…el astrolabio del tapiz

 

Actualmente:  un astrolabio es una lujosa curiosidad que encontramos en los museos. Estos atesoran múltiples modelos  desde la más remota antigüedad. Podría decirse que es un instrumento «buscador de estrellas», lo utilizaban por igual astrónomos y marineros estos últimos para conocer su posición en el mar hasta la invención del sextante por 1750.

Las aportaciones astronómicas árabes

Sus astrolabios, cuadrantes, dióptricos y brújulas ayudaron al desarrollo de la ciencia y a nuevos descubrimientos. Pero lo que es aún más interesante, es que los principales astrónomos y matemáticos que inauguran la nueva época de las ciencias: Copérnico, Tycho Brahe, Kepler, Galileo, Newton se valieron de los aportes científicos logrados por ellos.

Orgullo toledano e hijo dilecto…

Azarquiel o Al-Zarqali (Toledo, c. 1029 – Sevilla, 1087),​ de nombre completo Abū Isḥāq Ibrāhīm ibn Yaḥyā al-Naqqāsh al-Zarqālī, fue un importante astrónomo y geógrafo de Al-Ándalus.

El nombre Azarquiel es una especie de apodo debido a sus  ojos azules, llamados zarcos, una rareza entre los moros. Vivió en Toledo hasta que en 1085, la conquista castellana de la ciudad lo llevó a emigrar a Sevilla, donde murió. Hizo importante avances en el campo astronómico construyendo astrolabios y dejando para la posteridad: LasTablas Toledanas – Almanaque de ammonio– Suma referente al movimiento del Sol- Tratado relativo al movimiento de las estrellas fijas- Tratado de la azafea- Tratado de la lámina de los siete planetas- Influencias y figuras de los planetas.Una tabla de precisión etc. digamos, una importante producción.

Astrolabio, de Ibrahim Ibn Said, del taller de Toledo. Siglo XI (año 1067).

…y es precisamente en Toledo – España, cuna de este notable astrónomo,  en el Museo de Tapices y Textiles Catedralicio donde se encuentra un Tapiz de lana y seda del siglo XV.

Es llamado comúnmente: «El tapiz del Astrolabio».

Hecho en Tournai – Bélgica  con el sistema de telar «Alto Lizo». Es una pieza de gran formato: de 8 m. de largo y 4,15 de alto que ya  figuraba en el archivo catedralicio desde 1503.

No se conocen precedentes iconográficos dentro del arte de la tapicería  que representen temas científicos, en semejante tamaño pues generalmente los temas para estos casos eran:  Historia sagrada,  batallas gloriosas pagadas las  casas reales gobernantes o bien temas mitológicos aptos para la decoración de las,frías paredes de templos, palacios y los contados tapices que existen con temas científicos,  todos de menores dimensiones.

El siglo XV

Podemos decir fue un siglo «bisagra»  a medio camino entre la visión clásica Ptolemaica -Aristotélica del universo y el nacimiento de la ciencia moderna.

En el siglo IV aC. Aristóteles, entendía que el cosmos estaba en movimiento, y que era una evidencia incuestionable. La pregunta que se hacía era de dónde obtenía la energía el cosmos para ese movimiento, cuál era la fuerza o motor original del que la extraía, la primera de todas, la fuente de la que nacía. Ese movimiento lo podía generar sólo una fuerza inmóvil y sin cambio alguno, pues si esta se movía, también necesitaría de otro motor anterior. La explicación sólo podía alcanzarse entendiendo que esa fuerza, ese motor inmóvil, esa fuente que no deja de generar fuerza, era Dios. Y Dios no necesitaba de otro motor ni fuerza alguna para generar el movimiento, porque era el origen de todo.

El Tapiz

El humanismo estaba empezando a florecer  cuando se lo realizó. Los Duques de Borgoña se aprovisionan en las tapicerías de Tournai. Esta ciudad conoce una época de gran  apogeo paralela al declive de Arras. Según Marvin Harris – antropólogo, es muy difícil diferenciar la producción de los talleres de ambas ciudades, ya que se conservan muy pocas fuentes escritas y no se puede establecer el carácter distintivo de cada centro.

Lo espectacular de esta obra es el  colorido que mantiene. Las figuras  son verdaderamente hermosas!!!  De una delicada  tonalidad y con una gracia singular  en sus agradables movimientos.

El la parte superior vemos unas cartelas  por cierto en latín y en letra gótica que nos introducen brevemente  de que se trata  la obra mezcla el saber teológico, mitológico y científico. Están representadas  tres escenas relacionadas con el texto de la cartela superior.

 Izquierda del tapiz:

Dice la cartela:

AGENTE POLENTIA PRIMI NOTORIS AGENTE/ MOTU AD HOC APTU SUA EC AGILITATE/ DIE RUM PACTE CELU REUULTUAC

Dios  Creador

A la izquierda arriba,  rodeado de un bello resplandor Dios el creador   “potentia primi motoris” impulsa a dos jóvenes, una de ellas “Agilitas movilis”, hace girar la esfera celeste, mientras que la otra le imprime movimiento por medio de una manivela.

 

 

Abajo el dios Athlas  sentado soporta el peso del Universo… en la antigüedad el soportaba el mundo sobre sus espaldas ahora colabora sosteniéntolo  levemente.

 

El astrolabio al centro:

SUB POLO BOLVITUR CELUM. SIC ORNATUM. STELLIS FIXIS TARI PER AQUILONIS LOCUM/ ET PER AUSTRU JUXTA DIVERSES EFFESTUS DIVERSIS APTANTUR FIGURIS HOMINUM/ ET ALTARIS SIGNIS PLANETIS MOTUM CIRCULUS CONSERUAT SUB SE ZODIACUS.

