«Códices»…»Iluminados» … «Incunables»?

Existieron… y como es de esperar…no quedaron muchos de toda esa época maravillosa de lo significaba «tener un Libro»algo inalcanzable para el pueblo llano. Quizás ahora no podamos comprender demasiado (en épocas del WhatsApp)  pero que nos encantaría el poder verlos, tocarlos, tenerlos!!!

Si!!  Puesto que  son Únicos!!!!  Sólo los podemos admirar detrás de un a vitrina y «Hojearlos»  imposible…difícil que te dejen… demasiado trámite para tener ese instante de placer…

Grandes, pesados, con ese olor a libro «viejo»y ese color amarillento que tenían sus hojas…todo quedó allá, en el tiempo, recordarlos… un Lujo!!!… que me puedo dar.

«Códices»

Códice o Códex como era de esperar  viene  del latín caudex, que significa “tronco” que luego devino en codex. La razón es que los primeros libros romanos de leyes estaban hechos con tablas de madera cubiertas de cera y sujetadas con cuerdas.

Siempre eran manuscritos.

En la Edad Media (y también en el Renacimiento y épocas posteriores), los libros solían copiarse en los monasterios, por ser lugares que concentraban el conocimiento.

Conviene aclarar confusiones, ya que hay diferentes tipos, e incluso formas de referirse a ellos,  todos los libros antiguos escritos a mano son códices o códex.

Partimos de la base  que suele llamarse manuscrito a un libro escrito a mano, pero también, una hoja de papel escrita a mano es un manuscrito, sea antigua o no, pueden ser hojas sueltas con dibujos decorativos. También, una hoja de papel puede ser un manuscrito iluminado, como por ejemplo: bulas, leyes o documentos antiguos; pero no sería un libro o códice.

Excepción:  Ocurre a veces que se le llama Códice a una sola hoja, dando el nombre del volumen a la única hoja (o unas pocas) que se conserva de un manuscrito perdido.

Las denominaciones o tipos más relevantes son:

Códice Iluminado o manuscrito iluminado-

Códice Medieval-

Códice Renacentista-

Códice Musical.

Códices «Iluminados»: Son códices decorados con dibujos. Según la capacidad adquisitiva del personaje que encargara la elaboración del códice, la iluminación era más o menos abundante y de calidad, añadiendo elementos como las láminas de oro y plata, tanto en las hojas como en la encuadernación. Lo más habitual es que se utilizaran colores en las letras capitales, y dibujos historiados o miniados en las letras capitulares (inicio del capítulo). Los dibujos de gran tamaño también se utilizaban.

Códices «Miniados!: otro sinónimo de los Códices «Iluminados», son códices decorados con dibujos en miniatura. Esta palabra proviene del latín minium, tetróxido de plomo, que se utilizaba para hacer colores.

«Libros de horas»: Son libros de pequeño formato, de rezos, normalmente muy decorados y que estaban al alcance de reyes y nobles (regalos que se ofrecían). Son muy abundantes en toda Europa durante toda la Edad Media y el Renacimiento, ya que la mayoría de nobles (hombres y mujeres) y clérigos, disponían de uno o incluso más.

Códices Pictóricos: Son códices con texto casi inexistente, donde la información se transmite principalmente mediante dibujos o pinturas. Suelen ser:  Atlas, libros de Historia Natural con dibujos de animales, Bestiarios etc.

Según el soporte

Códices en Papel.

Códices en Papiro (de la famosa planta de la zona de  Egipto y Asia Menor «Biblos»  fue una ciudad situada a unos 60 Km de Beirut en el Líbano fuerte en la producción de papiro material utilizado para escribir, dicen algunos que de allí viene el nombre de Biblia).

Códices en Pergamino o códices de Vitela (cuero curtidos generalmente de oveja).La vitela era un pergamino finísimo que solía utilizarse en códices de formatos muy pequeños.

Todos son códices, con independencia del material con el que se hacían.

Según épocas o temáticas

Códices Mayas, códices Medievales, códices Renacentistas, códices Musicales  existen muchas otras clasificaciones de códices atendiendo a diversas culturas etc.

«Iluminados»

En la definición más estricta del término, un manuscrito ilustrado es únicamente aquel que ha sido decorado con oro o plata.

Sin embargo, el concepto abarca ahora a cualquier manuscrito con ilustraciones o decoración de las tradiciones occidentales o no.

Manuscrito iluminado: es  complementado con la  decoración de: Letra Capital, miniatura y  bordes. 

La ilustración fue un complejo y costoso proceso.

Fue usualmente reservada para libros especiales: una Biblia de altar, por ejemplo. La gente adinerada a menudo tenía «Libros de Horas» ilustrados, que contenían plegarias apropiadas para distintos momentos del día litúrgico.

Desde principios de la Edad Media la mayoría de los libros fueron elaborados en monasterios, para uso propio o para regalo. Sin embargo, el comercio de los textos comenzó a crecer en las grandes ciudades, especialmente en París, Italia y los Países Bajos, y hacia finales del siglo XIV había una significativa industria que producía estos manuscritos, con detalles de la heráldica del comprador, etcétera. Hacia el final de este período, muchos de los manuscritos ilustrados eran pintados por mujeres, principalmente en París.

                                                                      Decoración de un Libro de Horas .

Los manuscritos ilustrados o iluminados más antiguos que aún perduran son del período 400-600 d. C., elaborados principalmente en Irlanda, Italia, España, Alemania y alguno que otro lugar del continente europeo.

Imprenta

  A Johann Gutenberg, de Maguncia, se le atribuye la invención de los caracteres móviles fundidos.

Los primeros    «Libros impresos» (se les  llamó tiempo después  «Incunables») salieron de su imprenta, y entre ellos destaca: Tras la impresión por el propio Gutenberg del  Misal de Constanza a modo de ensayo en 1449, la Biblia es considerada el segundo libro impreso a gran escala mediante el nuevo sistema, fue su mayor trabajo y tiene el estatus de icono por simbolizar el comienzo de la «Edad de la Imprenta». la Biblia de Gutenberg (1453-55), en latín, de 42 líneas.

Tipos de incunables y obras
Antes de los tipos metálicos móviles, se usaban planchas de madera fija, que dieron lugar a los incunables xilográficos, entre los que destaca la ‘Biblia Pauperum’ .

Los protoincunables: son los libros impresos en los primeros talleres, entre 1472 y 1480.

