Fuente de los sapos?

Si, existe… y está nada más ni nada menos que en los suntuosos

Jardines de Versalles

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«El estanque de Latona»

Ensalza la gloria de Luís XIV, algunos historiadores lo han interpretado al «Estanque» como una alegoría de la victoria de Luís XIV en la Fronda, una revuelta de nobles contra el poder monárquico acaecida durante la infancia del rey. Latona, representaría a Ana de Austria, madre de Luís XIV y regente en ese momento histórico. Pero todas las «fuentes versallescas» tiene prácticamente el mismo motivo:

«Ensalzar la gloria de Luís XIV» y su emblema, el sol, encarnado en la figura de Apolo.

El Rey, encargó ilustrar en su jardín varios episodios de la vida de Apolo el dios-sol.

Así el «Estanque de Latona» evoca su infancia… el Carro de Apolo, emergiendo de su estanque como el sol del océano, simboliza el despuntar del día y el despertar del rey …en el pequeño bosque de los Baños de Apolo, cuyas estatuas se encontraban originalmente en la gruta de Tetis, representa el reposo nocturno del sol en el océano. El conjunto compone toda una sinfonía solar donde el verdadero héroe no es sino su promotor, el propio Luís XIV.

Ovidio y sus Metamorfosis

En 1668, se tomó la decisión de convertir esta «Fuente de los sapos» en uno de los puntos clave que ensalza la gloria del Rey Sol.

El estanque consagrado a Latona, madre de Apolo y Diana, y representa su encuentro con unos campesinos de Licia según la Leyenda de Latona. Durante este episodio, narrado por Ovidio, Latona condena a los campesinos que la habían ultrajado a convertirse en ranas .

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Se encargó, a los hermanos Marsy, un nuevo pedido de esculturas. Baltasar, el menor de ellos, ejecutó seis figuras de campesinos de plomo: mitad hombres y mitad ranas representados en estadios más o menos avanzados de metamorfosis, y se instalaron en 1669 en los seis borbotones preexistentes. Gaspar, el mayor de los hermanos, ejecutó el grupo escultórico de mármol de Latona y sus hijos. Este grupo se instaló en 1670 en el centro del estanque.

Primera fuente

Representada por Jean Le Pautre 1618 – 1682 en un grabado fechado en 1678, difiere significativamente de su estado actual. Latona está a la misma altura que el resto de las esculturas, en un islote de piedra adornado con juncos y rocas. Además se halla girada hacia el palacio…

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Entre 1687-1689, Jules Hardouin-Mansart 1646 -1708 modificó profundamente el estanque, giró a Latona hacia el espectacular parque y la colocó por encima del resto de las figuras. Puesto que los hermanos Marsy habían fallecido, Mansart realizó un pedido de otras figuras de animales al escultor Claude Bertin 1653 – 1705.

Se dispusieron figuras de lagartos y tortugas en el suelo del estanque. También se colocaron campesinos en fase de metamorfosis y ranas en el primer escalón de la pirámide. Los dos siguientes están poblados de ranas y, por último, en la cima, Latona de mármol resplandeciente dominan esta fauna acuática de plomo dorado.

Espectáculo si los Hay!!!

Todos los años, en verano, tiene lugar un espectáculo de una gran belleza de sonidos y luces llamado Grandes Eaux Nocturnes que nos permiten apreciar el Palacio de Versalles y sus jardines. Una forma de trasladarse al siglo XVII para revivir los fastos de la corte de Luis XIV que hacían de Versalles un lugar magnífico y envidiado.

Al atardecer los Jardines Reales de Luis XIV se convierten en un sorprendente espectáculo visual y sonoro. Las fuentes en funcionamiento y los bosques llenos de luz y color…

!!IMPERDIBLE!!!

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Suele pasar…

Te-Deum

El Te Deum o tedeumA ti, Dios, primeras palabras del cántico.

Es uno de los primeros himnos cristianos, su origen se remonta probablemente a la primera mitad del siglo IV. En su forma actual se encuentra por primera vez en el «Antiphonarium Benchorense» de Bangor en Irlanda del Norte, que se debe fechar alrededor del año 690. Desde el siglo IX, se le han conocido también diversas traducciones.

Es una obra que tiene por finalidad alabar y dar gracias a Dios por algún acontecimiento relevante. La Iglesia acostumbra celebrar con un Te Deum ciertos momentos especiales de la vida litúrgica, así como algunos momentos del plano civil: fechas patrias, triunfos importantes.

El Te Deum es una de las obras más famosas y más sorprendentes de todo el barroco francés.

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Marc-Antoine Charpentier 1643-1704 fue un compositor desafortunado. Coetáneo de Jean-Baptiste Lully, que fue tremendamente exitoso.

Charpentier ha sido casi completamente ignorado por la musicología moderna, dándolo muchas veces por descontado, acabó colocándolo en ese infinito grupo de músicos que entre los siglos XVII y XVIII animaron la vida espiritual de la corona francesa antes de la invasión de la ópera.

La verdad es que este músico insignificante logró transformar la música de su patria.

Hablar de él, significa hablar del primer gran compositor del barroco francés ,ya que Lully, era italiano, precisamente de Florencia.

Gracias a su larga permanencia en la Roma contrarreformista, como alumno del padre del Oratorio, Giacomo Carissimi 1605-1674, logró elaborar un lenguaje técnicamente sólido y estructurado y musicalmente inmediato, hecho de melodías y ritmos fáciles y cautivadores.

Charpentier abandona prácticamente la polifonía renacentista para abrazar finalmente el estilo monódico típico de la música barroca.

En su larga vida y debido al dominio de Lully posiblemente insoportable para él , Charpentier acabó trabajando para instituciones religiosas menores como conventos e iglesias que le comisionaban obras para las más diversas ocasiones.

El famoso Te Deum H. 146

H,se refiere al catálogo que el musicólogo estadounidense Hugh Wiley Hitchcock elaboró en 1982, pero que Charpentier escribió entre 1688 y 1698 como compositor de la Iglesia de Saint Louis-le-Grand en rue Antoine, probablemente ejecutado en 1692 para festejar la victoria de Francia en la Guerra de la Gran Alianza que había puesto toda Europa en contra del Rey Sol.