El Cosmos medieval

El centro del tapiz está ocupado por la representación, no de un astrolabio completo, sino de su pieza frontal, llamada «araña». Se identifican claramente sus círculos y bandas estructurales: el círculo polar ártico cobijando a la estrella Polar, la elíptica con los doce signos del Zodiaco, el círculo de Capricornio que es el exterior, la banda equinoccial que es el diámetro horizontal y un pequeño fragmento de la banda solsticial que es el vertical. Se completa la estructura con una banda tetralobulada de naturaleza decorativa y presente en los astrolabios de talleres franceses del siglo XV. En el interior se muestran distintas constelaciones aparecen sobre un fondo azulado cuajado de estrellas y, en la parte inferior, sobre un campo de «Mil flores» similar a otras piezas manufacturadas en los talleres de Tournai.

Ptolomeo fue astrólogo y astrónomo, además de geógrafo y matemático, se dedicó a la observación astronómica en Alejandría en época de los emperadores Adriano y Antonino Pío. El Almagesto,  es su obra cumbre, contiene un catálogo de estrellas que Ptolomeo tomó de una obra perdida de Hiparco de Nicea.  También estableció criterios para predecir eclipses etc. y estas representaciones de las constelaciones y del zodiaco de raíz mítica, fueron ampliamente difundidas a lo largo del medievo.

Las Constelaciones

25 constelaciones incluidas en «la araña» de astrolabio central y cuatro letras  que muestran dos objetos y dos personajes que no son constelaciones. En el circulo menor de «la araña» están escritos los  12 signos del zodiaco.

Digamos en el hemisferio Superior:

1 Pegaso-  2 Orión- 3 Ballena- 4 Auriga-  que en lugar de látigo  tiene  un inciensario A – B la corona en lo alto y centro de la obra- 5 Hidra- 6 Copa- C Prometeo podría representar a Cristo – Sol – 7 Cuervo- 8 Centauro- D – Teseo héroe ateniense  que venció al Minotauro-  9 dragón-10 Hércules  11 Osa Menor-

12 Andrómeda    –13  Cefeo- 14 Casiopea-15 Osa Mayor- 16 Corona Boreal- 17 Boyero-18 Serpentario-19 Triángulo- 20 Águila- 21 Flecha- 22 Perseo- 23 Cisne representado por un principe- 24 Lira- 25 Delfin. A B C y D las no constelaciones.

Continuamos a la derecha:

ABRACHIS CUGNOUIT P[er] PHILOSPHIAM HEC ASTROLOGIA ET PER SCIENCIAM/ UNDE VIRGILIUS POETA LOQUITUR ALII QUE PLURES ET HANC NOTIAM/ JAM HABET HOMINES PER GEOMETRIA ET ARITMETICAM NUMER PANDITUR.

 

Se trata de una escena  que gira en torno a la figura sedente de  1 la Filosofía y es una representación del modelo universitario bajomedieval con sus Artes Liberales agrupadas en el Trivium (Gramática, Retórica y Dialéctica) y el Quadrivium (Astronomía, Geometría, Aritmética y Música). La Filosofía se consideraba la máxima expresión sólo superada por la Teología y formaba parte del curriculum docente pues los principales textos formativos medievales fueron los de los grandes filósofos de la Antigüedad, incluidos los destinados a explicar la naturaleza (filosofía natural) el interés del humanismo científico, ya presente en el occidente cristiano por estas fechas,  era buscar una síntesis entre lo literario y lo científico.

 La Filosofía como verdadera reina en su trono. La composición piramidal ubica en la parte superior izquierda a la Astrología – Astronomía, una de las Artes del Quadrivium que debe entenderse como scientia astrorum y no como se entiende hoy. La estricta separación entre astronomía y astrología no tuvo lugar hasta la Edad Moderna. De ahí que en muchos Rosetones en los templos del gótico veamos el zodiaco.

La bella 2 Astronomía señala  su objeto de estudio, el cosmos, representado  dentro del astrolabio. A ese mismo nivel, pero en el lado derecho, se yergue la imagen de  3 Virgilio (70 a.C.-19 a.C.), representando el latín, la lengua culta y la literatura gramática, dialéctica y retórica (el trívium). Los estudiosos de Virgilio destacan el interés por la astronomía y las matemáticas presente en su  famosa Eneida y esa puede ser una de las razones  para vincularlo a una representación cosmológica como esta.  Ambos de pie.

Debajo  4 la Geometría  con un cuadrante con plomada,  5 la Aritmética  ocupada haciendo cuentas, ambas sedentes y  el filósofo 6 Hipario de Nicea del s. II. (figura aquí como Abrachis) de pie, señalándolas, resaltando de esa manera a las dos Artes del Quadrivium  necesarias para abordar con fundamento el estudio del cosmos.

Carta celeste

Con los viajes y posteriores descubrimiento aparecieron  muchas constelaciones más. Actualmente, 88 figuras estelares cubren el cielo desde 1928. Previo a esa fecha, los cartógrafos eran libres de realizar las cartas celestes con la cantidad de constelaciones que ellos quisieran

Una hermosa fantasía…

Entre héroes y mujeres  legendarias: hay 14 personajes, 9  aves, dos insectos, 19 animales terrestres, 10 criaturas acuáticas, dos centauros, un pegaso y un dragón, una cabellera (Coma Berenices), una serpiente, un río y 29 objetos inanimados… engalanan  el bello cielo nocturno.

La sede del  afamado Tapiz

Al ser uno de los pocos tapices medievales y único dedicado a la astronomía, es sumamente  solicitado y  valiosa su presentación donde hay algún evento de esta materia. Siempre está en exposición  y atrae a numeroso público en los  diversos países  que lo solicitan, ni que decir en su sede oficial: El Museo de La Santa Cruz en Toledo -España

En la fachada del Museo  vemos la representación de la Santa Cruz descubierta por santa Elena,  madre del emperador Constantino el grande.  El edificio se creo como hospital para niños huérfanos y desamparados en el s. XV y Alonso de Covarrubias– arquitecto y escultor español del siglo XVI le dio  estilo plateresco.