Se establecieron imprentas  en:

La primera después de Alemania fue en Italia, concretamente en el Monasterio Benedictino de Subiaco, cercano a Roma. Los introductores fueron los alemanes Konrad Sweynheim y Arnold Pannartz, discípulos de Schöffer, quienes crearon un tipo de letra llamada romana, más fácil de grabar y leer que la gótica. Italia llegó a tener 70 ciudades con imprenta.

Venecia se convirtió en el primer centro tipográfico de Italia, en el que Juan de Espira montó la primera imprenta incunable (1469). Sin embargo, el impresor veneciano más importante fue Aldo Manucio, a quien se debe la publicación de casi 130 ediciones, en torno a 1500. Venecia produjo más de 4000 incunables

Cronológicamente, el tercer país con más imprentas fue Francia (1470) por iniciativa de algunos profesores de la Sorbona que llamaron a tres impresores alemanes, Freiburger, Gering y Krantz, para que instalaran un taller en la propia universidad con el fin de elaborar textos necesarios para la docencia. Utilizaron los caracteres góticos igual que en Alemania. En el siglo XV, hubo 40 ciudades francesas con imprenta, aunque los tres centros tipográficos fueron París, Lyon y Rouen.
Los Países Bajos introdujeron la imprenta más tardíamente.

Los primeros libros se imprimieron en Utrecht con diferentes variantes de letra gótica y, especialmente, lagótica redonda.

El más famoso de los impresores flamencos fue Colard Mansion de Brujas que introdujo la imprenta en su ciudad (1471).
La imprenta en Gran Bretaña tuvo escaso desarrollo en el XV. La primera imprenta estuvo en
Westminster (1476), donde se estableció William Caxton un comerciante de paños formado en el arte tipográfico en Colonia y Brujas.
En España, la imprenta se introdujo con cierto retraso. Sus inicios son aún dudosos en cuanto a fechas e impresores.
Actualmente, se acepta como primera obra impresa el «Sinodal de Águilafuente», incunable
conservado en la Catedral de Segovia y atribuido a Juan Parix de Heidelberg. sin dato
tipográfico que atestigüe su fecha, pero se supone realizado a finales de 1472, año del Sínodo celebrado en la localidad castellana.
Durante el siglo XV, tuvieron impresa con destacada labor: Valencia, Barcelona, Zaragoza, Sevilla, Salamanca, Toledo, Valladolid, Burgos y Zamora  pero 26 ciudades españolas dispusieron de imprenta, de las que salió alrededor de un millar de ediciones.

 

 

 

Errores

Se denominan post-incunables o epigonoincunables aquellos libros impresos a principios del siglo XVI que por error o debido a una insuficiente información han sido clasificados como incunables.

Los incunables americanos son los libros impresos desde la instalación de la primera imprenta en México, ya entrado el siglo XVI. No son, pues propiamente incunables, en el sentido preciso del término.

Un homenaje de Correo Postal de USA por los 500 años de la invención de Gutenberg

«Incunables»

El impacto de la invención de la imprenta fue tal, que la producción de libros durante estos primeros cincuenta años (1450-1500) fue, mayor que en los mil años precedentes!!!!

Según el Diccionario de la Real Academia Española, incunable proviene de la palabra latina “incunabula”, que significa “pañales”, utilizado por extensión para la infancia o primera etapa de algo.“Se dice de toda edición hecha desde la invención de la imprenta hasta principios del siglo XVI”

La expresión se usó por primera vez por Bernhard von Mallinckrodt en 1639, que publicó un folleto para celebrar el bicentenario de la invención de la imprenta, y que incluía la frase “prima typographicae incunables”, es decir, “la primera impresión de la infancia” Sería algo así como los “libros en pañales”.

La palabra “incunable” se ha extendido, y frecuentemente se asigna a cualquier libro antiguo.

Así, son reconocidos como «Incunables» los libros impresos entre 1453 (fecha de la invención de la imprenta moderna) y 1500, procedentes de unas 1200 imprentas, distribuidas entre 260 ciudades, con un lanzamiento aproximado de 35 000 obras distintas.Cualquier otro libro u objeto no será un incunable.Simplemente será un ejemplar antiguo, valioso, inusual, raro…

Cuando Gutenberg inventa los tipos móviles, es su intención hacer libros que se parezcan mucho a los códices manuscritos, y por ello existen incunables ilustrados, miniados, decorados e imitando las elaboradas letras góticas, mezclando para ello el trabajo mecánico de la imprenta y el trabajo artístico del decorador. Son muy valorados y escasos.

Las características más señaladas de los «Incunables» son:

El material que se usó: el papel en el que se imprimió. El más utilizado fue el de trapo, grueso y amarillento en un principio.

Imitación de los manuscritos. Los primeros libros impresos trataron de parecerse todo lo posible a los manuscritos, ya que esta era la forma de libro a que el hombre del siglo XV estaba acostumbrado. Así, utilizan la letra gótica, abreviaturas, los incipts, etc.

También carecían de portada: la primera es la del Calendario de Regiomontano, en 1470, aunque algunos autores mantienen que la primera portada data de 1500. Falta de «paginación «·y de «portada», comenzando los libros en la primera página (de ahí la importancia del íncipit).

Las letras capitales:  Eran escritas o dibujadas a mano por expertos miniaturistas, no es difícil encontrar incunables donde las iniciales no se llegaron a poner nunca!!!!.
Los signos de puntuación: en general no se utilizaban y eran diferentes a los actuales. El punto era un cuadrado o un rombo, la coma era un trazo oblicuo, etc.
Los márgenes: amplios, que permitían escribir notas en ellos.
Los textos en caracteres góticos: estos libros se limitaban casi exclusivamente a estos caracteres. Luego se impone la Letra Romana- (de los humanistas italianos), más legible y fácil de entender. Poco a poco se van abandonando las abreviaturas.
La marca del impresor: características de diseño de letras o símbolos con los cuales se identificaban al final del libro (logotipos).
Encuadernación y tamaño: libros de gran formato y en general con encuadernación de pergamino, habiéndose utilizado también la madera, el cartón o la piel. También podían ser adornados con herrajes de metal.
 Las primeras ilustraciones se hacen xilografiadas. El primer libro con ilustraciones xilografiadas es una colección de fábulas de Albert Pfister (Bamberg, 1461).

La lengua mayoritariamente utilizada es el latín , seguida del italiano, alemán, francés, inglés y español. Algunos autores citan como el primer incunable, el Kronika Trojanska de Guido de Colonna (1468) que es además el primer libro escrito en lengua checa, llamando la atención por ser un libro de carácter profano y no religioso, como serán la mayoría de los aparecidos después. Otros, nos hablan de El Misal de Constanza de 1449 impreso por Gutenberg a modo de «prueba», o La Biblia de 42 líneas del mismo Gutenberg (1450), del Sinodal de Aguilafuente, de Heidelberg, (texto en español de 1472), etc.

