Un genio…

Oscar Fingal O’Flaherty Wills Wilde-1854 en Dublin por entonces Reino Unido -1900-Paris-Francia. Escritor, dramaturgo, esteta, poeta, ensayista, periodista- editor de la revista The woman’s world– Celebridad de la época debido al nivel de provocación que utilizaba, no sólo en sus obras sino también también a nivel personal, no escatimaba monólogos inteligentes… un mago absoluto de la conversación.

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El escritor jamás imaginó que todo se iba a torcer para siempre. Quizás, sobrevaloró sus poderes.

Wilde era encantador… mágico. Todos sucumbían hipnotizados al sortilegio de su arte de la conversación. Era un malabarista con las palabras, ocurrente, ácido, divertido, donde fuese se convertía en el centro, la luz, el eje de todas las reuniones.

Desde sus días universitarios, en las tardes de invierno los estudiantes de Oxford se reunían en el Stone Hall alrededor de una estufa. «Oscar Wilde era el más deslumbrante conversador. Gozaba lanzando brillantes paradojas y alegres relámpagos de humorismo», decía su compañero Frank Harris.

Elaboraba descripciones con precisión asombrosa y exageraba con humor.Todo lo que él narraba se transformaba en algo divertido. En sus días del Trinity College y en Oxford, el joven Wilde, nacido en Dublín, hijo de un eminente médico y una célebre poeta y activista irlandesa, sobresalió por su erudición e inteligencia: ganó los primeros premios por su dominio de los clásicos, por sus poesías y obtuvo siempre las mejores calificaciones.

Destacó por su excentricidad. Paseaba por las calles lánguidamente, lucía melena ondulada y «calzones versallescos«, desdeñaba los deportes, decoraba su habitación con plumas de pavo real, lilas y porcelana erótica. Imposible no llamar la atención!!!

Dejó a la posteridad una produción asombrosa: El retrato de Dorian Gray su única novela, La importancia de llamarse Ernesto, Salomé y más de 17 libros: ensayos, poemas, cartas, obras de teatro, también cuentos para niños todo lo que hacía resultaba exquisito… en su estilo: un tanto satírico y mordaz reflejando la sociedad victoriana y más precisamente, la sociedad londinense.

Wilde estaba casado con Constance Lloyd, tenían dos hijos, Cyril y Vyvyan, residían en el exclusivo barrio londinense de Chelsea. Cuando estalló el escándalo y el juicio por conducta indecente, Constance se separó del escritor, cambió el apellido de sus hijos y no consintió que su padre los viera nunca más.

Después de los crueles años vividos en prisión, estuvo en París donde prefirió hacer una vida tranquila y silenciosa. Se cambió el nombre: se puso Sebastián Melmoth, por el personaje de la novela de Charles Maturin.

Se convirtió al catolicismo y dejó de escribir, pero mantuvo su genio ácido para inventar sentencias y lanzar dardos ingeniosos y precisos. Es autor de citas memorables.

Decía de sí mismo, que se caracterizaba por su:

«proverbial buen carácter y mi pereza celta».

Y con total certeza afirmaba: «La experiencia no es más que el nombre que le damos a nuestros errores»

Describió su día muy ocupado:

«Esta mañana quité una coma, y esta tarde la he vuelto a poner».

No siempre era dichos amables. Durante el año que recorrió Estados Unidos pronunciando conferencias, usó definiciones tajantes como: «California es Italia sin arte» o bien: «Estados Unidos es el único país que ha pasado de la barbarie a la decadencia, sin civilización de por medio».

En otra ocasión el escritor manifestó:

“He puesto todo mi genio en mi vida; he puesto solamente mi talento en mi obra”.

Un comentario

“Y cuando lleno el formulario del censo, en la casilla que pregunta mi profesión, pongo: genio”.

Y con razón lo decía, el genio no se fabrica, no se compra ni se vende, el genio viene desde adentro es algo propio, natural…

Hospedado en el Hotel d’Alsace, de París ubicado en el 13 de la rue de Beaux Arts, el día 30 de noviembre de 1900, Oscar Wilde se despidió del mundo con su mordaz genialidad:

“El papel tapiz y yo estamos batiendo un duelo a muerte y uno de los dos tendrá que irse».

Dicen que pidió champán y dijo:

«Estoy muriendo por encima de mis posibilidades».

Oscar Wilde murió a los 46 años de edad, en la más absoluta de las bancarrotas. Los pocos amigos que tenía solo pudieron ofrecerle un entierro de sexta clase en Bagneux, a las afueras de la ciudad. Su amigo Robert Ross, tras obtener suficiente dinero vendiendo las obras del escritor pudo comprar una tumba en el Cementerio de Père-Lachaise y nueve años después de su muerte los restos de Wilde fueron trasladados.

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Al año siguiente, Helen Carew, una de las amigas de Ross y que había conocido a Wilde en su apogeo, ofreció anónimamente 2.000 libras para erigir un monumento.

La tumba de Wilde realizada por el escultor Jacob Epstein fue inaugurada en 1914, presenta una figura alada que recuerda a «La Esfinge«, su poema.

Coincidiendo con el 111 aniversario de su fallecimiento, reinauguraron la nueva tumba presentada al público ya que la anterior estaba llena de «besos» de mujeres. Tras la limpieza se colocó una protección de un material transparente.

Su hijo mayor Cyril murió en plena Primera Guerra Mundial como miembro de las fuerzas británicas que lucharon en Francia. Su segundo hijo, Vyvyan, continuó los pasos de su padre y se dedicó a la escritura y traducción. Llegó a publicar sus memorias en 1954 y el hijo de este… 

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Merlin Holland, ha editado y publicado varios trabajos sobre su genial abuelo, Oscar Wilde.

Un tema: !El árbol de Jesé!

La única profecía del Antiguo Testamento que fue ilustrada literal y frecuentemente en diferentes disciplinas artísticas, técnicas y géneros: arquitectura, escultura, orfebrería, manuscritos ilustrados, frescos, pintura en tabla, mosaicos etc.

Is. 11, 1-2 «Saldrá una rama del tronco de Jesé y un retoño brotará de sus raíces. Sobre él reposará el espíritu del Señor: espíritu de sabiduría y de inteligencia, espíritu de consejo y de fortaleza, espíritu de ciencia y de temor del Señor».

Sin duda alguna, tema preferido de la Edad Media que proliferó por toda Europa por siglos!!!

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Esta es la representación más antigua conocida del árbol de Jesé de 1086 y se encuentra en el Códice Vyšehrad – Evangelios de la Coronación de Vratislav II , el primer monarca de Bohemia. En la imagen, el profeta Isaías se acerca a Jesé. Por debajo de sus pies brota un árbol, y lo envuelve con palabras que se traducen literalmente siguiendo el lenguaje de la Vulgata. 

La genealogía de Jesús

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Aparece en la Biblia en Mateo 1,1-17 y en Lucas 3,23-38; en ambas, los evangelistas, conectan a Jesús con David por la profecía mesiánica, pero en ambos se hace la conexión a través de José, el “padre putativo” – padre adoptivo- el famoso P.P. La ley judía acepta este hecho como de pleno derecho genealógico a la familia del progenitor adoptivo.

British Library –
El árbol de Jesé con los doce profetas del Antiguo Testamento y la Virgen.

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El Nuevo Testamento apoya la profecía de Isaías- La Biblia de los Capuchinos- es un ejemplo posterior de 1180, en el que un árbol de Jesé forma la «L» de Liber generationis … al comienzo del Evangelio de Mateo.

El códice de las Cántigas de Santa María

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Este responde a un modelo mariológico. Las palomas que aluden los siete dones del Espíritu Santo.

De la miniatura… a todos los demás soportes

Durante el siglo XI y todo el XII se desarrolla en Occidente la iconografía del árbol de Jesé. Las primeras, miniaturas en manuscritos, después pasa a la pintura mural románica, techumbres de madera exquisitamente pintadas y la vidriera gótica, relieves románicos y en el arte mueble se hacen frontales de altar, sillerías de coro, tapices, bordados, etc.

Antecedentes de este tema

Muchos y variados: desde el«Menorá» el candelabro judío de los siete brazos, el árbol de las Siete Artes de Teodulfo de Orleans, las representaciones de origen hindú del nacimiento de Brahma, las del árbol Wak Wak que narran leyendas árabes del siglo X y a textos chinos anteriores, conocidos a través de relatos de viajeros occidentales.

Debemos a Tertuliano, a comienzos del siglo III, la primera interpretación conocida de la profecía en la que se identifica a Jesé, padre de David, la raíz de la que surge el tallo, María, y la flor o fruto que de él brota, Cristo su hijo. Sin apenas variaciones nos lo transmiten los patriarcas y teólogos altomedievales que tratan el tema como San Ambrosio, San Jerónimo, San León Magno. En el siglo XII, Bernardo de Claraval vinculará el texto de Isaías al episodio de la Anunciación.

Escultura

El parteluz del «Pórtico de la Gloria» en la Catedral de Santiago de Compostela-España

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Data del año 1188 y está en él, el maestro Mateo, su autor.

La mano del peregrino

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Muchas personas comprenden lo que significa «poner la mano sobre una Biblia o un Evangeliario» al formular un juramento o una promesa…

Apoyar la mano en el parteluz del árbol de Jesé es toda una tradición que el visitante cumple en la Catedral de Santiago.

En la Europa del siglo XII, el pueblo en su mayoría iletrado. El arte en pinturas, esculturas y claustros constituían la «Biblia pauperum»,  Biblia de los pobres. Los que no sabían leer se enteraban de los contenidos bíblicos a base de contemplar estas obras.