El preludio inicial es la parte más bella pero al mismo tiempo más difícil de analizar, debido sobre todo al tono publicitario y superficial con el cual la televisión se ha apoderado de él y, finalmente, de nuestros oídos. Se trata de un rondeaux de la forma A-B-A-C-A donde un hermoso y triunfal estribillo, protagonizado por trompetas y timbales, se alterna a delicadas frases de los instrumentos de viento y cuerdas creando un contraste de colores, tonos y ritmos que da a la composición una teatralidad realmente deslumbrante, contraste que de hecho parece caracterizar todo el Te Deum.

Con un hábil y delicado uso de los solistas y del coro, así como de los diferentes instrumentos, Charpentier crea una verdadera obra maestra heterogénea, animada por una increíble fuerza dramática. Impresionante es, por ejemplo, el coro “Te Aeternum Patrem” que el músico francés abre inmediatamente con un tono severo, casi teutónico, pero al mismo tiempo caracterizado por ese gusto melódico que solo la música italiana había sabido desarrollar antes. Inmediata y sorprendentemente, esta introducción se transforma en una tierna, sutil y delicada danza francesa que acompaña la frase “Tibi Omnes Angeli…Dominus Deos Sabaoth”.

Charpentier parece encender la música, parece casi darle fuego y dejarla brillar con toda su potencia y su majestuosidad con la frase “Pleni Sunt Caeli et Terrae”. Aparecen los timbales y las trompetas del preludio, pero ahora para acompañar a un coro poderoso y brillante, y construir así una maravillosa escena bíblica. Para vivir una teatralidad tan fuerte e intensa en la música religiosa tendremos que esperar unos años y trasladarnos a Alemania, la tierra de Johann Sebastian Bach.

Hoy en Día es el Te deum más representado y asistir a un Te deum significa un profundo agradecimiento por lo que el señor nos ha otorgado: Gloria y Paz por los siglos de los siglos…

La Abadía de Admont

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El nombre «Admont» deriva de la expresión latina «ad montes», «en las montañas» es el monasterio más antiguo toda Estiria, Austria, en la ribera del río Enns y aproximadamente a 75 kilómetros al sur de Linz.

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Fue fundado en el año 1074 por el Arzobispo Gebhard de Salzburgo con la aprobación de Santa Emma de Gurk, de la orden benedictina y está en los límites del montañoso Parque Nacional de Gesäuse Se considera que Santa Emma de Gurk, condesa de Friesach y Zelschach, la fundadora ya que a su ingreso en el convento de Gurk, donó esas tierras para la construcción del monasterio, pero la construcción no comenzó hasta el año 1072, luego de más de dos décadas de fallecida.

El monasterio prosperó durante la Edad Media ya que poseía un productivo scriptorium y tuvo taller de copistas hasta la invención de la imprenta.

Entre 1297-1327, alli vivió el abad Engelbert de Admont erudito y autor de numerosas obras.

Por las guerras contra los turcos y la Reforma, el abad Valentín fue obligado a dimitir por sus opiniones reformistas que provocaron un largo declive, pero con la Contrarreforma la abadía volvió a florecer. Además de escuela secundaria, que más tarde se trasladó a Judenburg, había facultades de teología y filosofía.

La abadía en 1681

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205px-Haan_WeihnachtsornatEl abad Albert von Muchar era conocido como historiador y enseñaba en la Universidad de Graz. En los siglos XVII y XVIII, la abadía alcanzó su punto álgido de productividad artística, con las obras del mundialmente famoso bordador eclesiástico Hermano Benno Haan 1631-1720 -Dalmática que se conserva en el museo de la Abadía.

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Abadía de Admont, 1830, lith.de J. F.Kaiser, en el museo de Graz.

El 27 de abril de 1865, un desastroso incendio destruyó casi todo el monasterio. Mientras que los archivos monásticos ardieron, la biblioteca pudo salvarse. La reconstrucción comenzó al año siguiente, pero aún no se había completado para1890. Las crisis económicas de la década de 1930 obligaron a la abadía a vender muchos de sus tesoros artísticos.

Durante el periodo del gobierno nacionalsocialista el monasterio fue disuelto y los monjes desalojados. Pudieron regresar en 1946 y hoy la abadía vuelve a ser una próspera comunidad benedictina. En la actualidad, la comunidad de Admont está formada por más de 27 monjes bajo la dirección del abad Bruno Hubl. La abadía es responsable de 27 parroquias, dirige una escuela secundaria con unos 600 alumnos y una residencia de ancianos en Frauenberg.

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La iglesia actual fue diseñada por el arquitecto Wilhelm Bücher para sustituir a la anterior, aquí en el retrato de Anton Romako con la nueva abadía de Admont al fondo.

El arquitecto se inspira en la Catedral de Ratisbona … fue el primer edificio en estilo neogótico del país.

Incorpora las puertas laterales románicas del siglo XII. Las dos torres tienen 67 metros de altura, y en la fachada aparecen las figuras de San Benito y Santa Escolástica.

El santo patrono del templo es San Blas,en el pináculo de la puerta oeste.

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El interior consta de una nave central y dos laterales, de las que salen cinco capillas laterales y seis altares. El cuadro del altar de María Inmaculada, obra de Martino Altomonte 1657-1745, está rodeado por 15 medallones tallados de los secretos del rosario, obra de Joseph Stammel. Ambas obras de arte fueron creadas en 1726 y sobrevivieron al incendio de 1856.

En una capilla lateral se encuentra el famoso Belén o Pesebre de Admont, también de Stammel. Bellísimo!!

El crucifijo gótico bajo el arco del triunfo, fechado en 1518, se atribuye a Andreas Lackner.

Sobre el altar mayor de mármol blanco de Carrara se encuentra una estatua de San Blas. El coro está decorado con tapices de principios del siglo XVIII de Benno Haan. En la capilla de San Benito hay un Corpus Christi barroco del taller de Johann Meinrad Guggenbichler.