Los temas son religiosos en mayoría de los casos. Los incunables más abundantes son los de temática religiosa, aunque también se imprimieron incunables de temáticas científicas, artísticas, filosóficas, históricas o vanales (para el entretenimiento).Este fue el mayor punto de apoyo para la proliferación de  las universidades. tal es así que  para  fines  del siglo se habían impreso unos 10.000 títulos, lo cual indica la velocidad con que la imprenta se extendió por Europa

 Eincunable «Rosarium decretrorum», publicado en Venecia en 1481,

La ‘Gramática de la lengua castellana’ de Antonio de Nebrija (Salamanca, 1492), que constituye la primera gramática de una lengua vulgar

Jacques de Voragine Jacques de (1230 – 1298) ~ Legenda aurea sanctorum ~ Venetiis, Bonetus Lacatellus pour Octavianus Scotus, tertio nonas novembris [3 novemmbre] 1488.

Inchigualasto…o el Valle la Luna

El Parque provincial de Ischigualasto o Valle de la Luna, situado en el extremo norte de la provincia de San Juan- Argentina.Es un área protegida de 275 369 ha, célebre a nivel científico, ya que resguarda una importante reserva paleontológica.

Es el único lugar donde puede verse totalmente al descubierto y perfectamente diferenciado todo el periodo triásico en forma completa y ordenada. Se calcula que las formaciones geológicas de este sitio tienen una antigüedad entre 200 y 250 millones de años.

Ubicado a 273 km de la ciudad de San Juan, y a 80 km de San Agustín del Valle Fértil, el parque ofrece un extraño paisaje, donde la escasez de vegetación, la variada gama de colores de sus suelos, más el capricho en las formas de los montes, lo hacen ser un lugar predilecto para turistas de todo el mundo.

En su rocoso relieve, la erosión provocada por el viento a lo largo de tantos años, ha creado curiosas formaciones que hacen que Ischigualasto, además de tener un altísimo valor científico, posea un espectacular paisaje de características únicas. Estas particularidades hacen que investigadores y científicos lo visiten periódicamente para estudiarlo.

En noviembre del año 2000, la UNESCO declaró a

Ischigualasto-Talampaya  Patrimonio Natural de la Humanidad.

Su paisaje, sobre todo nocturno, recuerda al paisaje lunar «de película», y de allí toma su nombre, único lugar del planeta donde se encuentra una secuencia completa de sedimentos continentales del Período Triásico .

En el Triásico, (primer período de la era Mesozoica)  entre otras cosas, se produjo la expansión de los reptiles de gran talla, como los dinosaurios, que dominaron el mundo hasta su extinción a fines de la era, hace 70 millones de años. En el Valle de la Luna se encontraron numerosos restos fósiles y plantas de este período, entre ellos el dinosaurio más primitivo del mundo, Eoraptor Lunensis.

En la era Mesozoica, no existía la Cordillera de los Andes y la Tierra todavía no estaba dividida en continentes, era una llanura cubierta de vegetación, con lagunas, pantanos y las primeras especies de dinosaurios circulando por ahí. Este desierto de suelo gris, árido y pedregoso, con la tierra y el cielo secos y un sol abrasador. La explicación viene del lado de la geología, aunque esto no alcanza para entender del todo la magia del lugar: aquí tuvo lugar hace más de 200 millones de años un importantísimo movimiento y sus vestigios en otros lugares del mundo se encuentran hoy a gran profundidad, sepultados por sedimentos que se fueron depositando a través de los siglos.

¿Por qué aquí se pueden observar a simple vista?

Hace aproximadamente 70 millones de años se produjo un choque de placas en el que una placa marítima llamada Placa de Nazca que venía del Pacífico chocó con nuestra placa continental, provocando el levantamiento de la Cordillera de los Andes y el hundimiento o, por el contrario, la emersión de otras grandes rocas, entre ellas, Ischigualasto, que emergió en ese momento dejando el Triásico completo expuesto claramente ante nuestros ojos.

De clima casi desértico, con temperaturas de 35° de promedio en Verano y de 20° en Invierno.

La amplitud térmica es muy marcada, y en la vegetación autóctona se destacan cardones de gran altura, variedades de algarrobos, jarillas, retamos, chaguar, chañares, breas, zampas, cortaderas, etc.

La fauna también es muy variada y adaptada al tipo de clima predominante. Se destacan los guanacos, las maras o liebres patagónicas, el zorro gris, pumas, vizcachas, mulitas, ratones cola de pincel, cóndores, aguiluchos, caranchos, jotes, ñandúes, martinetas y chuñas. Las víboras que habitan la zona son: yarará chica, cascabel, víbora de coral, como así también inofensivas culebras.

Unos minutos bastan para entender el porqué de los nombres que la imaginación humana puso a la acción de la erosión sobre las rocas.

Por ejemplo: (Formación Los Rastros) y hojitas negras. Los niveles de sedimentos revelan que en el pasado hubo aquí un lago habitado por una gran variedad de peces y a cuyas orillas crecían muchas plantas.

,»El Valle Pintado», una de las más populares. El impacto es fuerte: de verdad parece un paisaje lunar, con suaves lomadas con capas en tonos ocres, violáceos, grises cenicientos. Pertenece a la segunda formación geológica (Ischigualasto) donde fue hallada la mayor cantidad de fósiles del parque.

«La esfinge»  y  la espectacular «Cancha de bochas»,

una extensa planicie donde se destacan esferas de areniscas en forma de bolas inmóviles, que van quedando al descubierto por la erosión. Es una imagen mágica, incomprensible para toda lógica: son esferas perfectas, como bochas de piedra, que parecen pulidas con rigor matemático ¿cómo entender que tal prodigio sucede naturalmente? Más aún, el trabajo de los siglos no se detiene y cada tanto aparece entre la roca una bocha nueva, un nuevo capricho de la naturaleza.

«El submarino», la mayor altura del recorrido, con una vista maravillosa,

Tenía «dos Periscopios»en el 2015  uno se derrumbó. Era una  formidable formación de unos 50 metros de altura con piedras de 130 millones. Hubo otros derrumbes de figuras muy conocidas y representativas del lugar, como El Loro, que se desmoronó en 1983, y la Lámpara de Aladino, que corrió la misma suerte en 1989.