Una maravilla muy bien guardada

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El techo de madera policromada del siglo XII de San Miguel de Hildesheim– Alemania. Templo declarado Patrimonio de la Humanidad en 1985. 

En la Segunda Guerra Mundial, cuando muchas iglesias en Alemania ya estaban destruidas, este artesonado de madera fue desmontado en 1943 y escondido en una mina cerca de Hildesheim. Las demás obras de arte fueron sacadas de la iglesia y enterradas en los terraplenes medievales de la ciudad. El coro, los arcos y las columnas más antiguas de la iglesia de San Miguel fueron cubiertos de hormigón!!!.

En 1945, la iglesia de San Miguel fue alcanzada por un bombardeo, pero las obras de arte y las construcciones protegidas con hormigón se salvaron. La iglesia fue reconstruida en el estilo original entre 1950 y 1957.

 En Evoraria

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Árbol de Jesé de Bamberg (Baviera)
Tallado en marfil- 1200- actualmente en el Museo del Louvre-Francia

 

Retablo gótico del árbol de Jesé -Capilla de santa Ana- Catedral de Burgos –-catedral-de-burgosObra de Gil Siloé que representa la genealogía de Cristo.

El muérdago

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Para «el árbol» generalmente se usaba la representación del muérdago que se consideraba símbolo de la fuerza, de la vida, pues mientras que enel invierno todas las otras plantas se encuentran en un estado aletargado – la savia no circula se encuentra concentrada debajo de la tierra, en la raíz, el muérdago en cambio, porta en sus ramas frutos, la fuerza de la vida eterna: la inmortalidad. Sus hojas con espinas para defendernos del mal. La leyenda cuenta que sus hojas tienen ese formato debido a las «dentelladas del dragón«.

Su relación con el AdvientoNavidad

El árbol de Jesé también esta relacionado con la celebración del «Adviento», el tiempo penitencial anterior a Navidad, como lo es la «Cuaresma» anterior a la Pascua. Al «árbol» se le ponen adornos relacionados con este tiempo litúrgico hasta llegar al Nacimiento de Cristo. Desde hace unos dos siglos se prefiere el abeto al muérdago sin duda es más espectacular.

Monasterios pintados de Bucovina- Rumania

Construidos en los siglos XV y XVI son iglesias ortodoxas de inspiración bizantina.

monasterio-de-voronet_640426ba_1500x1064Monasterio de Voronet

La Capilla Sixtina del Este, sus muros muestran escenas del Antiguo y Nuevo Testamento. 

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monasterio de Sucevita

La mayoría se levantaron por orden de Ştefan cel Mare (Esteban el Grande) y Petru Rareş como celebración o agradecimiento tras una victoria militar. En ellos prevalece el tema del «Árbol de Jesé» y se le añade algun hecho militar de relevancia. Fueron declarados Patrimonio de la Humanidad en 1993.

Tema preferido para vitrales

Varían las figuras, dependiendo de la cantidad de espacio disponible para el diseño. Si se usa la ascendencia más larga del evangelio de san Lucas, hay 43 generaciones entre Jesé y Jesús. La identidad de las figuras varían, pero generalmente se incluyen a Salomón y David que a menudo se muestran a todos con coronas.

La mayoría de los «árboles» incluyen a María inmediatamente debajo de la figura de Jesús. En el gótico, muestran la Virgen y el niño, enfatizando que «Ella fue el medio por el cual nació el brote de Jesé» .

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En las representaciones más primitivas Cristo siempre aparece en majestad rodeado de siete palomas, que representan los siete dones del Espíritu Santo como podemos verlo en el Árbol de Jesé de St. Denis-en la capilla de la Virgen .

Émile Mâle, el famoso historiador de arte, cree que el abad Suger se inspiró para el programa de la vidriera de Saint Denis de 1114, en el Sermón Contra Judaeos, Paganos et Arianos- falsamente atribuido a san Agustín, que es obra del obispo Quodvultdeus de Cartago que data del siglo V.

The_north_transept_rose_window_at_St-DenisRosetón norte de la Basílica de St Denis    muestra a Jesé en el centro. 

Sin duda el abad Suger amaba este tema.

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Las bellas vidrieras en «azul de la catedral de Chartres» sobre el Portal Real y debajo del rosetón occidental data de 1150, prácticamente el mismo programa que San Denis.

El árbol que se eleva de un Jesé dormido. Consta de ocho paneles centrales cuadrados, con siete rectangulares a cada lado, separados, como es habitual en las ventanas del siglo XII sin tracería de piedra, por pesadas armaduras de hierro. En el panel central más bajo se reclina la figura de Jesse, con el árbol elevándose desde su centro. En cada una de las siete secciones, se ramifica en un patrón regular de ramas que se desplazan, cada una con un manojo de hojas que toman la forma heráldica de la Flor de Lis , muy común en las vidrieras francesas. En el centro de cada panel hay una figura: – David, Salomón, dos figuras coronadas más, María rodeada por las palomas que llevan los dones del Espíritu Santo y una figura majestuosa de Cristo más grande que el resto. En cada uno de los paneles más estrechos, bordeados por bordes ricamente estampados, están las figuras de catorce profetas que llevan rollos.

Saint-Denis y Chartres, proporcionaron «el modelo» para otros Templos.

En Inglaterra

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Se cree que este panel pequeño y muy fragmentado es de una ventana del «Jesse Tree» , en York Minster– El título honorífico de Minster, corresponde a iglesias de fundación monástica en época anglosajona. Este un fragmento del vitral más antiguo que se conserva en Inglaterra, data quizás de 1150.

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La Catedral de Canterbury– 1200. Alberga la vidriera más antigua de Inglaterra, aquí Dos paneles, todo lo que queda, de una ventana de Jesse Tree. Los vitrales de esta Catedral fueron hechos supuestamente por vitralistas de Chartres dado el tradicional azul de esa catedral.

Variaciones del mismo tema

También aparece Jesús Crucificado coronando el árbol. Esta vertiente iconográfica procede de una tradición medieval por la cual el árbol muerto de la vida, solo volverá a ser verde otra vez con Cristo atado a el, como un injerto que lo revive con su sangre. Clara referencia a la Resurrección de los muertos y a la Eucaristía, en donde la carne y sangre de Cristo se convierte en alimento espiritual, pan de vida.

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Posteriormente y a medida que se desarrolla el culto Mariano la Virgen sustituye a Cristo: primero la Virgen con el niño en brazos (Virgen=rama, Jesús=flor) y luego con la Virgen sola, convirtiéndose a partir del XVI en un tema Mariano preferido estrechamente unido a la doctrina de la Inmaculada Concepción de la Virgen. Tema que iniciara en su momento san Bernardo de Claraval

Bellísimo vitral de la Catredral de Evreux es este vitral se observa la evolución del arte del vitral.

El tema del árbol de Jesé perdió su protagonismo por dos siglos aproximadamente como consecuencia de La Reforma y retomado en la península ibérica con más fuerza durante La contrarreforma, s. XVI – XVII.

El retablo de Olivenza- provincia de Badajoz- España 

Aquí, un retablo tardío, corresponde a finales del s. XVI o  de principios del s. XVII época de la Contrarreforma.

En este pueblo a 20 Km. de Badajoz se dice:

Las muchachas de Olivenza
No son como las demás
Porque son hijas de España, ¡ay!
Y nietas de Portugal.
Tienen la dulce belleza de la mujer lusitana
Y la gracia y el salero
De las mujeres de España.

En la Iglesia de Santa María del Castillo un magnífico del Árbol de Jesé. En madera tallada y policromada con una altura de 10,29 m.  restaurado en el 2009 y de los pocos actualmente con este tema.

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Bajo sus raíces descansa Jesé, el padre de David con seis ramas sobre las que aparecen  doce reyes de la casa de Judá.

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El árbol,  es una vid y se remata con una mandorla que encierra la imagen de María y el Niño.

Las órdenes religiosas utilizaron este tema iconográfico. 

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                    arbol mercedario

Pero en el lugar de Jesé ponían el fundador de la orden. De sus entrañas crece el «árbol», y en cada rama aparecen  sus santos o los miembros mas destacados de la comunidad.

El Stammbaum de los Dominicos en el Instituto Staedel de Frankfurt obra de Hans Holbein el viejo y el árbol de los Mercedarios, su fundador: san Pedro Nolasco en 1218.

Música confusa…

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Por música zígara entendemos…

que es la música de los gitanos de Hungría y regiones circundantes.

Digamos, que es: in-con-fun-di-ble debido a la «escala que usan y la destreza instrumental«. Desde siempre, fue un territorio dominado por violines, ellos llevaron a este instrumento a su extremo, causando admiración mundial con su arte.

«Los gitanos» llegaron a Europa de la India por el s. XV, el rey Segismundo los menciona en un documento y figuran como «violinistas egipcios» en la corte de la Reina Isabel de hungría. Es en el s. XVI cuando las cortes europeas tuvieron oportunidad de disfrutar sus exóticos ritmos como: «Hungaresva» o «saltus hungaricus«.

Estas danzas persistiran hasta el s. XVIII que se mezclaran con otras de regiones lindantes como: sarabande, courante, polonica y Ländler.

Definitivamente

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La «música zíngara» perteneciente a los gitanos que desarrollaron su actividad de forma profesional en aldeas, en las cortes, ciudades, tocando en bodas, funerales y diversos festejos. Como ha ocurrido, los gitanos asentados en otros países adoptaron los rasgos escenciales de la música autóctona húngara asimilándola. Los gitanos búlgaros, en menor medida los serbios, adoptaron complejos ritmos aksak, que significa «cojo» «rengo» en turco, con un patrón rítmico o pie métrico propio de la música tradicional de los Balcanes, Turquía, Irán y Afganistán, que se caracteriza por tener compases de subdivisión binaria y ternaria. Comenzó a usarse en la música occidental a en el siglo XX y fueron principalmente, Stravinsky y de Bartók, este último lo denominó «ritmo búlgaro».

