Una figura increible…

Bourgeois-

«Maman» de Bilbao -España, en el Museo Guggenheim instalada en la parte posterior del edificio, bajo el Puente de La Salve desde el 2001.

«Maman» es el nombre que recibe esta impresionante  escultura. Su autora, Louise Bourgeois, la realiza en 1999.

Llamó a su obra «Maman» en homenaje a su madre, capaz de tejer pacientemente la tela de los afectos y quedar atrapada en ellos.​ Con esta obra fue reconocida internacionalmente, después de muchos años, por su capacidad para reflexionar plásticamente sobre temas dolorosamente profundos que atañen a la naturaleza humana.

“Vengo de una familia de reparadores”, dijo en una ocasion. “La araña es una reparadora. Si rompes su telaraña, no se altera. Teje y la repara”.

Louise Joséphine Bourgeois (1911-2010) es su autora y fundadora del movimiento del «arte confesional».

 Bronce y acero

Louise

Existen 7 arañas y 6 réplicas que están en exposiciones permanentes: Reino Unido, en el Museo Tate Modern de Londres y es de acero inoxidable,la única. Las de  Canadá, Japón, USA, Corea del Sur y  Bilbao  todas  ellas de bronce. La obra mide unos 10 metros de alto y 11 de ancho aproximadamente, y un peso de 22 toneladas.  La escultura tiene 26 huevos de mármol en su abdomen. Las 8 patas están diseñadas minuciosamente en un equilibrio perfecto.

Su obra ha sido exhibida en numerosos museos del mundo.

Cuando preguntaban a Louise el significado de su obra está respondía: “Es una Oda a mi madre…ella era mi mejor amiga. Ella fue paciente, inteligente, creativa, suave, ordenada y útil como una araña. Ella ha sido mi musa».

Empezó a estudiar arte después que su madre falleciera. Durante la década de «los cuarenta», realizó dibujos con la temática de la araña, los recuperaría cincuenta años después. En el aspecto amenazante del arácnido de dimensiones monstruosas se esconde la araña como «protección», como «benefactora» pues se alimenta de insectos trasmisores de enfermedades.

 Louise, alude a su madre: paciente, limpia, trabajadora e indispensable. Era tejedora restauradora de tapices… una madre que teje, en palabras de la artista, «el hilo de la vida, el hilo de araña que la madre corta».

“Mis obras son una reconstrucción del pasado. Pero al mismo tiempo están creadas con el fin de olvidar el pasado, para derrotarlo, para revivirlo en la memoria y posibilitar su olvido”

Sus conflictos en la vida real la motivaron para crear una forma única de arte.

A Louise Joséphine Bourgeois – La prensa la ha llamado «la mujer araña» … creadora  de esculturas monumentales.  Fue un ser increíble, de esos que se encuentran pocos sobre la tierra. Era pequeña, simpática, siempre sonriente y rodeada de jóvenes, trabajadora incansable en un ambiente que para nada era fácil, con una fuerza y entereza poco común y dura si las hay como crítica de arte.  Fue una artista influyente en el arte moderno y contemporáneo y públicamente reconocida como la fundadora del movimiento del arte confesional.

Mientras estudiaba realizaba diseños para colaborar con la familia ( eran tejedores-restauradores de tapices )También a cuidar de su madre enferma, quien sufre varias recaídas y fallece en 1932. Ese mismo año, Louise se gradúa en La Sorbona con honores en Matemáticas. La muerte de su madre hace que caiga en una fuerte depresión, decide salir a través del arte.

Estudió en varias escuelas prestigiosas, como la Academie de la Grande Chaumiere, Escuela de Louvre y la Escuela de Bellas Artes, compañera de trabajo  y amiga de Constantin Brâncuși. En 1938 estudia con Fernand Léger y ese mismo año se desvincula del negocio familiar y abre su propia galería de arte dedicada a exponer obras de Delacroix, Matisse, Redon o Bonnard.
Ese año contrae matrimonio con el historiador de arte primitivo Robert Goldwater, fue el primer director del Museo de Arte Primitivo-Nueva York, desde 1957 hasta su muerte. En Nueva York se radican con sus tres hijos y Louise se enfocó en la escultura.

En 1945, realizó su primera muestra individual; dos años más tarde exhibió 17 pinturas en la Galería Norlyst, Nueva York y en 1949, realizó su primera muestra escultórica en la Peridot Gallery de Nueva York.

Tras la  muerte de su padre en 1951, la artista entra en otra profunda depresión y empieza a desarrollar instalaciones envolventes relacionadas con sus recuerdos, experiencias y traumas. Empieza a asistir a sesiones de psicoanálisis, entrando a la vez en un periodo de reclusión.

Por 1958 aproximadamente el matrimonio se mudó a una casa con terraza en la calle 22 Oeste en Chelsea (Manhattan), donde vivió y trabajó a lo largo de su vida utilizando todo tipo de materiales y muy consciente del sentido de la perfección…

Durante sus primeras épocas sus creaciones artísticas a menudo exudaban los temas de la soledad, ansiedad y traición. Utilizaba trozos de chatarra y madera flotante, la cual tallaba para formar esculturas de madera vertical. Cubría las impurezas de la madera con pintura y luego utilizaba clavos para crear orificios y arañazos en la pieza para articular una cierta emoción.