La sala de la biblioteca

Esta de más decir que la arquitectura y el diseño de sesta sala expresan los ideales de la Ilustración, construida en 1776 según los diseños del arquitecto Joseph Hueber, que estaba comprometido con las ideas de la idea del momento: «Como la mente, la habitación igualmente debe estar llena de luz».

La abadía posee más de 1.400 manuscritos antiguos procedentes de la abadía de San Pedro de Salzburgo, regalo del fundador, el arzobispo Gebhard libros que acompañaron a los primeros monjes que se instalaron con más de 900 incunables!!!. Contiene unos 70.000 volúmenes de los 200.000 que posee el monasterio,1400 son manuscritos, algunos del siglo VIII y más de quinientos incunables.

Obras raras como, la primera edición de la Encyclopédie de Diderot y d’Alembert -1758 o la Biblia de Martín Lutero. Obras tradicionales de teología y derechos canónicos, incluye una impresionante colección de obras dedicadas a la ciencia y la historia.

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Las dimensiones de esta obra son dignas de una catedral.

De 70 metros de largo, 14 de ancho y 13 de alto es la mayor biblioteca de un monasterio del mundo.

La luz procede de 48 ventanas tiene una original combinación de colores dorados y blancos. En el techo siete cúpulas como siete son las artes, las ciencias etc. decoradas con frescos de Bartolomeo Altomonte que muestran las etapas del conocimiento humano hasta el punto culminante de la Divina Revelación.

Según el espíritu de la Contrareforma, las abadías debían tener una «Sala de boato«. Los benedictinos de Admont eligieron la biblioteca, porque «La regla de San Benito, `rezo, trabajo y leo’, concede un sitio importante al estudio».

Los frescos son de Bartolomeo Altomonte 1694-1783. Los Altomonte, de origen austriaco pero, Martino, italianizó su nombre tras su formación en Nápoles-Italia nombre muy apropiado para trabajar en una abadía.

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El fresco de cúpula principal de 1776, fue encargada por el abad Matthäus Offner que que rigió la abadía entre 1751 y 1779, dejó su impronta, el escudo de armas, en el hastial este de los edificios de Admont. Muestra una montaña con una estrella de ocho puntas y como su predecesor,  Antonius von Mainersberg, un hombre con una Granada – la fruta-símbolo del sacerdocio.

Tenía ochenta años cuando Altomonte pintó las cúpulas: estas representan las distintas fases del entendimiento humano y que podrían resumirse: «del pensamiento y el lenguaje surgen las artes y las ciencias, que culminan en la Revelación Divina, representada en la gran cúpula central.» Trabajó solamente en los meses de verano entre 1775 y 1776.

La religión y el pensamiento van de la mano en todo, hasta los nervios de las bóvedas, las ménsulas que sostienen las cúpulas parecen surgir de los propios estantes. Las elaboradas hornacinas que albergan esculturas alegóricas de las distintas ciencias y saberes semejan los espacios que protegen a los libros. Hay «puertas secretas»….escalerillas…etc. en fin… detalles que encantan .

En la cúpula central, una figura femenina representa a la Sabiduría Divina. A sus lados Moisés, en representación del Antiguo Testamento, y la Iglesia, en representación del nuevo.

Debajo, los Padres de la Iglesia.

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Un hombre vestido de gris, posiblemente Matthäus Offner, entrega una receta a una figura femenina, son la medicina y la farmacia. Los rodean otras ciencias: la física, la astronomía, la geografía o la aritmética.

Apolo, aparece como dios de la poesía y de la luz, reina sobre las Musas en la sala dedicada al Arte y la Tecnología.

Libros y todo tipo de antiguallas adornan un fresco dedicado a la Historia y representan sus fuentes, con el dios del tiempo, Cronos, coronando la escena.

Aurora, diosa del amanecer, porta una antorcha como símbolo del fin de la ignorancia.

Completamente renovada

La suntuosa biblioteca rococó fue reabierta al público en Agosto de 2008.

El bellísimo piso de mármol similar al de la Iglesia de san Marcos de Venecia está salpicado de esculturas en madera de tilo que representan las Cuatro Últimas Cosas: la Muerte , El Juicio Final , el Paraíso  el Infierno obras del escultor Joseph Stammel 1695-1765 en la famosa biblioteca.

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El «Museo de Historia Natural» cuenta con la colección de insectos más grande de toda Austria.

Desde el período barroco los abades habían acumulado una colección de «curiosidades» y «especímenes» científicos de diversas índole, que fueron completamente destruidos en el incendio de 1865.

Como parte de la reconstrucción, el padre Gabriel Strobl decidió reemplazar las colecciones perdidas, y así formó el núcleo de los museos modernos. El padre Strobl era botánico, pero también trabajó para la colección de insectos, tanto que se convirtió en uno de los grandes entomólogos de su época. El museo ahora contiene más de 250.000 especímenes de insectos, incluida una de las tres colecciones más grandes de moscas, o Diptera, de Europa. Y otras colecciones de minerales y rocas y especies exóticas.

Colecciones de arte: histórico y moderno. La colección de arte histórico fue iniciada en 1959 por el padre Adalbert Krause aumentando significativamente desde 1980.

En los últimos años, fotógrafos como Erwin Wurm, Rudi Molacek y Lois Renner fueron invitados para sumar nuevos trabajos al museo.​ Como complementario a éste, el programa denominado «Artist in Residence» invita a los artistas a que realicen obras inspiradas en la abadía y sus trabajos son etiquetados con el texto «Made for Admont» pasando a formar parte de la colección.

Las dos obras de antes del incendio

La Abadía – óleo de 1840 de Anton Shiffer y otro de Jacob Alt

Más colecciones…

La colección de pintura de Hannes Schwartz – 1926-2014 fue un pintor austriaco. El artista donó una colección en 2002. El autor hace en su obra una interpretación crítica de la historia del tiempo que le tocó vivir, especialmente hace referencia al nacionalsocialismo, exposición permanente dela Abadía.

