El tesoro de Cracovia …

El tesoro de Cracovia …

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Es sin lugar a dudas «El  Retablo» de Veit Stoss –Ingenio Stwosz. Se disputan  la nacionalidad del autor: Alemania y Polonia.

Está ubicado en la Basílica de Santa María la Parroquia principal de la ciudad de Cracovia y es tesoro nacional de Polonia.

Antes de que la ciudad obtuviera derechos urbanos, el primer templo ya estaba erigido en el lugar actual. Ya para 1.222, era la principal iglesia parroquial del pueblo. Este hecho nos explica, por qué  hoy la Basílica de Santa María está situada de forma oblicua con respecto a la Plaza Mayor.  Simplemente …porque la Plaza Mayor todavía no existía. Hoy,  eta considerada  una de las más grandes y hermosa  Plaza de Europa.

Los restos de la primera iglesia románica y fragmentos de la iglesia posterior de estilo gótico temprano están debajo de la actual. El templo que vemos, se remonta a la segunda mitad del siglo XIV,  que gozaba del mecenazgo de adineradas familias burguesas por eso las  maravillosas obras de arte que contiene.

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La historia del retablo empezó con el derrumbe de la bóveda del presbiterio  en 1442,  que destruyó el antiguo retablo del templo. Ante esta situación, los concejales cracovianos resolvieron erigir uno nuevo, digno de la ciudad capital y le encargaron la obra a Veit Stoss que por entonces vivía en Nuremberg. Gracias a este encargo, el artista ganó riqueza,  fama y numerosos clientes. Fue realizado entre los años 1477 -1489  y dedicado a la Virgen María. Recibió 2.808 florines por realizar la obra —¡Era una suma equivalente al presupuesto anual de la ciudad! 

El Altar cerrado

Se pueden apreciar 12 momentos de la vida de la Virgen  acompañando a su hijo Jesús. Son de brillante colorido pintadas sobre madera

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1ºSan Juaquín y Sta.Ana                   7ºCrucifixión
2ºNat. de María                           8ºdescendimiento
3ºPres. de María en el Templo             9ºEntierro
4ºPres.de Jesús en el Templo              10ºBajada al Limbo
5ºJesús entre Dres.                       11º Las 3 Marías
6ºPrendimiento                            12º Cristo Resucitado

El altar es pentáptico, es decir, se compone de cinco partes: el panel central flanqueado por dos alas moviles y dos alas inmóviles. Debajo (banco) del panel central  tallado Árbol de Jesé ( Genealogía de María-Jesús).

Tiene, 13 metros de altura y 11 metros de ancho. Según investigaciones llevadas a cabo sobre esta obra, Stoss usó  madera de 500 años!!!   quiere decir que actualmente es de madera milenaria!

El Retablo Abierto

Como todo retablo de la Europa del Norte, estos eran trípticos o Polípticos con la particularidad que durante las épocas de Cuaresma y Adviento (tiempo de preparación) se mantenían cerrados, abriéndose para las Festividades y el Tiempo durante el Año.

Las figuras de la escena principal ─Dormición de la Virgen María rodeada por apóstoles─ miden casi 3 metros. El fondo está construido con madera de alerce y cada talla es un tronco de tilo. Otras partes del retablo están hechas de madera de roble. En todo el espacio, se muestran escenas de la vida de la Virgen María y de Jesús. En total: son 200 tallas perfectas!!

El conjunto es de una claridad compositiva exquisita. La escena principal pertenece a la  “Leyenda Dorada” de Jacono de la Vorangine,  que fue extremadamente popular  en la Edad Media. Maria murió rodeada por los Apostoles.Vemos en el grupo central la escena de la muerte de María,  curiosamente no nos muestra a la Virgen yacente sobre un lecho como era habitual,  la vemos arrodillada, haciendo sus últimas oraciones antes de morir sostenida por al apóstol San Pedro, a su lado un san Juan entre sorprendido y dolido como el resto de los integrantes de esta obra.

 

EL rasgo principal del retablo no es solo su belleza, sino también su realismo. Las figuras creadas por el autor reflejan el aspecto físico de los cracovianos de la época, incluye todos los detalles, también los menos bonitos: manos deformadas por el trabajo y la artritis, cabezas peladas, venas visibles debajo de la piel.  Además las expresiones y el tratamiento de los ropajes. telas brillantes, livianas con un movimiento increíble… fue algo asombroso para la época.  El retablo refleja la realidad de su tiempo.

En el siglo XX por los años 30 se llevó a cabo una disertación Dermatológica  dedicada a las enfermedades cutáneas típicas de la Cracovia Medieval , el autor, se apoyó precisamente en esta obra.  Sorprendente  verdad?

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 En la cumbre del altar esta representada La Coronación de Maria Virgen. Aqui Maria esta esculpida con Dios Padre y Jesús.  Observan la escena dos angeles y dos santos:  Los Patronos de Polonia – san Estanislao (a la izquierda) y san Adalberto (a la derecha).

 

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Santa Maria representada como una mujer hermosa. Unos dicen que Maria tiene faz de Barbara – esposa de artista.

Los Apóstoles: mendigos, que Vit Stoss encontraba cuando trabajaba en la iglesia – uno es calvo, otro tiene tiroides, otro presenta su musculos flacos, figuras talladas con una gran precisión anatómica los ropajes , barbas y cabellos espléndidos, naturales y con movimiento.

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Los Apóstoles que estan cerca de María  la miran. Los que estan en bordes, tienen  sus cabezas levantadas mirando  donde esta representada  la Asunción de María-  rodeados por Angeles con instrumentos musicales.

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En las esquinas de la escena central hay cuatro Doctores  y Padres de la Iglesia: Ambrosio, Jerónimo de Estridón (con capello rojo), Augustin de Hipona y Gregorio Magno ambos con mitra.

En las esquinas de la escena central hay cuatro Doctores  y Padres de la Iglesia: Ambrosio, Jerónimo de Estridón (con capello rojo), Augustin de Hipona y Gregorio Magno ambos con mitra.

 

 

 

 Los Paneles Laterales

La Anunciación, y hacia abajo se continúa con la Natividad y la posterior Adoración de los Magos. 

 

Mientras que en el lateral derecho la Resurrección de Jesús, su Ascensión y la Venida del Espíritu Santo en Pentecostés.

 

Veit Stoss, uno de los escultores góticos más valorados en el este de Europa por el naturalismo y la gran expresividad que muestra en sus obras. Se puede establecer un paralelismo entre este retablo de Stoss y el cuadro El Descendimiento de Rogier van der Weyden, ambos genios indiscutidos del gótico tardío.

La apertura del Retablo

 

 

 

Sobrevivió… de milagro!!

Unas semanas antes del brote de la Segunda Guerra mundial y de la ocupación alemana en Polonia, desmontaron el altar y almacenaron sus estatuas principales en cajones dispersados a través del país.

Cuando inició la Segunda Guerra Mundial, Hitler declaró que por ser de  un artista alemán esa pieza le pertenecía y lo sustrajo. Los cajones fueron localizados por una unidad nazi llamada Sonderkommando Paulsen  y transportado al Tercer Reich, probablemente a Berlín. Los paneles también se encontraron y se enviaron a Alemania.  Los presos polacos enviaron mensajes a miembros de la resistencia de su país informando que el altar amado, se encontraba en los sótano del Castillo de Nuremberg. El altar sobrevivió la guerra a pesar del bombardeo a Nuremberg  que fue intensísimo y se devolvió a Polonia en 1946, donde se sometió a la restauración principal en 1949.

Volvió a la en la Basílica de Santa María  años después, al mismo lugar para el que fue creado .

Verlo es todo un reto. Su  belleza y esplendor dejan huellas de «inolvidable»… para quien lo contemple.

El retablo de Santo Domingo en Fiesole

El retablo de Santo Domingo en Fiesole

El «Retablo de Santo Domingo” Es una Témpera y pan de oro sobre tabla datada 1423-24,  está en el Convento de Santo Domingo de  Fiésole-Italia. Se trata de la primera obra importante realizada por el artista Guido di Pietro da Mugello llamado por todos Fra Angelico.

El motivo del encargo fue la reconstrucción del antiguo convento de Fiesole, gracias a las donaciones de un comerciante de Florencia, Barbana degli Agli.

Fra Angelico pinta con la santa paciencia de los miniaturista utilizando colores al temple, pinta el retablo de santo Domingo sobre riguroso fondo dorado.

Santo Tomás de Aquino -el más grande estudioso de la Orden- de los predicadores con una pluma y un libro en sus manos, San Bernabé, -patrón de Barnaba degli Agli, benefactor del convento, a quién se dedicó la iglesia (seguramente como referencia al comitente de la obra, Barbana)Los Hechos de los Apóstoles 4,34-37, narra que Bernabé vendió su finca, y el producto que de ella obtuvo lo entregó a los apóstoles para distribuir entre los pobres.Fue un gran colaborador de San Pablo, quien a su regreso a Jerusalén tres años después de su conversión, recibió de Bernabé apoyo ante los demás apóstoles, e intercesión para obtener la aceptación del resto de los apóstoles de Jerusalén a su ministerio.- A la izquierda, San Pedro Mártir,  fue un religioso dominico y sacerdote, miembro del Tribunal del Santo Oficio, su predicador más elocuente. Se lo considera el protomártir de la Orden dominicana y el santo fundador de la Orden Santo Domingo de Guzmán con el detalle de la estrella  en su aureola típica de los santos Domingo que pintara Fra Angelico.

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Sobre un suelo embaldosado de carácter geométrico se levanta un pedestal de mármol en semicírculo donde se asienta el trono de la Virgen La imagen de María con el niño se sitúa en el centro, rodeada por ocho ángeles de vistosas y coloridas alas  que oran a la Madre de Dios enmarcando el trono. Su vestido cae de forma ondulada con un suave estudio de los pliegues, utiliza un tono azul que caracteriza el manto de gloria. El Niño, desnudo, está en movimiento para tomar la rosa que su madre lleva en la mano. Los nimbos de santidad están realizados en pan de oro y marcados con un ligero relieve.

Era  muy difícil encontrar obras que sugieran  movimiento por esas épocas, Fra Ángelico lo introduce aquí sencillamente, en la actitud del Niño y en la Predela.

 La remodelación

Se trataba de un tríptico de estilo gótico tradicional por esas épocas, pero fue remodelado por Lorenzo di Credi convirtiéndose en una sola tabla en 1501 y con claros detalles de la nueva moda Renacentista.

El fondo dorado desapareció dando lugar a dos ventanas con paisajes y en el centro el trono de la Virgen con baldaquino  una estructura arquitectónica de carácter clásico a los lados, dos finas columnas y se agregaron santos que no son obra de fraile pintor posiblemente de Lorenzo di Credi o de algún ayudante.  Años después se retiró la Predela.

La parte inferior,  de la Gloria del Señor con todos sus ángeles y santos pasó al Museo Británico.

PEDRELA DEL RETABLO DE SANTO DOMINGO

Esta era la Predela,  el Banco, o la parte de abajo de un altar… Bellísimas imágenes que representan a los santos,santas y mártires que en su momento dieron la vida por Cristo. Ejemplos si duda para todo Cristiano que se precie.

 

La tabla central

En el Centro el Cristo glorioso Resucitado. En los extremos de la predela los santos Dominicos que coronaron de gloria la orden. No son de la época de Fra Angelico

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La única parte que se salvo de la intervención de manos ajenas fue el Cristo en Gloria, tabla central de la predela actualmente en Londres que nunca fue retocada  y con un colorido grandioso verdaderamente auténtico de su creador. En ella, Cristo Glorioso. rodeado de sus ángeles con esas alas tan particulares que solo él podía pintar con variado colorido probablemente heredado del gótico. Todos ellos muestran  un elegante movimiento, sus gestos de una gracia sin igual, como también sus ropajes con suaves ondulaciones y graciosa caída de ahí su apodo  y con mucha justicia.