La gran diferencia

La música húngara es «pentatónica«,como la de tantos pueblos de diferentes partes del mundo: Escocia, Irlanda, la música incaica, hasta el Jazz! mientras que la música zíngara es «orientalizante«, es decir: llevada a occidente desde India, Persia o arabia en sus migraciones. Tiene «otra escala» y su gente, una enorme capacidad de adaptación a las modas de cada momento y un virtuosismo instrumental fantástico en «escalas orientales» que pronto dejó las aldeas, pasó a las ciudades influyendo poderosamente hasta nuestros días.
Tras la expulsión de los turcos a finales del s. XVII las ciudades cercanas al Danubio empezaron a sentir la influencia de Viena y sus músicos como Haydn, Mozart, Beethoven etc.

«Verbunkos» o danzas húngaras

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El ejército austríaco contratará pequeñas orquestas de músicos gitanos para atraer a los jóvenes en el reclutamiento por el territorio húngaro.

La fama de esta música alcanzó la propia Viena y compartido con la música turca… a partir de 1780 empieza a publicarse las primeras colecciones de «verbunkos» o danzas húngaras, género musical húngaro del siglo XVIII, atribuido a los gitanos, pero, muchas de ellas firmadas por autores alemanes.

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Famosas si las hay con Janos Bihari virtuoso violinista gitano.

Bihari actuó repetidas veces en Viena, algunas de ellas ante el emperador, y según Gyula Káldy– compositor húngaro del romanticismo y hasta fue escuchado por el joven Beethoven.

«Verbunkos»  – fueron ganando en virtuosismo instrumental, variedad melódica y armónica, se le incorporaron: acordes alterados, modulaciones inesperadas y progresiones armónicas heterodoxas, incluyendo las quintas paralelas y por 1830 comenzó a presentarse con cambios ritmicos de danzas lenta -«lassú» – rápida «friss«. La tomaron los más grandes compositores del momento.

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Hacia1835, la nueva música de baile que alcanzaría notoriedad internacional, «las czardas«, heredera directa del«verbunkos»  comparte la alternancia entre una o varias partes lentas y otras vertiginosas en ocasiones.Compuestas en su mayor parte por músicos no gitanos

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Como el violinista Márk Rózsavölgyi, apodado “rey de las csárdás ”.

Lo nuevo, junto con el antiguo «verbunkos» y la moderna canción sentimental «hallgató» fue el repertorio básico de las bandas de músicos gitanos que triunfaban por entonces en las principales ciudades del país.

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«El detalle» que faltaba

El fervor patriótico de esta música, fue tomada como referente del nacionalismo musical húngaro. Incluso el compositor  Johannes Brahms, empezó a valorar la importancia de la música popular de los diferentes pueblos… y otros compositores emplearon estos recursos. Este era un hecho que nadie quería reconocer y que a fuerza de tanto insistir, se había instalado en el ambiente imaginario colectivo de forma auditiva, tan difícil de corregir.

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Férenc Erkel -1810-1893- fundador de la ópera nacional húngara, contítulos emblemáticos como: Hunyadi  László  -1844- y Bánk Bán -1861.

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Franz Liszt 1811-1886,  con sus Rapsodias  húngaras  -1846-1853- para piano, algunas de las cuales la números 8 y 12, se inspiraron directamente en melodías de Rózsavölgyi.

En 1861 Liszt publicaría en Pest- Des Bohémiens et de leur musique en Hongrie , ensalzaba la labor de los gitanos como custodios de la música tradicional húngara. Las críticas, por parte de sus compatriotas, fue terrible!!! atribuir al genio gitano la paternidad de la música húngara… lo destrozaron… Argumentaban, que la música zíngara era gitana sólo en la medida de que era interpretada por músicos gitanos, pues la autoría moral correspondía al pueblo húngaro. En esto… erraban los críticos, era en considerar “pueblo”a sus autores, la mayor parte de los cuales eran compositores urbanos con nombres y apellidos bien conocidos.

Folclore húngaro

Desde la segunda mitad del siglo XIX se habían elevaron voces que reclamaron la recuperación del folclore húngaro como testifica la obra pionera de Karoly SziniLas canciones y melodías del pueblo húngaro-1865 y ciertos asomos de música folclórica auténtica en la obra del compositor, gitano, Pista Danko 1858-1903. habrá

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La crítica que dirigirá Béla Bartók a todo el nacionalismo musical del siglo XIX, quedó expresado en un artículo fundamental: 

Música gitana? Música húngara? Ethnographia- Budapest- 1931.

La música zíngara… no es música tradicional húngara.

La magnitud del error no pudo comprobarse hasta que Zoltán Kodály y Bartók testimoniaran a lo largo de su extensivo trabajo etno-musicológico en las áreas rurales a partir de 1905.

Este giro propiciado por Bartók y Kodály supuso el abandono casi total de la música zíngara como fuente primaria de inspiración para los compositores nacionalistas húngaros del siglo XX.

Pero sobrevivió… no obstante, con los últimos compositores húngaros de operetas, como Franz Lehár y Emmerich Kálmán como estilo “popular” con las nuevas tendencias urbanas del siglo XX, adaptándose a los nuevos escenarios musicales urbanos. Una «música zíngara» cuyo instinto de supervivencia le ha permitido sobrevivir a: otomanos, austríacos, nacionalistas y folcloristas durante más de cuatro largos siglos…

Ejemplo de «preciosismo»

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Es una pieza corta para violín de apenas dos minutos, una verdadera «Joya musical» compuesta por el rumano Grigoras Dinicu para su examen de graduación en el Conservatorio de Budapest en 1906, donde había estudiado con Carl Flesch. Contaba con 17 años pero supo recoger la larga tradición de la intensa música de los gitanos centroeuropeos, reconocimiento que llegó en los años treinta, fue nombrado presidente de honor de la Unión General Romaní de su país de origen.

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Grigoras Dinicu fue un músico universal de su época, de gran conexión con la gente, a la que transmitía ese sentimiento de complicidad al tocar el violín, y amante tanto de dirigir e interpretar conciertos clásicos como populares, actuando en el mundo de la música ligera, improvisando, recorriendo cafés, restaurantes, hoteles y night clubs de media Europa. El propio Jascha Heifetz, admirador del virtuosismo de Dinicu, y uno de los grandes del violín, realizó una excelente transcripción de esta obra para violín y piano.

«Staccato» en italiano » destacado» en notación musical

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Signo de articulación que indica que la nota se acorta respecto de su valor original y va separada de la nota que viene a continuación por un silencio.

El manuscrito de la Orquestación que hizo en 1942 Pantcho Vladigueroff que  se conserva en la biblioteca de Buccharest Philharmonic

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Así como Franz Listz alabó el arte de Janos Bihari 1764-1817…

El español Pablo Sarasate compuso su bellísimo «Aires gitanos»

Jascha Heifetz declaró que Grigoras Dinicu 1889-1949 era el mejor violinista del mundo…

El británico Yehudi Menuhin iba siempre al club en Bruselas a ver a Roby Lakatos 1965 su ídolo…

Y si…no hay virtuoso del violín que se precie, que no interprete una de estas extraordinarias y brillantes obras.

Sir Evans…

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Arthur Evans es una de las figuras más polémicas pero igualmente reconocida en el mundo de la arqueología.
Sir Arthur John Evans nació el 8 de julio 1851, y murió el 11 de julio de 1941- Fue el que acuñó el término «Civilización minoica«, en la Isla de Creta o Candía, todavía por esos años, del latín –candidus -blanco, que le aplicaron a la isla los marinos y comerciantes italianos del Medievo.

Esta Civilización Minoica es considerada la más antigua en Europa -2700-1420 a. C.- También, fue el primero en definir la escritura Lineal A y Lineal B de ese mismo grupo social.

Arthur, fue el hijo mayor del arqueólogo, geólogo, distinguido coleccionista y numismático John Evans. Su padre, les había llevado desde pequeños a él y a sus hermanos a buscar fósiles, huesos, puntas de flecha, piedras de pedernal o sílex y eso despertó en él la pasión por el «trabajo de Campo».

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Cuando fue a ver las excavaciones paleolíticas del Valle del Somme– Francia, su afición por la arqueología se afirmó.
John Evans era un experto en monedas antiguas y las asociaciones de anticuarios de Gran Bretaña le tenían a sus criterios mucha estima.
Quizás la influencia y el dinero de su padre le permitió entrar en Oxford y estudiar Historia Moderna, no antigua, Arthur no era un alumno, digamos brillante. Cuando acabó los estudios marchó a Alemania a continuar estudiando en Göttingen, pero sólo estuvo allí cuatro meses. Lo que le gustaba realmente era el «trabajo de campo».

En pequeñas tiendas donde se vendían antigüedades, compró «sellos cretenses» y cuando preguntó su procedencia, el vendedor le dijo que en la región del Egeo había muchos yacimientos todavía sin explorar… Evans nunca olvidó estas palabras.
También compró un traje de turco con, turbante, chaleco bordado sin mangas, faja carmesí y pantalones bombachos de seda y a su vuelta se paseó así vestido por Londres…
El snobismo de la aristocracia inglesa era tan grande, que alentaba estas posturas exóticas que no eran nada más que la imitación de lo que hiciera el poeta romántico Lord Byron 70 años atrás.