En mayo de 2003, el Nuevo Museo de arte contemporáneo junto un  a Museo Gótico con la colección cedida por Kuno Mayer, coleccionista de arte gótico. Encontramos vitrales, paneles y buen número de esculturas góticas entre las que destacan varias Virgen María tirolesas. La colección de arte eclesiástico con obras de bordado eclesiástico del famoso artesano Benno Haan y del escultor de la abadía Joseph Stammel. Hay un taller del museo dedicado a los niños, para fomentar el conocimiento a través de la creatividad y además a conocer la historia de la abadía.

En los meses de verano se organizan visitas nocturnas guiadas para conocer la biblioteca del monasterio. En otoño, en el marco de los conciertos de órgano que durante esa estación se interpretan, se puede disfrutar de los impresionantes sonidos de ese instrumento. En particular, son ejecutadas obras correspondientes a compositores con aniversarios durante el año en curso. Diversas celebraciones litúrgicas como la Fiesta de Acción de Gracias en otoño o la misa Rorate Caeli durante el Adviento.

Hoy Admont Abbey es un centro de fe, cultura de importancia internacional y porque no… un remanso de paz.

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«El capricho»

… y no hay duda que lo fue.

La Villa Quijano, popularmente conocida como «El Capricho«, es un edificio modernista situado en la localidad cántabra de Comillas. Fue proyectado por Antoni Gaudí y construido entre 1883 y 1885 bajo la dirección de Cristóbal Cascante, por encargo del «indiano» Máximo Díaz de Quijano.

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Una de parentescos y conocidos …

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El hijo ilustre de Comillas fue Antonio López y López 1817-1883, que emigró a Cuba a los 14 años y, al regresar, fundó una naviera, un banco y una compañía de tabacos, actividades que le situaron entre los empresarios más ricos de la España de la época y le hicieron acreedor del título de Marqués de Comillas, dignidad creada expresamente para él por el rey Alfonso XII.

Este» ilustre indiano» y potentado empresario se había convertido en uno de los hombres más poderosos de su época y entre sus objetivos se planteó convertir su villa natal en un elegante destino de vacaciones para la más alta burguesía. Su relación con la burguesía catalana y posiblemente su relación familiar con Eusebi Güell i Bacigalupi hicieron que Comillas se convirtieses en lo que hoy se ha venido a denominar un «Preludio de la Modernidad».

Comillas era la Mallorca o la Marbella del S.XIX…

Aquí se reunía lo más granado de la sociedad del momento incluida la familia real, de hecho Alfonso XII llegó a reunir a su consejo de ministros en Comillas convirtiendo a este pueblo cántabro en capital de España por un día.


El Primer Marqués de Comillas y Grande de España conoce en Cuba a la catalana Luisa Bru cuya familia está emparentada con los Güell, se casan y viven en Barcelona. Posteriormente se trasladan a Comillas, donde encargarán el proyecto del Palacio Sobrellano al arquitecto Joan Martorell quien, a su vez, encargará el diseño de sus muebles a Antoni Gaudí

» El Indiano» 

Denominación coloquial del emigrante español en América que retornaba enriquecido.

El boom llegó entre 1881 y 1959, cuando casi cinco millones de españoles embarcaron rumbo al Nuevo Continente con la esperanza de hacerse de oro. El regreso de los triunfadores disparó el número de emigrantes. Se forjó el arquetipo del «indiano«: varón, entre los veinte y cuarenta años, humilde, soltero y alfabetizado. Esta última característica será determinante a la hora de ascender en las colonias, donde la mano de obra ‘cualificada’ no abundaba.

El nuevo rico… quizás inculto, pero viajado, su traje blanco, su sombrero panameño y su inseparable habano, dueño de un gran coche, y de la casa más ostentosa del pueblo.

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Máximo Díaz de Quijano y Fernández de San Juan 1838-1885 fue uno de ellos.

Enriquecido en Cuba, abogado de profesión, de ideología carlista y aficionado a la muy buena música posiblemente de ahí el nombre «El Capricho» tema musical que varios compositores tenían en su haber o repertorio. Generalmente era una obra de forma libre y de carácter vivo, predominantemente instrumental e Intensa y a veces virtuosísima … Paganini dejó 24 caprichos sin ir más lejos.

Máximo Díaz Quijano fue autor también de algunas canciones para tonadilleras y cupletistas. Su hermana Benita se casó con Claudio López y López, hermano de Antonio, primer marqués de Comillas. El “Boletín del Comercio” de Santander del 16 de julio de 1882 lo cita como “el ilustrado y conocido jurisconsulto que está en Comillas”.

También aficionado a la botánica, de ahí «el invernadero» lo necesitaba para proteger las especies que el recolectaba en sus viajes.

En resumen: el concuñado del marqués decidió construir su residencia en los jardines que rodean al Palacio de Sobrellano.

En 1883 encargó a Gaudí su casa en Comillas.

Sin embargo, el arquitecto y el promotor nunca llegaron a conocerse, puesto que Gaudí diseñó la villa desde Barcelona, dejando la supervisión de la obra a su colega Cristóbal Cascante.

Está dentro de sus primeras obras y dentro de las de «Fuera de Cataluña».

Estas son cuatro:

La Casa Botines – en León.

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Palacio Episcopal de Astorga -Astorga,

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La remodelación del Presbiterio de la Catedral de Palma de Mallorca -Baleares

y en Cantabria el famoso…

» Capricho»

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Esta obra pertenece a la etapa orientalista de Gaudí –1883-1888, periodo en que el arquitecto realizó una serie de obras de marcado gusto oriental, inspiradas en el arte del próximo y lejano Oriente: India, Persia, Japón, así como en el arte islámico hispánico, principalmente el mudéjar y nazarí. Gaudí empleó con gran profusión la decoración en azulejo cerámico así como los arcos mitrales, cartelas de ladrillo visto y remates en forma de templete o cúpula.​

Numerosas soluciones estructurales y ornamentales de la casa responden a la afición del propietario por la música, por ejemplo: las cenefas en el exterior de la casa imitan un pentagrama de girasoles, las barandillas de la torre tienen forma de clave de sol y de semicorchea, en las ventanas del salón principal se usaron contrapesos para el sistema de correderas, que eran campanas tubulares con diferentes densidades y tamaños para poder obtener notas musicales diferentes al abrirse y cerrarse; por último, en el cuarto de baño se encuentran dos vidrieras con dibujos de una abeja» tocando la guitarra»… un «gorrión tocando el órgano«…

Algunos detalles para tener en cuenta

Sin duda que estaban de moda los girasoles.