Igualmente recibió el apelativo de Angélico por el valor teológico de todas sus pinturas. Decía que para pintar se inspiraba en la doctrina teológica de Santo Tomás de Aquino (1225-1274), llamado también el Doctor Angélico.

Santos y Mártires,

La gloria de la Iglesia una de las tablas de la Predela (Izquierda)

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Tabla de la Predela (derecha)

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Lo agregado

Los santos de la Orden  de los Predicadores en los dos extremos

FRA ANGELICO LOS SANTOS DOMINICOS 1424

 

 

La obra constituye un paso más en el continuo proceso revolucionario en las artes que se dio en el primer renacimiento con autores como Fra Angelico.

 

 

 

Aquí, dos Iluminaciones de su autoría como miniaturista. Dejó este legado en Fiesole.

Giorgio Vasari en su «Vida «de los mejores pintores, escultores y arquitectos dice de Fra Angélico:“nunca levantó el pincel sin decir una oración ni pintó el crucifijo sin que las lágrimas resbalaran por sus mejillas”. Y añade que “habiendo sido excelente pintor y miniaturista y óptimo religioso, merece por ambas razones que de él se haga honradísima memoria”.

En 1436 a la comunidad de dominicos donde profesaba Fra Angelico le fue encomendada el monasterio de San Marcos en Florencia. Para ese monasterio pintó una serie de frescos, unos cincuenta!!!, Decoraban las celdas de los frailes y creo que son los más divulgación tuvieron y por todos reconocidos. Son pinturas que ayudan a la devoción privada de los monjes, su colorido y composición invitan  a la serenidad y al sosiego. El cobra por su trabajo… y todo va a la comunidad monacal.

Para Fray Angélico, el pincel, lienzos, los retablos o paredes donde plasmaba sus obras se convertían en el areópago donde anunciaba el Evangelio.

Muere en Roma terminando la decoración del convento dominico de Santa María sopra Minerva donde le dieron sepultura.Su arte exquisito fue amable, de suaves colores y líneas sencillas para representar muy bien los sentimientos espirituales. Se considera a su obra un intento de armonizar lo religioso medieval con la nueva estética renacentista italiana.

El Papa Juan Pablo II, en el motu proprio que escribió por su beatificación en 1982, aseguraba que sus obras “son fruto de suma armonía entre la vida santa y la fuerza creadora que actuaba en él”.“Obras que invitan a que el hombre  pueda contemplar las cosas divinas”, dijo el pontífice.

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Lápida sepulcral de Fra Angélico por Isaia de Pisa ( 1455 ) en la iglesia de Santa María Sopra Minerva en Roma.

Cezanne: «Pintor de pintores»

Cezanne: «Pintor de pintores»

«Pinto porque veo, porque siento -tengo fuertes sensaciones-,
también usted siente y ve como yo, pero no se atreve […]
Yo tengo el valor de defender mis opiniones…»
                                                                                                Paul Cézanne

Cézanne, fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Se fue volviendo huraño, se fue retirando y terminó teniendo fama de loco, de excéntrico. Cada día más terco e indomable,  se negaba a aceptar las consignas del grupo de los impresionistas que se reunían en el Café Guerbois en cuya puerta un día le dijo a Manet, que se vestía como un dandy: “No le doy la mano porque no me la he lavado en ocho días”.

Mary Cassatt, la pintora norteamericana, que le conoció en una comida en Giverny, en el entorno de Monet en1894. Cuenta que le vio bastante moreno con mucho entrecejo,  le pareció un completo desastre su aspecto general y luego, cuando  le vio comer, pensó que era un ordinario, raspaba el plato con la cuchara, ruidoso, en fin, no tenía ninguna educación a la mesa. Luego, hablando con él, descubrió que era un hombre extraordinariamente sensible, delicado y culto para su  gran  sorpresa.

La crítica y el público  lo ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación de pintores.

 «Pintor de Pintores»

Monet y Renoir vendían bien por los años ’80 del siglo XIX. A Cézanne eso le costó una década y media más, su impacto fue mayor en el siglo XX.  Monet  que tuvo un enorme eco por 1880-90  fue cayendo en «desuso»  digamos así, en las primeras décadas del s.XX, cuando todavía vivía, mientras que  Paul Cézanne era un pintor absolutamente actual para «los cubistas«,  «los fauves», «los expresionistas alemanes»y para el «abstracto» de Kandinski.

Su obra solo empezó a ser conocida y a vender de verdad a partir de 1895. Antes nadie, sabía quién era Cézanne!!!. Ni se hablaba de él en París… En parte porque no había tenido éxito y porque se había retirado a Aix y cansado, no había intentado exponer.

Ambroise Vollard fue el primero en darse cuenta del genio de este pintor, que abrió la puerta a la vanguardia. Iba por París vestido como un mendigo, mal afeitado, con un chaleco rojo bajo una chaqueta raída y sus cuadros eran objeto de escarnio, rechazados en todos los Salones de pintura. A partir de 1895 empieza a hacer exposiciones cada dos años. Comienza a ser muy conocido, bien mirado por los jóvenes y muy respetado por sus colegas. La última década del s. XIX (en 1906 muere) se convierte en una referencia fundamental de la pintura moderna e internacional.

Una anécdota de Ambroise Vollard

En su galería de arte de la Rue Lafitte entró un día la coleccionista Gertrude Stein.

– ¿Qué vale este Cézanne?
– Quinientos francos -contestó Vollard.
– ¿Si compro tres?
– Mil quinientos.
– ¿Y si le compro los diez que tiene?
– Entonces, cincuenta mil.
– ¿Por qué?
– Porque entonces me quedo sin Cézanne.

Buscaba…

…y en la naturaleza encontraba  las formas esenciales, las figuras geométricas, el prisma, la esfera, la pirámide y en consecuencia, plasma lo que contempla. “No debemos estar satisfechos de memorizar las hermosas fórmulas de nuestros ilustres predecesores. Salgamos y estudiamos la naturaleza hermosa”.

Distorsiona inteligentemente la perspectiva, se emplea la simplificación geométrica y  usa la técnica del facetado, características que adoptarían «los cubistas» 15 años después, siguiendo una de las máximas del pintor: «Todo en la naturaleza está modelado según la esfera, el cilindro y el cono»

“La sombra es un color como lo es la luz, pero menos brillante. La luz y la sombra son sólo la relación de dos tonos”. Para Cezanne, la luz tiene gran importancia en la obra. “La luz no es una cosa que puede ser reproducido, sino algo que debe ser representado usando otra cosa… los colores”.

Dos destacados «cubistas«, Gleizes y Metzinger, justificaban esta relación diciendo que «quien comprende a Cézanne presiente el cubismo«.

 Los jugadores de cartas

Durante la década de 1890 Cézanne pintó una serie de cuadros con la temática de «los Jugadores de cartas» campesinos de Aix, el pueblo natal del pintor y muy probablemente trabajadores del Jas de Boufan, la casa familiar de Cézanne)

 


Las dos figuras se sientan a ambos lados de una pequeña mesa sobre la que apoyan los codos. Los dos hombres están concentrados en el juego, interesándose el maestro en captar sus expresiones, y los presenta tocados con sombreros típicos de las clases sociales humildes de la Provenza. El espectador  (nosotros)se convierte en uno de los frecuentes observadores que contemplan estas partidas en las tabernas, al situarnos  en un plano cercano a la escena. La iluminación artificial se manifiesta en las sombras, especialmente en el reflejo blanco de la botella.La aplicación del color se realiza a base de fluidas pinceladas que conforman «facetas«, elementos identificativos del cubismo.
A diferencia del impresionismo del que Cézanne parte, en este trabajo prima el volumen y la forma sobre la luz, obteniendo ese volumen gracias al color en estado puro.

Él llegó a saber de su éxito, pero no le interesaba demasiado. A la exposición de Vollard del año 1895 ni se molestó en ir y luego haría eso mismo otras veces.

Pocos nombres famosos hay comparables con él: del final del siglo XIX:Van Gogh y Gauguin, y en el s.XX: Picasso y Matisse.

Versiones de «Los jugadores»

1890-92, óleo sobre lienzo, 134,6 × 180,3 cm Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania-La primera versión

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Tres personas se encuentran jugando a las cartas, mientras que los otros dos personajes se sitúan detrás de la mesa. Uno de ellos contempla el juego de cerca,mientras que el quinto campesino no muestra interés, manteniendo una expresión de abstracción.

Cézanne centra la vista de forma frontal, aunque la mesa esta dispuesta de tal manera que podamos observar lo que se posa sobre ella. Esta partida debe haberse realizado en una casa particular en lugar de un bar, ya que se percibe la ausencia de bebida y se encuentra la figura de un jovencito, hay un grueso cortinaje que rompe la línea de la pared. Asimismo distintos objetos: un cuadro, un colgador de pipas de fumar, y un anaquel con un cántaro.

Segunda versión: 1890-92, óleo sobre lienzo, 65,4 × 81,9 cm  M.M de Arte de Nueva York

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Versión del Metropolitan Museum of Art de Nueva York. 1890-1892. Si se compara con la primera versión, se puede observar como el pintor ha decidido prescindir de una serie de objetos, como el anaquel,el cuadro, y el tapete de la mesa, centrándose en la partida de cartas. Además ha prescindido del personaje más joven. Finalmente,Cézanne ha decidido añadir un sombrero al jugador sentado en la zona central de la escena.

En colección privada. 1892-1893- la tercera versión

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Esta es la primera obra en la que sitúa sólo a dos personajes enfrentados en la partida de cartas.  Cézanne se preocupa más por el volumen que por captar la luz y realzar los detalles. Además, este lienzo es considerado el iniciador de la fase protocubista del pintor.

4º Versión del Courtauld Institute of Art de Londres. 1892-1895

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Esta versión presenta muchas semejanzas con la obra anterior, apareciendo los mismos elementos. La diferencia existente se encuentra en los personajes y las tonalidades utilizadas, siendo las figuras mas estilizadas, los colores más luminosos y la pincelada más suelta. En resumen, la obra da la sensación de estar inacabada.

La última versión era la que estaba en el Museo ‘Orsay de París

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El centro de toda la escena y, en definitiva, del cuadro lo constituye la botella de vino, situada casi al  medio de la mesa. Un volumen cilíndrico que es subrayado por toques de luz (una línea vertical de blanco puro) es un ejemplo perfecto de la forma de ver y de representar el espacio en Cézanne. La botella divide la tela en dos zonas, aunque no a la mitad pues el eje se ha desviado ligeramente a la derecha, que acentúan el cara a cara, la lucha entre los dos jugadores de cartas.
Los protagonistas concentrados en el juego. Cézanne capta sus expresiones. Uno, el hombre de la izquierda, con un sombrero de copa, alta y rígida, fumando en pipa, estudia fríamente la jugada. El otro, el de la derecha, con sombrero mullido con las alas dobladas hacia arriba, muestra un semblante más abierto y con un mayor interés por la partida. La construcción estilizada de la escena atenúa el realismo y los modelos toman  una dimensión atemporal. El espectador se convierte en un protagonista más, de esos que suelen frecuentar las tabernas y que asisten al juego.

Una nueva manera de concebir el espacio, eso es lo que Cézanne aporta con sus obras.

La iluminación artificial se manifiesta en las sombras y de forma especial en el reflejo blanco del cuello de la botella y en la pipa. El protagonista del cuadro es el color que llena todo el lienzo con el fondo oscuro, solo unos toques de color para definir el lugar indeterminado. Las figuras se construyen por planos que giran alrededor de ella resaltando los volúmenes por medio de trazos de color. Esta técnica constituye el anticipo del cubismo.