Por tratarse de un Museo Provincial, cuenta con  innumerables y valiosas las piezas,  depósitos de las distintas parroquias de la diócesis, incluso de la Catedral Primada como el estandarte de la  célebre Batalla de Lepanto, regalado por don Juan de Austria a la Catedral de Toledo.

 

Museo-capilla de Sansevero de Nápoles

La visita al ahora Museo, es de las atracciones turísticas más emblemáticas de la ciudad debido a que goza de una  «leyenda negra» de lo más atrayente para «entretener» al turista.

El edificio no solo tiene una gran importancia histórico-artística, sino que alberga obras de gran  calidad como asimismo numerosos objetos misteriosos y reproducciones simbólicas que tienen que ver con la extraordinaria vida de:

Raimondo di Sangro, VII Príncipe de Sansevero (1710-1771).

 

De la alta nobleza de Torremaggiore, Foggia. Los di Sangro tienen lazos de parentesco y amistad con personas importantes como lo fue Carlomagno, muchos prelados de la Orden de San Benito, el papa Inocencio III y hasta con algún que otro miembro de los Caballeros Templarios. Nació el 30 de enero de 1710 y falleció en la ciudad de Nápoles el 22 de marzo de 1771 con 60 años. Sus abuelos paternos fueron Paolo IV de’ Sangro, VI Príncipe de Sansevero, Grande de España y Caballero del Toisón de Oro, y Gerolama Loffredo. Sus padres fueron: Antonio de’ Sangro y Cecilia Gaetani dell’Aquila d’Aragona, Duques de Torremaggiore.

Tras la renuncia de su padre hereda, a los 16 años el título de VII Príncipe de Sansevero. Experto en el arte militar, Raimondo de Sangro fue ascendido a Coronel del Regimiento Capitanata en 1744, distinguiéndose valerosamente en la batalla de Velletri contra los austríacos del General von Lobkowitz, liberando de paso la ciudad ocupada.

Raimondo, poseedor de una cultura muy superior a la media, se elevó por encima de sus iguales, esos grandes nobles napolitanos y sicilianos de rimbombantes e interminables títulos pero de escasa ilustración. En el Colegio romano le había enseñado Athanasius Kircher y también había estudiado a Giuseppe Francesco Borri, dos grandes alquimistas. En Nápoles fue asesor del Rey Carlos VII que le tenía gran aprecio formó parte de la Escuela Napolitana de la Alquimia, se convirtió en Gran Maestro Masón de la Logia de Nápoles, destacó en las actividades técnico-científicas de su ciudad como la impresión, la divulgación de textos masónicos y el desarrollo de numerosos inventos: fusiles de rápido disparo y una imprenta capaz de grabar varios colores a la vez. Entre otras maravillas, inventó un dispositivo hidráulico, una «llama eterna» utilizando compuestos químicos de su propia invención, y un carro anfibio con caballos de madera. Existe un libro, conservado actualmente en los «Archivos del Vaticano», que muestra algunos de los objetos «extraños» de invención Raimondo.

A fines de  1744, el príncipe de San Severo pone en marcha la restauración de la capilla familiar contigua a su palacio napolitano; construída en el siglo XVII (1613) por su antepasado el Arzobispo de Benevento (Cardenal Alessandro de’ Sangro), destinándola a ser la última morada de los miembros de la familia principesca, es considerada como su obra magna, y popularmente conocida entonces como la “Pietatella” o “Capilla Sansevero”. Los trabajos de la Capilla  muy onerosos,  le llevará a alquilar algunos espacios de su palacio napolitano para montar garitos de juego clandestinos con el fin de resarcirse de sus gastos.

Haciendo caso omiso de las murmuraciones y especulaciones reinantes, Raimondo continuó su camino recogiendo objetos artísticos y científicos, su «leyenda Negra» se acrecentará notablemente debido a las  dos «máquinas anatómicas» que se conservan en la cripta. Impertérrito… pasará noches enteras en su amado laboratorio. Tanto creció su «Negra» fama que terminó excomulgado y la Capilla desconsagrada y en la actualidad por demás visitada.

La colección que logró para la capilla familiar es sinceramente !!Fantástica!!! desde el punto de vista que se la mire… puso verdadero empeño para ello y se rodeó de gente que supo satisfacer con creces las exigencias por él requeridas.   El Príncipe, dejaba poco a la imaginación de los artistas, ya que, a través de dibujos y  directrices especificaba todos los pormenores de las obras, con el objetivo fundamental de que su mensaje no quedase desvirtuado.

Una de las más remarcables obras es el fresco que decora el techo, conocido como la «Gloria del Paraíso» o el «Paraíso de los Sangro», obra del poco conocido pintor Francesco Maria Russo, que lo terminó en 1749. La buena conservación de los colores no deja de sorprender en un fresco de más de dos siglos, y también se debe al talento del príncipe Raimondo, que ideó una pintura especialmente resistente a base de aceite y agua.

El fresco queda rematado entre las ventanas por seis medallones monocromos en tonos verdes que representan a los santos patronos de la casa: Bernardo da Pagliara -Berardo de Mársica-Felippa Mareri – Oderisio de Marsi – Randisio y Rosalía de Palermo.

Bajo ellos, a la altura de los arcos de las seis capillas más cercanas al altar, hay seis medallones de mámol, realizados por Francesco Queirolo, que representan a otros tantos cardenales miembros de la familia Sangro.

Cristo Velado

La obra cumbre que posee la Capilla, es el famoso Cristo de Giuseppe di San Martino en el salón principal  y atrae la atención de los visitantes. Este fue un artista napolitano  del barroco que combinaba en sus esculturas posturas con mucho sentimiento y rasgos faciales muy expresivos. Sus creaciones eran principalmente esculturas religiosas.

El Cristo Velado fue el primer encargo importante de Sanmartino. Para esta fabulosa escultura utilizó el modelo de terracota de Antonio Corradini.