«El hongo» y los sedimentos más jóvenes de la cuenca, que pertenecen al triásico superior alto, como las preciosas «Barrancas coloradas», con ese tinte rojizo, que se vuelve especialmente impresionante con la luz del atardecer. Es la hora y el lugar perfecto para iniciar el recorrido por Ischigualasto a la luz de la luna llena, uno de los paseos opcionales más espectaculares que regala este valle mágico.

La frondosa mitología local demuestra que Ischigualasto es una «fuente de energía cósmica «y que cura enfermedades y otros males. Eso tan especial que se siente, como la sensación de estar aquí y, a la vez, en otro tiempo y otro planeta, parece demostrar que algo podría haber de cierto…

 

el Reloj astronómico de Praga

 

Cuenta la leyenda…

…Que un día, un maestro relojero llamado Hanus se presentó a las autoridades del ayuntamiento proponiendo sus talentos para la construcción de un reloj monumental, que al tiempo de adornar el frente del edificio haría de Praga una ciudad única, puesto que sería el más bello de Europa. Aceptando su propuesta, el relojero se puso a trabajar.
Así, durante un tiempo se lo vio calcular y dibujar, y más tarde contrató un aprendiz que lo ayudó en la concreción de la obra.

El día de la inauguración, una multitud estupefacta contempló aquel bello mecanismo, como nunca habían visto en toda su vida, mientras Hanus, orgulloso y feliz, intentaba explicarles (en vano, claro) el sentido de toda esa extraña maquinaria. Sin duda, pensaban todos, no hay en el mundo nada igual y Praga será aún más reconocida como la más gloriosa de todas las ciudades.

Pero tiempo después, alguien vio al maestro nuevamente dibujando entusiasmado en su taller y se extendió la noticia de que quizás estaba preparando una obra aún más espectacular en el extranjero, tentado acaso por una importante oferta monetaria. Las autoridades se inquietaron, celosas de que Hanus repitiera en otro país la pequeña maravilla praguense.

La solución no se hizo esperar y fue muy drástica. Aprovechando la quietud de una noche muy oscura, tres personas entraron a su taller, donde se encontraba aún trabajando a la luz de las velas y el calor de la chimenea. Tomándolo por sorpresa, el maestro no pudo reaccionar, y sin ninguna piedad lo arrastraron hasta el fuego y le quemaron los ojos con un hierro caliente…

Pasó el tiempo sin que nadie supiera de quiénes podían haber cometido semejante crueldad. 

Un día alguien llegó a conocer la verdad y no tardó en hacérselo saber a Hanus. Dolido por tanta maldad e ingratitud, tomó una triste resolución y se hizo llevar por su aprendiz hasta la torre. Una vez allí, reunió todas las fuerzas que le quedaban y metió su mano derecha en el mecanismo para destruirlo. En ese mismo momento, la Muerte tiró de la cuerda, los engranajes sonaron horriblemente y todo se detuvo; también la vida de Hanus, que cayó muerto en ese mismo momento.

Pero está la realidad

El Reloj Astronómico de Praga domina la torre del Ayuntamiento de la Ciudad Vieja siendo la parte más antigua del Reloj  el mecanismo del cuadrante astronómico que data de 1410  construido por el relojero Nicolás de Kadan y por Jan Šindel, profesor de matemáticas y astronomía de la  prestigiosa Universidad Carolina de Praga. Este fue remodelado por Jan Tarborsky en 1552, quién escribió un «informe» en el cual menciona al maestro relojero Hanuš como diseñador del reloj, cuestión que  se demostró  falsa en el siglo XX.

El espectacular reloj medieval consta  de tres partes:

El Calendario Circular, el Cuadrante Astronómico y las Figuras Animadas. Es, sin  lugar a duda, una de las bellezas más admiradas de la capital checa.

El Cuadrante Astronómico o esfera superior del reloj se encarga de representar las órbitas del sol y de la luna y las Figuras Animadas (para muchos, la parte más admirable del conjunto) con el desfile de los doce apóstoles.

El cuadrante astronómico:

Además de indicar las 24 horas de día, representa las posiciones del sol y de la luna en el cielo, además de otros detalles astronómicos.

En el siglo XVII, se añadieron las estatuas móviles de los laterales del cuadrante astronómico. Cada hora entre las 9 de la mañana y las 9 de la noche las figuras se ponen en movimiento.Las cuatro figuras que flanquean el reloj son cuatro alegorías.

De izquierda a derecha son:

La Vanidad representada por un hombre que sostiene un espejo.El vanidoso se mira en el espejo,
La Avaricia representada por un comerciante judío con su bolsa. El avariento mueve su bolsa
La Muerte representada por un esqueleto con un reloj de arena.
La Lujuria representada por un príncipe turco con su mandolina.el lujurioso mueve la cabeza para mostrar que acecha siempre.
Todas las figuras mueven sus cabezas negativamente, excepto la de la Muerte, simbolizando que ella tiene siempre la última palabra.

Sobre el Cuadrante Astronómico  vemos  dos ventanas estas se abren y empieza «El Paseo de los apóstoles».Son estatuas en madera de los  doce apóstoles que fueron añadidas durante la reparación de 1865-1866. Los doce apóstoles desfilan lentamente asomándose a la ventana precedidos por San Pedro, gracias a un mecanismo circular en el interior sobre el que están ubicados seis a cada lado.

Ventana izquierda

Aparece San Pablo con una espada y un libro, le sigue Santo Tomás con un arpón, San Judas Tadeo con un libro en su mano izquierda, San Simón mostrando una sierra (es el patrón de los leñadores), San Bartolomé con un libro y San Bernabé con un papiro.

Ventana derecha

San Pedro con una llave, pues guarda las llaves del cielo. Le siguen San Mateo con un hacha pues es el patrón de constructores, carpinteros y herreros, San Juan, San Andrés con una cruz y los dos Santiagos.

Cuando las ventanas se cierran un gallo añadido en 1882 aletea y canta, después suenan las campanas en formato de 24 horas.

Este desfile de los apóstoles es el que convoca multitudes!!!  un cuarto de hora antes de comenzar…

El Calendario Circular con medallones fue añadido al reloj en 1870. Los doce medallones representan los doce meses del año. Son obra del pintor checo Josef Mánes.

Está compuesta por: el Escudo de Armas de la ciudad  al centro, el calendario, que  ilustran los meses del año y  cuatro pequeñas esculturas (un orador, un filósofo, un astrónomo y un ángel).

Las cuatro esculturas laterales son de izquierda a derecha:

Un filósofo
Un ángel.
Un astrónomo
Un orador.