Cuando el artista mostró este trabajo en la sociedad local de pintores aficionados, fue recibida con incomprensión por parte de todos, excepto el joven poeta Joachim Gasquet. Cézanne firmó la pintura y se la regaló en agradecimiento. Dos años después de la muerte del autor (1906), Gasquet lo vendió por la sorprendente suma de 12.000 francos.

En 2011  la familia real de Catar pagó  250 millones de dólares, un precio récord para esta  versión de «Los jugadores de cartas» de Cezanne.  y  esta obra estará en el Museo Árabe de Arte Moderno de Catar, inaugurado en 2010 junto a numerosas piezas famosas de Gauguin, Mark Rothko,  Andy Warhol  entre tantos  otros artistas.

Cézanne fue un incomprendido, aún entre los incomprendidos

Cézanne pasó la gran parte de su vida tratando de ser reconocido. Fue sujeto a los rechazos del Salón de los Independientes, e incluso de su amigo, Émile Zola, lo utilizó como el retrato del típico artista fracasado. Zola poseía diez obras de Cézanne ocultas entre cacharros y una de ellas no se encontró hasta 25 años después de la muerte del escritor, ocurrida en 1927. El desencuentro con su amigo se produjo cuando Cézanne se vio reflejado, bajo el nombre del protagonista Claude Lautier, en la novela de Zola L’Oeuvre, que trataba de un pintor fracasado, ejemplo de la impotencia artística y de la quiebra de un genio, en la que al final el héroe se suicida. Cézanne, ofendido, lo consideró una traición. Pero la gloria no le llegaría a Cézanne hasta la gran exposición que montó Vollard en su galería, la cual propició después la retrospectiva que se realizó en París, en 1904, en el Salón de Otoño, dos años antes de la muerte del pintor. Hoy a Zola se le recuerda sólo por un artículo, J’accuse, publicado en L’Aurore, sobre el caso Dreyfus, el 13 de enero de 1898. Mientras su amigo, el artista fracasado de su novela, es el pintor cuya cotización sigue siendo la más alta de la pintura moderna.

Los descubrimientos de Cézanne a través de la simplificación geométrica y los fenómenos ópticos fueron los que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar los objetos a través de distintas perspectivas y, con el tiempo, a fracturar la forma.

Los artistas  del siglo XX  lo homenajeron con una sencilla pero contundente  frase:   “Cézanne es el padre de todos nosotros”.

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«Gracias» …»Cárites»… Las Tres Gracias

«Gracias» …»Cárites»… Las Tres Gracias

 

Bellísimas, encantadoras en todas las épocas de la historia del arte, otorgaban a dioses y mortales la alegría,  la elocuencia y la sabiduría y tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad y el talento necesarios para ser un brillante artista. Sus nombres eran Aglaya, Eufrósine y Talía

Según diversas fuentes clásicas, las tres Gracias eran las diosas de la belleza, la sexualidad y la fertilidad, entendidos como fuerzas generadoras de vida.Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. actualmente serían:la afabilidad, la simpatía y la delicadeza. La representación más habitual era la de tres jóvenes de excepcional belleza que danzan al son de la flauta de Apolo, aunque en ocasiones pueden aparecer con faunos y sátiros, como contraste entre la belleza y la fealdad

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Las gracias no aparecían nunca de forma individual, siempre conformaban una tríada.

 

 

 

 

 

Medallón de cuenco romano, 200-260 d.C

medallon-cuenco-de-plata.romano-200-260-dCTanto en los relieves griegos como en los mosaicos, medallas  frescos romanos.  el conjunto escénico las manifiesta con las figuras de Aglaya y Talía de frente o en posición ligeramente lateral y la figura de Eufrósine de espaldas.

 

 

                                    «Tres Gracias» – Romana

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«Las tres gracias» de Pompeya

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Un mosaico romano

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Biblioteca Piccolomini

Fueron fuente de inspiración para los artistas a lo largo toda  de la historia del arte.

En el Renacimiento, el grupo escultórico romano de las tres Gracias en la biblioteca Piccolomini del Duomo di Siena inspiró la mayoría de los temas.

Los artistas se «animan» a colocar  diversos atributos: cintas, velos, sombreros, collares   impensados en la antigüedad y cambian posiciones.


Es a partir del Renacimiento Alemán con tablas de Durero, Hans Baldung   Lucas Cranach cuando empieza a aparecer la figura de Eufrósine de frente al espectador entre Aglaya y Talía que aparecen bien de espaldas con su rostro mirando a las otras figuras o en posición lateral.

En Italia Botticelli realiza dos  una dentro de su célebre «Primavera»Como fuente iconográfica para la representación de las tres Gracias, parece recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.

Se observa claramente  el grupo de la izquierda del cuadro de la obra de Ghiberti

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y Rafael Sanzio al parecer tuvo de modelo a las de la biblioteca de Siena y en la Villa Farnesina realizó un fresco en uno de sus salones para el cardenal.

 

 

Mientras que en el Barroco y Rococó …

Posiblemente la más difundida versión es la de Rubens.  Fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento -el 30 de mayo de 1640- pasando a decorar alguna de las salas del Alcázar de Madrid, hoy en el Prado. El hecho de estar pintado sobre tabla de rob indica la relación del maestro con la pintura flamenca antigua. Sus «Gracias» son robustas,  «entradas en carnes»  pero bellas como siempre un maestro en tonalidades y en composición de una obra. No realizó esta pintura por encargo, sino para su propio deleite ya que, además, en él plasmó a su joven segunda esposa en la diosa de la izquierda. Rubens, conocedor de los diferentes significados de las tres diosas, pinta este tema en al menos doce ocasiones, enmarcados en diferentes contextos.

Fragonard el preferido del  Rococó. Cuando Luis XV regaló el castillo de Louveciennes  a su nueva favorita Madame Du Barry,  esta, decidió renovar la decoración del viejo castillo: compró cuatro altos de puerta pintados por el  conocido Jean-Honoré Fragonard. Eran temas de la mitología greco-romana: «Las Tres Gracias», ahora se exhibe en la Casa Museo de su autor, L’Amour embrasant l’Univers, ahora en el museo de Toulon, Vénus et l‘Amour  actualmente en museo de Dublín y La Nuit  ahora , parte de la colección particular de Edmond de Rothschild. Todos ellos bellísimos… y tan Fragonard.

 

Clasicismo en esculturas: Aristide Maillot, Antonio Frilli, Jean-Jacques Pradier, Johan Meissner, Wheeler Williams, Bertel Thorvaldsen, Canova  entre otros… Canova logra la máxima perfección que lo caracteriza.

De la obra de Canova existe dos versiones: la primera, encargada por Josefina de Beauharnais, esposa de Napoleón, se conserva en el Museo del Ermitage de San Petersburgo, está tallada en mármol veteado y tiene un pilar cuadrado detrás de la figura de la izquierda.

La segunda fue encargada por el sexto duque de Bedford e instalada en un pedestal (que puede ser girado) en un templo construido especialmente para la obra en su casa de campo, esta salió a la venta en 1994 y fue adquirida por dos instituciones británicas que la exponen alternativamente, el Victoria & Albert Museum de Londres y las Galerías Nacional de Escocia, Es la versión de Woburn Abbey ahora en Londres está tallada de mármol blanco y tiene un pilar redondo, y la figura central tiene una cintura ligeramente más amplia.

Y Algunos más como la acuarela de Canova,  el óleo de van Aalenst y la  C. van Loo, y en las muchas decoraciones de palacios y salas donde lucen espléndidas.

 

Picasso y Dalí no quisieron ser menos e hicieron sus versiones varias…


Las Cárites o «Gracias» dadoras del talento, siguen  y seguirán eternamente dotando a los artistas de la inspiración creadora a través de las nuevas expresiones del arte de nuestros días que  las inmortaliza envueltas como siempre en la magia de la mitología.

La ciudad de Otranto y sus maravillas

La ciudad de Otranto y sus maravillas

…Si alguien jamás oyó nombrar esta ciudad  … es casi seguro, que si escuchó hablar o leyó algo de: El Castillo de Otranto Novela de Horace Walpole, que es considerada como la iniciadora del género conocido como literatura de terror gótico por los finales del siglo XVIII.

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El Castillo de Otranto (la vista aérea )

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Horace Walpole, IV Conde de Orford, nació en Londres el 24 de Septiembre de 1717. Aparte de escritor, fue político y arquitecto. En 1741 entró a formar parte del Parlamento, cargo que abandonó en 1768 para retirarse al castillo de Strawberry Hill, que hizo reconstruir en estilo seudogótico y al que dotó de una magnífica biblioteca, una imprenta y colecciones de arte y de rarezas de todo tipo. Allí se dedicó de lleno a la creación literaria, y editó en su imprenta sus propias obras y las de autores clásicos o de amigos suyos, para los que hizo en cierto sentido de mecenas. Publicó su novela de Terror gótico en 1764. Es autor además del ensayo político Dudas históricas sobre la vida y el reinado de Ricardo III (1760), de una rica miscelánea de anécdotas de pintores ingleses titulada Anécdotas de la pintura en Inglaterra (1762-1771) y de una interesante correspondencia, publicada póstumamente, en la que ofrece un valioso retrato de su momento histórico.  Como se puede apreciar…  «Hombre de sobrados méritos»

El Castillo de Otranto.  Fue un Bets Seller en su tiempo. La novela  se desarrolla en época medieval  y esto además de comenzar con el género de «Novelas de Horror» motivó que el mundo se fijara en esa época  y volviera a salir a la luz el  maravilloso estilo gótico  …bueno ya  con el nombre de Neogótico que se desarrolló en toda europa (y el mundo) durante los siglos XVIII y XIX.

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Otranto, la ciudad en cuestión, está situada al sur de Italia provincia de Lecce, en la región de Apulia en la costa este de la península de Salento, sobre el canal de Otranto, que conecta el mar Adriático con el mar Jónico. En su territorio se encuentra el cabo de Otranto o Punta Palascia, que constituye el punto del territorio italiano que se halla situado más al este y que, además de albergar un faro, está considerado como el límite divisorio entre los mares Adriático y Jónico.

Otranto formó parte de lo que sería la Magna Grecia recibiendo, en consecuencia, una profunda influencia de la cultura clásica griega en su propia cultura, aún cuando ésta siguió dotada de elementos diferenciados respecto de la cultura helénica. Bajo el dominio romano,  Otranto se benefició de las calzadas romanas, construidas por las legiones como medio de garantizar la cohesión del dominio de Roma, mejorando sus comunicaciones terrestres no sólo con el resto de las ciudades del Salento o de la Apulia sino con todas las del Imperio. En el año 162, Otranto obtuvo el derecho de acuñar moneda. Fue durante el período de dominio bizantino cuando la ciudad conoció su momento de máximo esplendor,  este período de bonanza económica fue aprovechado para seguir mejorando las fortificaciones defensivas de la ciudad, que se habían iniciado en el período turbulento de la caída del Imperio Romano. Posteriormente con las cruzadas también volvió a ser punto importante como paso para Jerusalén de las peregrinaciones y cruzados.

El Castillo, está rodeado por un amplio foso y protegido por tres torreones cilíndricos, tiene un bastión que domina el puerto. Fue construido por los aragoneses en 1485-89 para proteger la ciudad después de habérsela quitado a los Otomanos. El sitio de Otranto transcurrió entre 1480 y 1481 Las fuerzas del Imperio Otomano invadieron tras un largo asedio la ciudad y su ciudadela. Tras la toma de la ciudad, más de 800 de sus habitantes fueron ejecutados por no abrazar el Islam. Después de trece meses en manos turcas, Otranto fue recuperada por el ejército aragonés de Alfonso II de Nápoles, hijo del rey. Desde allí se puede disfrutar de unas preciosas vistas a la ciudad, al Canal de Otranto y hasta la costa albanesa.