El éxito de la estatua lo llevo a ser aclamado por comisiones en la corte de los Borbones y de importantes iglesias napolitanas . Además produjo monumentales figuras de grupos, esculturas decorativas , y retratos de monumentos funerarios .

El acabado magistral del velo ha dado origen a la leyenda de que el  príncipe  había enseñado a Giuseppe Sanmartino el método de calcificación que permite transformar la tela en mármol cristalino. Durante cerca de tres siglos, de hecho, numerosos visitantes de la capilla, impresionados por el magnífico velo esculpido, pensaban que este era el resultado de una petrificación alquímica efectuada por di Sangro, que la obra sería una estatua acostada bajo un verdadero velo que se habría transformado en mármol con el tiempo por un proceso alquímico.

Sin embargo, en la actualidad, no se tiene ningún tipo de dudas sobre el material del velo, que no es otro que el mármol. En cualquier caso, la leyenda del velo incide en el aura de misterio que caracteriza el lugar. La recepción del pago a Sanmartino el 16 de diciembre de 1752, firmada por el príncipe y conservada en el Archivo Histórico del Banco de Nápoles, estipula: «y pagaréis en mi nombre los cincuenta ducados citados anteriormente al Magnífico Giuseppe Sanmartino por la estatua de Nuestro Señor muerto, cubierto de un velo igualmente en mármol». Finalmente, el coste total de la escultura ascendió a la considerable suma de quinientos ducados. El mismo di Sangro, en ciertas cartas, describe el velo como fabricado a partir del mismo bloque que la estatua.

La escultura cuyas dimensiones son 50×80×180 cm, fue realizada en 1753, es considerada una de las obras maestras de la escultura mundial y ha tenido entre sus admiradores a Antonio Canova que, después de haber intentado comprarla, en vano, se declaró incapaz de realizar tamaña obra maestra.

Otra obra que despierta incredulidad

El Desengaño–

Igual que la obra anterior – el gran misterio es la red –Francesco Queirolo (Génova 1704 – Nápoles 1762) fue un excelente escultor italiano del siglo XVIII.

A partir de 1752 trabaja casi exclusivamente en la decoración de la capilla Sansevero de Nápoles realiza los medallones con miembros de la iglesia de la familia Sangro, las virtudes: Generosidad, Desengaño, Sinceridad, Educación.

Dos altares: Santa Rosalía y San Oderisio.

Su obra maestra: El Desengaño (Il Disinganno). Esta escultura muestra un pescador que se libera de una red con ayuda de un ángel y representa el abandono del pecado gracias al intelecto. La obra, esculpida en un solo bloque de mármol, era tan ambiciosa que se consideró imposible de realizar, y por ello, de entre todos los maestros del país, solo Queirolo se atrevió a ejecutarla… y la leyenda del marmol ficticio continua …

Otra espectacular

La Modestia

Obra dedicada a Cecilia Gaetani dell’ Aquila d’ Aragona,  madre de di Sangro,que falleció cuando su hijo estaba a punto de cumplir un año de vida. La figura femenina velada se ve como referencia a la diosa egipcia Isis,​ que desempeña un importante papel en la ciencia iniciática. En esta estatua, la placa rota representa la muerte prematura de la mujer, mientras que el incensario a los pies de la figura rememora los utilizados en las ceremonias masónicas. Según las distintas interpretaciones, la rama de roble que parece salir del pedestal sería una referencia al árbol de la ciencia o al de la vida La realiza Antonio Corradini como también realizó : El decoro  y los monumentos a los  III y VI Principe di Sangro.

Las Máquinas anatómicas

Son la atracción de la Capilla Museo se encuentran en la Cripta, hay que bajar una escalera de caracol que antiguamente llevaba al laboratorio de Raimondo di Sangro.

«La leyenda negra» de Raimondo di Sangro, príncipe de Sansevero, cuenta que hizo asesinar a sus dos siervos y los embalsamó para trabajar con ellos para estudiar vísceras, venas y arterias.

Pero en realidad… fueron construidas por Giuseppe Salerno, un anatomista de la ciudad de Palermo entre los años 1763 y 64,  encargadas por Raimondo di Sangro. Durante mucho tiempo se especuló sobre la procedencia y manufactura de los modelos, generando una leyenda en torno a la supuesta plastinación o embalsamamiento de dos cadáveres por alguna técnica innovadora desarrollada por el propio Raimondo, hecho alimentado por las reiteradas negaciones a examinar los modelos anatómicos por los conservadores del museo.
Es en el año 2007 cuando finalmente el Museo de Sansevero da su beneplácito para someter a examen los modelos, que se lleva a cabo en el Instituto Americano para la conservación de la historia y trabajos artísticos (The American Institute for Conservation of Historic & Artistic Worksque o AIC) y esponsorizado por el instituto Londinense UCL Institute of Archeology a cargo de los especialistas R.F. Peters y L. Dacome. En dicho estudio se dictaminó que ambos modelos son de manufactura humana, «fabricados artifialmente con una mezcla de ceras pigmentadas (mayormente cera de abeja), cable y fibras de seda, probablemente siguiendo técnicas comúnmente usadas por los anatomistas de la época». Los esqueletos sí serían de procedencia humana.

Este tipo de esculturas (mayormente realizadas en cera) eran comunes y encargadas a los anatomistas por instituciones académicas y universidades de medicina como modelos para enseñar anatomía a sus alumnos, y las presentadas en el Museo de Sansevero no es  más que una curiosidad aislada. Como ejemplos, el Museo de Historia Natural de La Specola alberga multitud de éstos modelos​ de complejidad similar a los de Sansevero y que en varias Universidades se exhiben esculturas de éste tipo.