El Reloj sufrió graves daños los días 7 y 8 de mayo de 1945, horas antes de la capitulación alemana en Praga, forzada por el avance del Ejército Rojo. Los soldados alemanes dirigieron sus ataques de vehículos blindados y de antiaéreos a la Vieja Ciudad de Praga en un esfuerzo por silenciar la iniciativa provocadora de la Radio Praga  (que transmitía desde un oratorio) por parte de la resistencia checa iniciada el 5 de mayo.

El Ayuntamiento y los edificios cercanos fueron incendiados junto a las esculturas de madera del Reloj y la esfera del calendario de Josef Mánes. Se reparó la maquinaria, y los Apóstoles de madera fueron restaurados por Vojtěch Sucharda, un famoso constructor de marionetas. El reloj volvió a funcionar a partir de 1948. El actual relojero, Otakar Zámecník, realizó una reparación general en 1994.

Continuando con las leyendas…

Dicen que si el reloj se detiene es señal de malos augurios para el país. Y muchos puede que no crean en cuentos, pero en 2002 el reloj se detuvo y, coincidencia o no, una crecida del Moldava provocó inundaciones que afectaron seriamente a la ciudad, tanto a sus edificios como al transporte subterráneo. En 2007 las preocupaciones crecieron alimentadas por esas leyendas cuando el reloj empezó a funcionar mal; al parecer la humedad comenzó a subir por las paredes afectando el funcionamiento de los mecanismos. Unos estudios revelaron que había en el suelo un exceso de sal que provocaba la humedad y hubo que trabajar para solucionar ese tema y evitar que se estropeara el reloj.

El Atelier de la «Vía del Babuino»

Esta calle o Vía  de Roma, es el resultado de las reestructuraciones de la ciudad que se realizaron durante el Renacimiento y el Barroco. Cambió su nombre dos veces: primero fue llamada Vía Clementina en honor al Papa Clemente VII quien la construyó y luego se convirtió en Vía Paolina en honor a Papa Pablo III,que la renovó. Finalmente, tomó el nombre que mantiene hoy en día y que se debe a la fantasía popular relacionada con una pequeña fuente que está en el camino en la parte más cercana a la Piazza del Popolo.

Dicha fuente, construida e instalada hacia finales del siglo XVI para el uso cotidiano de los ciudadanos,  representa un Sileno que, según la mitología griega, era un hombre mayor, obeso y vestido sólo con una piel de cabra. Una figura tan poco atractiva que los romanos definieron  como «Babuino», nombre que se atribuye a la calle  en la actualidad.

En la casa vecina a la fuente está El Atelier  que perteneció a  Antonio Canova el célebre escultor neoclásico durante su permanencia en Roma y de su heredero espiritual Adamo  Tadolini -( Bolonia, 1788-Roma, 1868) también escultor, autor del san Pablo de la Plaza del Vaticano, de la replica del San Ignacio de Legrós en «Il Gesú «. Fue  su colaborador,  hizo copia de «Amor y Psique» realizada con  su autorización, continuando  en el taller y  con la tradición del estilo.

Allí, entre los»Yesos» mármoles y herramientas funciona una Cafetería y un «Restaurant» para detenerse  y saborear algo en ese ambiente «diferente».

 Antonio Canova 1757-Possagno-1822-Venecia,era además un coleccionista de antigüedades y se esforzó para evitar que el arte italiano, se dispersara por otras colecciones del mundo. Considerado por sus contemporáneos  un modelo de excelencia artística como de conducta personal, desenvolvió importantes actividades en beneficio y apoyo de los artistas jóvenes. Fue director de la Academia de San Lucas de Roma e inspector general de Antigüedades y Bellas Artes de los Estados Pontificios, recibió varios premios y fue ennoblecido por el papa Pío VII quien le otorgó el título de «Marqués de Ischia».

 

Cada obra que salía del estudio pasaba por 4 fases:diseño,boceto, yeso y mármol. Una vez que terminaba el  diseño (elegía  uno) modelaba la futura escultura en cera o terracota para ver las luces y sombras sobre el volumen y luego pasaban a periodo de reposo… a veces años.

Nunca creaba por encargo sino por iniciativa propia.
La 3ª parte: la del yeso. Constituye su mayor innovación, lo hacía del tamaño que sería el original!!!

En la cuarta fase: el mármol. Aquí  entraban sus ayudantes para realizar la obra. El tomaba las herramientas en la fase final para perfeccionar y pulirla darle el acabado personal. La tarea llegaba a ocuparle meses mientras sus colaboradores le leían obras literarias grecoromanas para inspirarle.

La diferencia con Rodin de un siglo después, es muy significativa:  Canova era muy  eficiente, respetuoso y nunca tuvo discípulos, sino escultores formados a los que pagaba muy bien, mientras  que Rodin, explotaba a sus aprendices.

Con la invasión napoleónica, Canova  recibe una carta asegurándole su futuro pero el marcha a Viena  con la excusa de entrevistarse con Francisco II. Rechazó la oferta de este de instalarse en Venecia al servicio de los Habsburgo.

Atrapado entre «dos grandes» su situación era penosa se le  acababa el dinero y en 1799 regresa a su estudio en Roma lo encuentra custodiado por las tropas francesas para evitar daños. Se siente sumamente honrado por este acto de los invasores. En 1802 Napoleón lo llama a París para realizar su busto. 1803-06  y luego, Napoleón como Marte pacificador actualmente en la Pinacoteca Brera de Milán, y numerosos encargos de la familia del emperador. Rechazó los honores que le ofrecían debido al expolio que el ejército francés hacía en su patria y consiguió que se devolvieran varias piezas.

El Atelier guarda «los Yesos » y herramientas que utilizaron ambos escultores Canova y Tadolini, como también fotografías y recortes de periódicos de la época etc.

Uno puede  visitarlo  y » curiosear»simplemente, tomar un café o bien comer y charlar sobre arte o no… mientras contempla  ese «ambiente» de trabajo de ambos escultores… los precios ? como en cualquier parte.

Antonio Canova

Entre las obras más valoradas del repertorio de Antonio Canova se encuentran el retrato de Paulina Borghese, hermana de Napoleón; esta figura es la famosa mujer recostada en un diván. Otras populares esculturas son Las Tres Gracias, que expone tres perfectos desnudos femeninos; y también la obra del Napoleón desnudo en el Brera.

Amor y Psique – Museo Louvre de París

 Las tres gracias -Victoria & Albert Museum de Londres

Venus Victrix – Paolina Borghese – Galería Borghese de Roma

algo especial…

…en Purmamarca  una pintoresca y pequeña ciudad que se encuentra en el departamento de Tumbaya, en la provincia de Jujuy, Argentina, con incríbles atractivos turísticos naturales, que hacen que cada vez más visitantes lleguen hasta ella.