Catedral de Otranto: dedicada a Santa María dell’ Annunziata

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Detalle del Rosetón románico  y  el escudo  con tenantes agregado en época del barroco  -1764 que tiene la fachada la catedral.

La entrada natural al centro histórico de la ciudad ès la Porta Alfonsina, en memoria de Alfonso, duque de Calabria, que liberó la ciudad de la dominación turca. Una serie de callejuelas conducen hasta la Catedral,  joya de la arquitectura románico-pugliese, edificada en el 1080-88 y conocida también como Catedrale dell’Annunziata.

Los Mártires de Otranto

El episodio data 1480 cuando la flota otomana, a cargo de Mohamed II llego a las costas de la ciudad, con el serio fin de dominar esas tierras. Más de 800 personas  dieron  su vida por amor a Cristo.

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 Ante semejante acto de fe de sus ciudadanos …la Iglesia inició un Proceso de Canonización

La apertura  tuvo lugar en 1539. El 14 de diciembre de 1771 el papa Clemente XIV beatificó a los más de 800 pobladores asesinados en la Colina de Minerva. Su canonización fue aprobada en 2013 durante el pontificado de Benedicto XVI. La celebración de la canonización tuvo lugar el 12 de mayo de 2013 en la Plaza de San Pedro, durante el pontificado del papa Francisco, y se convirtió en la canonización conjunta del mayor número de personas jamás celebrada en la historia de la Iglesia.

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Esta iglesia románica construida sobre los restos de una residencia romana ha sobrevivido a múltiples asedios y ataques.

Es de lo más exclusiva debido a en su pavimento, digamos más bien única!!! con  tres naves y ni hablar de su techo de madera con un artesonado de total belleza y  14 columnas delgadas  que lo sostienes de granito. La fachada a dos aguas, está dominada por un rosetón de estilo gótico-árabe del siglo XV y de un portal barroco  agregado en 1764.
Es una Catedral que vivió  diversos momentos históricos,  y todos ellos aportaron al edificio grandiosidad y belleza.

3 El famoso piso realizado entre los años 1163 y 1166 por un equipo de maestros musivarios
dirigidos por  Pantaleón,  un monje basiliano – artista de mosaicos del siglo XII.
De Pantaleón no se saben datos biográficos ciertos pero se puede creer que fue un clérigo, pues se autodenomina Pantaleonis presbiteri, probablemente un monje que seguía la regla de san Basilio y de origen griego. Su obra más importante fue el mosaico del pavimento de la Catedral de Otranto,  en el muestra no solo su habilidad en el arte sino también su profundidad teológica.

Es una obra que podemos considerar como enciclopédica, de formas casi primitivas, fascinante tanto por la frescura del colorido como por la vivacidad de las actitudes y la riqueza simbólica. Aparecen escenas de la Biblia,  mitológicas o con personajes mezclados  históricos y reales. Las escenas bíblicas, todas ellas  pertenecientes al Antiguo Testamento,  la Expulsión del Paraíso, el arca de Noé o la Torre de Babel y escenas de dioses paganos como Diana cazadora, un Atlante sosteniendo el mundo etc.

Su  espectacular pavimento

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En la parte central de la nave se extiende una Árbol de la vida y a la derecha (mirando hacia el altar) doce medallones que representan a los meses y al zodiaco (un tema desarrollado también en otras iglesias medievales). En el pavimento otras escenas están inspiradas por la cultura caballeresca con las historias del Rey Arturo (Rex Arcturus) y Parsifal y también  a Alejandro Magno. No faltan el Paraíso y el Infierno, donde se agitan los condenados entre los tormentos y un gordo Satanás coronado y a caballo de un dragón. Resulta interesante una de las pocas representaciones del Diablo negro (Puer niger) todavía con las alas blancas del ángel, que bien pronto serán sustituidas por las de un murciélago. Un  muy interesante bestiario, con seres como un basilisco, un unicornio, un centauro, una antigua iconografía de la sirena representada mientras sostiene entre los brazos sus dos colas.
La simbología teológica de los mosaicos es tema de estudio, pues resulta difícil deducir el sentido que Pantaleón o quien haya solicitado los mosaicos quería darle.

Su Nave Mayor cubierta con un impresionante artesonado  de madera con pintura dorada:  Octógonos recordando (el número ocho símbolo de la Resurrección) y Cruces -(el martirio de Cristo)

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La cripta de cinco naves con sus  frescos …

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Una bellísima cripta bizantina con grandes frescos que datan del año  1163, sus columnas y capiteles todas  diferentes!!!.  Data del siglo XI y consta de 72 columnas, regalos de todos los señores y mercaderes del Mediterráneo que vivieron en Otranto son de distintos tipos de mármol y los más exclusivos diseños.

Cerca de la catedral, el Museo Diocesano, que expone una colección de telas y objetos litúrgicos, estatuas y pinturas que pertenecen a la iglesia , como la fuente bautismal del siglo XV.  !!Bellísima !!! como la tradición lo manda en forma octogonal en el costoso mármol veteado rojo y marfil  y en  el «Top»  Juan el Bautista – Bautizando a Cristo en bronce.

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Una CATEDRAL  INUSITADA!!! Brillante por donde se la mire …digna de admirar, visitar  … y recomendar  su entorno también.

 

Otro templo para destacar en la ciudad: San Pietro.

Iglesia bizantina que se remonta al siglo X-XI, y que fue durante muchos años la sede de culto griego. El exterior tiene un aspecto austero; en contraste, el interior es una planta en cruz griega muy decorada. Tiene tres pequeñas naves sostenidas por ocho columnas,  sus paredes y bóvedas recubiertas de frescos que representan escenas bíblicas. La bóveda de cañón de la nave situada al noroeste está adornada por la “Útima Cena” y el “Lavatorio de los pies”.

 

No es para despreciar sus magnificas  vistas y espléndidas playas. Según las convenciones náuticas, el cabo de Otranto marca el punto en el que el marJónico se encuentra con el Adriático.

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Voces maravillosas!!

Voces maravillosas!!

 

 

!!Qué dificil tarea el de saber escuchar!!! … pero cuando es música..!! Qué deleite!!

Sentir esa sensación única cuando alguna de esas voces privilegiadas nos «llega» profundamente … pero no siempre son  las más «famosas» o «mejores»  quienes logran ese propósito  en todas las personas.

Si , la voz humana,es ese instrumento maravilloso, regalo divino siempre valorado y admirado sin discusión.  Admiramos esas voces que surgen una dentro de un millón, pero cuando se trata de ópera… palabras mayores!! es importante y fundamental  su estudio para lograr «La  técnica».

El arte del Canto

Las antiguas culturas habían descubierto este instrumento y creían que el canto y la música habían sido creados por los dioses. El arte del canto fue desarrollado por todos los pueblos. En Babilonia había grandes agrupaciones de cantores disciplinados desde el punto de vista musical. La música era voluptuosa, artículo de lujo para fiestas, o para sacerdotes y rezos. En el Renacimiento, con el inicio del canto coral, se inicia una clasificación, tal como la entendemos actualmente, correspondiendo a tenor y bajo en el hombre y a un contralto y contratenor en la mujer. El pionero de la composición eclesiástica a cuatro voces fue el francés Josquin Desprez (1457/58- Su extensa producción incluye misas, motetes y chansons, entre las que destaca la titulada Mille regretz, la canción favorita del emperador Carlos I. En  1607 se estrenó en Mantua L’Orfeo de Claudio Monteverdi, considerada la primera ópera de la historia. Hasta entonces la música había ocupado un papel secundario en la representación teatral destinado a subrayar la acción dramática.  Monteverdi, que había destacado como compositor de madrigales y música religiosa polifónica, dio en su Orfeo un papel principal a la música frente al texto y recurrió a una nueva forma de organizar la instrumentación. L’Orfeo se considera la primera ópera integralmente conservada de la historia de la música.

El control de la respiración es la base principal de cualquier técnica vocal. Hay que dominar la respiración no solo para contar con un buen suministro de aire, sino para controlar su flujo. Los maestros italianos de canto del pasado lo expresaban diciendo: «chi sá ben respirare, sá ben cantare«. Se dice que el renombrado cantante del siglo XVIII Carlo Broschi, alias Farinelli, era capaz de cantar 150 notas con una sola toma de aire. Los compositores intentarón crear  para ellas obras únicas,  prescisamente para lograr exaltarlas,  aunque a veces la exigencias eran terribles… y más de una vez cayeron en el olvido esas partituras  con la desaparición del intérprete.

El canto es la emisión controlada de sonidos del aparato fonador (voz) humano, siguiendo una composición musical. Hay diferentes técnicas de canto que se aplican según el estilo musical en que se canta. En ópera, cuya base proviene del lema «recitar cantando» se aplica la técnica del canto lírico, mientras que en el canto popular la pauta es lograr un sonido semejante al de la voz hablada.  El cantante de ópera pretende emitir un sonido acústico para su público  ya sea en un teatro o en un auditorio apto para este tipo de conciertos operísticos sin equipo de audio, en el canto popular, comúnmente, se utiliza un equipo de audio . Con el uso del micrófono, el «cantante» puede emitir un sonido semejante al de la voz hablada, sin necesidad de alcanzar un volumen elevado.

Las voces están clasificadas en: soprano, mezzosoprano, contralto, tenor, barítono y bajo, siendo los tres primeros registros femeninos y los otros tres, registros masculinos. Esta clasificación es según la tesitura, es decir, la amplitud tonal de la voz. Esto es: el conjunto de notas que puede cantar o emitir una persona, sintiéndose cómoda, sin forzar las cuerdas vocales.

Muchos «oyentes»y «seguidores» del Bel Canto se guían por la «fama» que ostentan cual aureola dorada llevan sobre sus cabezas tal o cuál cantante,  pero, para mi modesto parecer, es la emoción que nos produce lo que cuenta, lo que hace «Grande» a una voz, y   pocas son las voces que poseen ese don. Actualmente las «voces» son  técnicamente «perfectas», pero … (siempre los hay) les falta «El corazón»  al decir de los viejos italianos que se consideraban expertos en el tema ya que Italia desde siempre fue considerado el país de la opera por excelencia.

También hubo mitos increíbles,   creencias erradas, extravagancias y modas locas como que las mujeres no podían cantar en las Iglesias… y  aparecieron los «castratis»como consecuencia, o que debían  ser  enormes mujeres,!! impresionantes !!! no solo por sus esplendidas voces sino de  figura opulenta , tradición de por medio, se pensaba que eso favorecía la voz:  «Caja ancha» de «Gran resonancia»…

Pero bueno …todo cambió para bien,  las «Divas» son naturales… aunque en algunas permanece el «síndrome «. Con nostalgia evocamos  voces  que ya no están, otras, retiradas de los escenarios y presentaciones en público… pero nos quedaron las obras grabadas por ellas !Qué bueno es recordarlas!!   Asistir  sus presentaciones env ivo  es todo un lujo que posiblemente nos podemos dar  o simplemente valorar sus videos, grabaciones, realizar comparaciones escuchar y escuchar…. para aprender o por el inmenso placer de oirlas una» vez más».

Una selección para compartir:

María Callas

 

 

María Callas

Reinó durante décadas en el mundo de la ópera, la suprema sacerdotisa, la artista que entendió la esencia de la ópera en su total dimensión. Esa entrega vital de Callas se trasluce en cada nota de su canto. Esta mujer  hizo poner de pie al Covent Garden inglés. Se retiró durante un breve tiempo, mientras duró su relación con el armador griego Aristóteles Onassis. A su regreso, se hizo evidente que su voz no era la misma. Aun así, su público incondicional nunca la dejó sola.