Algunos contratiempos para el príncipe

Por la época de construcción de la capilla, se descubrían las ruinas romanas de Herculano 1738, Pompeya1748  que bajo el patronato real dieron auge a la arqueología, nació el neoclasicismo,se rescataron los antiguos valores morales y democráticos romanos. En 1759 su amigo el Rey de Nápoles– Carlos VII tuvo que hacerse cargo del trono de España como Carlos III  y se vio a merced de las represalias del Ministro de la Casa Real, el marqués Bernardo Tanucci, que veía en él ( injustamente ) a un enemigo del reino a causa de sus simpatías por el Rey de Prusia, Federico II. Debió soportar en muchísimas oportunidades la carcel.

Raimondo di Sangro, príncipe de Sansevero fue un excéntrico, filósofo, astrónomo, poeta, escritor, guerrero, inventor, mago, científico y alquimista. Un precursor de los tiempos, un científico, un investigador, un genio Total!.

Un personaje  «misterioso e inquietante» para la Italia del siglo XVIII.

 

 

 

 

El caso de «La sala de los Pavos Reales»

Dicho por Whistler a Frederick Richards Leyland, magnate de la industria naval inglesa y coleccionista de obras de arte:

«Ah! te he hecho famoso,  mi trabajo vivirá cuándo tú hayas sido olvidado. Y posiblemente con suerte, en épocas venideras, sólo serás recordado como el propietario de la Habitación del Pavo Real.»

Frederick Richards Leyland                         James Abbott McNeill Whistler

La disputa que se originó con esta obra fue grande, como todo aquello que pasara por James Abbott Mcneill Whistler nacido en Lowell- USA 1834 – Londres, 1903 Pintor y artista gráfico estadounidense. Notable dandy, hombre de ingenio y gran viajero.

 El «Caso»… fue la decoración

…de una habitación del  palacete localizado en el n° 49 de Prince’s Gate del barrio de Kensington en Londres, propiedad de Leyland, hoy conocida como la Sala de los «Pavos Reales» –The Peacock Room.  Con esta obra se consolidó el prestigio de Whistler, un artista cuyo sentido estético rebasaba los límites del marco de una pintura.
Whistler ideó la habitación como complemento para uno de sus cuadros: La princesa de la tierra de porcelana (The Princess from the Land of porcelain) en el lugar de honor, sobre el hogar.

Whistler había pintado este cuadro doce años antes, producto de su pasión por la porcelana azul y blanca de China.
Al igual que su madre, Whistler pensaba que la porcelana era “una de las formas superiores del arte” y junto al cuadro de «La Princesa» dio rienda suelta a su creatividad, al extremo de pintar un costoso tapiz de cuero dorado para crear un panel índigo sin interrupciones sobre las estanterías ahora pintadas de dorado. Al terminar la sala, esta, estaba completamente cubierta por sus diseños. Nada quedaba dede su pasada decoración!

Con excepción de las paredes de azul verdoso, todas las superficies brillaban con tonos de cobre y dorado; incluso los espacios semiocultos de la estantería mostraban una textura parecida a la de un tapiz para resaltar las superficies lisas de la porcelana. Whistler imaginó la Sala de los pavos reales como una pintura tridimensional a gran escala: una obra de arte !!!…a la que se entra por una puerta.

El efecto estético general: !!Maravilloso!!! similar al de una  bellísima caja laqueada japonesa. Con esta obra  y si todavía quedaban dudas, Whistler, afianzó su  merecido prestigio.

  Llamada:«Armonía en azul y oro»

Aunque sentía desdén por la naturaleza, admitía que esta era una fuente de inspiración para diseños, motivos y combinaciones de colores etc. Pero para pintar las aves se basó en obras de artes, no en la naturaleza. Las magníficas aves de tamaño natural que adornan la sala del piso al techo, evocan los grabados de aves y flores del artista japonés Hiroshige, maestro del paisaje japonés; el par de pavos reales dorados que adorna la pared opuesta a «La princesa» está copiado de los pájaros ornamentales que Whistler había visto en jarrones japoneses.

Es la obra maestra del arte mural decorativo interior de Whistler!!! Pintó la habitación con una paleta rica y unificada de brillante azul y verde con acristalamiento y pan de oro metálico.

En las paredes y contra ventanas se aprecia la ambigüedad entre fondo y figura, la disposición asimétrica de llenos y vanos, la combinación de elementos abstractos y figurativos, su distribución espacial algo novedoso que nada tenía que ver con la sensibilidad de la vieja Europa.

Trabajó en ella entre 1876-1877 – en la actualidad se considera  ejemplo del estilo Anglo-Japonesa  y  está considerado un pionero en el vanguardismo de las primeras décadas del siglo XX.

Whistler pudo al fin, plasmar su deseo de lograr una estética que abarcara todo!!!

…pero Leyland no pensaba igual …y no quiso pagar.

Panel de la lucha de los pavos reales

Detalle del panel de la lucha de los pavos reales, que representan al propio Whistler (izquierda) y a su mecenas Leyland (derecha)

Las monedas que con tanta ingratitud había descontado del pago de Whistler yacen desparramadas a sus pies

Whistler tituló el mural: «Arte y dinero», con la esperanza de que sirviera como admonición y moraleja: «las fortunas se gastan, pero la belleza perdura».

El pintor tuvo muchas discrepancias con su adinerado patrón y mecenas por el delicado tema del pago de la obra en su casa de Londres. A duras penas consiguió que lo dejase terminar la obra. Whistler aceptó que Leyland pagara la mitad de lo acordado con la condición de que lo dejara terminar la sala a su antojo y respondió pintando dos pavos reales, uno frente al otro, como si estuviera listo para una «pelea de gallos».

El orgulloso pavo real a la derecha representa a Leyland: tiene un aire ligeramente ridículo, plumaje encrespado y plumas plateadas en el cuello que aluden al gusto
del magnate por las camisas con volados. las monedas, desparramadas a sus pies. Whistler el ave de la izquierda: muestra una expresión de fastidio y una pluma plateada en la cabeza que representa el mechón de pelo blanco distintivo del artista.