 

Allí encontramos: «El Cerro de los siete Colores» y las «Llamas» por cierto.

 

 

El Cerro de los Siete Colores se encuentra a un poco más de sesenta kilómetros de distancia de la población de San Salvador de Jujuy.

 

 

 

Los colores se basan en sus características químicas y el tipo de material:

Color Salmón: compuesto por arcilla roja, fangolitas (fango) y arilitas (arena); edad: 3 a 4 millones de años.
Color Blanquecino: piedra caliza o calcárea, cualitas de color blanco; edad: 400 millones de años.
Colores Pardos, Marrones y Morados: violeta (compuesto por plomo), compuestos por margos arnidosos, ricos en carbonato de calcio; edad: 80 a 90 millones de años.
Color rojo o Colorado: compuesto por arcilitas (hierro)y arcillas pertenecientes al terciario superior, edad: 3 a 4 millones de años.
Color Verde: compuesto por filitas, pizarras de óxido de cobre: edad: 600 millones de años.
Color Pardo Terroso: fanglomerado compuesto por roca con manganeso perteneciente al cuaternario; edad: 1 a 2 millones de años.
Color Mostaza amarillento: areniscas calcáreas con azufre; edad: 80 a 90 millones de años.

Por cierto que tiene su leyenda  que los lugareños cuentan  con  especiales detalles.

El poblado,  al anochecer, como para empezar a contar su leyenda…

Los Pintores mágicos

 La «Pachamama» (madre Tierra) encomendó a los duendes un bellísimo trabajo:  Embellecer los cerros de la Zona.

A la luz de «Mama Quilla» (que es la Luna Llena) que alumbra a  los duendes para su tarea. Estos saltan y ríen, están felices, pintando, es su trabajo y también una ofrenda a los dioses.

Los ríos no son ajenos al espectáculo y se tiñen color tierra cuando los duendes enjuagan en ellos sus pinceles, así el agua del deshielo llega a la gente llena de la magia con la que los pintorcitos colorean el cerro.

Durante toda la noche los artistas mágicos desarrollan su tarea. Usan el rosa de los flamencos, el rojo de los minerales de la mina, piden prestado un poco de verde a los pastos del valle, al dorado se lo robaron a «Inti» (el sol) y del centro de la tierra traen el naranja, el azul se hizo con un poco de cielo de noche mezclado con el blanco del salar.

Los pintores preparan los colores en la paleta y esperan la aprobación de la «Pachamama» para seguir la tarea.

La Madre tierra contempla la obra, se siente satisfecha y orgullosa de sus duendes.

Los cardones que antes guiaban a los duendes dónde tenían que ir pintando, ahora les avisan la llegada próxima de «Inti». «Mama Quilla» empieza a esconderse tras la cordillera. Los duendes empiezan a juntar sus cosas, y al paso van pincelando el paisaje y salpicando colores por todas partes.

Los duendes se van a descansar cuando otros seres empiezan a despertarse. Van a volver cuando de nuevo «Mama Quilla» vuelva y seguir con la tarea que la «Pachamama» les ha encomendado, tarea interminable. Su trabajo será admirado por todos a la luz de Inti, y no sólo por los lugareños, sino que atraerá miles de gentes de otros lugares muy  pero muy lejanos.

Dicen que el canto que no puede oírse de los duendes, se ha convertido en un eco que viene de lo profundo de los cerros y las personas lo han recogido en una copla que los pobladores de Purmamarca y Maimará suelen cantar cuando el crepúsculo llega, acompañados por sicus, erkes, y el sonido del viento.

Las voces se elevan y cantan esta coplita para darle ánimo a los duendes, para agradecer su obra y para que las voces que chocan en las paredes de los cerros, golpeen las partículas de sal de los pigmentos y las hagan brillar como estrellas en la noche:

Hay fiesta hoy en el cielo,
La luna llena se acerca,
Los duendes más que felices
De comenzar la encomienda.

Con pinceles de vicuña,
Con colores y con magia,
Bajan por la quebrada
Ofrendando a «Pachamama».

Antes que el Sol los alcance,
Antes que las estrellas se apaguen.
Pintarán colores y sombras,
En la quebrada del Valle.

Con gritos sordos, los duendes
Me cantaron esta copla
Me la contaron al oído
Para pasarla de boca en boca.

En la zona también son famosas las celebraciones religiosas y otras festividades como el carnaval que se celebra en febrero. Es el lugar elegido por las estrellas de Hollywood para recargar energías. Un destino que hay que tener en cuenta si se viaja al norte de Argentina.

 

 

El Padre Pozzo

 

 

La primera Iglesia Jesuita de Roma es«Il Gesú» que el propio san Ignacio de Loyola empezara y dedicara al  Santo Nombre de Jesús.

La segunda, es la Iglesia de San Ignacio de Loyola.

Este es un edificio barroco dedicada a san Ignacio, fundador de los Jesuitas y por consiguiente de la Compañía de Jesús. Construida en 1626 por el jesuita Orazio Grassi por voluntad del Cardenal Ludovico Ludovisi.

Andreas Puteus -llamado el padre Pozzo-  Nació en Trento, 30 de noviembre de 1642 – fallece en Viena, 31 de agosto de 1709. Pintor, arquitecto, diseñador de escenarios y teórico del arte barroco italiano. Este fraile jesuita, fue el autor de los famosos y maravillosos lienzos realizados con la técnica del trampantojo o trompe-l’oeil  que la decoran  para nuestro delite.

Exuberante y cordial por temperamento, el padre Pozzo ponía gran fantasía en sus obras.
Desde muy joven se apasionó por la pintura y por la arquitectura, logró gran habilidad en el dibujo y el colorido. A los veintitrés años manifestó deseos de entrar en la orden de los Jesuitas. Se hizo hermano de la Compañía en Milán en 1665 ejerciendo su afición pictórica en las iglesias de la Orden en Turín, Mondovi, Módena, Montepulciano y Arezzo y posteriormente en palacios y otros templos .

En Mondovì.

«San Francisco Xavier»

La decoración en el techo del ábside de esta iglesia fueron las primeras composiciones importantes de Andrea Pozzo, llevado a cabo desde 1676. El trabajo principal está en el techo e ilustra la apoteosis de St Francis Xavier. Consiste en una cúpula octogonal dummy  y balcones, columnas y arcos en proyección.  El espacio es relativamente pequeño y el trabajo no es especialmente grande, la composición es compacta y tiene pocos caracteres, pero tiene fuerza y es eficaz en su efecto de tridimensionalidad mediante el uso hábil de la perspectiva y los contrastes de luces y sombras tan apreciadas en el barroco.