Soprano de origen griego, la voz femenina más destacada de la ópera de todos los tiempos. Revivió el bel canto a mediados del siglo XX.

María Callas demostró durante toda su carrera que su voz podía adaptarse a todo tipo de registros, difícil de clasificar, se adaptaba a los papeles de soprano dramática, lírica o de coloratura. Es decir, cantaba papeles tanto de soprano como de mezzosoprano (Carmen de Bizet, Rosina en el Barbero de Sevilla). Pasó de ser una obesa soprano wagneriana a una bella y atractiva diva. En los escenarios era una diosa de la interpretación, además de una magnífica cantante, proyectando en las obras el pathos (πάθος, palabra griega que expresa todo lo que uno experimenta o siente: pena, pasión, cólera, aflicción).
Un genio absoluto. La carrera de la soprano griega se caracterizó por combinar una impecable técnica del bel canto con un magnífico talento dramático, cualidades que le hicieron la actriz-cantante más famosa de su época. Su modo de hacer, creó un antes y un después en el mundo de la ópera. Un talento prodigioso y una vida llena de obstáculos hicieron de este fenómeno la cantante ideal para Norma, Taviata, Lucía, Elvira, Aida, Ana Bolena y Turandot, entre otros. Su amplia discografía es el mejor legado de una cantante prodigiosa.

Callas murió en 1977 en París. Oficialmente se trató de un infarto, pero nunca se descartó una dosis masiva de tranquilizantes.

 

Maria Louise Ewing

 

 

Maria Louise Ewing  es una cantante lírica norteamericana con tesitura de soprano y mezzosoprano.
En el papel de Querubino, de la opera de Mozart Las bodas de Fígaro  tuvo  una actuación perfecta  tanto en el Metropolitan como en el Festival de Salzburgo . Este rol fue su «caballito de Batalla». Actualmente está retirada de los escenarios.

 

Diana Damrau

 

 

Diana Damrau  -(31 de mayo de 1971 en Gunzburgo, Alemania) es una soprano de coloratura alemana,  o soprano lírico ligera, que desde 2001 destacó interpretando la Reina de la Noche de la Flauta Mágica de Mozart. !!Es La Reina de la Noche!!! Con una técnica exultante que le permite afrontar con seguridad los papeles más peliagudos del belcanto italiano, y salir airosa de las páginas más difíciles de Mozart. De hecho, su Reina de la Noche es la mejor en lo que va de siglo. También conocida por sus interpretaciones  de Gustav Mahler y Richard Strauss.
Ha cantado a la Reina de la Noche en nada menos que 15 producciones, entre las cuales destaca la del Covent Garden en 2003 bajo la dirección de Sir Colin Davis.

En diciembre de 2007, cantó a la Reina por última vez teóricamente se retira del papel para tristeza sus seguidores que no son pocos en la Metropolitan Opera de Nueva York, junto con el de Pamina, en su debut neoyorquino del papel.

Es la primera cantante que ha interpretado los dos roles en la misma temporada.

 

Jessye Norman

 

Una voz virtuosa y única para «Negro spirituals» .

Jessye Norman -soprano afroamericana estadounidense con tonalidades de Mezzo.

Una verdadera soprano dramática con graves de mezzosoprano y majestuosa presencia escénica. En 1984 fue condecorada con la Legión de honor del gobierno francés.
Recibió el 2006 Lifetime Achievement Award de la Academia Discográfica (The Recording Academy) y es Embajadora Honoraria de las Naciones Unidas.
Su ciudad natal, Augusta, Georgia, le dedicó un anfiteatro junto al río a principios de los años 1990.
El alcalde de Pasadena, California, después del recital del 22 de septiembre en la «Blair IB Magnet High School», declaró ese día como «Día de Jessye Norman» en Pasadena.
Ha sido requerida para cantar en acontecimientos públicos y ceremonias. Entre ellas, las inauguraciones presidenciales de 1985 y 1997, el 60.º cumpleaños de la reina Isabel II, y la celebración del bicentenario de la Revolución francesa en la parisina Place de la Concorde, en la que cantó La Marsellesa ​vestida con los colores de la bandera francesa, obra del diseñador Jean-Paul Goude.
En el año 2015 fue galardonada con el Premio Wolf.
Fue nombrada doctora honoris causa por la Universidad de Oxford en 2016

 

Cecilia Bartoli

Como mezzosoprano ligera de coloratura, cuenta con un timbre aterciopelado y una técnica acreditadamente impecable, siendo la de mayor relevancia aparecida en Italia desde Giulietta Simionato y una de las cantantes de ópera más populares de los últimos años. Su vocalidad es carnal, desbordada, mediterránea, ideal para revivir las paginas de tremendas emociones del barroco y del temprano romanticismo. Destaca especialmente por su labor de recuperación del repertorio de compositores ignotos o injustamente olvidados, de los castrati italianos como Farinelli o de cantantes antológicas como María Malibrán.

Cecilia nació en Roma en el 1966. Sus padres fueron ambos cantantes profesionales y le dieron sus primeras lecciones de música.
El 5 de diciembre de 1991, con tan sólo 25 años, es invitada a cantar en la misa oficiada en la Catedral de San Esteban de Viena donde interpreta su parte en el Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart con motivo del 200 aniversario de la muerte del genio de Salzburgo.

Ha sido condecorada con la Ordine al merito della Repubblica Italiana, Orden de las Artes y Letras y el Premio Musical Léonie Sonning en su edición de 2010, entre muchas otras distinciones honoríficas.

En 2016 se la distingue en Estocolmo con el premio Polar, considerado el Premio Nobel de la música.

  Lakmé –    Compositor    Leo Delibes

                                                 Interpretes                

          Elīna Garanča                                                         Anna Yúrievna Netrebko

 

Elīna Garanča -Anna Yúrievna Netrebko

Elīna Garanča – (Riga- 1976) es una mezzo-soprano letona. Hija de un director de coro y una cantante de lieder- Está considerada  una de las mejores mezzosopranos de la actualidad, la amplitud del registro y su timbre oscuro y aterciopelado hacen que pueda interpretar desde los papeles clásicos de Mozart o Rossini hasta los más líricos como Charlotte, Carmen o Dalila.

Anna Netrebko, (en ruso, Анна Юрьевна Нетребко; n. 18 de septiembre de 1971 en Krasnodar, Unión Soviética) es una cantante soprano ruso-austriaca. La soprano rusa es la diva del Met de Nueva York y todos los teatros del mundo suspiran por subirla a sus tablas.

El timbre y flexibilidad vocal de Netrebko la capacitan para incursionar en el repertorio belcantista y romántico. Bajo la guía de Claudio Abbado y de la famosa soprano italiana Renata Scotto, cosechó éxitos como Julietta en I Capuleti e i Montecchi, Gilda en Rigoletto, Musetta y Mimi en La Bohème y Lucia di Lammermoor en la Ópera de Los Ángeles.

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Leo Delibes

La opera Lakmé de Leo Delibes tiene el aria de «Las Campanas» de extremada dificultad para las sopranos y el increíble dueto de las flores que transmite toda la belleza exotica que el autor quiso dejarnos.

Y como broche de oro!!!!La famosa y dificilísima aria de» Las Campanillas»  o de «Las campanas» de la opera  Lakmé donde elegí a María Callas para su lucimiento personal una Diva sin discusión: voz clara y perfecta afinación !!!que más!!!  su técnica impecable  lo demuestra acá.

 

Algunos  afiches que se usaron para promover las representaciones en diferentes épocas y  salas del mundo.

 

…y como final digno de una noche de gala:

Una aria para que cantemos

Ombra mai fu …  

Bellísima aria de apertura de la ópera Jerjes o Xerxes de George Frideric Händel estrenada en 1738.

Lo canta el protagonista, Jerjes I rey de Persia, admirando la sombra de un árbol llamado Plátano oriental o plátano de sombra. (compuesta para Castrati, en la representaciones modernas de Jerjes es cantada por un contratenor, una contralto o una mezzo-soprano)

OMBRA MAI FU

Ombra mai fu
di vegetabile
cara ed amabile,
soave più.

Frondi tenere e belle
del mio platano amato,
per voi risplenda il fato.
Tuoni, lampi, e procelle
non v’oltraggino mai la cara pace,
né giunga a profanarvi
austro rapace.

Ombra mai fu
di vegetabile
cara ed amabile,
soave più.

Cara ed amabile,
ombra mai fu
di vegetabile
cara ed amabile,
soave più.
soave più.

 

Andreas Scholl – Contratenor

Para muchos se trata del contratenor más importante del mundo. Su doble faceta de cantante y profesor ha facilitado que su influencia se haya extendido por todo el planeta, y le ha reportado un merecido prestigio. Alineado con el «núcleo purista» de la interpretación histórica, su carrera ha estado vinculada siempre a la música de Händel y Bach, especialmente a la de este último en cuyo repertorio es considerado uno de los mejores intérpretes, pues la música del genio de Eisenach se adapta como un guante a su fraseo ligero.
De voz fina, sutilmente afalsetada, quizás más artificial que la de otros ilustres colegas/rivales, pero con una pureza que no tiene parangón, Scholl ha dejado deliberadamente en manos de sus «rivales»  centrándose en la música sacra centroeuropea, en la que es referencia obligada.

                             Bravo!!!!

                                                                         Bravo!!!!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Pintores del «Quattrocento» en la Capilla de Sixto

Pintores del «Quattrocento» en la Capilla de Sixto

Cuando el  papa Sixto IV planeo la decoración  de «su Capilla», lo hizo cuidadosamente y quiso  cuadros de la vida de Jesús, emparejados con la vida de Moisés (los cristianos se leían de izquierda a derecha y los del Moisés como la escritura hebrea, de derecha a izquierda) coloca  la serie del Antiguo Testamento en la pared sur donde se relata la vida de Moisés y el pared del Norte pasajes de la vida de Cristo del Nuevo Testamento.

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La capilla tiene planta rectangular, sin ábside, midiendo 40’94 m. de largo por 13’14 m. de ancho siendo su altura de 20’70 m; está cubierta por una bóveda de cañón truncada con bovedillas laterales que corresponden a las ventanas que iluminan la estancia. Las dimensiones de la capilla corresponde a la descripción que se hace en el Antiguo Testamento del templo de Salomón.

Por esa época  el papado estaba recuperándose de terribles siglos de escándalos. Hacía tan solo cincuenta años que habían regresado los papas de Avignon (Francia). El papa Sixto quería demostrar la supremacía del cristianismo sobre el judaísmo además de su superioridad sobre todos los papas que le habían precedido. Por esa razón Aarón primer Sumo sacerdote de los judíos y Pedro primer papa aparecen de azul y oro los colores del blasón de la familia Della Rovere también la representación de robles y bellotas pues su apellido significa «del Roble»aparecen en diversas circunstancias en las pinturas.

Además  hizo colocar su retrato encima de los primeros treinta papas y  al lado de la Virgen, en el cielo y Perugino pintó detrás de la pared del altar un fresco de la Asunción con Sixto IV arrodillado delante de ella que lamentablemente está perdido. puesto que Miguel Ángel lo sacrificó años después para realizar el «Juicio Final».

El Vaticano y Florencia habían firmado un tratado de Paz en 1480 . Todavía quedaban «resabios  del pasado». Con delicadas sutileza los pintores muestran su desagrado.

