él es así.
Se mostraba siempre reacio a revelar su fuente de inspiración.

Decía… «Oigo la música en mi cabeza. Cuando la música para, yo paro de escribir». Una vez contó a un periodista que su inspiración en muchos casos provenía de fuentes literarias o pictóricas.

Serguéi Rajmáninov, en la década de 1890, con su amigo el cantante Fiódor Chaliapin, que participó en la producción de Aleko para el Teatro Bolshói de 1892.

Compartía junto con su amigo Fiódor Chaliapin la firme convicción de que una pieza siempre tenía un clímax único. Este método interpretativo consistía en determinar en cada pieza cuál es «el clímax», y todo lo demás, cada «p» o cada «ff» debe llevar a ese clímax.

La «Primera Sinfonía» de Rajmáninov fue un completo desastre: el director de la orquestra, Alexándr Glazunov, estaba borracho y él destrozó sus partituras, afortunadamente, parte de las piezas sobrevivieron, lo que permitió la reconstrucción de la obra después de su muerte. Rajmáninov, cayó entonces en una profunda depresión incapaz de componer música durante casi tres años. Consultó con el doctor Dal, un pionero “hipnoterapeuta” que trabajaba en Moscú quién logró restaurarle la autoconfianza. Como resultado surgió el exitoso «Concierto №2 para Piano» de 1900, que dedicó al doctor.

La dura crítica fue posiblemente debido al antagonismo imperante desde hacía mucho tiempo atrás entre San Petersburgo y Moscú, una antipatía que iba más allá de cuestiones musicales. Pero la sinfonía no fue interpretada nuevamente durante la vida de su autor.

Rachmaninov Piano concerto No 2 in C Minor op. 18. – YouTube

Se sabe que «The isle of Dead» fue compuesta después de observar unas pinturas de Arnold Böcklin con el mismo título. En este mismo pintor se inspiran sus Estudios-Tableau.

Rachmaninov: Etude-Tableau in A Minor, Op.39, No.6 – YouTube

El «diabólico» Estudio en La menor Op.39 n.6, uno de los tres que grabó, y que como él mismo le comentó a Respighi en una carta, es la expresión musical del cuento popular de hadas «Little Red Riding Hood», del que también es partícipe la «Sugestión Diabólica» Prokoffiana. Tras un primer análisis, es evidente deducir que son dos los «leit-motiv» que aparecen y reaparecen en la música del compositor: el sonido de las campanas «The bells», su favorita y también el preludio Op.32 N.3 en Mi Mayor.

La música coral rusa, al igual que la música estadounidense la podemos encontrar en numerosas piezas, en especial en la Rapsodia sobre un Tema de Paganini, que conjuga: música norteamericana con su estilo personal ruso; y por supuesto, en su cuarto concierto, del cual el segundo movimiento se inspira en un «negro espiritual».

Rachmaninoff Rhapsody on a Theme of Paganini – YouTube

Muy personal…

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En 1934 durante un recital en Washington

El pianista Cyril Smith cuenta su impresión de sus recitales… sin duda muy especial. El semblante serio e inconfundible, el corte de pelo a lo militar. Se dirigía al instrumento, como si lamentase hacerlo, y escrutaba el público, mientras tocaba varias veces un acorde en pianísimo hasta reducirlo a un susurro. Solo entonces comenzaba con la obra.

El pintor Leonid Pasternak admiraba la intensidad de sus interpretaciones, pero también la naturalidad de sus gestos, similares a quien trabaja sobre un escritorio o se toma una sopa.

Charles O’Connell, su productor en la RCA, subrayaba además la belleza de su sonido al piano. Esa capacidad exquisita para sombrear y colorear cada frase junto a su falta de interés por el proceso de la grabación. Pero también su manía de prohibir la difusión de cualquier registro sonoro que no considerase musicalmente perfecto.

El método de estudio de Serguéi Rajmáninov consiste en trabajar una pieza musical como si el intérprete fuera el compositor, dividiendo el estudio en diferentes fases. En sus propias palabras: «Se debe desmontar, asomarse en cada rincón, antes de ensamblarlo todo». Por supuesto, siempre guardando una lógica con respecto al «punto de inflexión», o» clímax».

«Una concepción globalizadora de una pieza musical, significa ponerse en el lugar del compositor y no limitarse a ser intérprete…es la diferencia entre el arquitecto y el albañil. El albañil construye la casa ladrillo a ladrillo, el arquitecto la tiene toda entera en su cabeza».

La peor crítica que él mismo podía hacerse al terminar un recital es olvidar dicho punto culminante. Daba lo mismo que la interpretación de este o aquel pasaje fueran geniales, como él mismo relataba: «O todo tuvo sentido, o nada lo hizo».