Aunque  Leyland salió ganando en esa negociación, Whistler se aseguró de que la posteridad recordara a Leyland como un hombre rico que regateaba centavos por una obra inmortal.

Marcó tendencia sin duda

Las influencias japonesas  serían notables durante décadas, y afectaría a movimientos como el Art Nouveau y Art Déco, y otras corrientes  contemporáneas.

Detalles

Después de la muerte de Leyland, Charles Lang Freer, otro magnate, esta vez de Estados Unidos, fabricante de coches del ferrocarril en su país, compró la «Princesa de la tierra de la porcelana», y posteriormente en 1904 «La habitación del Pavo Real»  y la instaló en su mansión de Detroit -USA. Después de la muerte de Freer en 1919, la habitación, la pintura y sus cerámicas preciosas – todo  fue legada a la Institución Smithsonian en Washington –  La galería se abrió al público en 1923.

Hacia el final de su vida…

Mientras residía en París recibió: Premios, medallas y la»Legión de Honor». Whistler alcanzó una gran reputación como artista decorador, si bien ya tenía ganado el título  de excelente  grabador y pintor. Considerado por muchos un apóstol del esteticismo, simbolismo, decadentismo y  dandismo.
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En 1878, Whistler demanda ante la justicia por difamación al crítico John Ruskin por sus comentarios despectivos hacia su pintura Nocturno en negro y oro: el cohete cayendo (1874). Juicio que gana pero lo lleva a la bancarrota. Sus contemporáneos compararon su noche y sus sinfonías pictóricas con las variaciones sutiles de la música de Wagner. Es de 1875, óleo sobre lienzo, 60 x 46 cm. actualmente en Detroit Institute of Arts -USA.

 

Su famosa pintura Arreglo en gris y Negro (o La Madre de Whistler) fue medalla de Oro en París. Óleo sobre lienzo
144,3-162,5 cm. El cuadro, comprado por el Estado francés en 1891, es hoy una de las obras más famosas de un artista americano, conservada fuera de los Estados Unidos.

 

 

 

Su casa natal -Lowell Massachuset – USA, hoy convertida en el museo Whistler

Whistler desempeñó un papel central en el movimiento artístico moderno de Inglaterra. Su sagacidad, chispa, donaire, gracia para sortear los oscuros momentos que tuvo que afrontar han quedado como anécdotas valiosas  que brillan en la historia social y artística de la época victoriana que le tocó vivir.

Su Mariposa …era su firma

 

 

 

La «Venus Victrix»… de Cánova

Paolina  Bonaparte

María Paola Buonaparte, más conocida como Paolina Bonaparte (Ajaccio, 20 de octubre de 1780 – Roma, 9 de junio de 1825)

La irrepetible Paolina Bonaparte, ha pasado a la historia como Paolina Borghese. Famosa por su extraordinaria belleza, subió al Olimpo de los Dioses convertida en la legendaria «Venus Victrix» de Canova.

Paulina Bonaparte

Paulina y Napoleón Bonaparte

Era la hermana menor de Napoleón Bonaparte. La hermana favorita del emperador. Paolina Bonaparte, fue una de las primeras playgirls de la historia. ¡Una mujer al estilo de Madonna!  Una mujer actual, atrevida, que para muchas, bien pudo haber sido fue ejemplo de independencia. Al observar sus retratos del siglo XVIII y XIX  podemos notar su modernidad en sus gestos y con la misma mirada penetrante de su hermano.

Paolina fue una de las mujeres más bellas del mundo. Sobre ella abundan los rumores más diversos: sus atrevidos y múltiples affairs,  su fuerza de carácter, hasta el placer con que se rodeaba ya fuera con mansiones, palacios, joyas y su profundo amor a su madre y a sus hermanos, a quienes siempre ayudó. Paolina era una mujer petite, pálida, de enormes ojos azules y muy femenina. A través de sus cartas se pudo comprobar que un 90% de lo que se dijo sobre ella es falso. Paolina se enamoraba y tenía affairs, pero la fama de ninfomaníaca que le hicieron es una gran exageración!.

Cartas y documentos privados de Paulina sirvieron a Flora Fraser para conocer su vida. El libro Paoline Bonaparte: Venus of Empire, donde la autora llama a Paolina escandalosa y exagerada, pero sincera y enormemente leal a su hermano y a toda su familia, a quien se ha querido desprestigiar, pues no era tan superficial como se ha querido hacer ver. Paolina se aprovechó del poder de su hermano, pero cuando este lo perdió todo, se convirtió, como Napoleón decía, en su «ángel protector».

Se enamoró del general Carlos Víctor Leclerc, con quien se casó y tuvo a su hijo Dermide Luis, quien murió de fiebre a los 6 años de edad. Viajaron  a Haití con Leclerc y 40 mil soldados franceses, donde el general murió en 1802. Su biógrafa Fraser dijo que fue leal a Leclerc, a quien llegó a querer mucho.

Como decían que tenía muchos amantes, Napoleón la obligó a casarse en 1803 con el príncipe Camilo Borghese, uno de los hombres más ricos de Italia. De esa época data la famosa escultura Venus Victrix, de Antonio Cánova, que por entonces  era el escultor más famoso del mundo, a quien  le pidió posar desnuda. Esto impactó a la aristocracia romana que le dio la espalda a Paolina, aunque llevara el respetable apellido Borghese.  Cuentan que su propia suegra le preguntó si no le había molestado estar desnuda delante del escultor, a lo que Paolina le respondió con ironía: «No, el salón estaba calentito con el fuego de la chimenea»  aunque esto bien pudo haber sido deliberadamente inventado por ella, para despertar el escándalo. Canova capta esa ingenuidad,  picardía, o alegría alocada de vivir,  esa mirada entre altiva e indolente, a la vez tierna y amable.

Canova fue instruido inicialmente para retratar a Paolina Bonaparte enteramente vestida, como la diosa casta Diana, pero Paolina insistió en Venus. Ella puede haber disfrutado de la polémica de posar desnuda.