 Los pintores protestan …

Los documentos oficiales señalan que el encargado de la obra era el pintor Pietro,  «detto» il Perugino»,  con su ayudante Pinturicchio. Este último, participa en la decoración de la Capilla completando los frescos, realizados por Pietro, como «Viaje de Moisés» y «Bautismo de Cristo», ambos de Perugia – Umbria.  El resto, todos florentinos enviados a Roma por Lorenzo de Médicis.

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(detalle) de «La entrega de las Llaves» el que está con el gorro negro se considera retrato de Perugino.

 

Los cuadros laterales-

Paredes:

Sur -Izquierda = Antiguo Testamento.

– Circuncisión del hijo de Moisés. Perugino y Pinturicchio.
– Tentaciones de Moisés. Botticelli.
– Paso del Mar Rojo. Biagio d’Antonio
– Moisés recibe las Tablas de la Ley. Rosselli
– Castigo de los rebeldes. Botticelli.
– Muerte de Moisés. Signorelli.

 Norte- Derecha = Nuevo Testamento.

– Bautismo de Cristo. Perugino
– Tentaciones de Cristo.
– Vocación de los apóstoles. Ghirlandaio.
– Sermón de la Montaña. Roselli y Piero di Cósimo.
– Entrega de las llaves. Perugino.
– Última Cena. Rosselli.

Vemos «detalles» que a simple vista no nos dicen nada …era  un «Código Secreto» digamos así…  de bandos enfrentados. Los pintores florentinos. seguramente  Botticelli encabezó la «rebelión», el, había sido «agredido» por el papa que mando destruir una de sus pinturas.

 

El Panel pintado por Botticelli  en «La Huida de Moisés de Egipto» hay un roble ( Della Rovere apellido del papa) sobre los acosadores de Moisés. Cerca de la visión sagrada de «La Zarza Ardiendo» puso un naranjo con un ovalo de naranjas (blasón familiar  de los Medicis florentinos).

 

En el «Castigo de los rebeldes» también de la mano de Botticelli vistió a estos con los colores azul y oro  del blasón de los Della Rovere. Al fondo en la escena de los barcos se ve a uno triunfante enarbolando la bandera Florentina. !Audacia semejante !!

«Las tentaciones de Jesús», de Botticelli, vemos  miembros de la familia papal, Junto a la figura de Girolamo Riario llevando el cetro en la mano, podemos reconocer a un clérigo vestido de violeta, quien de forma descortés, llama la atención de un miembro de la familia papal en la escena del sacrificio de purificación. Algunos historiadores relacionan esta escena con el episodio de la conjura de los Pazzi, en la cual, Giuliano, uno de los hermanos Médicis fue asesinado. Botticelli, partidario de los Médicis, pintó a los conspiradores colgados, antes de trasladarse a Roma. En el extremo izquierdo de la pintura, aparece de nuevo la figura de Girolamo Riario, esta vez con un puñal en la mano acompañado por otros dos jóvenes, Francesco Salviati obispo de Pisa (ahorcado por el pueblo junto con el banquero del papa Francesco Pazzi el mismo día del asesinato) y Jacopo Bracciolini. Estos tres personajes fueron pintados mientras complotaban la conjura homicida. Algo notorio, el joven sentado en el banco tiene pintado un manto con bellotas y hojas de roble. Se puede considerar este fresco como una  crítica de Boticcelli a la familia Della Rovere y a la política de Sixto IV.

En este cuadro, el edificio del Centro está inspirado en el hospital del Santo Espíritu, construcción de Sixto IV próxima al Vaticano. Dos veces el Roble:  una,  a los pies de satanás y otro talado  y a punto de ser quemado.

«Episodios de la vida de Moisés» Sandro Botticelli, Este fresco, situado a la izquierda del trono papal, representa distintos episodios de la vida de Moisés, desde el asesinato del egipcio hasta que Moisés conduce a su pueblo fuera de Egipto. De pie, las dos bellas figuras femeninas  representan las hijas de Jetro, sacerdote de Madián, Una de ellas, es la esposa de Moisés, Sefora.

Otro florentino pinta «Pasaje del Mar Rojo», Biagio d’Antonio,  por años atribuido a Cosimo Rosselli,

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Vemos un edificio  similar a la Capilla  que estaban decorando inundada por las aguas rojas y al faraón perseguidor de Moisés vestido con los colores azul y oro.

 

«La Vocación de los apóstoles» de Domenico Ghirlandaio – 1481

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Cosimo Rosselli – «Sermón de la Montaña» y «Curación de un leproso»

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Cosimo Roselli- (detalle) Este pintor,tenía un  encantador perrito blanco que se convirtió en la mascota de los artistas toscanos,  aparece en algunas obras.

«La última cena» , el del «Becerro de oro».  Con detalles del perrito…La más suave de las supuestas ofensas, al parecer correteaba por la Capilla mientras su amo trabajaba.

«Sermón de la montaña», la «Curación del leproso», «Jesús orando en la montaña» «de Cosimo Rosselli. Aunque la historia del arte no pone a este pintor florentino a la misma altura que sus dos compatriotas, Botticelli y Domenico Ghirlandio, sin embargo fue a él a quien la comisión papal decidió dar el primer premio; según Vasari, este reconocimiento se debe a los considerables gastos ocasionados a Rosselli para la ejecución de sus frescos. En cuanto al paisaje, con sus cimas redondeadas modeladas plásticamente y los escorzos en la lejanía, contribuye en gran medida a definir una articulación clara de la historia ilustrada.

Testamento y muerte de Moisés»,  Luca Signorelli  

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«Testamento y muerte de Moisés»   (detalle)

 

 

 

 

 

 

 

En la parte inferior de los frescos pinturas que  imitan cortinas de brocado damasquinado con los escudos papales; en esta franja y sobre ellos se colgaban tapices (algunos, obra de Rafael y de sus ayudantes del segundo decenio del Cinquecento, se encuentran en la sala dedicada al artista en la Pinacoteca Vaticana).

De la bóveda se encarga a un pintor secundario, Pier Matteo d’Amelia, con un diseño celestial, similar a la de la Capilla Scrovegni de Padua.

La técnica utilizada

La última restauración permitió estudiar la técnica de pintura empleada por estos artistas del «Quattrocento«.

Las sorpresas no faltaron. .Algunos detalles se hicieron “a mano alzada”, sin ningún dibujo preliminar o, como máximo, a partir de una figura esbozada con color rojo. Como es usual en el “buon fresco”, en el color aplicado sobre la cal fresca se han hecho retoques “al seco” y el oro está presente en varios acabados.

En cuanto a los colores, los exámenes mostraron toda una gama de matices, en una uniformidad general. Para los verdes, se aplicó malaquita al seco sobre una capa de tierra verde, y un añadido de color amarillo permitió variar su tono; los azules se obtuvieron a partir del costoso lapislázuli (mezclado con cal para los tonos más claros) o para el cielo, el azul azurita más común y económico, el rojo es “tierra roja” o cinabrio, aunque también se observó el uso de lacas rojas transparentes; los amarillos proceden de tierras naturales y los negros de la carbonización de la madera, negro de vid.

Se ha podido reconstruir el número de jornadas (giornate) – entre cuarenta y cinco y sesenta para cada pintura –

La presencia de pintores toscanos fue lógicamente interpretada como un signo evidente de «La paz restaurada» entre la Señoría de Florencia y el Estado Pontificio.

La capilla de Sixto IV, llamada entonces,  Capella Magna-se consagró en el 15 de agosto de 1483 dedicándola a La Virgen María.  El papa feliz!!! presidió la ceremonia,  nunca se dio cuenta  lo que las paredes decían sobre él.

duque de Urbino

500 años después  se descubre  que el  verdadero artífice de la conjura Pazzi no fue el Papa Sixto a quien todo el mundo acusaba sino el Duque de Urbino que astutamente había urdido el complot. Aquí Giuliano Medicis  (la víctima ) y Federico Montefeltro, Duque de Urbino en un retrato del exquisito Piero Della Francesca.

Sixto IV falleció un año después de la consagración de «su» famosa Capilla sería  su sobrino  el papa  Julio II  quién se encargaría de continuar embelleciéndola,  colocando una bóveda  fantástica pintada por  el más grande artista de todos los tiempos: Miguel Ángel. y ni hablemos de la pared del Juicio final  que lo convertirá  «per secula seculorum» en un verdadero Mito.

 

 

Nuestra Señora de la Pasión… y algo más

Nuestra Señora de la Pasión… y algo más
En la Vía Merulana  de Roma entre Santa María Maggiore y San Juan Letrán hay un pequeño templo de Los Redentoristas  dedicado a san Alfonso María Ligorio su fundador. Esta Iglesia guarda en su Altar Mayor el Icono medieval de Nuestra Señora de la Pasión, la Madona del Pulgar o Nuestra Señora del Perpetuo Socorro como posiblemente es más conocida.
                                                   Iglesia de San Alfonso María Ligorio – Roma
redentoristas
En  Mar del Plata -Argentina hay una réplica del original que tienen los Redentoristas de la Vía Merulana.
Lo encontramos en la   Catedral marplatense  que está dedicada a La Pasión de Cristo además de su Dedicación a San Pedro Apóstol y a Santa Cecilia que es la patrona de la ciudad.
 Aquí: la replica de  la Catedral de Mar del Plata
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Cuentan…que el Icono original fue robado de la Isla de Creta por un comerciante que lo llevó a Roma en s. XV y en 1499, entregado a la Iglesia de San Mateo cerca de san Juan Letrán que hoy ya no existe. Este Icono, despertó la devoción de los fieles durante tres siglos. Después de la destrucción de la iglesia por las tropas napoleónicas 1798 fue llevado a la Iglesia de Sta. María in Posterula donde permaneció olvidado.

Los Misioneros Redentoristas compraron el terreno para edificar su casa general,  que incluía las ruinas de San Mateo para construir allí  la nueva Iglesia dedicada a san Alfonso  su fundador.De esta manera el Icono de Nuestra Señora  del Perpetuo Socorro pudo regresar a su antiguo lugar de culto. El 11 de diciembre de 1865 el papa Pío IX confió el Icono a los Misioneros Redentoristas con el fin de darlo a conocer al mundo.

 nsps_altarEl Altar Mayor da la Iglesia de San Alfonso

La restauración

En 1990, la imagen de la Virgen del Perpetuo Socorro fue retirada del altar mayor para hacerle nuevas fotos. Fue entonces cuando se descubrió el serio deterioro en que se encontraba.

El Gobierno General de los Redentoristas decidió recabar los servicios técnicos del Museo Vaticano para proceder a una restauración general. El resultado de estos análisis y, sobre todo, un examen con carbono 14 indicó que la madera del icono del Perpetuo Socorro podía datarse tranquilamente en los años 1325-1480. Posiblemente de la Escuela tardía cretense donde destacó Andrea Riccio de Candia, a quien algunos  atribuyen la creación de este  famosísimo icono .

Generalidades de los Iconos bizantinos y de la Madona del pulgar en particular…

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 La imagen o icono original del Perpetuo Socorro está pintado al temple sobre madera. Mide 53 cm de alto por 41,5 cm de ancho. Sobre un fondo de oro destacan cuatro figuras. En el centro, llenándolo todo como protagonistas, la Virgen y el Niño; y en un lejano segundo plano, los dos arcángeles Miguel y Rafael con los instrumentos de la Pasión.
Los Iconos bizantino son  «un Mundo Aparte» tanto  en lo artístico como en lo devocional, sin duda ellos alguna encierran un universo que pocos comprendemos  y menos aún intentamos hacerlo.
Para la gran mayoría es «una estampita»  al estilo oriental…algo viejísimo , olvidable que ocurrió hace tanto … y que ahora se ofrece a los fieles como «una opción más» para rezar. Pero a medida que comenzamos a descubrir sus significados quedamos definitivamente  maravillados por todo lo que encierran que a simple vista «no vemos».