Entre 1883-1885 se realiza El Capricho Gaudí utiliza girasoles en cerámica para la decoración exterior de la casa…

Con posterioridad Van Gogh, también realiza sus girasoles en si mayoría en Arlés entre 1887-1889 .La serie «Los girasoles de Arlés» fue concebida como un proyecto de doce lienzos destinados a decorar la Casa Amarilla de Arlés, donde vivía Van Gogh. El artista quería convertir la casa en la residencia de un movimiento de pintores. Su único residente fue su amigo Paul Gauguin

Un tributo a la naturaleza y a la música.

La obra está ubicada donde antiguamente albergaba un bosque de castaños en pendiente, la nivelación del terreno lo obtuvo mediante un vaciado parcial de las tierras de la finca conteniendo la pendiente con un muro.

El jardín trasero.

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Gaudí incorporó a su obra dos construcciones anteriores que había en el terreno, un invernadero y un templete, que transformó en el cuerpo central del edificio y en la base de la torre-minarete, respectivamente. Por otro lado, junto al edificio diseñó también los jardines de la finca, en los que incluyó una gruta artificial.​ Un parterre en forma de herradura que servía para que los carruajes pudiesen llegar, descargar a los viajeros y sus equipajes y dar la vuelta fácilmente la vecindad con la Iglesia-Panteón del palacio.

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Tiene planta alargada en forma de «U», con una superficie de 720 m² y una planta de 15 × 36 metros. Contiene semisótano, planta noble y desván, comunicados por dos escaleras de caracol, y con una torre cilíndrica en forma de alminar persa, revestida completamente de cerámica. En su construcción se emplearon diversos materiales, como la piedra, el ladrillo, el azulejo, el hierro y la teja, combinados en diferentes tonalidades, lo que otorga una gran riqueza cromática al conjunto

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En las vidrieras… «detalles musicales»

Las decoraciones de hierro forjado con claves de sol…las cenefas de girasoles aludiendo el pentagrama… las ventana musicales sin duda al arquitecto interpretó muy bien el pedido de su cliente.

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Sobre el camino principal hacia el Palacio Sobrellanos  y entre los árboles aparece La palmera, era el símbolo del «Indiano»…alta, fuerte, majestuosa y eterna.

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La torre tiene «aires» de «Minaterete surrealista»

El interior del Capricho»

Fue una construcción exprés. En solo dos años el proyecto Gaudí se realizó. Cascante Colom lo inició y terminó. Algunas partes quedaron pendientes…

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…como las 4 columnas de la entrada principal… orientadas hacia los cuatro puntos cardinales y las dos de atrás están sin terminar en la decoración de sus capiteles.

Se dice que Máximo Díaz de Quijano y Fernández de San Juan quería entrar inmediatamente a vivir porque regresó enfermo de cáncer cirroideo. Otros comentan… que la culpa pudo ser de la «vida licenciosa » que llevaba el «indiano» el asunto es que solo pudo disfrutar de su «precioso capricho” en Comillas 7 días antes de morir y cuentan …que lo heredó Benita, su hermana.

El panteón de Máximo Díaz de Quijano se encuentra en el magnífico cementerio de Comillas, obra de Domènech i Muntaner. En el año 1904 pasó al hijo de Benita, Santiago López y Díaz de Quijano, quien murió en Barcelona también soltero el 9 de diciembre de 1928. El Capricho pasó a familiares de Juan Antonio Güell y López, conde de Güell, marqués de Comillas y conde de Ruiseñada, hijo de Eusebi Güell i Bacigalupi. 

El edificio cayó en el abandono tras la Guerra Civil, estado en el que siguió, pese a su declaración como Bien de Interés Cultural en 1969.

En 1977, la última descendiente de los López-Díaz de Quijano, Pilar Güell Martos, vendió la propiedad al empresario Antonio Díaz por 16 millones de pesetas. Sus hijos, Antonio y Ernesto, se hicieron cargo del inmueble que fue inaugurado como restaurante con el nombre de «El Capricho de Gaudí» en 1988 tras obras de rehabilitación .

En 1992 fue comprado por el grupo japonés «Mido Development» por 800 millones de pesetas.​ Debido a la crisis económica, el restaurante se vio obligado a cerrar. Por último, el edificio se convirtió en museo y abrió sus puertas al público en julio de 2010.

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Como homenaje al autor de esta genial obra, en un banco en la fachada trasera, se encuentra su estatua en bronce construida por Marco Herreros en 1989.

«El Capricho» es fascinante… para descubrir detalles tras detalles en cada uno de sus rincones e ir de sorpresa en sorpresa, estando todo medido, pensado y calculado para el uso y disfrute de la casa… como debe ser.


La Capilla de san Luis…

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El Palacio de Versalles, desempeñó las funciones de  residencia real desde 1682 hasta 1789.

Ubicado en el municipio de Versalles, cerca de París, en la región Isla de Francia constituye uno de los complejos arquitectónicos monárquicos más importantes de Europa que en el 2018 rebasó los ocho millones de visitantes.

Versalles comprende tres palacios: Versalles, Gran Trianón y Pequeño Trianón, y otros edificios situados en la villa.

Si bien Luis XIII hizo edificar allí un pabellón de caza con un jardín, Luis XIV es su verdadero creador, ya que le dio su amplitud y determinó su destino.