En Roma

La» Iglesia de San Ignacio de Loyola» 

Con la «iglesia de San Ignacio» de Roma llegó a uno de los puntos más altos de la pintura decorativa e ilusionista del siglo XVII

En 1640, con motivo del centenario de la fundación de la Compañía de Jesús, se celebra una eucaristía en una iglesia a medio construir, con un techo provisional. En el proceso de construcción de la iglesia se plantean dos problemas que hacen modificar el proyecto original de Grassi. El primero será la fachada, cuyo segundo piso se modificará y se adaptará a la altura más baja de las naves laterales, empleando para ello unas elegantes volutas. Otro grave problema que se planteó fue la construcción de la cúpula. El espacio era excesivamente amplio y la comisión de arquitectos reunida para buscar una solución, no encuentra una adecuada, ni siquiera la propuesta por Grassi, y que además se adaptase al nuevo recorte de presupuesto por parte del competente Ludovisi, que marchó a Cerdeña y al poco tiempo murió. Grassi también fallece sin darle solución. La solución más sencilla y a la vez la más genial viene de la mano de otro jesuita, Andrea Pozzo en 1685, que realiza una falsa cúpula pintada sobre tela. La «anamorfosis» y perspectiva en su más alto nivel. La iglesia es inaugurada finalmente en 1722 doce años después de la muerte del Padre Pozzo.

La brillante perspectiva ilusionista de la bóveda de Pozzo en «San Ignacio»  parece borrar y levantar el techo con una impresión tan realista que es difícil distinguir que es verdadero o no.

Andrea Pozzo pintó este techo y la bóveda en una lona, de 17 m de ancho.

Las pinturas en el ábside representan escenas a partir de la vida de San Ignacio, de San Francisco Javier y de San Francisco de Borja.

El primer punto, marcado con un disco dorado en el pavimento ofrece la mejor vista de la bóveda, donde Pozzo construyó otro templo superpuesto al real, con columnas que se elevan en el vacío.

 

 

La falsa cúpula  de «San Ignacio» también pintada sobre tela  con un efecto espectacular!

Trabajó en «Il Gesú» de manera admirable

En 1695 le concedieron el prestigioso encargo, después de ganar una competición contra Sebastiano Cipriani y Giovanni Battista Origone, de realizar un altar en la capilla de San Ignacio en el transepto izquierdo de la iglesia del Gesù.

La impresionante Cappella di San Ignazio es la obra maestra de la iglesia, diseñada por Andrea Pozzo y que alberga la tumba del santo. El altar realizado por Pozzo muestra a la Trinidad, mientras que cuatro columnas chapadas de lapislázuli encierran la colosal estatua del santo, obra de Pierre Legros el Joven. Sin embargo, la última es una copia, probablemente de Adamo Tadolini trabajando en el taller de Antonio Canova: el papa Pío VI hizo que se fundiera el original, seguramente para pagar las reparaciones de guerra a Napoleón, como se estableció en el Tratado de Tolentino de 1797.

Originalmente, el proyecto fue diseñado por Giacomo della Porta, luego por Cortona; pero al final Pozzo ganó un concurso público para diseñar el altar. Un lienzo del santo recibe el monograma con el nombre de Jesús del Cristo Resucitado celestial atribuido a Pozzo. Hay una urna de bronce, obra de Algardi que conserva el cuerpo del santo, debajo quedan dos grupos de estatuas de La Religión flagelando a la Herejía por Legros a la derecha del altar, y Triunfo de la Fe sobre la Idolatría de Jean-Baptiste Théodon, a la izquierda del altar.

Andrea Pozzo también diseñó el altar de la capilla de San Francisco de Borja en la misma iglesia.

También pintó escenas a partir de la vida de San Estanislao de Kostka, en el cuarto del santo en la iglesia barroca diseñada por Gian Lorenzo Bernini y Giovanni de’ Rossi en el siglo XVI, construida por la orden Jesuita  para el noviciado en la colina del Quirinal en Roma.

En Florencia

Su autoretrato

En 1681 Cosimo III de Medici, duque magnífico de Toscana le encarga pintar su autorretrato para la colección ducal (ahora en la Galería de los Uffizi en Florencia).Este óleo sobre lienzo se ha convertido en el autorretrato más original. Muestra al pintor en una actitud diagonal, demostrando con su dedo índice derecho una bóveda pintada al fresco (posiblemente la abadía de Arezzo), mientras que  su mano izquierda se reclina sobre tres libros (que se refieren probablemente a sus tratados sobre la perspectiva). La pintura fue enviada al duque en 1688.

 

En Austria

Palacio   Liechtenstein – de Viena – 

«La Sala Hércules»

Escena mitológica de Hércules y los dioses del Olimpo, obra de Andrea Pozzo, la Sala es el emplazamiento ideal para conciertos u otro tipo de eventos.

Su obra para la» Iglesia de los Jesuitas» de Viena

Fallece en Viena en 1709 en un momento en que meditaba regresar a Italia para diseñar una nueva iglesia de los jesuitas en Venecia. Lo enterraron con grandes honores en una de sus mejores realizaciones: «La Iglesia de los Jesuitas».

Pozzo publicó sus ideas artísticas en un trabajo teórico conocido como «Perspectiva pictorum et architectorum» (2 volúmenes, 1693, 1698), ilustrado con 118 grabados, dedicado al emperador Leopoldo I.

Algunas imágenes del Tomo I

 

En él ofrece el uso de las perspectivas arquitectónicas en la pintura. Este trabajo es uno de los primeros manuales de perspectiva para los artistas y los arquitectos.

La primera parte de la obra explica los fundamentos de la perspectiva, y muestra el sistema de representar según sus reglas los elementos de los distintos órdenes clásicos, las partes de las construcciones, los aparatos arquitectónicos para las solemnidades religiosas, teatros, cúpulas y sofitos.

La segunda parte aplica un método más expeditivo, usado por el autor para la representación en perspectiva de arcos, teatros, cúpulas, altares, escalinatas, iglesias circulares y longitudinales, colegios, fortificaciones y demás.

Su obra, fue de gran utilidad a los pintores de perspectiva y «cuadraturistas» del siglo XVIII siendo traducido durante el siglo XIX en posteriores ediciones del latín e italiano originales al francés, alemán, inglés y chino, gracias a la red de  jesuitas que se repartían por el todo el mundo.

 Y por último …

Y este detalle fascinante por lo audaz ideado por el Padre Pozzo antes de 1700:» La Macchina Barroca»  donde su Lienzo baja para mostrar la estatua de San Ignacio de Legrós mientras suena la música de órgano, voces  y se encienden  paulatinamente todas las luces del templo el hecho sucede a las 17:30.