Algo para tener muy en cuenta:

La cabeza
No mantiene ninguna proporción con el resto del cuerpo, pues en ella radica la inteligencia y la sabiduría. La cabeza femenina siempre es presentada cubierta por el manto o por algún otro tocado, ocultando por completo el pelo.
cabeza
Las cabezas de Cristo, la Virgen (Teothokos), Ángeles y santos se encuentran siempre rodeadas de un«nimbo», generalmente dorado, que representa la «Luz de Dios».
«la frontalidad significa presencia» y de esa manera tienen un contacto directo con quien las observa.
La iconografía rechaza tajantemente pintar la parte posterior del rostro, la nuca.
En la Grecia Clásica llamaban a los eslavos «aprosopos», que significa «los sin rostro».
En un icono de San Juan Bautista se puede ver su cabeza separada del cuerpo (debido a su decapitación) pero su cara es perfectamente visible. Esta simbología se basa en en un versículo del Evangelio de San Lucas que dice «El que pone la mano en el arado y mira hacia atrás no sirve para el Reino de Dios».
 Los Ojos

Los ojos de las figuras que aparecen en los iconos son extremadamente grandes y se encuentran enmarcados por cejas muy arqueadas. El evangelista san Lucas textualmente dice: «Mis ojos han visto tu salvación«.Los ojos siempre parecen estar inmóviles pues no solo ven sino que vigilan e interrogan, penetrando el alma del espectador.

Nariz
Órgano olfativo e inicio de las vías respiratorias, en los iconos se le representa muy aguda y alargada.  Es pintada de esa manera para impedir el paso a las fragancias del mundo material y poder captar solamente el olor de lo sagrado.
Boca
Los iconógrafos la anulan como órgano sensorial, pintándola extremadamente fina, casi como una línea con dos pequeños triángulos que simulan ser labios. Permanecerá cerrada, porque la verdadera oración se hace en el silencio. Zacarías, en el Antiguo Testamento expresa: «Que todo se calle ante Yahvé «.
Las orejas.
En las figuras de los iconos son representadas de dos diferentes maneras: Extraordinariamente grandes, particularmente en las imágenes de algunos santos, para indicar que  están atentos a escuchar el llamado divino. En la mayoría de los casos son invisibles.
De esa manera la imagen permanece ajena a los ruidos del mundo y solamente atiende a las voces de su interior.
El Mentón
Se le representa fuerte y enérgico, aún en las figuras femeninas. En las masculinas se adivina detrás de una gran barba. Queriendo expresar con lo anterior la fuerza de espíritu.
El Cuello

Es la unión de la cabeza con el resto del cuerpo. La iconografía lo representa muy alargado pues es el medio por el cual el cuerpo recibe el aliento vivificador del Espíritu.

 
El Cuerpo 
En los iconos, todos los cuerpos son representados altos y delgados, desprovistos de todo volumen que ocultan cualquier apariencia sexual . La delgadez del cuerpo indica la superioridad del espíritu sobre la carne, a la vez que acentúan su renuncia a las cosas materiales y a todos los asuntos terrenales.
Una de las críticas mas comunes a este estilo pictórico es la inmovilidad de las imágenes:  El «Hieratismo»que rigió por siglos el arte. La ausencia de ademanes  simboliza a la «Hagia Irene» es decir la Santa Paz. Los movimientos bruscos expresan lo contrario es decir el estado pecaminoso del hombre.
Ninguna sombra es proyectada por esos cuerpos hieráticos, para Dios no hay sombras ni lugares ocultos.
manos
Brazos y Manos
Los brazos, generalmente aparecen cubiertos por el manto, la túnica o las vestiduras litúrgicas hasta más abajo de las muñecas. Los dedos sumamente largos y delgados, que simulan ser los cables conductores de la energía espiritual. En ellos también radica el poder, pues con el dedo índice señalamos, indicamos, ordenamos.
En el icono de nuestra «Virgen de la Pasión» o «Virgen del Perpetuo Socorro»  los dedos de su mano izquierda aparecen juntos y señalando al Niño. Esa alargada mano representa el «Camino» pues señala hacia Cristo Niño, manifestando de esa manera las palabras del Evangelio «Yo soy el Camino la Verdad y la Vida».
 Cuando las manos aparecen mostrando sus palmas simboliza una súplica, una oración.
El Paisaje
En las pinturas de tradicn bizantina cuando estos aparecen, el campo,  las montas, casi siempre están  desprovistas de vegetación.Los interiores, generalmente, están señalados como si fueran cortinajes  o decorados.
Los colores
Tienen un lenguaje propio y son portadores de un lenguaje místico.  Eugenio Troubotzkoï, filosofo ruso de principios del s.XVIII al hablar sobre los iconos expresa lo siguiente: «Los colores son utilizados por el artista con el objeto de separar el cielo, de nuestra existencia terrenal, ahí está la clave que permite comprender la belleza inefable de la simbología del icono» 
 Los iconógrafos, no pueden utilizar libremente los colores, ni darles tonalidades diversas, como tampoco pueden aplicar sombras.
El Concilio II de Nicea estableció:
«Solamente el aspecto técnico de la obra depende del pintor. Todo el plan, su disposición depende de los santos Padres».
El Dorado – La Luz de Dios
En los iconos todos los fondos están cubiertos de este color, el que se logra aplicando hojas de oro, el que es bruñido hasta lograr su máximo brillo. En la iconografía bizantina representa la luz de Dios, por lo tanto cualquier figura representada en ellos está llena de la luz Divina. 
EL Blanco – La Luz
El blanco no es propiamente un color, sino la suma de todos ellos. Es la luz misma. Es el color de la«Vida Nueva».
 
El Negro -Puro
 Es la ausencia total de luz, la carencia total de color. El negro representa la nada, el caos, la muerte.
El rojo –Rojos 1
Este color ha sido ampliamente utilizado por los iconógrafos en los mantos y túnicas de Cristo y los mártires. Simboliza la sangre del sacrificio, así como también al amor, pues el amor es la causa principal del sacrificio. Al contrario del blanco que simboliza lo intangible, el rojo es un color netamente humano; representando por lo tanto, la plenitud de la vida terrenal. 
El Púrpura –Púrpuras 1
Este colorante, extraído de un crustáceo del Mar Rojo, era utilizado para teñir las mas finas sedas. A partir del «Codigo Justinianeo» su uso quedó reservado exclusivamente para el emperador, sus familiares mas cercanos: los «Augustos» y para algunos otros reyes. Por lo tanto en los iconos este color se hace representativo del poder imperial.
Es utilizado únicamente el los mantos y túnicas del Pantocrátor, y de la Virgen o Teothokos. Representando que Cristo y por extensión su Madre.
Como Cristo es también el Sumo Sacerdote de la Iglesia, simboliza el Sacerdocio (el color obispo).
 El Azul –Tipos_de_azules 1
 Todas las antiguas culturas hicieron del azul un color relacionado con la divinidad. Los egipcios lo ligaron con la «verdad», por lo tanto con sus dioses. En los muros de sus tumbas y templos se pueden observar pinturas de sacerdotes cuyas vestiduras son de ese color. La máscara funeraria de Tutankhamon está decorada con franjas de lapislázuli, para que así fuese identificado en el más allá como un dios. Michel Quenot, en su invaluable obra «El Icono» dice:
» El azul ofrece una transparencia que se verifica en el vacío del agua, del aire o del cristal. La mirada penetra ahí hasta el infinito y llega a Dios» 
 
El Verde – Tipos de verdes.png
 Es el color resultante de la combinación del azul y el amarillo. El verde es el color de la naturaleza, el color de la vida sobre la tierra, del renacimiento a la llegada de la primavera. La iconografía le otorga un significado de renovación espiritual. 

El Marrón o Café –Marrones.png

 Este color es también producto de varios otros como: el rojo, el azul, el blanco y el negro. 
Es el color de la tierra y por lo tanto la iconografía pinta de color marrón los rostro de las imágenes que aparecen en los iconos, para recordar aquello de
«polvo eres y en polvo te convertirás» Significa también «humildad», pues esta palabra proviene del vocablo latino «humus » que significa:Tierra. Es por ese motivo que los hábitos de los monjes son de ese color.
Oro, blanco, negro, rojo, púrpura, azul, verde y marrón son los únicos colores que pueden ser utilizados, el uso de otras combinaciones de colores queda fuera de  toda regla   iconográfica pues no contiene ninguna simbología.
Las letras
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En todos los iconos los nombres de los personajes aparecen junto  en ellos, se encuentran escritos en caracteres griegos o cirílicos según su lugar de procedencia.
De acuerdo a la iconografía, el nombre activa la presencia del personaje y le confiere un significado sagrado. La imagen de Cristo siempre estará acompañada por las letras IC XC . Al nimbo del Pantocrátor se le deben incluir las letras griegas O W N que son las iniciales de la frase «Yo Soy el que Soy».
Cuando se trata de la figura de Virgen se le adjuntan las letras MP OY , las que advierten que es la «Madre de Dios».
Arcangelmiguel
Arcangelgabriel
Las letras más pequeñas identifican al ángel a la izquierda como “San Miguel Arcángel”; el arcángel sostiene la lanza y la caña con la esponja empapada de   vinagre, instrumentos de la pasión de Cristo.
El ángel a la derecha es identificado como “San Gabriel Arcángel”, sostiene la cruz y los clavos.
Los ángeles no tocan los Instrumentos de la Pasión con las manos, sino con el paño que los cubre.
 Los iconos dejan de ser una obra pictórica para convertirse en un objeto litúrgico, pues su significado va más allá de lo que la vista puede advertir.
Su profunda simbología está sustentada por textos tomados de las Sagradas Escrituras, que los iconógrafos interpretaban al pie de la letra, siguiendo los manuales que para ellos escribieron los Padres de la Iglesia.
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 Como miramos  este icono…

La Virgen se nos muestra sólo de medio cuerpo y en actitud de pie. Viste túnica de color rojo abrochada en el cuello  (símbolo de su realeza)y un manto púrpura que la cubre desde la cabeza «Maforion», destacándose los pliegues  marcados en oro. Bajo el manto apunta una cofia , que recoge y oculta sus cabellos.
Tiene sobre la frente la  estrella símbolo de su Virginidad – Siempre virgen: Antes,durante y después del Parto.(Es dogma de Fe, definido solemnemente por la Iglesia en el Concilio de Éfeso 431-La Virginidad perpetua de María, proclamado en el Concilio de Constantinopla  s.IV y en el II Concilio de Letrán.)
El Niño Jesús descansa sobre el brazo izquierdo de su Madre  con expresión de madurez vestido como solían hacerlo en la antigüedad los nobles y filósofos, su figura, de cuerpo entero, con túnica verde, ceñida con faja roja y de su hombro derecho cuelga un manto de color marrón. Tiene en el rostro una expresión de temor y con las dos manitos aprieta el pulgar de su madre, de ahí su denominación en muchos países .»La Madona del Pulgar». Ella mira ante sí con actitud recogida y pensativa, como si estuviera recordando en su corazón la dolorosa profecía que le hiciera años  atrás el sacerdote  Simeón.Manosdelaperpe
El Niño tiene entrecruzadas las piernas y lleva los pies calzados con simples sandalias,  el «susto» que le provoca la vista de los  elementos de su futuro martirio le provoca un brusco y repentino movimiento, que deja caer una sandalia…

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                                      Todo es simbolismo!!

Modas en el arte?

En la iglesia de Ognissanti  de Florencia está el fresco de  «San Agustín » de  Sandro Botticelli pintado hacia 1480 durante el Renacimiento Florentino.