La capilla

Inicialmente el arquitecto Charles Le Brun y su equipo añadieron al palacete de caza dos alas laterales que, al cerrarse, conformaron la plaza de armas. En una segunda etapa , se añaden las dos alas laterales para dar prioridad visual al jardín, realizado por André Le Nôtre. En la tercera y última etapa , realizada por Jules Hardouin-Mansart, se construyó la capilla real a doble altura y con acceso directo desde el exterior, estando la tribuna real situada en el piso principal.

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El plan de Luis XIV siempre fue convertir la capilla del castillo en «el lugar más magnífico de este suntuoso y brillante edificio». Expresión utilizada por la revista francesa Le Mercure galant durante la bendición del oratorio en 1682, cuando toda la corte se estaba trasladando a Versalles.

Cada mañana el rey acudía a ella con su familia para asistir a misa desde la tribuna real, situada en la primera planta. Los cortesanos se agolpaban en la planta baja y permanecían de pie, dirigiendo alternativamente sus miradas hacia el altar y hacia el Rey.

Su estilo es una combinación del barroco y el gusto clásico del interior, que los historiadores de la arquitectura han llamado «clasicismo Barroco» . La capilla no tiene fachada, siendo accesible desde las estancias internas del palacio. Tenía una suntuosa linterna destruida en 1765 por orden de Luis XV. Con 12 metros de altura, que daba al conjunto una belleza incomparable reforzaba la sensación de estiramiento y verticalidad del monumento.

Dedicada a San Luis IX de Francia, patrono de los Borbones y del propio rey, la capilla fue consagrada en 1710. Durante el siglo XVIII, la capilla acogió los principales acontecimientos de la familia real y la corte. El «Te Deum» se cantaba aquí solemnemente con motivo de las victorias militares y del nacimiento de los hijos de la familia real, se celebraban bodas como la del delfín Luis con la infanta María Teresa el 23 de febrero de 1745 o la del delfín – más tarde Luis XVI de Francia – María Antonieta. En la capilla también se llevaron a cabo todas las ceremonias bajo la Orden del Espíritu Santo.

La capilla fue desacralizada en el siglo XIX y desde entonces se ha utilizado para usos seculares y para eventos privados. Aquí se suelen celebrar conciertos musicales y esporádicamente se celebra misa en ocasiones muy importantes.

La primera capilla

La primera capilla del château data del tiempo de Luis XIII, y fue ubicada en un pabellón independiente en el lado noreste del château y siguió el modelo tradicional de Francia. Esta capilla fue destruida en 1665 durante la construcción de la Gruta de Tetis en el jardín, muy importante y necesaria ya que esta era «una cisterna» que alimentaba las fuentes del parque. 

Pasó al pequeño pabellón de la esquina noreste, luego se reubicó en 1672 en la actual sala de los guardias de la reina, antes de trasladarse, cuatro años más tarde, a la gran sala de los guardias del rey, actual sala de la coronación. Pero el Rey Sol ya preveía «la construcción de la capilla final que sería la verdadera coronación de su obra».

La segunda capilla

fue creada durante la segunda campaña de construcción 1669-1672, cuando Luis Le Vau construyó el  château neuf. Cuando la nueva parte del palacio fue terminada, la capilla fue situada en el grand appartement de la reine y formó el colgante simétrico con el salon de Diane en el grand appartement du roi, o gran apartamento del rey. Esta capilla fue usada por la familia real y la corte hasta 1678.

Tercera capilla

Localizada junto a la salle des gardes de la reine, esta capilla sirvió para las necesidades de la vida en Versalles por un corto período de tiempo. Poco después de su construcción, Luis XIV la encontró inconveniente y poco práctica para sus necesidades y las de la corte, y la instaló oficialmente en Versalles en 1682. Ese mismo año, el cuarto fue convertido en las grande salles des gardes de la reine

Cuarta Capilla

La construcción del aile du Nord requirió de la demolición de la Gruta de Tetis, sitio donde la nueva capilla fue creada en 1682. Cuando la cuarta capilla fue construida, el salón de la abundancia, que había servido como entrada del gabinete de medallas en el pequeño apartamento del rey, fue transformado en el vestíbulo de la capilla, llamado así ya que era del nivel superior de la capilla donde el rey y miembros seleccionados de la familia real escuchaban la misa diaria. Esta capilla permaneció en uso hasta 1710, y fue testigo de varios eventos importantes de la corte y la familia real durante el reinado de Luis XIV. Hoy en día el salón de Hércules y el vestíbulo inferior ocupan ese espacio.

La quinta última capilla

Como punto focal de Louis XIV, la quinta y última capilla del château de Versailles es una obra maestra sin reservas.

Su primer arquitecto, Jules Hardouin-Mansart, le presentó el plan definitivo de la futura capilla en 1699; este sustituyó a varios proyectos, el más antiguo de los cuales databa de 1679. Retrasado por la guerra de la Liga de Augsburgo, el trabajo finalmente pudo comenzar pero Mansart no vio el término de su obra, fue su cuñado, Robert de Cotte, quien completó la construcción.

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La construcción de la Capilla Real, requirió más de diez años de trabajo y costó lo suyo al tesoro real.

Fue la Capilla Real está basada en las capillas palatinas tradicionales de dos pisos como la muy famosa Santa capilla de París. Se dedicó a San Luis, el rey cruzado que también santo patrono del Rey Sol. Esta capilla es para Versalles lo que la Santa Capilla es para la Isla de la Cité, donde vivió Luis IX. Algunos autores han observado la relación arquitectónica entre los dos edificios.

Adornado con columnas del orden jónico. La piedra blanca empleada proviene de las canteras de Créteil no se utilizó mármol, salvo para el pavimento policromado y en los escalones que conducen al altar. destaca el monograma «L» Coronado alusivo a San Luis IX y Luis XIV.

Fue el único edificio que rompió la estricta horizontalidad del techo del Palacio, atrayendo algunas de las quejas, incluso por contemporáneos como el duque de Saint -Simon, quien la describió como un «enorme catafalco» y el filósofo Voltaire la describió como una «asombrosa jovialidad» en cambio el fotógrafo de arquitectura Robert Polidori, describió la capilla como el edificio más perfecto del Palacio de Versalles.

