«La incredulidad de Tomás» de Caravaggio c. 1601–1602- óleo de 107 X 146 cm está en Alemania, en Potsdam, en el Palacio de Sanssouci.
Caravaggio es una de las figuras más importantes del Barroco temprano.
La obra, es hoy la representación más famosa pese a la inusual colocación de Tomás a la derecha del espectador…siempre vemos la figura más importante en ese lugar…
Un grupo de artistas católicos de Utrecht, conocido como «Los caravaggistas de Utrecht», viajaron a Roma a principios del siglo XVII, y fueron profundamente influenciados por la obra de Caravaggio, como describe el artista y crítico de arte italiamo Bellori.
Luego, durante la década de 1620 renació en pintores como: Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both y Dirck van Baburen.
En la siguiente generación, el caravaggismo influyó en varios pintores, como Peter Paul Rubens quien realizó una copia de El entierro de Cristo, Rembrandt Harmenszoon van Rijn y Diego Velázquez, quien durante su estancia en Italia tuvo la oportunidad de conocer y estudiar sobre el arte de Caravaggio.
Dos grandes
Rembrandt – pintado en 1634. La figura iluminada de Cristo, de quien la luz es la irradiación de toda la escena. Este cuadro (53 x 51 cm) se encuentra actualmente en el Museo Pushkin de Moscú.
Rubens-«Retablo de Rockox», es un tríptico pintado entre 1613 y 1615. Conservado actualmente en el Museo Real para Bellas artes en Amberes.
Pintado para los Giustiniani.
Caravaggio creó un lenguaje en pintura: «Tenebrismo» lo llamaron los historiadores, aumentando el claro oscuro con un fuerte contraste entre luces y sombras. Se trata de un estilo del Barroco muy emocional y lejos de la idealización las figuras, sus escenografías y personajes son realistas, incluso naturalistas.
La Incredulidad de Tomás, nos permite ver el tremendo pathos y los estadios psicológicos como antes no se habían visto, además del dominio celestial de la luz que anuncia y antecede a Rembrandt, Velázquez o Rubens.
En los primeros años del siglo XVII, Caravaggio fue celebrado por muchos contemporáneos por su «divino arte de la pintura». El poeta Gaspare Murtola, alabó el efecto de sus figuras, afirmaba «apenas distinguible de los seres vivos».
El artista, tenía el don de llevar cualquier pintura a una representación realista. Fue capaz de controlar el enfoque del espectador, dirigiendo la atención hacia dónde quería que el espectador se fijara.
Caravaggio le imprimió su violento uso del claroscuro y de intensos contrastes entre luces y sombras, adaptó la técnica renacentista tardía para lograr algo nuevo.
El cuadro
Muestra a Cristo resucitado ante sus discípulos de miradas estupefactas. Tomás se niega a creer la resurrección del Señor…«Si no veo en sus manos la señal de los clavos y si no meto mi dedo en los agujeros de los clavos y no meto mi mano en su costado, no creeré”. Una semana después, Jesús le ofrece que toque sus heridas. El naturalismo típico de Caravaggio se hace presente aquí, al mostrar al santo como un incrédulo.
La figura de Michelangelo Merisi da Caravaggio -pintor italiano, activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre 1593 y 1610 es por demás fascinante…
De vida agitada y novelesca, incomprendido por contemporáneos, en constantes huidas… es decir, los ingredientes necesarios para ganarse el nombre de «artista maldito» tal vez el primero de esta extraña estirpe y sin duda uno de los más conspicuos.
Las obras de Merisi… !!Sublimes !!! y llenas de tragedia, con una técnica precisa y elevada, como tocadas por un halo de excelencia, de maestría. Son obras que eliminan la pincelada y nos sumergen en un naturalismo tenebrista. Como supieron ver esos comitentes que pujaban por hacerse con uno de sus lienzos y que aún hoy todavía quitan la respiración.
Tomás que pone su dedo sobre la herida de Cristo, el artista hace que justamente en este punto caiga un reflejo de luz para darle aún más énfasis.
Otro particular… uniendo las cabezas de los protagonistas se puede notar que forman una cruz, esta no es coincidencia, es para darle un toque sacro a la obra.
La composición está inscrita en un óvalo lo que da sensación de grandeza,está dividida en dos partes, la de la izquierda muy luminosa y la de la derecha más oscura, resaltando así la figura de Cristo.
Detrás de Jesús y de Tomás hay otras dos figuras… no específicamente identificados, representan al espectador…
Representación realista
La pintura de Caravaggio es conocida precisamente por su «realismo» tanto de los personajes, como de los eventos que representa. Fue uno de los primeros pintores en encontrar belleza, no siempre en las cosas bellas.
En el caso de La incredulidad de Santo Tomás, se traduce en una imagen vívida y poderosa del apóstol dudando de la Resurrección de Jesús al colocar su dedo en la herida de su costado. El «realismo» ayuda a los espectadores a conectarse emocionalmente con la escena y comprender mejor la historia detrás de ella…
El espectador casi puede escuchar las palabras de Tomás “¡Señor mío y Dios mío!” Jn 20:28.