Arthur se casó con la hija de uno de sus profesores, Margaret, en 1878 estableciéndose como periodista en Dubrovnik, corresponsal del periódico inglés The Manchester Guardian, tuvo bastantes problemas por sus ideologías.

Ashmolean

Su padre consiguió para él, el puesto de Conservador del Museo Ashmolean de Oxford. Era un nombramiento puramente honorario, la paga era exigua y el museo, cuando Evans se hizo cargo, poco más que un almacén de una planta en la que se amontonaban las antigüedades que regalaban a la Universidad de Oxford, lo que otros museos habían rechazado por ser poco importantes.

Pero a él, ese nombramiento, que duró de 1884 a 1908, le valió para «viajar oficialmente» comprando antigüedades en nombre del museo. Se esforzó por dar importancia a sus colecciones, convirtiéndose en profesor extraordinario de «Arqueología prehistórica» de Oxford en 1909.

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No dudó en regalarle al Museo Ashmolean las tablillas que encontró en Cnosos. Un incendio providencial había “cocido” la arcilla y su conservación era perfecta. Su interés en las monedas antiguas y la escritura aparecida en los sellos de piedra de Creta lo atrajo a la isla por primera vez en 1894.

Al año siguiente publicó Pictogramas cretenses- script y Prae-fenicia. Pero no logró descifrarlas. De hecho, la primera, Lineal A, está siendo actualmente estudiada por Brent Davis de la Universidad de Melbourne con grandes progresos. La segunda, Lineal B fue descifrada por el ingeniero inglés, Michael Ventris. Se basó en el trabajo realizado en la década de 1940 por la investigadora estadounidense Alice Kober, ésta ideó un método rudimentario para establecer las relaciones entre los signos escritos comparando prefijos y sufijos de palabras.

El paso decisivo fue notar que la escritura intercalaba la lengua griega, con lo que pudo identificar nombres de poblaciones conocidas y hace referencia a un primitivo dialecto griego del que se han encontrado restos no sólo en Creta sino también en la Grecia continental.Ventris murió en 1956.

Bajo el embrujo del Rey Minos

En 1892, Evans conoció a Federico Halbherr -arqueólogo italiano

Halbherr

quue realizó importantes excavaciones en Festos , Gortyna y Hagia Triada , y presentó varias publicaciones. En 1910 fue el fundador y primer director de la Misión Arqueológica Italiana en Creta -más tarde se conocería como Escuela Arqueológica Italiana de Atenas )-

Durante un discurso en 1896, Sir Evans sugirió que la «civilización micénica» de la Grecia continental tuvo sus orígenes en Creta.

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Posteriormente conoció, a Minos Kalokeirinós de Creta. Su padre era un rico industrial así que Minos, que orgullosamente llevaba el nombre del mítico rey de Creta, se dedicó al estudio de los clásicos que amaba como Herodoto, Estrabón, Homero y a la arqueología. Fue el primero en excavar y encontrar Cnosos. Minos compró los terrenos, condición indispensable para comenzar a excavar y empezó sus trabajos. Según la ley turca tenía derecho a un tercio de los hallazgos. Pero el gobernador de Herakleion, se presentó en la codiciada colina de Kephala y mandó parar las excavaciones.

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También, en Atenas se entrevistó con Heinrich Schliemann – Comerciante prusiano apasionado por la arqueología que había descubierto lo que él creía «la Troya de Homero» durante la década de 1870. Había excavado usando su propio criterio y dinero, comprando la colina de Hisarlik, encontrando un gran tesoro en joyas de oro y plata que llamó «Tesoro de Príamo«. Por entonces, era «la estrella de la arqueología«.

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La pretensión de todos era desentrañar la leyenda del rey Minos y su célebre laberinto.

Según los relatos mitológicos, Minos era rey de Creta e hijo de Zeus y Europa -a la que el dios sedujo y llevó a Creta desde Tiro -Fenicia- en forma de toro-. En la isla, el rey mandó construir un laberinto donde encerrara a la bestia del Minotauro y satisfacía entregándole un sacrificio de siete jóvenes y siete doncellas procedentes de Atenas, ciudad a la que Minos había derrotado.

Todos muy interesados por las «excavaciones en Creta» pero nadie podía acceder debido a lo complicado de la política del momento.

Oh! Milagro!-La guerra greco-turca de 1897 o guerra de los Treinta Días. 

Este fue un conflicto bélico entre la Grecia y el Imperio otomano por la soberanía de Creta.  Si bien ganaron los otomanos, las «grandes potencias europeas» obligaron a los turcos a dar la independencia a Creta, que fue ocupada por una Fuerza Internacional a cuyo frente estaba Inglaterra.

Por eso…no fue extraño que Evans pudiera comprar entonces la cuarta parte de la Colina de Kephala por 6.000 dracmas.
Consiguió un «Fondo para la investigación» para llevar a cabo su proyecto, además era rico… la herencia de su mujer, que ciertamente amo toda la vida pero murió prontamente y más tarde, la de su padre, le permitieron llevar una vida libre de preocupaciones monetarias. Si Schliemann había descubierto Troya… él descubriría Cnosos, no importaba lo que costara.

El 23 de marzo de 1900 comenzó la excavación.

La capacidad de trabajo del equipo de Evans era prodigiosa. En sólo seis años, de 1900 a 1905, puso al descubierto una superficie de 13.000 m2.

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El tamaño y el esplendor de los resultados, indicaron que Cnosos había sido una «capital cultural ancestral». La compleja planta del palacio sugirió el famoso «laberinto» asociado con el legendario rey Minos, lo que incitó a Evans para nombrarla «Civilización minoica».

El 13 de abril de 1900, Arthur Evans vió por primera vez la extraordinaria habitación que conducía hasta el patio central.

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«Un sacrilegio» tras otro

Dentro había un trono de piedra de respaldo alto guardado por grifos pintados. El salón del trono puede haber sido el lugar donde el rey Minos recibía a sus visitantes importantes, aunque algunos expertos piensan que era utilizado por los sacerdotes para adorar a la deidad suprema minoica.
Evans encontró vasos esparcidos por la estancia, por lo que pensó que cuando el desastre llegó a Cnossos se estaba realizando algún tipo de ritual. En un corredor cercano se encontró una pila de piedra de gran tamaño. Evans la trasladó a la antecámara del trono porque creía que los minoicos la habían utilizado para purificarse antes de entrar en la importante habitación del trono.
La mayor parte del resto del primer piso estaba ocupado por estrechos almacenes, en donde se guardaba grano, aceite de oliva, vino, pescado seco y judías en inmensas jarras. El piso superior probablemente contenía las principales habitaciones para recepciones y amplios salones columnados, utilizados por el rey en las audiencias públicas.

Sería inconcebible que hoy, más de un siglo después, alguien actuara como lo hizo él. Digamos, que era la costumbre de la época… nada legislado, no hizo nada que no hubieran hecho otros.

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Villa Ariadna – Hizo construir una villa junto a la colina y se fue a vivir junto a sus queridas ruinas dispuesto a invertir en Cnosos toda su vida y su fortuna.

No excavó él sólo…

Retrato de Sir Evans -por William Blake Richmond-Ashmolean Museum Oxford.

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Llevó de ayudante a un verdadero arqueólogo, el escocés, Duncan Mackenzie que dirigía las excavaciones, y como pensaba «reconstituirlo», hizo venir a varios arquitectos entre ellos Theodor Fyfe y Christian Doll .

Trabajadores locales griegos y musulmanes: Grigoris Antoniou, antiguo expholiador de tumbas, y Manolis Akoumiadakis, un pastor de ovejas que acabó conociendo Cnosos mejor que Evans. Ceramistas, fotógrafos, pintores, peones de albañil, lavadoras de cerámica y picapedreros etc. todos necesarios para reconstruir el palacio.
De este grupo se agregaron los Gilliéron-padre e hijo, pintores y dibujantes suizos establecidos en Atenas, quienes se encargaron de reproducir fielmente a la acuarela todos los frescos y se hicieron cargo de su «reconstitución«.

A los ojos de sir Evans…

Cnosos, fue un lujoso palacio habitado por príncipes que disfrutaban de una vida regalada, rodeados de una corte de hermosas damas con joyas y vestidos escotados.
Mackenzie, en cambio en sus diarios se limitaba a describir la textura de lo descubierto y los colores del suelo, el trabajo propio de un científico, arqueólogo de ley.

Mientras trabajaba, Evans decidió unir las piezas del gigantesco rompecabezas en un trabajo de restauración que el llamó «reconstitución».

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Al volver a Creta para su segunda campaña de excavaciones, se encontraron con el yacimiento asolado por las lluvias.

Evans se dio cuenta de que había que llevar, paralelamente a la excavación, las labores de «reconstitución» y conservación.

Además, quería que el visitante futuro pudiera sentir y comprender aquella maravilla de la Antigüedad.

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En cuanto a las estancias de dos alturas, Evans probó a sostenerlas con vigas de madera, y ensayó fustes y capiteles de piedra, con resultado negativo. Al final usó hormigón armado!!! y fue esto, lo que impidió que los restos se desplomaran en el terremoto de 1926 y posteriores dada la cantidad de sismos que han asolado a Creta.

La crítica fue feroz…

Esta «reconstitución» es hoy objeto de infinitas críticas, porque fue agresiva y arqueológicamente poco fiel, ya que Evans recolocó los restos donde le «parecía» que debían estar. Actuó sobre los restos como si fueran de su propiedad… y de hecho, lo eran real y legalmente. Utilizó e hizo «arreglos varios» poco ortodoxos. Pero …hay que situarse en el contexto de una época en que la arqueología se debatía entre su «pasado anticuario» y su «futuro científico«.