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El santo está espectacular!!! en su actitud, con su mirada  profunda y su mano sobre el pecho, gesto que indica  que tiene un corazón sentido. Pero… es un San Agustín diferente,neoplatónico! el libro que tiene abierto ante si, es un tratado de Geometría !!!! y está rodeado de instrumentos propios de los astrónomos, geómetras y matemáticos y no un libro de Teología como era de esperar.

La recuperación de Platón, en el Renacimiento es la recuperación de la matemática  y Botticelli pertenecía al circulo neoplatónico Florentino y por si eso fuera poco, la iglesia, fue Capilla de los Vespucci.

La familia Vespucci debe su fama en todo el mundo a uno de sus componentes: el navegador Amerigo Vespucci, del que viene el nombre de América, ya que fue el primero en comprender que las tierras donde había llegado Colón no eran las indias, sino otro continente. La mayoría de los entendidos en la materia   no estuvieron de acuerdo con el honor  que le fue otorgado de llamar América, al continente descubierto por Colón, levantando una polémica que todavía existe.

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El término Renacimiento deriva de la expresión italiana rinascita , vocablo usado por primera vez por el literato Petrarca .

Uno de los cambios más destacados  de ese momento es la aparición de la perspectiva, que consiste en la representación de la tercera dimensión y la «Pasíón» por los instrumentos  «raros»

La astronomía fue uno de los campos más importantes en el progreso científico, que influirá en el cambio de pensamiento de los europeos. Por esos años e producen también extraordinarios inventos en el campo de la navegación , impulsados por el descubrimiento de América  aparecen el Astrolabio y el Nocturlabio, Esfera Armilar la Carta náutica o Portulano , inventos que facilitaron la navegación y el afán de aventura y conquista de nuevos territorios.

 Volviendo a Botticelli , este, pidió ser sepultado  a la entrada de la famosa  Capilla de Ognissanti.  Un disco de mármol blanco a  los pies de la tumba de su amada modelo, la hermosa Simonetta Vespucci,  que fuera proclamada “Reina de la belleza” durante un torneo de justas en 1475 y de la que el permaneció enamorado toda su vida.

Su deseo le fue concedido.

También está la de Amerigo como integrante de la familia que era

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Lápida de Amerigo Vespucci –                                  y de Botticelli, ambas en la Capilla Vespucci

Pero he aquí una sorpresa:

El escudo de esta lápida, no pertenece al navegante florentino, sino a su abuelo homónimo. La placa menciona el año 1471 e incluye el blasón en la típica «cabeza de caballo» de la heráldica italiana, que  vemos también  en el fresco de  «San Agustín» de la Capilla.

«El nombre de «Vespucci» se relaciona con las avispas (Vespa)» 

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Este es el blasón de los Vespucci con avispas  como era de esperar!

Posiblemente Botticelli  no fue quién introdujo «la Moda» de los Instrumentos Modernos de navegación o astronomía rodeando a santos y otros  personajes  ilustres pero si quién hizo una versión magnifica con su San Agustín rodeado de ellos.

En   Venecia, en  la Scuola di San Giorgio degli Schiavoni se encuentra otra admirable pintura del mismo estilo de Vittore Carpaccio, datada de 1502, que reproduce el gabinete de San Agustín, probablemente inspirándose en el fresco magistral de Botticelli pintado 20 años atrás.

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Una vez más nos encontramos con un San Agustín, «sabio en astronomía» para nuestra sorpresa. Una esfera armilar en la estantería de la derecha y todo un armario de astrolabios y cuadrantes en el fondo izquierdo aunque puso la Mitra y el Báculo junto al altar del fondo.

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En la época en que se ejecutaron tanto el fresco como el cuadro, la astronomía y la astrología no estaban muy separadas, de hecho muchos astrónomos –incluido Kepler- tenían que realizar horóscopos. La gente sentía especial atracción por dichos objetos   y determinados descubrimientos científicos y geográficos.

La irrupción de una nueva sensibilidad y su plasmación ocurre  treinta años después  con  la lograda pintura de Hans Holbein el Joven( en la Nacional Gallery), conocida como «Los embajadores (1533)» considerada su obra cumbre ya finalizando el Renacimieto. Todas las contradicciones de una época se ponen de manifiesto: el sentimiento religioso de que todo es vanidad y la atracción por los objetos.

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La anamórfica calavera  ( extrañamente colocada en el centro   ).

Para corregir la deformación del hueso de sepia y observar el cráneo , puede utilizarse el dorso de una cuchara. Colocando la mirada frente al dorso de la cuchara y modificando su orientación, se observa fácilmente el cráneo sobre ella. Si se tiene una versión impresa de la pintura, puede dirigirse la mirada en el plano formado por la hoja y corregir la perspectiva.!Toda una novedad!

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En Londres el mensaje será el de las vanidades: Todo es Nada.

Hans Holbein el Joven también utiliza los mismos instrumentos en el «Retrato del astrónomo Kratzer», actualmente en el Louvre de París

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La pintura es del segundo cuarto del XVI, ya el Renacimiento está fuera prácticamente, falta el telescopio porque recién  en 1609,  Galileo enfoca el cielo con su rudimentario catalejo.

Holbein no pone aquí la carga simbólica de «Los Embajadores», pero muestra la variedad de instrumentos que existían.

 

A la moda de las «Vanitys» siguieron la de los instrumentos, a estos, la de retratar personas con los atributos de santos (el famoso Murillo  retrató a media sociedad de Sevilla), «la Moda»  de los coleccionistas  fiebre que se desató con el neoclasicismo  cuando se desenterró Pompeya o cuando comenzaron los viajes a Grecia para ver sus ruinas …

También los artistas fueron «Moda» al  igual que sus obras: Miguel Ángel fue «el Divino»  de la devoción por Rafael Sanzio  surgió la  nueva corriente decimonónica  «Los Prerafaelistas».  También  se olvidaron  de  las antiguas y endiosadas celebridades como Zurbarán, Tiépolo y otros.

Botticelli no tuvo mejor suerte,  permaneció  injustamente ignorado por siglos, pero no así su  «San Agustín» de la Capilla  de Ognissanti , tal es la seducción que el fresco  ejerce  sobre el observador  que siempre conquistó al público de todas la épocas despertando  la  admiración de todos.

Paul Klee

 

«Si mirar con limpieza es llenar el mundo de honradez, dibujar los sueños es llenarlo de esperanza.»

   Paul Klee -(1879-1940)

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Villas florentinas (Florentinische villen) de 1926. Óleo sobre tela, 49,5 x 36,5 cm. Museo National d´Art Moderne, Paris.

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Artista polifacético, el que despuntó en todos los géneros y superó todas las barreras del arte y el saber, el que fue uno de los artistas en dominar la primera parte del siglo XX.

Tras un viaje a África en 1914, descubre el color y marca el inicio de un nuevo estilo.

Paul Klee estudió paralelamente todas las artes, logrando en varias de ellas un nivel superior a muchos especialistas. Sin embargo, en vez de tratar de cultivarlas todas, lo que su erudición sin duda le permitía, se dedicó desde temprano exclusivamente a la pintura.

Klee se hizo pintor no porque la pintura fuera la que más efectivamente podía ayudarlo a expresarse, sino porque era él  podía ayudar a la pintura a desarrollarse mejor.
Pero a pesar de la complejidad de su obra, los cuadros de Klee buscan siempre las formas primordiales de la vida humana, y para apreciarlos no hace falta saber de música, matemáticas y filosofía tanto como sabía él.

«Llevar una línea a pasear»

Era como Klee describía su estilo único, inspirado por una pasión por la música y un interés por los sueños y las incongruencias del subconsciente, combinando inocencia con sofisticación.

No hay que malinterpretarlo creyendo que esas formas a veces torpes y casi infantiles, son un intento deliberado de ignorar las técnicas de la pintura para crear un efecto primitivo y “libre” de restricciones. Al contrario: es su  búsqueda de las leyes esenciales del universo que los cuadros de Klee logran simplicidad.

Trabaja como profesor en la Bauhaus, la escuela alemana de arte más vanguardista.

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 Su técnica 

En la obra Nueva armonía, de 1936, Klee  que era violinista, aplica técnicas compositivas análogas a las utilizadas por Schönberg en su sistema dodecafónico. Utiliza 12 tonos de color, excluyendo el gris y el negro, en una composición que guarda una simetría bilateral invertida, es decir: la mitad derecha del cuadro refleja como un espejo la imagen izquierda, pero invertida.

Utilizando recursos como el espejo, la retrogradación y la inversión, que son características tanto de la fuga como del serialismo dodecafónico.

 

 

Siempre estaba en una continua búsqueda… algo nuevo. Fue considerado el padre de la pintura abstracta, su pintura asume un carácter figurativo, oscilando entre el Impresionismo y el Surrealismo.

La técnica del esgrafiado o rascado de la pintura. Son dos capas de pintura y rascamos la capa superior.

Es famosa la que utiliza ceras:  la técnica milenaria del Encáustico  de las pinturas de Fayun, de Pompeya se pìnta sobre cera  y luego se funde con fuego o calor. En el caso del óleo existe un método que consiste en pintar una capa húmeda (es decir, que aún no se haya secado) y rascarla de modo que se vea la pintura seca de abajo o directamente el soporte y usaba gran variedad de ellos.

Klee supo mantenerse al margen de todas  las corrientes, colaborando con todos los grandes pintores de la época, como Kandinsky y Cézanne, y participando en todos los proyectos colectivos, como la Bauhaus y el Blaue Reiter, pero nunca subordinando su arte a las exigencias de uno u otro manifiesto.

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En esta obra utiliza el enyesado sobre arpillera luego coloreado  con acuarelas.

A partir de 1935, a causa de su enfermedad, Klee adoptó un estilo de pintura con tono pesimista y dramático, claro, sencillo, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados.

 

En 1939 pintó 28 ángeles y cuatro más al año siguiente.Las figuras aladas habían sido una constante en su obra, representan un punto intermedio entre este mundo, entre los hombres, y Dios, el lugar donde vida y muerte se unen.

 

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Klee tenía un proyecto independiente  y a juicio de muchos no lo había concluido, había logrado entrever el final cuando le llegó la muerte en una clínica de Muralto-Locarno en 1940. Pintó aproximadamente 9.000 obras, la mayoría en tamaños bien pequeños.

 

 

Por último… un reconocimiento

En julio de 1988, el cirujano bernés Maurice E. Müller y su esposa, Martha, donaron a la ciudad y al cantón de Berna 40 millones de francos y un terreno con valor de 10 millones de francos para la construcción de un museo monográfico dedicado a Paul Klee.

Las tres colinas de cristal y acero dan forma al Centro Paul Klee de Berna – Suiza fundiéndose en el paisaje natural.

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En diciembre de 1998, el célebre arquitecto italiano Renzo Piano fue llamado para concebir el Museo Klee. La reputación del diseñador del Centro Pompidou de París y de la Fundación Beyeler de Basilea  por cierto no estaba sujeta a cuestionamiento alguno.

En las salas de la primera planta donde Renzo Piano el arquitecto italiano, resolvió con inteligencia y respeto por el artista los problemas expositivos haciendo bajar las paredes desde arriba y manteniéndolas suspendidas a pocos centímetros del suelo.A diferencia de los museos tradicionales, el Centro Paul Klee de Berna  no permite la luz natural en los espacios expositivos. Las técnicas utilizadas por Klee, a menudo acuarelas, óleos sobre papel; determinan una fragilidad especial. Sería por lo tanto peligroso exponerlas a la luz natural.

El Centro Paul Klee ofrece además otro tipo de eventos como conciertos, lecturas o visitas guiadas y es uno de los palacios de congresos más atractivos de Suiza.