La sala en que la escultura está expuesta en la Galleria Borghese de Roma también tiene una pintura de techo retratando el «Juicio de Paris», pintado por Domenico de Angelis en 1779 e inspirado por un relieve famoso en la fachada de la Villa Medici. La base drapeada, de la escultura contenía un mecanismo para hacerla girar, como en otras obras de Canova, para que los espectadores pudieran observarla desde todos los ángulos sin moverse.

El Neoclásico

Hay que tener en cuenta el momento artístico en el que desarrolló el trabajo de Canova: el periodo neoclásico. El arte retomó, en oposición a lo inmediatamente anterior del periodo Barroco y Rococó, valores como la armonía, los ideales de belleza y sobre todo el equilibrio.

Por aquel entonces, todos los grandes artistas europeos, fueran pintores, escultores, literatos o arquitectos, se dirigían a Italia para conocer de primera mano el arte clásico y también las obras de los siglos del Renacimiento. También tuvieron lugar las primeras excavaciones arqueológicas en las dos ciudades de la civilización romana mejor conservadas: Herculano y Pompeya esto,  fue un gran acontecimiento en todos los niveles.

En esos descubrimientos salieron a la luz numerosos frescos como los de la Villa de los Misterios, esculturas e infinidad de objetos de tiempos de los romanos, que generaron una enorme pasión hacia la civilización romana y por extensión también hacia el arte de la Antigua Grecia. Una pasión, que no solo llegó a los artistas, sino también a los mecenas, que deseaban poseer originales de aquellos tiempos y obras de sus contemporáneos que evocaran aquellas culturas antiguas.

En ese contexto surgió  Antonio Canova, que supo trasladar con maestría todos esos valores a su arte,  fue un escultor muy cotizado que trabajó para los personajes más relevantes de su época, tanto para aristócratas,  Papas de Roma y el propio emperador francés Napoleón Bonaparte.

El artista utilizó un único bloque de mármol de Carrara.  Que la observación se hiciera frecuentemente con luz de velas se ha puesto como causa de que la superficie esté encerada, lo que añadía lustre al fino pulimento del mármol.

Paolina aparece representada como Venus, a la que Paris ha concedido la manzana de la victoria en el certamen con Juno y Minerva. Se encuentra negligentemente recostada en un rico diván, semicubierta por un ropaje desceñido, apoyada sobre la cadera y con el torso levantado gracias a varios almohadones. Conserva en la mano derecha el fruto, mientras que la izquierda (con una rica pulsera) sostiene la cabeza. El rostro muestra una atrayente sonrisa y una mirada lánguida que se pierde a lo lejos, soñadora, por encima de la de los espectadores que la observan. Estos quedan en un plano inferior aunque atrapados por el atractivo del personaje, que transmite al mismo tiempo una sensación de distanciamiento y de proximidad, lo que ha llevado a Fred Licht (historiador de arte y arqueólogo) a relacionarla con las autoescenificaciones características de las estrellas de cine.

Otras extravagancias de Paolina

Evidentemente Paolina no sentía inhibiciones respecto de su cuerpo. Hacia 1810 el maestro Jean-Baptiste-Claude Odiot (1763-1850) realizaría una “Coupe en forme de sein de Pauline Borghèse”. El tema de la copa en forma de seno no era nuevo. De hecho se remonta a la Grecia antigua y evoca la fecundidad de la madre tierra. Pero lo extravagante de esta pieza de Odiot es que se basó en el calco en vivo. En la autobiografía de Victoria Ocampo (1890-1979) se puede encontrar una divertida referencia a esta extravagancia.

La versión de Jean-Baptiste-Claude Odiot está hecha en bronce. La presencia de una mariposa posada en el borde evoca a Psyché y representa la volubilidad femenina. La conocida copa en porcelana pintada de la Manufactura de Sèvres realizada para Marie-Antoinette.

Y después  de la derrota de Napoleón

Fue la única hermana que visitó a Napoleón en su destierro en Elba.

Después se mudó a la Villa Paolina en Roma, bajo la protección del Papa Pío VII, igual lo hizo su madre, quien la sobrevivió. Su vida cambió, sin sirvientes haitianos que la bañaban y peinaban como a una reina. Paulina no tenía dinero en efectivo, le había donado a Napoleón los famosos diamantes Borghese para su campaña de Waterloo, que los ingleses encontraron en el equipaje del emperador.

El día que Paulina murió le pidió a un sirviente un espejo, se miró largo tiempo y dijo: «No tengo miedo de morir porque sigo siendo muy bella». Vestida con gran lujo, fue enterrada en la capilla borghesiana de Santa María la Mayor, de Roma, aunque ella había pedido que lo hicieran junto a su primer marido y su hijo en el Château de Montgobert, en Francia.

 

 

Jerjes…»Un rey enamorado»

El anónimo libretista de Jerjes,  la ópera en III actos, no presenta a un rey fracasado en su empresa de dominar Grecia, es más, con él comenzó la decadencia del imperio, sino que nos muestra a Jerjes, como un rey enamorado, que quiere cambiar a su prometida por la novia de su hermano. El argumento no es !lo más!, pero está revestido de una gran y espectacular música de nada más ni nada menos, que de Georg Fiedrich Händel nacido en Halle, Alemania, 1685 y  que muere en Londres en 1759.

Jerjes I  -El protagonista

En los planes iniciales de Jerjes I no estaba la campaña griega, porque todo su afán se concentraba en Egipto (VII, 5, 1). Ansioso por una satrapía en Grecia, Mardonio (VII, 6, 1) había convencido al Gran Rey de que Europa era una tierra muy fértil y rica en frutales (VII, 5, 3).

La acción transcurre en el 480 a.C. Heródoto, en su libro VII de las Historias cuenta que Jerjes I -rey de Persia es el protagonista de la invasión a Grecia durante la Segunda Guerra Médica.  Jerjes fue el sátrapa al que se enfrentó Leónidas con sus famosos 300 espartanos en las Termópilas.