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De los frescos, a veces se conservaba una minúscula parte. Los pintores, echaron a volar su imaginación en el trabajo. Algunos críticos opinaron que más que una «reconstitución«, aquello parecía «la portada de la revista Vogue». También le acusaron de haber usado unos colores demasiado fuertes… pero en realidad, ése era el color que debieron tener en su tiempo. Investigaciones posteriores le dieron la razón a Evans.

Que utilizó cemento para consolidar el edificio!!!! toda la comunidad internacional se llevó las manos a la cabeza, olvidando… que los italianos, que siempre se creyeron los lideres de las restauraciones, hicieron lo mismo en las ruinas de Leptis Magna en Libia o de los sacrilegios cometidos en la Mesopotamia para desembarazarse de las ruinas romanas que ocultaban las ciudades construidas bajo sus cimientos.

Treinta años no es poco

Excavó en Cnosos, de 1900 a 1930, con un paréntesis de 1914 a 1921 a raíz de la I Guerra Mundial, paréntesis que le sirvió para dedicarse de lleno a la obra de su vida, los cuatro volúmenes de“El Palacio de Minos”, donde recogía los resultados de las excavaciones del palacio y exponía su teoría sobre la Civilización minoica.

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Visto al día de hoy, el legado de Evans es difuso.

Las críticas más duras, de sus propios colegas, aunque algunos, no tenían más remedio que reconocer que la imagen del palacio era poderosa.

Por un lado,no solo descubrió, supo dar forma y sentido a una masa informe de materiales dispersos, pasadizos y piezas sueltas. La evolución y estratigrafía histórica del palacio, son correctas. Además, supo plasmar de forma visual y teórica ideas sobre la Civilización Minoica y salvó los restos encontrados.

Sin él, no existirían los Minoicos, y eso está fuera de toda duda. Hoy, gracias a los dibujos de los Gilliéron y a las fotografías que Evans usó desde el primer momento, se puede reconstruir la historia de la excavación y comprobar el alcance de su intervención y alteración de los restos.

El salto del toro

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Es uno de los frescos más conocidos encontrados en el palacio, una destreza de jóvenes de ambos sexos «tomar el Toro por las astas y saltar sobre el«. El salto del toro puede haber dado lugar a la leyenda del Minotauro. Esta obra se encuentra en el Museo de Herakleion.

El 5 de febrero de 1924, Evans cedió Cnosos a la Escuela Británica de Atenas. Hasta 1935 Evans dirigió las excavaciones en Creta.

Hermoso fresco conservado en el Museo de HerkleionΓαλάζιο_Πουλί_6433

Recibió honores por su trayectoria…

Miembro y funcionario de muchas sociedades científicas , incluida la Royal Society (FRS) en 1901.

Miembro extranjero de la Real Academia de Artes y Ciencias de los Países Bajos en 1918. La Medalla Lyell en 1880 y Medalla Copley en 1936.

En 1911, Evans fue nombrado caballero por el rey Jorge V por sus servicios a la arqueología. El Museo Ashmolean, es el que posee la colección más grande de objetos minoicos fuera de Grecia.

Como su padre, Evans fue miembro de la Royal Numismatic Society y su presidente de 1914 a 1919.

En 1922 y 1934 Evans vendió partes significativas de su colección en la casa de subastas Naville y Ars Classica en Ginebra.

En su testamento, Evans legó su colección de diez mil monedas al Museo Ashmolean. La colección de Arthur Evans todavía hoy se considera una de las colecciones de monedas más famosas del siglo XX.

Recibió un doctorado honorario ( D. Litt. ) De la Universidad de Dublín en junio de 1901. Recibió el nombramiento de Lord Minos de Creta y un cráter lunar lleva su nombre.

Murió en Inglaterra a los noventa años y es conocido mundialmente como el «arqueólogo descubridor del palacio de Cnosos» una estatua le recuerda en la colina de Kephala, a la entrada del palacio.

La parisina– así la llamó Sir Evans,que vió la similitud del peinado con la moda femenina de entonces.

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La imagen representa a una diosa en el momento de recibir las ofrendas.

Su peinado, con el nudo sagrado que luce a su espalda, alude a lo divino. La obra de gran naturalismo, recoge influencia Egipcia, como la disposición de perfil. Los trazos gruesos y muy marcados, los contornos destacados, que en cierta manera contribuye a mejorar la expresividad de la obra.

Los «cartones» de Rafael

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En este trágico año de Pandemia 2020, se cumplieron en abril los 500 de la muerte de Rafael Sanzio el aclamado pintor renacentista.

Era sin duda un portento y muy amado por todos, hombre, cuentan las crónicas, de «hermosa figura, semblante noble, trato amable» y encima prodigioso pintor.

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Resultó que el papa León X que era un Médici y le apasionaban los lujos, había decidido adornar con «tapices», muy de moda por esos años, la Capilla Sixtina del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano en Roma, es decir: la parte inferior de sus paredes.

A este papa, le encantaban los entretenimientos caros, las fiestas, sentía pasión por la caza y por los animales exóticos, fue el que regaló a Manuel I de Portugal con motivo de su coronación, un elefante blanco. Se lo considera el último papa renacentista.

Serían algo especial:

Pensados «como ornamento especial para grandes festividades» de la Capilla Sixtina y otras paredes del Vaticano.

Comisionó a Rafael para que preparase «los cartones» con las medidas adecuadas para cubrir los espacios bajos de las paredes de la ya suntuosa Capilla Sixtina con temas del Nuevo Testamento.

Rafael, los pintó sobre papel, un soporte más económico y fácil de transportar. Se suponía que estos modelos se desecharían una vez tejidos los tapices. Concluidos los diseños entre 1415/16 se mandaron a Bruselas para su confección – no había en el mundo nada igual a los «Tapices de Bruselas».

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Esta es la «marca» de los Tapices de Bruselas

Aún hoy, en Italia se les denomina Arazzo-Arazzi, debido a la fama que la ciudad de Arras supo conquistar en el s.XIII – XIV- entonces pertenecía a los Países Bajos, actualmente es francesa, después de la segunda guerra mundial.

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Telar alto lizo, en la imagen, un telar moderno.

Prácticamente todas las ciudades de los Países Bajos tenían sus telares y eran famosos: Brujas, Malinas, Gante, Amberes pero destacaron tres ciudades que se disputaban la supremacía del Tapiz: Arras-Tournai- Bruselas, ganó Bruselas.

De los 10 encargados, siete de ellos llegaron a la Capilla Sixtina el 26 de diciembre de 1519, día de san Esteban. Los siete tapices de la serie se exhibieron en presencia de León X.

El Jefe de Ceremonias de la capilla papal decía entonces: «con universal juicio no se había visto nunca nada más bello al mundo». Los últimos tres tapices que completan la serie: San Pedro en la cárcel, Muerte de Ananías de Damasco y San Pablo en Atenas llegaron al Vaticano en 1521.

Pero se olvidaron de reclamar dibujos llamados «cartones» que jamás fueron enviados y que allá quedaron.

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Al papa Inteligente y de refinado gusto le sucedió Adriano VI. Este fue el último papa no italiano hasta la elección de Juan Pablo II en 1978, y junto al papa Marcelo II, fueron los únicos que mantuvieron sus  nombres de pila tras su elección.

Adriano VI – era neerlandés, fue apodado durante su pontificado como «el Pontífice bárbaro», ni se le pasó por la cabeza recuperar la obra del genio renacentista. Grave error… obviamente, después de tejerse la serie para el Vaticano…

Se harían otras.

Enrique VIII de Inglaterra compró una, que resultó destruida en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial -si bien reseñas recientes dicen que se conservan en Berlín-

Francisco I de Francia poseyó otra producida en la misma época, perdida en el siglo XVIII.

Colecciones de Patrimonio Nacional Español -Una serie incompleta (ocho tapices) se conserva en la Iglesia de San Pablo Zaragoza-España y otra serie de nueve -tejida hacia 1560.

Existen todavía más ejemplares de esta serie de tapices dispersos en diversos países de Europa.

Los «cartones» hicieron historia…

Tan famosos fueron que se los llamó «Los cartones de Rafael.»

En el siglo siguiente se encolarían sobre lienzo para que ganasen consistencia. El tipo de pigmento empleado es similar a témpera mezclada con cola. La conservación en general fue muy buena. Los colores, muy sutiles, variados y complejos quedaron para siempre para ser plasmados en un tapiz.

Influenciaron a muchos…

En los Países Bajos pasaron a ser un «hito» de la pintura renacentista italiana.

Los Carracci– flia de pintores italiana de fines del s. XVI, los tuvieron muy en cuenta a los diseños, en su afán por absorber el estilo más clásico de Rafael, el de sus años romanos.

En el s. XVII, Poussin el celebre pintor francés- acusó casi de dependencia de ellos y fueron seguidos por muchos artistas como referencia para la pintura de temas históricos y gran formato hasta principios del XIX y luego con los prerrafaelitas ingleses también los utilizaron.

Una historia posible

Estos «cartones» pasaron del taller de Pieter van Aelst al de Jan van Tiegen, donde se guardaron hasta 1540.

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Recién en 1623 los siete cartones conservados fueron adquiridos por sir Francis Crane, director de las manufacturas de Mortlake, para el Príncipe de Gales, después Carlos I de Inglaterra que los llevó a Londres por recomendación de Rubens. Cuando el rey fue decapitado, su colección se vendió y «los cartones» los compró Cronwell y dejados por este, como «bien nacional» a fin de que no fuesen dispersados jamás.

Mortlake tejió a partir de los cartones series: una al rey inglés y otra de seis tapices a Agust der Starker (Augusto el Fuerte), el poderoso rey de la Casa Wettin– Sajonia- Alemania.