La magnificencia del interior fue universalmente reconocida como una obra de arte, e incluso tomada como modelo por Luigi Vanvitelli para su diseño de la capilla para el Palacio Real de Caserta.

El 5 de junio de 1710, el cardenal de Noailles, arzobispo de París, consagró los muros, en presencia de ochenta sacerdotes y de toda la corte.

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El marqués de Dangeau relata la procesión del copón, transportado desde el oratorio a su nueva morada, «fue seguida por el duque y la duquesa de Borgoña, los duques de Bretaña y Chartres, el conde de Charolais. El rey mismo examinó la capilla de arriba a abajo desde el 22 de mayo, y probó la acústica haciendo cantar un motete en el lugar para este propósito».

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Las decoraciones pictóricas y escultóricas representan temas del antiguo y Nuevo Testamento.

Los mejores representantes de entonces Nicolas y Guillaume Coustou flia de escultores que realizaron esta obra para el vestíbulo» Luis XIV cruzando el Rin» Los pintores aplicaron directamente la pintura al óleo sobre el enlucido fresco, tras haber dibujado numerosos esbozos preparatorios.

Ocho puertas y ventanas coronadas por arcadas en las que están esculpidas las figuras de las «Virtudes«, realizadas por los escultores: Poirier, La Pierre, Guillaume Coustou y Poulletie.

Sobre el ala Norte y al lado del Salón de Hércules, unos nichos situados entre las puertas contienen la estatua de la Gloria sosteniendo un medallón de Luis XV, realizada por Vassé, y la estatua de la Magnanimidad, realizada por Bousseau

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El programa iconográfico escultórico también ocupa un lugar preponderante en el decorado de la capilla. El techo de la nave es un fresco de Dios Padre en la gloria que trae al mundo la promesa de la redención, obra de Antoine Coypel, la media cúpula del ábside está decorado con la Resurrección de Cristo por Charles De La Fosse y por encima de la tribuna real-la pintura es el descenso del Espíritu Santo sobre la Virgen y los apóstoles y Jean Jouvenet.

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El altar mayor-

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En el «banco» del altar… la Piedad de bronce dorado de Corneille Van Cleve 1645-1732,que consiguió milagrosamente, escapar a la devastación Revolucionaria. ! discretamente Bellísimo!!

El órgano de la quinta capilla de Versalles fue construido por Robert Clicquot y Julien Tribuot en 1709-1710. Su primera presentación oficial tomó lugar en Pentecost, 8 de junio de 1710, ese mismo año, inaugurado por el entonces organista real Jean-Baptiste Buterne.

Sobrevivió a la Revolución Francesa, primero fue reemplazado por un órgano construido por Aristide écada 30′ del siglo XXCavaillé-Coll, luego luego por uno de Víctor González en la década del ’30 del siglo XX.

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Entre 1990 y 1995, el órgano fue reconstruido por Jean-Loup Boisseau y Bertrand Cattiaux fiel al original, el de Robert Clicquot y Julien Tribuot En el trabajo de órgano de hoy, se reutilizó alrededor del dos por ciento del material histórico del primer órgano Clicquot reutilizando todo lo que se pudo del antiguo barroco de madera y las cañas del registro Plein jeu IV, mientras que las otras varillas y los arrieros siguen siendo una parte integral del órgano de Cavaillé – Coll, ahora en la Iglesia de Saint – Martin en Rennes.

Una restauración

Para el 300 aniversario de la consagración de la Capilla se dispuso una restauración que terminó recientemente en el 2021según algunos informes…

“Hay unas 300.000 hojas de pan de oro concentradas, colocadas en el techo”, dijo Stephane Masi, director del proyecto de las obras de restauración.

“Es hermoso porque habíamos perdido esa decoración durante más de dos siglos, o incluso tres siglos”, dijo. “Ahora vemos de nuevo lo que (el rey) Luis XIV estaba viendo en ese momento, su techo dorado”.

No solo se ha renovado completamente el techo con sus incrustaciones con hoja de oro, sino que el proyecto liderado por Frédéric Didier, arquitecto jefe de monumentos históricos, se extendió a los vitrales con sus marcos de metal también redorados, a la limpieza y reparación de la estructura, y nuevamente a toda la decoración tallada.

Se renovaron las veintiocho estatuas de la balaustrada exterior, todas realizadas en piedra de Tonnerre que representan a los apóstoles, evangelistas, profetas, padres de la Iglesia y las virtudes cristianas, así como los relieves, frisos, cartelas y molduras que decoran las paredes de la capilla…

La administración del palacio está ansiosa por abrir las puertas de Versalles al público, que han estado cerradas debido a la pandemia de coronavirus y se preparan para «aflojar las restricciones sobre los lugares culturales» a partir del mes de mayo 2022.

El «aduanero»

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Henri Julien Félix Rousseau –

Nació en Laval región de Los países del Loira 1844 – París 1910 llamado «El aduanero Rousseau» por su trabajo en los servicios de aduanas en París, fue un  pintor francés, y uno de los máximos representantes del «arte naíf». Ridiculizado por la crítica en su época, fue reconocido por su talento autodidacta y calidad artística, ejerciendo gran influencia en varios artistas de vanguardia.

Si vamos al caso…tampoco tuvo el oficio de aduanero, ese apodo se debe a Alfred Jarry y procede de su empleo como recaudador en una oficina de arbitrios de París. Fue al jubilarse, en 1885, cuando optó por dedicarse plenamente a la pintura.

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Pese a carecer de formación artística, desde sus inicios, bastante tardíos, manifestó una gran destreza tanto en la estructuración de sus composiciones como en el empleo del color, expuso por primera vez en el Salón de los Independientes en 1886, se ganó la admiración de figuras de la pintura contemporánea como Seurat o Gauguin. También lo alabaron Kandinsky, Picasso, Signac y Delaunay. Estos dos últimos formaron parte del reducido grupo de solo siete personas que acudió a su entierro.