El Rey marchó hacia occidente con un ejército de más de 100.000 hombres para guerrear con los griegos. El relato de Heródoto deja entrever acciones muy curiosas que realiza el rey.

En su camino Jerjes encuentra un Plátano (Platanus × hispanica- es un árbol de imponente porte que alcanza los 55 m de alto, perteneciente a la familia de las platanáceas ) cuya belleza y dimensiones le conmueven, hasta el punto de detener la marcha de todo el ejercito y acampar. Al día siguiente, le rinde honores como si de un tótem se tratara, rodeando su tronco con una cadena de oro y  a la guardia le encarga su custodia. Según Heródoto, esta parada del ejército persa dio tiempo a los griegos a reforzar sus defensas.

Esto era una extravagancia …una locura total a los ojos de un griego como Heródoto: iniciar una campaña animado por la emoción de encontrar un «Edén» como el de su palacio. Así, el episodio del culto al «Plátano» fue visto como fatuo… !rendir culto a un árbol!  el Rey ha demostrado nada más que vanidad… emoción y debilidad… cosa difícil de entender para esas épocas.

El muy dichoso  árbol de anchas hojas (platys, en griego  “ancho”), porte elegante y con una curiosa textura moteada en el tronco, ha servido de inspiración a una de las más populares piezas  de su genial autor: Händel.

«Ombra mai fu» (nunca hubo sombra…) es el aria de apertura y probablemente el fragmento más sensiblemente bello de la ópera, aunque  en realidad no se sabe quien pudo ser el autor del libreto,  probablemente se basó en el que Silvio Stampiglia escribiera para una ópera homónima del compositor Giovanni Bonocini en 1694 – este compositor y violonchelista barroco italiano del siglo XVII, tremendamente popular en su época aunque hoy totalmente eclipsado por tantos otros grandes como lo fue por el propio Händel.  A su vez, estaba basado en el que escribiera Nicolo Minato para el compositor Francesco Cavalli en 1654. El estreno tuvo lugar el 15 de abril de 1738 en el King’s Theater, Haymarket, de Londres.

George Friedrich Haendel desde 1710 hasta 1740 escribió más 40 óperas. Se instaló definitivamente en Londres el año 1712 cuando tenía  27 años. Después del rotundo fracaso en 1737 como formador de compañías operísticas, tuvo ánimo para componer un par de óperas de corte italiano, la más famosa de ellas: «Jerjes» cuyo protagonista es el rey  Jerjes I de Persia.

A pesar de la belleza de su música, Jerjes no fue exitosa. Fue retirada del Haymarket Theater de Londres, luego de apenas cinco representaciones!!! La obra confundió al público y a la crítica, de manera diversa. Algunos la consideraron ópera bufa, otros una comedia farsesca e incluso un colega añadió que parecía el producto de una «mente enferma». Fue olvidada  completamente por casi doscientos cincuenta años y repuesta recién  en los años 80´ del s. XX  y poco a poco se ha convertido en parte del repertorio tradicional, pero a decir verdad… escasamente representada.

Para muchos entendidos, es la más «mozartiana» de las óperas de Händel. La pasión está mezclada con la farsa y la sátira esta expuesta…pero no ridiculizada.

«Ombra mai fù», la «Música Acuática» y el «Allelluia» del oratorio «El Mesías»  quizás son las «piezas» más conocidas de Handel en la actualidad.

«Ombra mai fu»

El aria pertenece a la primera escena del Acto I donde el rey JerJes I le canta embelesado a la sombra de un árbol, está escrita originalmente para «soprano castrato» tan de moda por esos años, hoy es cantada por un contratenor. También hubo un tiempo que a la obra la hacía una contralto o mezzosoprano. La interpretó el famoso  Caruso y cantantes  de toda tesitura y color, incluso existen  innumerables versiones para todo tipo de instrumentos.

Su letra es absolutamente simple. Sencillo también su virtuoso intérprete: Philippe Jaroussky que ciertamente nos deleita con su magnifica versión…

Ombra mai fu
Di vegetabile
Cara ed amabile
Soave più

Ombra mai fu
Di vegetabile
Cara ed amabile
Soave più
Soave più

 

 

«El Contratenor»

Philippe Jaroussky – Contratenor francés uno de los más exitosos de los últimos tiempos ha demostrado que sus agudos son un auténtico lujo.  Clarísimo, límpido y con una increíble voz que se destaca no más que oir las primeras notas de esta pequeña y gran aria.

Empezó siendo barítono y poco a poco fue sintiéndose atraído por un registro heredero de los extinguidos castrati: el de contratenor.

Aquí el resultado del estudio y la tenacidad que puso este intérprete. Modesto, sencillo y constante  logra la más aguda de las voces masculinas, un sonido flexible, potente y místico. Poco usual,  que aún hoy asombra, cuando Jaroussky, comenzó a presentarse en las salas de conciertos,  impactó al mundo de la lírica con su rostro de niño y voz femenina.

Jaroussky es un contratenor mezzosoprano, aunque inició su carrera como soprano en el oratorio Sedecia, re di Gerusalemme de Alessandro Scarlatti.

Es considerado por muchos como un cantante de falsete. Jaroussky afirma no usar el falsete, sino la voz de cabeza del mismo modo en que lo hacen las voces femeninas, tratando de conservar el sonido natural de su voz. Ėl se refiere a sí mismo simplemente como un mezzosoprano.

Junto a la mezzosoprano italiana (fantástica ella!) Cecilia Bartoli, han vuelto a dar protagonismo al repertorio barroco para elevarlo a su más alto grado. Ha colaborado con los mejores conjuntos actuales, como Les Arts Florissants y Les Musiciens du Louvre-Grenoble, y en importantes salas como el Concertgebouw de Ámsterdam. Agota entradas en los mejores teatros y es uno de los músicos  que más discos venden.