Hampton court

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En 1699, Guillermo III los hizo reparar y vueltos a la apariencia original y colocados en Hampton court en una sala construida para ellos por Christhopher Wren y William Talman, su aprecio iba en aumento. Con el tiempo pasaron por varias residencias de la Corona inglesa.

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En 1763 Jorge III se mudó al actual Palacio de Buckingham y se los llevó con él con protestas porque en el palacio no podían ser vistos. En aquella época se consideraban los cartones útiles para la formación de los artistas locales. Sir Joshua Reynolds los mencionaba, explicando que era en las obras de gran formato donde Rafael «se encontraba mejor».

Devueltos a Hampton court en 1804, luego fotografiados por primera vez en 1858 hasta llegar a 1865 al museo de Sguth Kensington en calidad de préstamo por la Reina Victoria. Este museo, fue rebautizado en 1899 en honor ella y su difunto esposo como: Victoria and Albert Museum.

Existen copias

En Knole House y Hampton court en la galería que se hizo para los originales. Fueron realizadas en1690 por Henry Cooke, pintor poco conocido y otra serie de copias para la Royal Academy y la Universidad de Columbia, pintada por James Thornhill pintor de tradición barroca italiana.

La Royal Collection inglesa, además de los famosos «cartones», guarda Tapices, tejidos posiblemente en época de Enrique VIII.
Todos son:

De dos metros por cinco de largo y representan pasajes bíblicos de los Hechos de los Apóstoles narrados por el evangelista San Lucas. En su momento fueron sumamente originales y poco conocidos los temas tratados, era la época de de los grandes cuestionamientos que hacian a la Iglesia desembocando en 1517 en la Reforma protestante de Martín Lutero originando un cisma en la Iglesia Católica.

1 La muerte de Ananías –Hech. 5,1-11

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2 San Pablo en AtenasHech.17,22-34

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3- Los apóstoles curando enfermos en el templo. Hech. 3,1-11

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4- El sacrificio de listra- Cap. 14 de los Hechos de los Apóstoles

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5-Cristo entregando las llaves a Pedro. Mt 16, 18-19

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6 Elimas el mago, cegado por san Pablo. Hech 13,1-12

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7 La Pesca milagrosa.Lc 5,1-12_Raphael,_The_Miraculous_(1515)

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Aquí, el cartón y el tapiz. La diferencia está en sus materiales: el tejido precioso… lana fina, seda y oro. La imagen resulta invertida debido a los telares «alto-lizo»que se usaban entonces. En el diseño, Rafael introdujo muchos cambios: la perspectiva, que el hilado sea de calidad y muy fino para lograr la sutileza visual-Brillos, reflejos y matices etc.y por cierto los nuevos temas.

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Rafael, quiso aprovechar todas las circunstancias del hecho milagroso.

Es, si se quiere, es el más novedoso y bello de todos los cartones. El milagro de los peces según Lc 5,1-12, es el primero de los 10 cartones de tapices que el papa León X encargó al pintor.

En primer plano las grullas: símbolo de la vigilancia, como para recordarnos a «todos los cristianos» nuestra tarea de «estar atentos». Las barcas se ven pequeñas. Coloca en ellas a Jesús y dos apóstoles sobre la orilla. La figura de Jesús llena de majestad. Pedro y Andrés, los hermanos juntos a Él en la barca. En el otro bote  Zebedeo remando y sus hijos Santiago y Juan ocupados en tirar de la red. El paisaje de fondo, bello, apacible con los reflejos sobre el agua y delicado colorido.

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Los tapices del Vaticano se «distinguen» porque todos tienen una «cenefa» o borde muy particular, el artista hace alusión al papado, sin duda la envió aparte de los «cartones». La diferencia entre el «carton» y el tejido, está en los increíbles colores, que se el tapiz se muestran con todo su esplendor, sencillamente la diferencia: !!Notable!!!

Los tapices se exponen actualmente en los Museos Vaticanos en las Salas de Rafael.

Estos tapices fueron robados durante el Saqueo de Roma –1527 y devueltos posteriormente. La presencia de hilos de oro y plata en ellos explica que algunos fuesen quemados vandálicamente para extraerles dichos metales.

De los siguientes «cartones» prácticamente todos perdidos.

8 la conversión de san Pablo. 9- La Natividad. 10 La Adoración de los magos. 11- La Cena de Emaus. 12-13-14-El Martirio de los inocentes. 15 la Presentación en el templo. 16 Cristo desciende al Limbo.

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17La Resurrección, existe el tapiz. 18 La Ascención. 19 Noli me tangere. 20 Pentecostés. 21- Martirio de Esteban. 22 El terremoto. 23 La Justicia. 24 y 25 Muchachos jugando.

El debate principal, el gran interrogante que rodea a los «Cartones de Rafael» es:

Los pintó Rafael Sanzio?

Se supone.Lo importante es el diseño, que es suyo, pero se cree que al menos en parte fueron ejecutados por ayudantes, ya que él estaba siempre desbordado de trabajo. No hay que olvidar que eran plantillas para artesanos, cuya conservación no era prioritaria, las descartaban.

Ahora son considerados de su altísimo valor artístico y porque ejercieron una influencia de siglos en Europa.

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Subsisten algunos bocetos parciales, en la Royal Collection y en el Museo J. Paul Getty, se supone que existieron dibujos de las composiciones completas, que serían los empleados para los primeros grabados publicados.

En 2010, coincidiendo con una visita del papa Benedicto XVI a Londres, los Museos Vaticanos prestaron cuatro de los tapices originales al Victoria & Albert Museum, de modo que pudieron verse junto a sus «cartones» por primera vez en la historia.

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En febrero de este año 2020 comenzando la Pandemia se expusieron por primera vez todos los tapices en la Sixtina durante una semana, todos colocados en el lugar para el que fueron creados en honor a su célebre creador Rafael Sanzio en el 5° centenario de su muerte.

En La Capilla Sixtina…una maravilla de no creer

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En los cinco siglos que nos separan del momento de su creación, tanto «los cartones» como los tapices, tuvieron un agitado trajín: fueron vendidos y robados, dañados y arreglados, falsificados, perdidos y encontrados, reproducidos y regalados… Bueno…creo que con 500 años… no es poco.

Ser diferente…

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“Trajano nos ha ordenado ser felices y lo seremos” el escritor Plinio el Joven resumía de esta manera el pensamiento político del primer emperador hispano y el primero que no nació en Roma. Su familia hizo fortuna en Itálica, asentamiento romano cerca de Sevilla.

Ahí nació Marco Ulpio Trajano en el 53 d.C. que se convirtió en emperador en el 98 d.C. cuando se encontraba al mando del ejército en Renania. Regresó a Roma sólo dos años después cuando terminó la campaña militar. “Llevó una manera diferente de ser emperador. Su mando se extendía sobre más de cinco millones de kilómetros cuadrados: desde las costas de Portugal al Golfo Pérsico, incluyendo el norte de África y Europa septentrional. Tenía una visión de unidad del territorio que ha llegado hasta la Europa de hoy”.

Su época es recordada como una de las más prósperas del Imperio Romano.

Trajano fue uno de los emperadores más apreciados a lo largo de la toda la Historia, incluso, dentro de la misma Roma. Su reputación ha sido intachable, considerándolo uno de los más grandes emperadores de Roma, y sólo comparable con Augusto.

Llevar la Égida

Trajano llevaba una égida sobre el hombro izquierdo, esta era una piel de cabra que le cubre los hombros, que a su vez era un símbolo de propaganda.

La égida solía estar adornada con una cabeza de Medusa. La gorgona Medusa, tenía el poder de petrificar al instante a todos aquellos a los que dirigía su mirada. Llevar la égida y adornar las monedas con ella es una manera de expresar su invulnerabilidad frente a los enemigos.

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Fue uno de los emperadores que más monedas acuñó. Una de las razones para explicar, esto es la devaluación del 107.

Trajano utilizó la moneda como instrumento de propaganda. Cuando anexó Arabia Pétrea-105, las monedas indicaron «Arabia adquisita» para que la población estuviera al corriente de la extensión del territorio del Imperio. En 116 al 117 cuando Armenia y Mesopotamia fueron anexadas.

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Los áureos del 104, período durante el que Trajano y el ejército romano luchaban en las guerras dacias. La moneda simbolizaba la victoria inminente del invulnerable emperador Trajano sobre Decébalo, rey de los Dacios.

A él se debe también la consolidación de un primitivo estado de bienestar que llegó de la mano de las mujeres.

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Su esposa, Plotinia y su hermana Ulpia Marciana estaban implicadas directamente en la gestión de la administración. Fueron empresarias también sus sobrinas – poseían una fábrica de ladrillos – y establecieron la institutio alimentaria, una especie de banco ético que invertía sus ganancias en la educación de los huérfanos.

Fue una época de expansión y de victorias, una época de auge para el Imperio Romano. Época en la que se sentaron las bases de lo que popularmente conocemos como Roma Clásica.

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Época de las Guerras Dacias

Estas durarían del 101 al 106, con una interrupción entre ambas.

Se expandió hacia el Este, hacia las regiones de Petra, Jordania o parte de Arabia Saudí.

Y también luchó contra los partos, lucha que tuvo que abandonar, a pesar de las victorias, debido a su estado de salud y a la constante sedición que sostenía, muere camino de regreso a Roma.

Su programa de obras públicas transformaron no solo a Roma, sino todo el Imperio. Junto con Apolodoro de Damasco llevaron a cabo multitud de obras. Reforzó la red viaria y a una profunda restauración de las calzadas romanas.

Destacan:

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El célebre Puente de Alcántara– Cáceres- España, obra indiscutible de la ingeniería romana,

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Arco de Trajano en Ancona- Italia.