 

 

Modas en el arte?

En la iglesia de Ognissanti  de Florencia está el fresco de  «San Agustín » de  Sandro Botticelli pintado hacia 1480 durante el Renacimiento Florentino.

El santo está espectacular!!! en su actitud, con su mirada  profunda y su mano sobre el pecho, gesto que indica  que tiene un corazón sentido. Pero… es un San Agustín diferente,neoplatónico! el libro que tiene abierto ante si, es un tratado de Geometría !!!! y está rodeado de instrumentos propios de los astrónomos, geómetras y matemáticos y no un libro de Teología como era de esperar.

La recuperación de Platón, en el Renacimiento es la recuperación de la matemática  y Botticelli pertenecía al circulo neoplatónico Florentino y por si eso fuera poco, la iglesia, fue Capilla de los Vespucci.

La familia Vespucci debe su fama en todo el mundo a uno de sus componentes: el navegador Amerigo Vespucci, del que viene el nombre de América, ya que fue el primero en comprender que las tierras donde había llegado Colón no eran las indias, sino otro continente. La mayoría de los entendidos en la materia   no estuvieron de acuerdo con el honor  que le fue otorgado de llamar América, al continente descubierto por Colón, levantando una polémica que todavía existe.

El término Renacimiento deriva de la expresión italiana rinascita , vocablo usado por primera vez por el literato Petrarca .

Uno de los cambios más destacados  de ese momento es la aparición de la perspectiva, que consiste en la representación de la tercera dimensión y la «Pasíón» por los instrumentos  «raros»

La astronomía fue uno de los campos más importantes en el progreso científico, que influirá en el cambio de pensamiento de los europeos. Por esos años e producen también extraordinarios inventos en el campo de la navegación , impulsados por el descubrimiento de América  aparecen el Astrolabio y el Nocturlabio, Esfera Armilar la Carta náutica o Portulano , inventos que facilitaron la navegación y el afán de aventura y conquista de nuevos territorios.

 Volviendo a Botticelli , este, pidió ser sepultado  a la entrada de la famosa  Capilla de Ognissanti.  Un disco de mármol blanco a  los pies de la tumba de su amada modelo, la hermosa Simonetta Vespucci,  que fuera proclamada “Reina de la belleza” durante un torneo de justas en 1475 y de la que el permaneció enamorado toda su vida.

Su deseo le fue concedido.

También está la de Amerigo como integrante de la familia que era

Lápida de Amerigo Vespucci –                                  y de Botticelli, ambas en la Capilla Vespucci

Pero he aquí una sorpresa:

El escudo de esta lápida, no pertenece al navegante florentino, sino a su abuelo homónimo. La placa menciona el año 1471 e incluye el blasón en la típica «cabeza de caballo» de la heráldica italiana, que  vemos también  en el fresco de  «San Agustín» de la Capilla.

«El nombre de «Vespucci» se relaciona con las avispas (Vespa)» 

Este es el blasón de los Vespucci con avispas  como era de esperar!

Posiblemente Botticelli  no fue quién introdujo «la Moda» de los Instrumentos Modernos de navegación o astronomía rodeando a santos y otros  personajes  ilustres pero si quién hizo una versión magnifica con su San Agustín rodeado de ellos.

En   Venecia, en  la Scuola di San Giorgio degli Schiavoni se encuentra otra admirable pintura del mismo estilo de Vittore Carpaccio, datada de 1502, que reproduce el gabinete de San Agustín, probablemente inspirándose en el fresco magistral de Botticelli pintado 20 años atrás.

Una vez más nos encontramos con un San Agustín, «sabio en astronomía» para nuestra sorpresa. Una esfera armilar en la estantería de la derecha y todo un armario de astrolabios y cuadrantes en el fondo izquierdo aunque puso la Mitra y el Báculo junto al altar del fondo.

En la época en que se ejecutaron tanto el fresco como el cuadro, la astronomía y la astrología no estaban muy separadas, de hecho muchos astrónomos –incluido Kepler- tenían que realizar horóscopos. La gente sentía especial atracción por dichos objetos   y determinados descubrimientos científicos y geográficos.

La irrupción de una nueva sensibilidad y su plasmación ocurre  treinta años después  con  la lograda pintura de Hans Holbein el Joven( en la Nacional Gallery), conocida como «Los embajadores (1533)» considerada su obra cumbre ya finalizando el Renacimieto. Todas las contradicciones de una época se ponen de manifiesto: el sentimiento religioso de que todo es vanidad y la atracción por los objetos.

La anamórfica calavera  ( extrañamente colocada en el centro   ).

Para corregir la deformación del hueso de sepia y observar el cráneo , puede utilizarse el dorso de una cuchara. Colocando la mirada frente al dorso de la cuchara y modificando su orientación, se observa fácilmente el cráneo sobre ella. Si se tiene una versión impresa de la pintura, puede dirigirse la mirada en el plano formado por la hoja y corregir la perspectiva.!Toda una novedad!

En Londres el mensaje será el de las vanidades: Todo es Nada.

Hans Holbein el Joven también utiliza los mismos instrumentos en el «Retrato del astrónomo Kratzer», actualmente en el Louvre de París

 

La pintura es del segundo cuarto del XVI, ya el Renacimiento está fuera prácticamente, falta el telescopio porque recién  en 1609,  Galileo enfoca el cielo con su rudimentario catalejo.

Holbein no pone aquí la carga simbólica de «Los Embajadores», pero muestra la variedad de instrumentos que existían.

 

A la moda de las «Vanitys» siguieron la de los instrumentos, a estos, la de retratar personas con los atributos de santos (el famoso Murillo  retrató a media sociedad de Sevilla), «la Moda»  de los coleccionistas  fiebre que se desató con el neoclasicismo  cuando se desenterró Pompeya o cuando comenzaron los viajes a Grecia para ver sus ruinas …

También los artistas fueron «Moda» al  igual que sus obras: Miguel Ángel fue «el Divino»  de la devoción por Rafael Sanzio  surgió la  nueva corriente decimonónica  «Los Prerafaelistas».  También  se olvidaron  de  las antiguas y endiosadas celebridades como Zurbarán, Tiépolo y otros.

Botticelli no tuvo mejor suerte,  permaneció  injustamente ignorado por siglos, pero no así su  «San Agustín» de la Capilla  de Ognissanti , tal es la seducción que el fresco  ejerce  sobre el observador  que siempre conquistó al público de todas la épocas despertando  la  admiración de todos.