En : Variaciones sobre un Tema de Corelli,-comentario recogido de una carta de Rajmáninov a Medtner, después de una serie de recitales sobre esta obra: «Nunca las toqué todas de una vez. Yo me guiaba por las» toses» del público. Cuando las toses aumentaban, omitía la siguiente variación … En un concierto, las toses fueron tantas que sólo toqué 10 Variaciones … Mi récord está en 18. De todas formas, espero que puedas tocarlas todas y no tosas».

La Sonata n.2 para piano solo,

02 Rachmaninoff Piano Sonata No 2 in B flat minor. Op 36, – YouTube

Muchísimas son las obras, que no se suelen tocar en las salas de conciertos debido a su tremenda dificultad, todos sabemos eso, también, cualquier pianista reconocerá que es mucho más fácil tocar un concierto de Liszt o de Chopin o Beethoven que ponerse a estudiar uno de Rajmaninov.

Serguéi Vasilievich Rajmaninov o Rachmaninoff – vivió entre 1873 y 1943, destacó como compositor, intérprete de piano y director de orquesta. Lo fue «todo» y todo con sencilla perfección.

Dotado de muchos talentos, estuvo siempre fascinado con lo nuevo en el arte y otros ámbitos de la vida. Fue uno de los primeros automovilistas de Rusia y en su finca, Ivánovka, cerca de la ciudad de Tambov, en el centro de Rusia, inventó una sencilla máquina segadora, tratando de facilitar la vida de los campesinos.

Los primeros años del siglo XX los pasó entre la interpretación pianística y dirección orquestal. De este período, el poema sinfónico La isla de los muertos, la sinfonía coral Las campanas y obras corales a capella- La liturgia de san Juan Crisóstomo y Las Vísperas. La vida en los valles y praderas de Rusia le inspiró la creación de su famoso Concierto para piano n.º 3 en re menor de 1909 con una muy difícil cadenza , quizás lo más imponente de su repertorio pianístico, tanto por su duración como por su dificultad.

Era el preferido del autor: «Muchas cosas verdaderamente ajenas al piano se han escrito. Incluso dentro de lo que concierne a mis propios conciertos, prefiero por mucho el Tercero, ya que el Segundo es incómodo de tocar».

El Concierto n.° 4, el menos apreciado de la serie…de 1927, luego de diez años de silencio, la obra fue recibida por el público con frialdad.
Decía:

«No soy un compositor que produce sus obras de acuerdo con las fórmulas de teorías preconcebidas. Siempre he sentido que la música debe ser la expresión de la compleja personalidad del compositor; no debe llegar a confeccionarse cerebralmente, con la medida exacta hecha para adecuarse a ciertos moldes preestablecidos.
Mi música es el producto de mi naturaleza y, por lo tanto, es música rusa; nunca trato conscientemente de escribir música rusa, o cualquier otro tipo de música. Si la época no se presta para la expresión musical, los compositores deberían permanecer en silencio antes de fabricar la música pensada y no sentida».

La pérdida de su amada Rusia, la madre patria, quizá evocando la relación materna perdida a los once años y otras muchas pérdidas posteriores …su traumático fracaso.
Ya exiliado… en sus memorias decía:

«Existe una carga que quizá la edad haya puesto sobre mis hombros más pesada que ninguna otra, me era desconocida en mi juventud. Esta carga es que no tengo patria. Tuve que dejar la tierra en la que había nacido, donde pasé mis años juveniles, donde luché y donde sufrí todos los dolores que supone tener que abrirse paso, y donde logré, por fin, el éxito. Todo el mundo está abierto para mí y el éxito me aguarda en todas partes. Sólo un lugar permanece inaccesible y ese lugar es mi propio país: Rusia.

Cuando dio su último recital, el 17 de febrero de 1943 en Knoxville, Estados Unidos, el maestro estaba gravemente enfermo. Rajmáninov falleció el 28 de marzo de 1943 en Beverly Hills, California, justo unos días antes de cumplir 70 años. Fue enterrado en el cementerio de Kensico en Valhalla, Nueva York.

En las últimas horas de su vida insistía en que oía música procedente de algún lugar cercano. Después de que le reiteraran que no sonaba música por los alrededores, respondió: “Entonces, suena en mi cabeza.”

Palabras de Josef Hofmann en «In memory of Rachmaninoff»

«Rachmaninoff estaba hecho de acero y oro. Acero en sus brazos, oro en su corazón. No puedo pensar nunca en esta existencia majestuosa sin lágrimas en mis ojos, pues no sólo lo admiro como artista supremo, sino como ser humano».

“Escribo la música que escucho sonar dentro de mí… Soy un compositor ruso, así que mi temperamento, mi aspecto exterior y mi música son rusos en su esencia misma”.

Admirado por sus compañeros, Rachmaninov era el pianista de pianistas, una rareza en la profesión. Este reconocimiento se debió a su sinceridad y dedicación a la causa musical. Habló de sí mismo con humildad, demasiado consciente de la magnitud del deber que debe cumplirse

» Yo también estoy en la música. La música es suficiente para toda la vida. Pero toda una vida no es suficiente para la música. «