De aquí partió Trajano para la guerra contra los dacios. En este primer intento contra Dacia 102-102 el rey dacio se rindió y aceptó las condiciones impuestas por los romanos. Dacia quedó convertida en un Estado tributario y aliado de Roma, varias legiones fueron apostadas en su territorio asegurando el dominio romano.

Trajano invadió de nuevo Dacia en el año 105.

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Esta vez cruzó el Danubio a través de un puente de piedra de dimensiones extraordinarias; un verdadero alarde de ingeniería militar, el emperador quería demostrar que no había nada que los romanos no pudieran lograr.
Decébalo, el rey de Dacia, huyó para evitar ser capturado y expuesto a la vergüenza pública en Roma, pero uno de los escuadrones romanos, al mando de Tiberio Claudio Máximo, logró dar con su pista. Finalmente, viendo que los romanos se lanzaban contra él, el rey dacio se suicidó degollándose con la afilada y larga espada curva de los dacios. Claudio Máximo cortó la cabeza del monarca caído y se la llevó a Trajano.

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El tesoro de Decébalo.

Se hallaba cerca del palacio de Sarmizegetusa-Este fue el más importante centro militar, religioso y político de los dacios. Erigida en lo más alto de un despeñadero de 1200 metros de altura, la fortaleza fue el núcleo del sistema defensivo estratégico de las montañas Orăştie, en Rumania, que comprendía seis ciudadelas.

Un lugar totalmente insospechado:

El fabuloso tesoro Dacio bajo el lecho del río Sargetia.

Se cuenta que Decébalo había ordenado a sus esclavos desviar el curso del río, excavar un hoyo en su lecho seco para esconder allí los magníficos tesoros y, una vez hecho esto, devolver el agua a su cauce natural. Pero un tal Bicilis reveló a los romanos la ubicación del tesoro. Se llevaron a Roma 165.000 kilos de oro y 330.000 de plata.

El tesoro de Decébalo y los ingresos procedentes de las ricas minas de oro dacias sirvieron para aliviar el ruinoso estado de las arcas imperiales tras los derroches de Domiciano. A su regreso de la provincia conquistada, el emperador organizó una espectacular ceremonia triunfal. Su sobrino y mano derecha, Adriano, el futuro emperador, se adelantó con una generosa distribución de donativos en la ciudad, repartiendo monedas conmemorativas con imágenes de enemigos derrotados bajo la leyenda Dacia Capta, «Dacia conquistada». También construyó un lago artificial para una batalla naval en la que, durante seis días, más de 120 barcos entrechocaron sus cascos, excitando los ánimos del público.

Un cambio de perfil de Roma

Para conmemorar semejante victoria, Trajano comisionó un foro que incluía: una extensa plaza rodeada de columnatas, dos bibliotecas, un espléndido espacio cívico llamado Basílica Ulpia y, posiblemente, un templo.

«Su foro era único bajo el cielo», comentó con regocijo un historiador de la época.

La guerra de Trajano contra los dacios, es el acontecimiento definitorio de su reinado de 19 años. Y el botín obtenido fue impresionante. Un cronista contemporáneo se jactó de que la conquista produjo casi un cuarto de millón de kilos de oro y alrededor de medio millón de kilos de plata, sin mencionar una nueva y fértil provincia.

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Esta «gran plaza», de una escala nunca vista y diseñada por Apolodoro de Damasco, estaba ampliada con exedras laterales y una basílica dispuesta transversalmente y prolongada por otras dos grandes exedras y columnatas.

En el centro se erigió «la columna» , destinada a perpetuar las gestas del emperador, descripta a modo de relato en espiral.

«La Columna«

Como explica la historiadora inglesa Mary Beard, «nadie como él supo rentabilizar el máximo impacto propagandístico en la mínima cantidad de superficie posible«. Así describe la impresión que produjo su famosa columna en la mentalidad de la época en su famoso libro S.P.Q.R.

«La Columna«, es un edificio exento– no forma parte de ningún otro de 38,4 metros de alto, compuesta por veintinueve bloques de mármol de Luna o «mármol lunense» – es un tipo de mármol extraído de las canteras de los Alpes Apuanos en Carrara- Italia. Se le estima un peso superior a las 1100 toneladas.

Es una Columna Conmemorativa– de las Guerras Dacias llamada también Columna de Trajano. La lectura comienza por la base, donde un gigantesco dios fluvial del Danubio contempla asombrado el paso de las legiones romanas por un puente de barcas, una humillación que el río no había experimentado jamás. Luego Apolodoro de Damasco construiría,otro puente también de madera, pero sobre pilares de piedra, que se ve muy bien en el tramo 74 del friso.

 Inicio – El puente de barcas – primera guerra Dacia

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Tramo 74  -el Puente sobre el río Danubio – segunda guerra Dacia

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Dentro del edificio, existe una escalera de 185 peldaños a través de la cual se accede a un mirador en su parte superior. En su parte mas elevada exhibe actualmente la estatua de San Pedro, originalmente se encontraba la de Trajano.

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La estructura descansa sobre un pedestal donde se encuentra tallada la inscripción en «Quadrata»– mayúsculas, forma de caligrafía solemne usada en la antigua Roma y durante el medievo:

Base de la columna

SENATVS·POPVLVSQVE·ROMANVS
IMP·CAESARI·DIVI·NERVAE·F·NERVAE
TRAIANO·AVG·GERM·DACICO·PONTIF
MAXIMO·TRIB·POT·XVII·IMP·VI·COS·VI·P·P·
AD·DECLARANDVM·QVANTAE·ALTITVDINIS
MONS·ET·LOCVS·TANTIBVS·SIT·EGESTVS

Se desconoce la identidad de su autor o autores, pero al estár en el Foro de Trajano, en Roma, construido entre los años 107 y 112, tuvo la bajo supervisión del arquitecto Apolodoro de Damasco pero quedó bien claro que no se le atribuye a él.

Estas columnas fueron muy comunes en Roma y el objetivo era la conmemoración de las grandes gestas para la glorificación de un emperador.

Todas las escenas están profusamente decoradas. Las figuras que aparecen están, en muchos casos, en movimiento, con escorzos muy marcados, destaca por su realismo lo cual suma dramatismo a la narración e introduce mejor al espectador en el tema, los personajes no aparecen idealizados. Es un relieve con clara intención didáctica, hace un verdadero recorrido de la época, no solo a nivel bélico. Es un relieve histórico, en el que aparte de glorificar las hazañas de Trajano contra los Dacios, pretende enseñar Historia, tanto al espectador del momento como al actual.

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Muy importante el tratamiento de la luz, ya que, cuando incide sobre el relieve produce diferentes tipos de sombra que otorgan protagonismo a las figuras, perfilándolas. Hoy la obra carece de color pero hay estudios que admiten que en su época, podría haber estado policromada.

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«La columna» se inauguró el 12 de mayo de 113, todo parecía anunciar una era de paz y prosperidad, de «felicitas temporum«, bajo la mirada de un carismático e irresistible emperador. Pero pronto se reanudaron los conflictos en las fronteras orientales del Imperio, esta vez: lucha contra los partos. Fue al regreso de una expedición en Cilicia -Asia Menor- cuando el emperador, agotado, falleció. Su cuerpo hizo una última entrada triunfal en la ciudad, y sus cenizas, escoltadas por el Senado y sus tropas, se depositaron en una urna en la base de la columna de su foro, eterno testimonio de la victoria contra Dacia que inauguró su reinado y la dorada centuria de sus sucesores, los Antoninos.

Sin duda marcó para la posteridad un cambio histórico y sustancial no solo en las obras de arquitectura sino también en la escultura de relieve.

Otras Columnas…

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La Columna de Marco Aurelio – Clara imitación de la Trajana. Localizada donde originariamente se encontraba la Piazza Colonna, frente del Palazzo Chigi. Papa Sixto V en 1589 la mandó a restaurar. En esa época, ya la estatua de Marco Aurelio no se encontraba en lo alto, años atrás había desaparecido, el Papa decidió colocar una estatua de bronce de San Pablo.

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La Columna Vendôme en París -erigida por Napoleón en honor al Gran Ejército Francés, parecida a la de Trajano-pero…en bronce los relieves que narran las Victorias Napoleónicas- Batalla de Austerlitz– que según cuentan fueron fundidos los cañones enemigos para realizarla. La base es de granito porfídico de Córcega en homenaje a Napoleón. En ella dice: «Napoleón Emperador Augusto dedicó a la gloria del Gran Ejército esta columna formada con el bronce tomado al enemigo durante la guerra de Alemania, ganada bajo sus órdenes en 1805 en el espacio de tres meses»

Esta fue elevada en 1810, en el lugar de la estatua destruida de Luis XIV, obra de los arquitectos Jacques Gondouin y Jean-Baptiste Lepère.

La columna está coronada por una estatua de Napoleón realizada por Antoine-Denis Chaudet, remplazada posteriormente por una réplica ejecutada por Auguste Dumont en 1873, dado que la columna fue derribada en tiempos de la Comuna de París. Suprimida durante la restauración francesa la efigie de Napoleón como César con la Victoria alada, esta fue restablecida y la vemos actualmente .

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La Columna del Congreso en Bruselas.

La Columna del Congreso situada en la Plaza homónima.​ Conmemora la formación del Estado belga y la constitución por el Congreso Nacional de 1830. Fue erigido por iniciativa de Charles Rogier con un diseño de Joseph Poelaert entre 1850 y 1859.

La columna con la estatua del rey Leopoldo I de Bélgica incluida, tiene una altura total de 47 m. y una escalera de caracol de 193 escalones en el interior.