Todo un maestro
«Caravaggio inventó un nuevo modo cinematográfico«, escribió Pasolini en 1974, en un texto titulado «La luz de Caravaggio«.
Caravaggio pintó a sus semejantes y esta novedad fue escandalosa por su falta de decoro. Los protagonistas eran: las pobres gentes y sus historias callejeras… Además, explicó Pasolini, creador de una nueva luz, con la que “sustituyó la iluminación universal del Renacimiento platónico por una luz cotidiana y dramática”.
Álvaro Enrigue el escritor de Muerte súbita 2013 “Caravaggio fue a la pintura lo que Galilei a la física: alguien que abrió los ojos y dijo lo que estaba viendo; alguien que descubrió que las formas en el espacio no son alegorías de nada más que sí mismas y eso es suficiente; alguien que entendió que el verdadero misterio de las fuerzas que controlan nuestra manera de habitar el mundo no estriba en que sean elevadas sino elementales”.
Un estilo diferente…una herramienta eclesiástica de coerción y persuasión para acercar a los fieles a situaciones menos idealizadas y más próximas a lo anecdótico y cotidiano.
La técnica de Caravaggio
Conocida como técnica veneciana. Una evolución de las técnicas de pintura clásicas anteriores basada en el método del Renacimiento tardío.
Sin bocetos preparatorios, Caravaggio combinó la observación cercana con el uso de fuertes rayos de luz contrastando luces y sombras.
La técnica veneciana
Una técnica de óleo en la que por lo general se empleaban lienzos blandos de lino. Sobre estos se aplicaba una imprimatura conocida como imprimatura de aceite.
La primera capa de pintura que aplicaba Caravaggio solía ser una capa monocromática hecha a mano en valores de sombra y negros. La «base» del cuerpo de pintura del color local se mezclará en ella.
El color era aplicado a manera de veladuras translucidas sobre los impastos blancos.
Estas veladuras se aplicaban con diversas barnicetas de aceites espesados mezcladas con temple. Solian emplearse varias capas de pigmento para dar brillantes a un color.
Por último, se aplicaba el vidriado, usando finos velos transparentes de color y aceites con resina.
Entre los pigmentos que utilizó encontramos: rojo cinabrio, tierras, sienas, ocres y óxidos, exclusivamente.
Un artista excepcional por su talento y estilo, con este solo cuadro, entre los tantos prodigios que creó, Caravaggio tiene más que suficiente para ganarse la inmortalidad dentro de la Historia del Arte.
Su importancia revolucionaria en la Historia de la Pintura se debe a la búsqueda de un realismo sin igual rechazando la idealización. Uno de los primeros pintores en buscar la belleza no sólo en las cosas bellas.
Métodos de trabajo
Fueron igualmente atípicos. Su obra antecede varios siglos al movimiento realista del siglo XIX e incluso a ciertos aspectos del hiperrealismo. Pese a esta distancia temporal, aborda la realidad desde una perspectiva muy similar a la del realismo de Courbet, retratando no sólo lo bello de la vida, sino también sus matices dolorosos.
Utiliza como modelos a campesinos, personas rústicas para representar figuras santas, curioso al principio, pero resulta pertinente para un período marcado por los fuertes contrastes como lo es el Barroco.
La mirada Tomás nos lleva a ese momento asombroso. Sus ojos se abren de par en par y su ceño fruncido por la sorpresa.
Otra mano guía la mano del que duda: Jesús, que dice a Tomás: “Extiende tu mano y métela en mi costado” Jn. 20:27. El artista hace visible el mandato del Señor y su deseo de ser conocido plenamente…nos recuerda que es la gracia del Señor la que abre nuestra relación con él.
El tema
Se usó en diferentes contextos en el arte medieval incluyendo los iconos bizantinos.
Donde había espacio, se mostraban a todos los apóstoles, a veces se representaba a Tomás arrodillado mientras Jesús le bendice.
El mosaico de Ravenna, también aparece en la cruz irlandesa de Muiredach, y es el tema de un gran relieve esculpido en el claustro de la abadía románica de Santo Domingo de Silos.
En la Baja Edad Media y Renacimiento se separó a Jesús de Tomás y los discípulos, representándolo solo, con la túnica abierta por un lado para mostrar la herida del costado y las otras cuatro llagas lo que llamaron «ostentatio vulnerum» y en ocasiones colocando sus propios dedos en la herida.
El tema conoció su resurgimiento con el arte de la Contrarreforma como afirmación de la doctrina católica y la creencia protestante en la doctrina solo por la Fe. En la interpretación católica, aunque Jesús alaba a aquellos que tienen fe sin pruebas, no pone reparos en mostrar a Tomás sus heridas y permite tocarlas.
La incredulidad de Santo Tomás es una obra maestra que representa la habilidad única de Caravaggio para crear imágenes que impresionan y conmueven al espectador.
Ana Maria Brandolini 