Por la exuberancia de sus escenas, muchas ambientadas en selvas o en parajes naturales, se cree que estuvieron inspiradas en las descripciones de la naturaleza mexicana que le hicieron soldados que regresaron tras la campaña francesa en apoyo del emperador Maximiliano. Es muy factible que sea así dado que él no salió fuera de Francia.

Lo interesante y único caso, es que participó constantemente en el difícil «Salón de los Independientes» que tanto criticaban todos por sus exigencias, desde 1886 y hasta su muerte en 1910.

Admiraba el formalismo de la pintura academicista, pero su propia obra se caracteriza ante todo por la ingenuidad, el calor humano y la percepción poética. Coleccionaba imágenes impresas que luego usaba como referentes para sus pinturas, llegó a dominar la difícil técnica del óleo.

En sus comienzos Rousseau pintó escenas parisinas y retratos, y entrando ya en la década de 1890 comenzó a poner énfasis en su estilo personal por el que hoy es más conocido, realizando obras muy originales, maduras como también llenas de fantasía: escenas tropicales en las que mostraba figuras humanas acompañadas de bestias salvajes inspiradas en animales de zoológico o en álbumes infantiles, como el reconoció.

En 1893 Rousseau, aunque ignorado o ridiculizado por los críticos, se dedico plenamente a la pintura. Vivió de una pequeña pensión y de los retratos que pintaba a sus vecinos, y fundó una pequeña escuela donde enseñaba arte y música. Formalmente carecía de instrucción artística,

Su producción coincidió con el apogeo de los «Impresionistas», el surgimiento del «fauvismo» y las primeras experimentaciones «cubistas», pero su obra, como se puede apreciar no puede catalogarse en ninguna de esas corrientes. Eso también explique «el porque» de las enormes y fuertes críticas que recibió… de «bruto», «Ignorante», entre las más frecuentes y suaves.

«La gitana dormida» 1897, cuyo paisaje desolado, irreal, interrumpido sólo por las figuras de una joven yacente y un león situado junto a ella, fue una de las primeras muestras de su capacidad para crear mundos de un onírico lirismo. Dalí, tomó mucho de él…

 La obra mide 204,5 x 298,5 cm. Presenta un retrato casi surrealista de Yadwigha, la joven polaca que vivió un romance con Rousseau, desnuda sobre un sofá a la izquierda del cuadro, mirando por encima de un paisaje de follaje selvático exuberante, incluyendo flores de loto, y animales, incluidos aves, monos, un elefante, un león y una leona y una serpiente. Las formas estilizadas de las plantas de la selva se basan en observaciones de Rousseau en el Museo de Historia Natural de París y su Jardín des Plantes. El brazo izquierdo del desnudo señala a los leones y un negro encantador de serpientes que se enfrenta el espectador tocando su flauta, apenas visible en la oscuridad de la selva bajo la tenue luz de la luna llena. Una serpiente de vientre rosado se desliza a través de la maleza, su forma sinuosa refleja las curvas de la cadera de la mujer y su pierna.

Rousseau realizó desde 1905 una serie de obras con extraordinarias escenas selváticas «El león hambriento», «La encantadora de serpientes», «El sueño de Yadivigha» cuya apelación a un perdido paraíso natural influyó no sólo en el «Arte naif», sino en numerosas corrientes imaginativas de la pintura posterior.

El sueño de Yadivigha o simplemente El sueño

“El sueño ” o «La Rêve:» es una pintura sensacional que reúne en si misma toda la magia y fantasía del arte del Aduanero Rousseau, pintor descrito como naif, primitivista, salvaje se exhibió por primera vez en la Salon des Indépendants entre el 18 marzo al 1 de mayo de 1910, pocos meses antes de su muerte el 2 de septiembre de 1910, una de las últimas obras del artista.

Si bien fue admirada por muchos artistas modernos incluyendo Henri Matisse, Pablo Picasso  y Wassily Kandinsky y en recibir elogios de la crítica,  no impidió que su autor muriera en la pobreza y que lo enterraran en la tumba de un pobre.MUS-FAPC2020_500

«Retrato de mujer» es la obra que compró Picasso por 5 francos…

«Artista inclasificable»

Quizás  fue el más personal y desinhibido de todos los artistas surgidos inmediatamente después del ocaso del impresionismo. El explicaría su obra con este sugerente discurso: “La mujer en el sofá sueña que ha sido trasladada a este bosque y escucha el sonido de la encantadora de serpientes…”

Las fuentes de sus obras exóticas son complejas… sentía gran admiración  por “Las flores del mal” la famosa obra de Baudelaire, las poesías de su amigo Apollinaire, este lo apreciaba por su extraordinario «talante» entre ingenuo y orgulloso y una total fascinación por la naturaleza salvaje tan típica de los artistas bohemios de finales del siglo XIX.

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Rousseau pudo haber tomado algo de inspiración de la novela de Émile Zola Le Rêve, que trata sobre el amor entre un pintor y una bordadora. Mientras Rousseau pintaba esta obra, mantenía una relación sentimental con Leonie una muchacha que atendía una tienda.

Ante la sospecha de que algunos espectadores no entenderían la pintura, Rousseau escribió un poema para acompañarla titulado:

«Inscription pour la Rêve»

Yadwigha en un hermoso sueño
Se ha dormido suavemente
Oye el sonido de un piccolo oboe
Interpretado por un bien intencionado encantador [de serpientes].
Mientras la luna se reflejaba
En los ríos [o las flores], los árboles verdes,
Las serpientes salvajes escuchan
Las alegres melodías del instrumento.


El marchante de arte francés Ambroise Vollard compró la pintura de Rousseau, en febrero de 1910. Luego fue vendida a través de las galerías Knoedler de Nueva York al fabricante de ropa y coleccionista de arte Sidney Janis en enero de 1934. Janis vendió el cuadro a Nelson A. Rockefeller en 1954, quien la donó a la Museo de Arte Moderno de Nueva York para celebrar el 25 aniversario del Museo.

Se encuentra actualmente expuesta en el MoMA.

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