El «Retablo Landauer»

800px-Albrecht_Dürer_0531 de noviembre: Fiesta de Todos los Santos

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El Papa Bonifacio IV -608-615- Durante su pontificado consiguió, del emperador Focas, el permiso para convertir el Panteón de Roma, construido por Agripa en honor a los dioses romanos en un templo cristiano que fue consagrado el 13 de mayo del 609, a la Virgen María y a todos los santos. Fue el primer templo pagano transformado para el culto cristiano, y según se cuenta, fueron trasladadas desde las catacumbas, «reliquias» de santos y colocados bajo su altar mayor.

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La fecha actual del 1 de noviembre como » Día de Todos los santos» fue establecida por el papa Gregorio III -731-741 — cuando dedicó una capilla en la antigua Basílica de San Pedro de Roma en honor de todos los santos. Esta celebración se limitó originalmente a Roma, fue recién en el año 840

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cuando el papa Gregorio IV decidió extender la celebración del Día 1 de noviembre a toda la Iglesia católica conmemorando a todos aquellos santos difuntos que no han sido canonizados, pero viven en presencia de Dios.

Como tantas fiestas importantes, su celebración comenzaba el día anterior por la tarde, con la misa vespertina de vigilia, es decir el 31 de octubre. En inglés; All Hallow’s Eve- la víspera de Todos los Santos.

Con el correr tiempo su pronunciación fue cambiado en nuestros días: Halloween. El enfoque hacia los espíritus en esa noche se origina con la superstición de que el mundo espiritual está más activo la noche anterior… es decir el 31 de octubre.

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Esta importante celebración, conmemora a todos aquellos hombres y mujeres que tanto en la vida como en la muerte, fueron fieles a Cristo y a su Iglesia. En las Iglesias orientales, el Día de Todos los Santos se celebra el primer domingo después de Pentecostés.

Adoración de la Santísima Trinidad«Retablo Landauer»- 1511 –

Obra espectacular de Alberto Durero el pintor renacentista alemán.

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El comitente del Retablo, era el rico y piadoso comerciante de Nuremberg Matthäus Landauer, propietario de un próspero taller de cobre y su amigo, Erasmus Schiltkrot ambos decidieron fundar un hospital de acogida para los indigentes de la ciudad, se destinaría esta obra a la Capilla de la «Casa de los doce hermanos«, una institución caritativa destinada a doce artesanos ancianos y pobres, fundada en 1501.

Según el historiador austríaco Moritz Thausing, en su estudio sobre Alberto Durero, en 1507 el asilo se amplió con la construcción de una capilla, trazada por el arquitecto Jam Behaim el Viejo, que estaba dedicada a Todos los Santos. Para presidir dicha capilla, en 1508 Matthias Landauer encargó a Durero un pequeño retablo que sería colocado «entre dos columnas y frente al gran ventanal».

Un año antes, el pintor había regresado de su segundo viaje a Venecia, donde le había causado sensación la innovadora pintura renacentista. Por este motivo, en lugar de plantear el habitual altar «alado» del gótico tardío, eligió una forma más moderna e innovadora, ajustándose a la advocación de la capilla representaba el tema de la Adoración de la Santísima Trinidad.

«La mayor alegría«… esa era la finalidad.

Los ancianos, debían experimentar «La mayor alegría al mirarlo» por eso la cautivadora frescura y sus radiantes colores; rojo, azul, verde y dorado que destellan en la obra. El detalle de azul claro detrás del crucifijo… el reflejo sobre el atuendo azul oscuro de María…. destellos del rojo carmín y escarlata que brillan entre la multitud de santos…

El artista debía representar a Todos los Santos en honor al lugar sagrado. Presenta su obra como una visión celestial: en una nube, donde los Todos los santos adoran a la Santísima Trinidad.

Si, para esta sencilla capilla y sus feligreses, fue destinada la más célebre y suntuosa de las obras religiosas de Alberto Durero, la Adoración de la Santísima Trinidad, un pequeño Retablo que apenas mide 135 cm de alto y 123 cm de ancho con la técnica de temple y óleo sobre tabla, que hoy exhibe el Viena Kunsthistorisches Museum.

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El encargo comprendía un suntuoso marco de madera dorada, dibujado por Durero y tallado por un escultor local que se encuentra en otro museo- El Nacional Germano de Nuremberg.

Este retablo tiene la innovación de no tener «alas»- tipo tríptico tan en boga en el arte nórdico.

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Dibujos preparatorios en el Museo Condé de Chantilly, que datan del año 1508.

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Durero se atrevió, y pocas veces lo hizo, con composiciones de muchos personajes. En el caso del Martirio de los Diez Mil, el resultado no fue el mejor, en cambio en esta obra, la solución a la compleja composición fue exitosa.

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El pintor ha representado el rostro del Creador con una precisión microscópica.

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Solo otra cara, pintada por otro artista nórdico, único en su género, podría serle comparada: la imagen de Dios del «Retablo de Gante» de los hermanos Van Eyck.

El color, extendido en toques muy delgados en los rostros de los personajes, trabajados con una pasta similar a la que utilizaba otro grande: Memling. En el resto del cuadro, el artista muestra lo que es: esencialmente un grabador, debido al cuidado extremo del detalle de esta manífica obra.

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El artista, consigue llevar hasta su punto álgido los recursos de la cultura figurativa alemana, sobre todo, en el espléndido colorido y fusionarse, con los más notables modelos italianos.

La parte superior

Ocupada por ángeles y serafínes, los seres más cercanos a Dios. Estos, exhiben los instrumentos de la Pasión: columna, lanza, la esponja, los clavos, el látigo etc.

El Espíritu Santo desciende en forma de paloma. Dios Padre sentado sobre un arco iris, con los pies apoyados en otro arco más pequeño. De sus brazos extendidos pende el cuerpo crucificado de Cristo. Los ángeles sostienen una espectacular capa de Dios Padre en dorado y verde digamos… «palio de honor«, bordado con hilos de oro. En este grupo, el pintor exhibe su maestría y dominio de las nuevas técnicas pictórica renacentistas y de la pintura veneciana.

Las figuras trazadas con monumentalidad.

En el siguiente nivel están los santos,mártires y personajes bíblicos. A nuestra izquierda hay un grupo de santas y mártires.

Virgen y mártires

Ellas sostienen palmas -símbolo del martirio, delante de ellas vemos a la Virgen María ataviada de azul. Santa Catalina de Alejandría, con su rueda de tortura, inmediatamente detrás de la Virgen. Vemos, coronada a santa Bárbara con un cáliz -en vez de la tradicional torre, su símbolo y hacia el centro a Santa Dorotea y santa Inés con su corderito. Debajo de María, con las cabezas cubiertas con tocas, las mujeres de la familia Heller, sus amigos.

Juan bautista y el antiguo testamento

A la derecha vemos a San Juan Bautista encabezando un grupo formado por santos, profetas y personajes del Antiguo Testamento. San Juan, representa la transición entre el Viejo y el Nuevo Testamento. El rey David, con una elaborada corona toca su arpa-en referencia a sus SalmosMoisés a su espalda, sosteniendo los Mandamientos.

Los mártires, subrayan el valor del sacrificio, como virtud fundamental cristiana.

El siguiente plano

En formación ligeramente curva, se encuentran todos los santos en adoración: reyes, cardenales, mártires, héroes y profetas. Ellos flotan bellamente compuestos sobre un paisaje de vista panorámica.

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Algunos muy famosos: como Carlomagno y el emperador Maximiliano I.

Todavía no se conocían Durero y el emperador, recién en 1512 el emperador va a Nuremberg. Le encarga el Arco triunfal, proyecto fabuloso de propaganda del emperador, compuesto por 192 planchas de grabado en madera que vería la luz siete años después. El emperador le concede una renta anual.

Wilhelm Heller, luce su dorada armadura, está de rodillas y detrás, de pie una mujer con el rostro velado.

Del lado opuesto…

Un anciano de pelo gris con un aspecto inusualmente tímido…

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Matthias Landauer- El cliente

En sus pinturas de altares anteriores a este, sus clientes, o donantes, a menudo se veían con ropas suntuosas, escudos de armas importantes, muy seguros de sí mismos y orgullosos. En el Landauer, el pintor, enfatizó la humildad de su cliente en todas las formas posibles.

Al contemplar esta obra el espectador entiende el Reino de Dios, reino de justicia, de igualdad y de la hermandad universal de las personas.

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Para completar su delicado trabajo, el artista se ha representado en la zona inferior donde podemos apreciar un exquisito paisaje que evoca el lago de Garda recuerdo de su último viaje a Italia.

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Muestra la tierra, bella pero vacía. En ella, una diminuta e insignificante figura solitaria: Alberto Durero, triste y pensativo. Se apoya en un modesto bloque de piedra en la que está escrito:

ALBERTUS DURER NORICUS FACIEBAT ANNO A VIRIGINIS PARTU 1511.

Se retrató a sí mismo, como era y lo que sentía en ese momento de su vida. Triste, solo, insignificante, todo lo que lo rodea -árboles, colinas, montañas- todo, infinitamente lejano… distante, inalcanzable.

Para quién mira el retablo, todas las figuras que flotan en el cielo sobre la nube, son enormes!!! en comparación con el diminuto y terreno Durero.

Con esta visión, el observador del retablo de la Capilla de Todos los Santos se olvida de su miseria, de su dolorosa e insoportable vejez y también … de lo pequeño que es el altar.

Debido a la relación entre las figuras en el cielo y la figura del suelo, Durero nos muestra, candidamente, el carácter monumental de su obra en la sencilla Capilla de Todos los Santos de Nuremberg.

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