En 1964 sale de su aislamiento para organizar una exposición en solitario, y por primera vez incluye el concepto de “guarida” (más adelante, Cells – Celdas).

No consideraba su arte feminista… pero siempre era su tema central …

Ella se refería a «su arte» como una serie o secuencia de días y circunstancias relacionadas entre sí, describiendo su trabajo temprano como «el miedo a caer» que posteriormente se transformaría en el «arte de caer» hacia la  evolución final «el arte de perdurar».

Conocidos varios…

Conoció a Miró en París en 1938, pero comenzaron su amistad por 1947 en Nueva York. Aunque él apreciaba su pintura, que consideraba «Naif», no estimaba para nada su escultura y así como Miró prácticamente la ignoraron TODOS!!!.

En 1954, Louise se unió al American Abstract Artists Group  lo formaban: Barnett Newman y Ad Reinhardt. Durante esa época se hizo amiga de los artistas: Willem de Kooning, Mark Rothko y Jackson Pollock. Su membresía en el grupo fue el catalizador para ella hacer la transición de estructuras de madera verticales al mármol, bronce y yeso.

Louise inspiró a múltiples estudiantes a un arte basado en la naturaleza femenina. Por 1970  era anfitriona de las reuniones llamadas “Sunday, bloody Sundays” en su casa en Chelsea. Donde jóvenes artistas y estudiantes recibían críticas de su parte, muchos la consideraron «vieja y loca». Rodeada de activistas, formó parte de The Fight Censorship Group, un grupo feminista fundado por Anita Steckel, el grupo defendió el uso de imágenes sexuales en el arte.

Escribió varios libros y obtuvo varios puestos instructivos  en varias instituciones de educación superior como Cooper Union y el New York Studio of Drawing, Painting and Sculpture. También enseñó por muchos años en el sistema escolar público de Great Neck, Long Island.

Después que su esposo fallece el 26 de marzo de 1973- La artista se dedicó  a crear obras de creciente poder transgresor, fuertemente influenciada por el feminismo y con nuevos materiales. Desde 1980 contó con la colaboración del comisario artístico Jerry Gorovoy, que actuó como su mánager.

Al fin, con 71 años…

Consiguió el reconocimiento internacional al celebrar su primera retrospectiva, en 1982  en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), (primera vez que se hacía una retrospectiva a una mujer artista!!!). Hasta entonces había sido una figura periférica en el arte, cuyo trabajo era quizás admirado por pocos, pero lejos de ser aclamado por todos.

En la entrevista con Artforum- revista internacional especializada en Arte contemporáneo- para la apertura de la muestra retrospectiva, ella reveló, que las imágenes de sus esculturas eran puramente autobiográficas. Louise compartió con el mundo, que revivía obsesivamente y a través del arte, su trauma infantil de descubrir que su niñera era también amante de su padre.

Un gran cambio en su vida.

Otra retrospectiva en Kassel -Alemania 1989.​elGran Prix de Escultura del Ministerio de Cultura francés -1991 y en 1991 el «Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award, International Sculpture Center, Hamilton, NJ, USA. y la Medalla Nacional de las Artes que se vuelve a repetir en 1997.

Representó a EE UU en la Bienal de Venecia de 1993.

1997 el «Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award, International Sculpture Center, Hamilton, NJ, USA. y la Medalla Nacional de las Artes.

León de Oro de la Bienal de Venecia y Premio de la Asociación Japonesa de Arte (1999)

Sus últimas obras, realizadas en su taller de Nueva York, exploraron las posibilidades más sorprendentes del montaje monumental, como en Spider (1992) y Maman 1999.

En el 2000 su trabajo fue seleccionado para ser expuestos en la apertura del Tate Modern en Londres.​ En 2001, expuso en el Guggenheim Hermitage Museum.

En el 2003 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén. En 1997 el «Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award, International Sculpture Center, Hamilton, NJ, USA. y la Medalla Nacional de las Artes.
En 2008 le fue entregada la condecoración de la Legión de Honor del gobierno francés y el Premio Aragón-Goya también del 2008.

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Para Louise, las arañas no causan pánico,  sorprendentemente, simbolizaba el amor, la dedicación y paciencia de su propia madre. Para ella, la araña representaba “la inteligencia, la productividad y la protección”.

Decía:

“Algunos estamos tan obsesionados por el pasado que morimos sepultados por él. Ésta es la actitud del poeta que nunca encuentra el paraíso perdido y también es la del artista, que trabaja por motivos que nadie es capaz de comprender. Puede que lo que ambos intenten sea reconstruir un elemento del pasado para así exorcizarlo, razón por la que el pasado tiene, para muchas personas, un enorme poder y belleza. Todo lo que yo he hecho se ha inspirado en mi vida anterior (…) Cada día haz de olvidar tu pasado o aceptarlo. Si no lo puedes aceptar, te conviertes en escultor.”

Louise falleció en Nueva York a los 98 años de edad.

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